Giuseppe Verdi (1813–1901) Nabucco 정보 Giuseppe Verdi: Nabucco (Nabucodonosor) 개요 곡명: Nabucco (초연명 Nabucodonosor) 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 대본: Temistocle Solera, 이탈리아어 작곡 시기: 1841년 초연: 1842년 3월 9일, Teatro alla Scala, Milan, Eugenio Cavallini 지휘 장르: Dramma lirico in quattro parti, 통상 4막으로 공연되는 오페라 작품 범위: 네 부분으로 이루어진 전곡 소요 시간: 판본과 공연 조건에 따라 약 2시간 10분–2시간 30분 주요 배역: Nabucco(바리톤), Abigaille(소프라노), Zaccaria(베이스), Fenena(메조소프라노), Ismaele(테너), Anna(소프라노), Abdallo(테너), Baal 대사제(베이스), 합창, 무대 위 banda IMSLP: Nabucco Wikipedia: Nabucco Giuseppe Verdi의 Nabucco는 Temistocle Solera의 이탈리아어 대본에 붙인 4부 드라마 리리코 오페라 전곡이다. 네 부분은 Gerusalemme, L'empio, La profezia, L'idolo infranto라는 표제로 이어지며, 통상 4막으로 공연된다. 예루살렘을 점령한 바빌론 왕 Nabucco, 그의 딸 Fenena와 왕위를 노리는 Abigaille, 히브리 대사제 Zaccaria와 연인 Ismaele의 갈등을 통해 권력·신앙·포로 공동체의 운명을 다룬다. 제1·2부는 점령과 권력 탈취를, 제3·4부는 포로들의 탄식과 Nabucco의 회복 및 해방을 중심에 둔다. 대본과 작곡 배경 Solera의 대본은 열왕기·예레미야·애가·다니엘에 전하는 바빌론 포로기의 이미지와 문구를 사용하면서, 프랑스 희곡과 밀라노 발레에서 이어진 극적 구성을 함께 지닌다. Library of Congress가 기록한 1842년 성악보는 Antonio Cortesi의 Nabuccodonosor 발레와 Anicet-Bourgeois·Francis Cornu의 Nabuchodonosor 희곡을 대본에 앞선 자료로 언급한다. 따라서 오페라의 고대 배경은 성서 원전만을 옮긴 결과가 아니라, 19세기 초연 무대를 위해 재구성된 4부 드라마의 형태로 제시된다. 작품의 원제는 왕의 이름을 전면에 내세운 Nabucodonosor였고, Nabucco는 이후 통용된 짧은 제목이다. Verdi는 1841년에 이 대본을 작곡했다. 1840년 Un giorno di regno의 실패 뒤 작곡을 그만두려 했다는 이야기는 후대의 회고와 전승에 속하며, Teatro alla Scala의 Riccardo Chailly 인터뷰는 Merelli의 압박 속에서 이 작품을 맡게 된 경위를 그런 맥락으로 설명한다. 출판 정보와 자료 1842년 초연 직후에는 여러 종류의 자료가 유통되었다. Gaspare Truffi가 밀라노에서 낸 대본은 Nabucodonosor; dramma lirico in quattro parti di Temistocle Solera라는 표제를 사용했고, 같은 해 Giovanni Ricordi의 재인쇄와 Paris Schonenberger의 성악보도 남아 있다. Library of Congress의 Schonenberger 자료는 이탈리아어 가사와 피아노 반주를 갖춘 1842년경 성악보로, 당시 작품이 극장 밖에서도 빠르게 유통되었음을 보여 준다. Casa Ricordi의 Roger Parker 편집 비평판은 1987년에 총보 두 권으로 발행되었다. Verdi가 완성 뒤 큰 구조 개정을 하지 않았다는 설명과 함께, 1842년 베네치아 공연을 위해 쓴 Fenena의 새 로만차를 La Scala 초연본과 별도의 추가곡으로 다룬다. 비평판은 19세기 후대 공연본에서 길어지거나 새로 덧붙은 슬러와 연주 지시를 자필 총보와 비교해, 음 자체를 바꾸기보다 아티큘레이션·다이내믹·프레이징의 출처를 구분하게 한다. Solera의 작업 대본은 보존되지 않았고, 초연 직전의 문구와 번호는 성악보·대본·자필 총보에 나뉘어 남아 있다. 초연과 작품사 세계 초연은 1842년 3월 9일 Teatro alla Scala에서 열렸고 Eugenio Cavallini가 지휘했다. Nabucco는 Giorgio Ronconi, Abigaille은 Giuseppina Strepponi, Zaccaria는 Prosper Dérivis, Fenena는 Giovannina Bellinzaghi, Ismaele은 Corrado Miraglia가 맡았다. Anna와 Abdallo, Baal 대사제도 별도 성부로 배치되어, 주요 왕실 인물과 히브리 공동체를 여러 독창자와 합창이 나누어 담당했다. La Scala 공식 연혁은 이 공연을 Verdi 경력의 첫 결정적 승리로 기록한다. 작품은 오페라 세리아의 종교적·정치적 갈등을 대규모 합창과 강한 성악 선율로 제시하며, 밀라노 관객의 애국적 감정과 극장의 명성을 함께 자극했다. 후대 이탈리아에서 Va, pensiero가 Risorgimento의 민족적 상징으로 형성된 과정은 극중 장면과 별개의 수용사다. 초연 앙코르로 어떤 곡이 연주되었는지는 자료가 엇갈려 확정되지 않는다. 1842년 베네치아 공연을 위해 Fenena의 새 로만차가 추가되었고, 이후 Nabucco는 이 곡과 초연본의 관계를 판본별로 달리 다루게 되었다. 초연 당시의 4부 표기와 현대 악보의 4막 표기는 서로 다른 작품을 뜻하지 않으며, 같은 드라마 단위를 출판·극장 관행에 따라 세는 방식의 차이다. 소요 시간 전곡은 판본과 공연 조건에 따라 약 2시간 10분에서 2시간 30분 정도로 안내된다. 네 부분을 모두 연주하는지, 레치타티보와 반복을 얼마나 포함하는지, 인터벌을 몇 차례 두는지, 무대 위 banda를 어떻게 배치하는지에 따라 실제 시간이 달라진다. 서곡이나 Va, pensiero만 연주하는 발췌는 전곡과 별도의 공연 범위로 취급된다. 편성 성악과 무대 자원: Nabucco(바리톤), Abigaille(소프라노), Zaccaria(베이스), Fenena(메조소프라노), Ismaele(테너), Anna(소프라노), Abdallo(테너), Baal 대사제(베이스), 혼성 합창, 무대 위 banda 목관: 플루트 2(제2 플루트는 피콜로 겸용), 오보에 2(제2 오보에는 잉글리시 호른 겸용), 클라리넷 2, 바순 2 금관: 호른 4, 트럼펫 2, 테너 트롬본 2와 베이스 트롬본 1, 침바소 타악·건반: 팀파니, 큰북, 심벌즈, 작은북, 트라이앵글, 하프 2 현악: 현악 5부 침바소는 이 작품의 저음 금관으로 별도 기재된다. 현대 공연의 저음 금관은 판본과 시대별 관행에 따라 침바소를 그대로 쓰거나 다른 저음 금관으로 대체할 수 있다. 무대 위 banda는 본관 오케스트라와 분리된 장소에서 군사·궁정 행렬을 연주한다. Riccardo Chailly의 La Scala 해설은 이 음악이 제1부, 제3부의 시작과 끝, 제4부 도입에서 되돌아오며 작품의 공적 공간을 잇는다고 설명한다. Zaccaria의 기도에는 여섯 대의 독주 첼로가 등장하는 장면이 있다. 여섯 대의 독주 첼로는 해당 기도 장면에서만 현악군을 나누는 일시적인 음색 배치다. 큰북·심벌즈·작은북·트라이앵글은 전쟁과 제의, 행렬의 장면을 구별하고, 하프 2는 성악과 합창 사이의 반주를 보탠다. 극 구조와 주요 번호 제1부 Gerusalemme 예루살렘의 성전에서 히브리인과 바빌로니아인이 맞선다. Nabucco의 군대가 도시를 점령하는 동안 히브리 대사제 Zaccaria는 Fenena를 인질로 붙잡고, Fenena와 사랑하는 Ismaele는 두 공동체 사이에서 선택을 강요받는다. Nabucco는 정복자의 권력을 내세우고, Zaccaria는 신앙과 예언의 권위를 맞세운다. Gli arredi festivi는 제1부 초반의 합창과 관현악 번호로, 제의의 표면과 전쟁의 위기를 함께 연다. 이후 Oh fuggite il maledetto가 예루살렘 부분을 닫으며, 개인의 구출과 집단의 패배가 같은 부 안에서 겹친다. 제2부 L'empio 바빌론 궁정에서 Abigaille은 자신이 Nabucco의 친딸이 아니라 노예 출신이라는 사실을 알게 된다. 그럼에도 그녀는 왕위에 오르려는 계획을 멈추지 않는다. Nabucco는 자신을 신의 자리에 올리는 선언 뒤 번개를 맞고 정신을 잃으며, 왕권의 붕괴가 육체와 정신의 붕괴로 드러난다. Abigaille의 Ben io t'invenni와 Salgo già del trono aurato는 출생의 비밀과 왕위 욕망을 연속해서 밀어붙이는 장면이다. Nabucco가 쓰러진 뒤 Abigaille이 권력을 장악하면서, Zaccaria의 예언과 히브리인에 대한 처벌이 다음 부의 정치적 압박으로 이어진다. 제3부 La profezia 바빌론의 궁정과 포로 공동체가 교차한다. Va, pensiero, sull'ali dorate는 제3부 12번에 놓인 히브리 포로들의 합창으로, 잃어버린 고향을 향한 공동체의 목소리를 낸다. 극중 화자는 바빌론에 갇힌 히브리인들이다. 훗날 이 합창이 얻은 이탈리아의 민족적 상징성은 별도의 수용사로 형성되었다. Abigaille은 Nabucco의 부재를 이용해 Fenena와 히브리인들을 처벌하려 한다. Va, pensiero 뒤에는 권력과 신앙의 대립이 계속되고, 합창은 개인 배역의 독백을 둘러싼 공동체의 시점을 유지한다. 제4부 L'idolo infranto 정신을 되찾은 Nabucco는 히브리 신앙을 받아들이고 군대를 이끌어 우상을 무너뜨린다. Dio di Giuda는 무너진 왕이 신 앞에서 질서를 다시 찾는 기도이며, 이어지는 O prodi miei, seguitemi와 Di mia corona al sol은 왕권 회복과 포로 구출의 행동으로 연결된다. Fenena와 히브리인들이 풀려난 뒤 Abigaille은 권력의 패배와 죄책감 속에서 독을 마신다. 그녀의 마지막 장면과 Immenso Jeovha는 개인의 몰락, 공동체의 감사, Nabucco의 회복을 한 부 안에서 마무리한다. Immenso Jeovha의 철자와 세부 가사는 판본에 따라 달라질 수 있다. 합창·banda와 음악적 조직 Nabucco에서 합창은 장면의 배경이 아니라 히브리인·바빌로니아인·병사·백성의 집단 시점을 제공한다. 개인 배역의 아리아와 카발레타는 합창이 만드는 공적 공간 안에서 진행되며, Zaccaria의 예언과 Nabucco의 회복도 독창만으로 끝나지 않고 공동체의 응답과 이어진다. 그래서 Va, pensiero는 작품 밖에서 독립 합창으로 자주 불리더라도, 작품 안에서는 제3부의 포로들이 부르는 특정 장면에 놓인다. La Scala의 Chailly 인터뷰는 Verdi의 대담한 반음계가 제1부 Nabucco 장면과 Abigaille의 노래, 제1부 피날레, Nabucco가 “나는 왕이 아니라 신”이라고 선언하는 순간에 집중된다고 분석한다. 같은 해설은 Zaccaria 기도의 여섯 독주 첼로와 제4부 Immenso Jeovha를 후대 Messa da Requiem의 무반주 합창과 연결한다. 이 연결은 작곡가의 직접 선언이 아니라 후대 해설이 제시한 수용적 관점이다. 녹음과 공연 수용 1961년 8월 26일 Florence에서 녹음된 Bruno Bartoletti 지휘 Maggio Musicale Fiorentino 실황은 Ettore Bastianini(Nabucco), Mirella Parutto(Abigaille), Ivo Vinco(Zaccaria) 등이 참여한 전곡 기록이다. MusicWeb International의 John Sheppard는 Bartoletti가 작품을 움직이는 리듬형과 추진력을 잘 투사한다고 평가하고, Bastianini의 발음과 표현 범위가 제목 역할을 중심에 둔다고 보았다. 그는 Va, pensiero에서는 신중한 템포와 과도한 강조를 아쉬운 점으로 들었으며, 1960년대 실황 녹음의 밸런스 불균형·왜곡·무대 소음도 함께 지적했다. 이 평가는 역사적 실황의 현장감과 기술적 한계를 한 기록 안에서 함께 보여 준다. 2013년 Royal Opera House 공연에 관해 The Guardian의 George Hall은 Nicola Luisotti가 음향의 실질과 장식을 구분해 균형과 집중된 추진력을 만들었다고 평가했다. Leo Nucci의 Nabucco가 후반부의 육체적·정신적 쇠약으로 이행하는 과정, Liudmyla Monastyrska의 권위 있는 Abigaille, Royal Opera Chorus의 Va, pensiero가 이 공연의 주요 수용 지점으로 기록되었다. 이 평론은 Daniele Abbado의 난민 관련 영상·무대 구상이 서사적 구별을 흐릴 수 있다고도 지적했다. 2014년 Novi Sad 공연은 컷과 템포가 공식 구조의 체감 순서를 바꾸는 사례다. Opera Today의 평론에 따르면 이 공연은 컷이 남은 3부 판본으로 진행되어 4부 대본의 일부가 축약되었고, Va, pensiero가 제3부를 여는 위치로 이동했다. 지휘자 Aleksandar Kojić가 이 합창을 악보의 largo보다 훨씬 빠르게 택하면서, 평자는 가사에 담긴 고향 상실의 호흡이 약해졌다고 판단했다. 같은 평론은 약 70명 합창단의 다이내믹과 빠른 콘체르탄테의 앙상블을 따로 평가하므로, 판본의 컷·템포·합창 동기화가 공연마다 다르게 처리될 수 있음을 보여 준다. Welsh National Opera의 2014년 공연에 대해 The Guardian의 Rian Evans는 Xian Zhang이 Va, pensiero를 포함한 정서적 절정을 세심하게 조율했고 합창과 오케스트라가 음악적 중심을 이뤘다고 기록했다. 반면 장식이 많은 Rudolf Frey의 연출은 신앙과 정치의 갈등을 가릴 수 있다는 비평을 받았다. Bartoletti의 실황, Luisotti와 Royal Opera의 공연, Kojić와 Novi Sad의 축약본, Zhang과 WNO의 무대는 같은 오페라가 녹음·공연 조건과 해석 선택에 따라 서로 다른 균형으로 구현되었음을 기록한다. 주요 자료 Casa Ricordi, Roger Parker 편집 Nabucodonosor 비평판: 1987년 비평판, Fenena의 1842년 베네치아 로만차, 자필 총보와 후대 슬러·연주 지시의 차이. Teatro alla Scala 공식 연혁: 1842년 초연과 Verdi 경력의 첫 결정적 성공에 관한 기관 기록. Teatro alla Scala, Riccardo Chailly 인터뷰: 4부 표제, 무대 위 banda, 반음계, 독주 첼로와 합창에 관한 해설. Library of Congress, 1842년 성악보: Schonenberger 성악보와 Solera 대본의 발레·희곡 계보. Corago, Nabucodonosor 대본 서지 및 Internet Archive 1842년 대본: 4부 표제와 Gaspare Truffi의 초연 대본. Stanford Opera, Roger Parker 비평판 기반 libretto: 자필 총보에 가까운 노래 텍스트와 전통 인쇄본의 차이. MusicWeb International, John Sheppard의 Bartoletti 실황 평론: 1961년 Florence 실황의 출연진, 리듬·추진력, Va, pensiero와 녹음 상태에 관한 평가. The Guardian, George Hall의 2013년 Royal Opera House 평론: Luisotti의 균형과 추진력, Nucci·Monastyrska·Royal Opera Chorus의 공연 수용. Opera Today, 2014년 Novi Sad 공연 평론: 3부 축약, Va, pensiero의 위치와 템포, 합창·앙상블에 관한 비평. The Guardian, Rian Evans의 2014년 Welsh National Opera 평론: Xian Zhang의 절정 처리와 합창·오케스트라, 무대 장식에 관한 평가. Macbeth 정보 개요 곡명: Macbeth 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 장르: 네 막 멜로드라마 오페라 대본: Francesco Maria Piave, Andrea Maffei의 보완, William Shakespeare의 비극에 바탕 초판 초연: 1847년 3월 14일, Florence Teatro della Pergola 개정판 초연: 1865년 4월 21일, Paris Théâtre Lyrique (프랑스어) 판본 범위: 1847년 피렌체판과 1865년 파리 개정판을 구분해 다룬다. IMSLP: Macbeth (Verdi, Giuseppe) Wikipedia: Macbeth (Verdi) Giuseppe Verdi의 네 막 멜로드라마 오페라 Macbeth는 Francesco Maria Piave가 대본을 쓰고 Andrea Maffei가 일부를 보완했으며, William Shakespeare의 비극에서 출발한다. 피렌체에서 초연된 1847년판과 파리 무대를 위해 다시 쓴 1865년판은 몇몇 장면과 결말이 달라지는 별개의 악보다. 여기서는 Ricordi 비평판의 구성에 따라 1865년판을 기본으로 삼고, 초판에서 바뀐 번호는 그 차이가 드러나는 대목에서 따로 짚는다. 출판 정보와 자료 1847년 피렌체 초연 때 작품은 이탈리아어로 공연되었다. 대본은 Piave가 주로 썼다. Verdi가 피렌체판 작곡을 거의 마친 뒤 Maffei가 일부 텍스트를 손보았고, Verdi는 그 수정을 받아들였다. 1865년 파리 개정판은 Charles-Louis-Étienne Nuitter와 Alexandre Beaumont가 옮긴 프랑스어 대본으로 무대에 올랐다. 라 스칼라의 2021년 공식 프로그램과 Treccani는 1865년 개정판의 이탈리아어 번역이 라 스칼라에서 초연된 해를 1874년으로 적는다. Ricordi의 이탈리아어 안내 페이지에는 1865년 가을로 적혀 있지만, 극장의 공식 연혁과 Treccani의 기록이 일치하므로 여기서는 1874년을 따른다. 따라서 “파리판”은 초연의 언어와 이후 널리 연주된 이탈리아어 번역본을 구분해서 읽을 필요가 있다. David Lawton이 편집한 Ricordi 비평판은 두 악보를 한 판에 모았다. 본문에는 1865년판을 싣고, 부록 2에는 1847년판에서 1865년에 고쳐지거나 삭제된 번호 전체 또는 악절 일부를 수록한다. 이 판본은 자필 악보와 초판 대본 자료를 대조해 오래된 악보의 오류와 지시를 바로잡는다. 19세기 이탈리아에서는 원판이 오랫동안 선호되었지만, 20세기에는 파리 개정판이 공연의 중심이 되었다. 오늘날에도 일부 제작은 1865년판을 바탕으로 하면서 1847년판의 Macbeth 죽음 장면을 결말에 다시 넣는다. 소요 시간 Tokyo Philharmonic Orchestra가 2024년 공연한 Ricordi의 1865년 파리판은 인터미션을 포함해 약 2시간 45분으로 안내되었다. 실제 상연 시간은 공연 템포, 발레와 추가 번호의 포함 여부, 막 사이 휴식에 따라 달라진다. 편성 노래하는 배역: Macbeth(바리톤), Banco(베이스), Lady Macbeth(소프라노), Lady Macbeth의 시녀(메조소프라노), Macduff와 Malcolm(테너), 하인·의사·암살자·전령(베이스), 세 유령(소프라노 둘과 베이스 하나) 무언역: Duncano 왕, Banco의 아들 Fleanzio, Banco의 유령, Ecate 합창과 엑스트라: 마녀, 왕의 전령, 스코틀랜드 귀족과 난민, 암살자, 영국 병사, 정령 오케스트라: 피콜로와 플루트, 오보에 둘과 잉글리시 호른, 클라리넷 둘과 베이스 클라리넷, 바순 둘과 콘트라바순, 호른 넷, 트럼펫 둘, 트롬본 셋, 침바소(cimbasso), 팀파니, 큰북을 포함한 타악기, 탐탐, 북, 하프, 현악기 무대 밖·무대 아래 악기: 마지막 전투 장면의 무대 밖 트럼펫은 1847년판에서 여덟 대, 1865년판에서 네 대다. 마녀의 환영 장면에는 무대 아래 오보에 둘, 클라리넷 여섯, 바순 둘을 두며, 콘트라바순은 1865년판에만 추가된다. 무대 밖과 무대 아래의 음향은 판본마다 악기 수와 구성이 다르다. 네 막의 줄거리와 판본 차이 제1막: 예언이 살인으로 이어지다 전쟁에서 돌아오던 Macbeth와 Banco(셰익스피어의 Banquo)는 마녀들에게서 Macbeth가 먼저 Cawdor의 영주가 되고 뒤이어 스코틀랜드의 왕이 될 것이며, Banco의 후손이 왕들의 조상이 되리라는 예언을 듣는다. 곧 Cawdor 작위가 실제로 주어지자 Macbeth는 왕위도 차지할 수 있다고 여긴다. 남편의 편지를 읽은 Lady Macbeth는 Duncan 왕의 방문을 살인의 기회로 바꾼다. Macbeth는 단검의 환영을 본 뒤 왕을 죽이고, Macduff는 범죄가 지배하는 나라를 떠나겠다고 노래한다. 예언은 앞날을 알려주는 데 그치지 않고 인물들의 다음 선택을 낳는다. 제2막: 왕좌를 지키려는 연회 왕이 된 Macbeth는 Banco의 후손이 왕위를 잇는다는 예언을 막으려고 Banco와 아들을 죽이려 한다. Banco는 암살자들에게 살해되지만 Fleanzio는 달아난다. Macbeth가 연회를 베풀자 죽은 Banco의 유령이 나타나고, 왕은 신하들 앞에서 동요를 감추지 못한다. 정권의 안정을 과시해야 할 잔치가 왕의 공포를 드러내는 공개 장면으로 뒤집힌다. 여기서 Lady Macbeth의 아리아도 판본을 구별하는 표지가 된다. 1847년판의 Trionfai! Securi alfine은 1865년판에서 새 아리아 La luce langue로 바뀌었다. 후자는 화려한 기교를 앞세우기보다 밤의 음산한 분위기와 맞물려 노래와 낭송 사이를 오간다. 제3막: 마녀의 환영과 오판 Macbeth는 다시 마녀들을 찾아가 미래를 묻는다. 환영들은 Macduff를 경계하라고 하면서도 여인에게서 태어난 자는 그를 해칠 수 없고 Birnam 숲이 움직이기 전에는 안전하다고 말한다. Banquo의 후손이 왕위를 잇는 행렬도 보여준다. Macbeth는 이 말을 경고가 아니라 자신을 지켜주는 약속처럼 받아들인다. 그는 Lady Macbeth와 함께 Macduff의 가족까지 없애기로 한다. 제3막의 끝에서도 판본 차이가 뚜렷하다. 1847년판은 Macbeth의 독창 Vada in fiamme로 막을 닫지만, 1865년판은 그 곡 대신 부부의 새 듀엣 Ora di morte를 둔다. 파리 개정에는 발레도 들어간다. 이처럼 개정은 음악 번호뿐 아니라 제3막의 무대 구성도 바꾸었다. 제4막: 난민의 노래와 두 가지 결말 스코틀랜드 난민들은 *Patria oppressa!*를 부르며 폭정에 짓눌린 조국을 애도한다. Macduff는 아내와 아이들을 잃은 뒤 Malcolm과 영국군에 합류한다. 병사들이 나뭇가지를 들고 진군하자 Birnam 숲이 움직인다는 예언이 현실이 된다. Macbeth는 Lady Macbeth의 죽음을 전해 듣고도 군대를 맞서며, Macduff가 제왕절개로 태어났다는 사실을 안 뒤 결투에서 패한다. 마지막 장면은 두 버전의 정치적 결론을 가장 선명하게 갈라놓는다. 1847년판은 죽어가는 Macbeth의 아리아 Mal per me che m'affidai로 끝난다. 1865년판은 Macbeth의 죽음 장면을 삭제하고 승리를 기리는 Inno di vittoria로 작품을 닫는다. 한쪽은 몰락한 왕의 마지막 자각에 귀를 기울이고, 다른 쪽은 폭정이 끝난 뒤 공동체가 되찾은 질서를 합창으로 내세운다. 목소리와 무대 공간 이 오페라는 주인공의 독창과 군중 장면을 번갈아 놓으며 권력의 사적 욕망이 국가 전체에 끼친 결과를 들려준다. 마녀 합창은 왕좌를 둘러싼 첫 예언을, 난민 합창은 Macbeth의 통치 아래 무너진 스코틀랜드를 맡는다. Casa Verdi는 Verdi가 주요 사건 사이의 극적 연결을 음악으로 강조했다고 설명한다. Berlin Staatsoper의 작품 해설은 합창이 억압받는 집단의 목소리를 내는 반면, 아리아와 듀엣은 Macbeth 부부의 내면을 드러낸다고 짚는다. 이처럼 사적인 장면과 집단 장면을 나란히 놓으면 살인의 결과는 부부의 죄책감에만 머물지 않는다. Lady Macbeth의 목소리는 단순한 고음의 과시보다 말의 억양과 장면에 따라 달라지는 발화에 주의를 기울일 때 선명해진다. Metropolitan Opera의 프로그램은 Verdi가 이 음악을 고운 소리로만 꾸미기보다 극적 긴장을 살리려 했다고 설명한다. 특히 La luce langue는 노래와 낭송의 경계를 오가며, 끝의 높은 음에는 소리를 실처럼 가늘게 내라는 지시가 붙는다. 1847년판의 *Trionfai!*와 나란히 들으면 두 판본에서 Lady Macbeth의 승리감과 불안이 서로 다른 방식으로 무대화되는 점을 확인할 수 있다. 음향의 위치도 극작의 일부다. 마지막 전투의 무대 밖 트럼펫과 환영 장면의 무대 아래 악기는 객석에 보이지 않는 세력과 예언을 극장 안에 들인다. Lyric Opera of Chicago의 음악감독 Enrique Mazzola는 저음역의 피콜로와 클라리넷이 어둡고 불길한 색채를 만든다고 설명했다. 이 해석을 염두에 두면 오케스트라는 가수 뒤에서 반주하는 데 그치지 않고, 눈앞에 나타나지 않은 위협을 먼저 들려주는 역할도 맡는다. 공연과 음반에서 판본 비교하기 2025년 Teatro Nuovo는 Ricordi·University of Chicago Press의 비평판을 바탕으로 1847년 원판을 시대악기로 공연했다. Associated Press 보도에 따르면 제작진은 당시 악기의 재료와 낮은 조율, 현악기와 금관의 배치 등을 활용했다. 이 공연은 1847년 악보를 복원하는 데서 그치지 않고, 시대악기와 연주 배치가 관현악의 음색을 어떻게 바꾸는지도 함께 들려주었다. 음반으로 두 판본을 견주려면 Fabio Biondi와 Europa Galante, Podlasie Opera and Philharmonic Choir가 2017년 바르샤바에서 녹음한 Macbeth: Firenze, 1847부터 들을 수 있다. 연주단체는 이 발매가 피렌체 원판을 담았다고 명시한다. 비교 대상으로는 Riccardo Muti가 1976년에 지휘한 녹음이 있다. BBC Radio 3의 1999년 평론은 Sherrill Milnes, Fiorenza Cossotto, Ruggiero Raimondi, José Carreras 등이 참여한 EMI 발매를 추천작으로 골랐다. 다만 프랑스 국립도서관의 음반 목록에 따르면 이 발매는 1865년 파리판에 1847년을 위해 쓴 아리아 두 곡과 아리오소를 보탰다. 판본 비교를 할 때 음반의 제목만 보고 하나의 순수한 악보라고 가정하지 않는 편이 좋다. 주요 자료 Ricordi, Verdi: Macbeth Critical Edition: 두 판본의 편집 원칙, 판본별 번호, 역할과 편성 Ricordi, Macbeth – Edizione Critica: 개정판의 유통사와 악보 자료; 이탈리아어 초연 연도는 La Scala 공식 연혁과 달라 본문 연대에는 사용하지 않았다 Casa Verdi, “Giuseppe Verdi’s Biography”: 셰익스피어 작품의 첫 오페라화와 초연·개정 연혁 Staatsoper Berlin, Macbeth: 집단 합창과 독창·듀엣의 극적 기능 Royal Opera House Collections, Macbeth (1865): 새 아리아·듀엣·합창과 결말의 변경 Teatro alla Scala, 2021년 Macbeth 프로그램: 1865년 프랑스어판과 1874년 이탈리아어판 초연을 구분 Treccani, “Lady Macbeth, la donna senza nome”: 대본 협업과 이탈리아어 개정판의 1874년 La Scala 초연 Teatro alla Scala, Macbeth 대본: 제2막의 La luce langue와 1847년판 Trionfai! 교체 주석 Tokyo Philharmonic Orchestra, 2024년 Macbeth 프로그램: 1865년판 공연의 막별 시간과 총 소요 시간 Metropolitan Opera, Macbeth 2014 프로그램: Verdi의 성악 지시와 Lady Macbeth의 아리아 해설 Lyric Opera of Chicago, Macbeth 프로그램: 오케스트라 음향과 지휘자 Enrique Mazzola의 해석 Glyndebourne, “Macbeth synopsis”: 네 막의 사건과 장면 흐름 Associated Press, “Will Crutchfield’s Teatro Nuovo revives Verdi’s ‘Macbeth’ with period instruments”: 2025년 1847년판 시대악기 공연 Podlasie Opera and Philharmonic, “Macbeth is here!”: Fabio Biondi와 Europa Galante의 1847년판 녹음 Bibliothèque nationale de France, Muti 지휘 Macbeth 음반 목록: 1976년 발매의 연주자와 수록 판본 BBC Radio 3, “Verdi: Macbeth”: Muti의 1976년 녹음에 대한 1999년 평론 Luisa Miller 정보 Giuseppe Verdi: Luisa Miller 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 작품명: Luisa Miller 장르: Salvadore Cammarano의 이탈리아어 대본에 의한 3막 비극 오페라 작곡 시기: 1848–1849년 초연: 1849년 12월 8일, 나폴리 Teatro di San Carlo IMSLP: https://imslp.org/wiki/Luisa_Miller_(Verdi,_Giuseppe) Wikipedia: https://en.wikipedia.org/wiki/Luisa_Miller Giuseppe Verdi의 Luisa Miller는 Friedrich Schiller의 시민비극 Kabale und Liebe를 17세기 티롤의 사랑 이야기로 바꾼 3막 오페라다. 평민의 딸 Luisa와 귀족 청년 Rodolfo가 사랑하지만, 신분을 숨긴 거짓말과 아버지들의 권력 다툼이 두 사람을 갈라놓는다. 소프라노의 서정적인 아리아, 테너의 유명한 독백, 부녀와 부부의 앙상블이 가족 비극을 밀도 있게 이어 간다. 개요 대본을 쓴 Salvadore Cammarano는 Schiller의 원작에서 계급 차이와 음모, 연인의 죽음이라는 뼈대를 가져오면서 무대를 이탈리아 오페라에 어울리는 티롤 마을로 옮겼다. 궁정의 정치적 갈등은 Luisa와 Rodolfo, 그리고 Luisa의 아버지 Miller가 겪는 선택과 희생으로 좁혀진다. Verdi는 이 이야기를 통해 아버지와 딸, 연인과 권력자의 관계를 짧고 강한 장면들로 압축했다. 1849년 나폴리 초연의 리브레토는 세 막을 Amore(사랑), Intrigo(음모), Veleno(독)로 나눈다. 이 세 단어는 각각 Luisa와 Rodolfo의 만남, Wurm이 꾸미는 거짓 편지, 마지막 독약과 죽음을 가리킨다. 막이 진행될수록 사랑의 서정성은 음모의 빠른 대화와 독약 장면의 어두운 긴장으로 바뀐다. 출판 정보와 판본 초연에 사용된 1849년 나폴리 Flautina 리브레토가 남아 있으며, 1850년에는 밀라노의 Ricordi에서 후속 인쇄본이 나왔다. 1991년 Jeffrey Kallberg가 편집한 Ricordi 비평판은 베르디의 자필과 극장 사본, 성악보를 대조해 총보와 주석을 두 권으로 출판했다. 19세기 극장 자료를 거치며 음높이·리듬·편성·프레이징에 생긴 차이를 살피려면 이 비평판과 당시 리브레토를 함께 보아야 한다. 소요 시간 전막은 공연과 판본에 따라 약 2시간 10분에서 2시간 25분 정도 걸린다. Peter Maag의 Decca 녹음은 144분, Fausto Cleva의 RCA 녹음은 131분, 2017년 뮌헨 실황은 133분 42초로 기록되어 있다. 막 사이 휴식과 절단 여부에 따라 실제 극장 시간은 더 길어질 수 있다. 성악 배역 Luisa: 소프라노 Rodolfo: 테너 Miller: 바리톤 Count Walter: 저음 성부 Wurm: 저음 성부 Federica: 메조소프라노 또는 콘트랄토 Laura: 여성 성부 Luisa와 Rodolfo가 중심에 있지만, Miller와 Wurm의 저음 성부가 극의 방향을 결정한다. Walter는 아들의 결혼을 권력의 연장으로 다루고, Wurm은 Walter를 위해 거짓말과 협박을 실행한다. 합창은 농민과 병사, 궁정 사람들의 목소리로 등장해 개인의 사랑을 둘러싼 사회적 압력을 넓힌다. 관현악과 무대 악기 피트의 관현악은 피콜로와 플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 4, 트럼펫 2, 트롬본 3, 치므바소, 하프, 팀파니, 종, 시계, 큰북, 오르간과 현악기로 구성된다. 무대 밖 호른이 따로 배치되며, 장면에 따라 무대와 피트의 소리가 서로 응답한다. 판본에 따라 무대 호른 수와 트롬본·튜바의 표기가 달라질 수 있지만, 오페라의 기본 색채는 베르디 특유의 노래하는 현악과 선명한 금관에 있다. 세 막의 줄거리와 음악 제1막 Amore: 사랑과 신분의 비밀 Luisa는 Carlo라는 이름으로 만난 젊은이를 사랑하고 있다. 그는 사실 Count Walter의 아들 Rodolfo지만, 두 사람은 서로의 신분을 모른 채 마음을 나눈다. Luisa의 아버지 Miller는 딸을 지키려 하고, Walter는 아들에게 Federica와 결혼하라고 명령한다. Wurm은 Luisa를 차지하고 싶어 하며 Rodolfo의 신분을 Miller에게 폭로한다. Miller가 귀족의 명령에 맞서자 Walter와 Wurm은 그를 체포한다. Luisa는 아버지를 살리기 위해 사랑과 명예 사이에서 흔들리고, Lo vidi e 'l primo palpito의 선율은 처음 만난 사랑의 떨림을 되돌아본다. Miller의 Sacra la scelta è d'un consorte는 딸의 결혼을 축복하려는 아버지의 마음을 보여 주지만, 곧 닥칠 강요와 대조된다. 제2막 Intrigo: 거짓 편지 Wurm은 Miller를 풀어 주는 대가로 Luisa에게 자신을 사랑한다는 거짓 편지를 쓰라고 강요한다. Walter와 Wurm은 그 편지를 Rodolfo에게 보내 Luisa가 배신했다고 믿게 만든다. Rodolfo는 절망 속에서 Federica와의 결혼을 받아들이고, Luisa는 자신의 말이 아버지를 살렸지만 사랑을 파괴했다는 사실을 견딘다. 이 막의 핵심은 개인의 독백보다 여러 인물이 동시에 거짓말을 주고받는 앙상블이다. Walter와 Wurm의 저음 2중창은 음모를 차갑게 밀어붙이고, Presentarti alla Duchessa의 4중창은 서로 다른 속셈이 한 장면에 겹치는 모습을 보여 준다. Rodolfo의 Quando le sere al placido는 그가 잃어버린 사랑을 회상하는 테너 독백으로, 오페라 전체에서 가장 널리 알려진 번호 가운데 하나다. 제3막 Veleno: 독약과 진실 감옥에서 풀려난 Miller는 딸에게 고향을 떠나 새 삶을 시작하자고 권한다. Luisa는 아버지와 마지막 시간을 보낸 뒤 Rodolfo와 함께 독약을 마신다. 죽기 직전 그녀는 거짓 편지의 진실을 밝히고, Rodolfo는 Wurm을 죽인 뒤 자신도 쓰러진다. 마지막 장면은 연인의 죽음에만 머물지 않는다. Walter와 Miller의 권력 관계, Wurm의 계략, Luisa가 아버지를 구하기 위해 감당한 희생이 한꺼번에 드러난다. 부녀가 함께 부르는 기도와 독약 장면의 느린 선율은 앞선 음모의 빠른 대화와 대비되며, 사적인 사랑이 사회적 폭력에 짓눌린 결말을 완성한다. 음악적 흐름과 베르디의 양식 Luisa Miller는 초기 베르디의 직접적인 선율성과 후기 작품으로 향하는 앙상블 감각이 만나는 지점에 놓인다. 아리아는 인물의 감정을 또렷하게 들려주지만, 장면이 진행될수록 레치타티보와 중창이 그 감정을 곧바로 다음 사건으로 밀어 넣는다. 2막의 무반주 앙상블은 오케스트라가 잠시 물러난 자리에서 인물들의 목소리만으로 긴장을 만들고, 3막의 목관과 현악은 독약 장면의 차가운 정서를 받친다. 베르디는 Schiller의 정치적 시민비극을 그대로 재현하기보다, Luisa와 Miller의 부녀 관계를 중심에 놓았다. 그래서 궁정의 명령은 추상적인 제도가 아니라 아버지가 딸의 결혼을 결정하고, Wurm이 한 장의 편지로 연인을 갈라놓는 구체적인 행위로 나타난다. 이 집중된 드라마가 세 막의 짧은 시간을 견고하게 묶는다. 초연과 공연사 초연은 1849년 12월 8일 나폴리 Teatro di San Carlo에서 열렸다. 당시 공연의 지휘자와 오케스트라에 관한 공식 표기는 자료마다 충분히 남아 있지 않지만, Luisa 역 Marietta Gazzaniga, Rodolfo 역 Settimio Malvezzi, Miller 역 Achille De Bassini, Walter 역 Antonio Selva, Wurm 역 Marco Arati, Federica 역 Teresa Salandri의 배역은 여러 기록에서 공통으로 전한다. 작품은 20세기 초까지 자주 무대에 오르지 못했다. 1929년 공연이 다섯 차례 뒤 중단되었고, 1968년에는 Montserrat Caballé와 Richard Tucker, Sherrill Milnes, Ezio Flagello가 참여한 재공연이 작품을 다시 알리는 계기가 되었다. 이후에는 전막 공연뿐 아니라 베르디의 중기 오페라를 조명하는 음반과 영상으로 꾸준히 이어졌다. 주요 레코딩 Peter Maag / Orchestra e Coro del Teatro dell'Opera di Roma (Decca): 약 144분의 녹음으로, Luisa 역의 성악선과 베르디의 빠른 장면 전환을 넉넉한 호흡으로 담은 역사적 음반이다. Fausto Cleva / RCA 오케스트라와 합창단: 약 131분으로 기록된 비교적 압축된 녹음이다. 같은 작품이라도 절단과 템포에 따라 전곡 시간이 크게 달라질 수 있음을 보여 준다. Ivan Repušić / Bayerisches Staatsorchester (BR Klassik 900323, 2017년 뮌헨 실황): 133분 42초의 실황 음반이다. 현대적인 앙상블의 유연한 템포와 2막 무반주 4중창, 3막의 목관을 들을 수 있는 자료다. 주요 자료 Ricordi, Verdi Critical Editions: Luisa Miller: 1991년 Kallberg 비평판, 창작 과정, 원자료와 편성. University of Chicago Press, Luisa Miller 총보와 주석: 자필·극장 사본을 바탕으로 한 비평판의 구성과 편집 원칙. Stanford Opera, Luisa Miller: 대본, 3막 구조, 초연과 기본 배역. Corago, 1849년 San Carlo 공연 기록: 초연 날짜·극장과 당시 배역 자료. Harvard IIIF, 1849년 Flautina 리브레토: Amore· Intrigo· Veleno 막 명칭과 초연 리브레토 표지. Metropolitan Opera, Luisa Miller 프로그램: Schiller 각색, 줄거리, 초연 배역과 공연사. Gramophone, 1988년 녹음 평론: Cleva와 Maag 녹음의 지속시간과 연주 평가. MusicWeb International, 2018년 뮌헨 실황 평론: Repušić 실황의 시간과 앙상블·목관에 관한 청취 평론. IMSLP, Luisa Miller: 공개 악보, 판본 목록과 기본 편성 정보. Rigoletto 정보 Rigoletto 개요 곡명: Rigoletto 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 장르: 이탈리아어 Melodramma in tre atti 대본: Francesco Maria Piave, Victor Hugo의 Le roi s’amuse에 기초 작곡 시기: 1850–1851년 초연: 1851년 3월 11일, Venice의 Teatro La Fenice, Gaetano Mares 지휘 원작 무대: Mantua와 그 주변, 16세기 기준 판본: Martin Chusid 편집 Ricordi·University of Chicago Press 비평판 IMSLP: Rigoletto (Verdi, Giuseppe) Wikipedia: Rigoletto Giuseppe Verdi의 Rigoletto는 궁정 광대 Rigoletto와 그의 딸 Gilda, Mantua의 공작, 살인청부업자 Sparafucile와 그의 누이 Maddalena가 얽히는 3막 이탈리아 오페라다. 제1막의 궁정과 Rigoletto의 집, 제2막의 궁정 방, 제3막의 Mincio 강가 여관으로 무대가 이동하며, Monterone의 저주가 Gilda의 납치와 희생을 한 줄기로 묶는다. 세 막의 번호 체계 안에서 Caro nome, Cortigiani, vil razza dannata, La donna è mobile, 사중창 Bella figlia dell’amore가 사건의 방향을 바꾸는 지점에 놓인다. 출판 정보와 검열 Martin Chusid가 편집한 Ricordi·University of Chicago Press 비평판은 1983년에 나왔다. Casa Ricordi의 설명에 따르면 이 판본의 주된 원자료는 Milan의 Ricordi Historical Archives에 보관된 Verdi의 자필 총보이며, 작곡 과정의 L’abbozzo del Rigoletto는 28장의 folio를 두 묶음으로 이룬다. 초연 뒤에는 1852년 완성 성악보가 마련되었고, 19세기에는 극장용 총보가 필사본으로 유통되었다. 판매용 인쇄 총보는 훨씬 뒤인 1914년으로 설명된다. Schott의 Gábor Kerényi 개정 공연 자료는 Ricordi 초판 계열의 총보·성악보를 대조해 correction report를 만들고, 곡 순서와 번호·rehearsal number를 유지한다. 따라서 Chusid 비평판은 원자료와 편집 문제를 연구하는 기준으로, Schott 자료는 banda와 무대 위 현악을 포함한 실연용 자료로 기능한다. Hugo의 Le roi s’amuse는 François I를 연상시키는 왕과 궁정 광대 Triboulet의 이야기를 다룬 1832년 희곡이다. Verdi와 Piave는 1848–1849년 이후 이탈리아 도시의 경찰 검열 속에서 이 소재를 La maledizione라는 작업 제목으로 다듬었다. 검열 협상 과정에서 왕과 광대의 이름이 Mantua의 공작과 Rigoletto로 바뀌었고, 최종 오페라는 저주·딸의 납치·자루 속 시신이라는 극적 골격을 유지했다. 이 변경은 원작의 정치적 풍자를 완전히 지우기보다, 권력자의 방탕과 한 아버지의 파국이 겹치는 무대로 옮긴다. 소요 시간 Lyric Opera of Chicago와 LA Opera는 1회 휴식을 포함한 특정 제작의 관람 시간을 약 2시간 35분으로 안내한다. Metropolitan Opera의 2024년 9월 30일 일정은 19시 30분부터 22시 20분까지로 제시되어 제작·휴식·진행 조건에 따른 차이를 보여 준다. 역사적 녹음은 1955년 Serafin판 118분, 1989년 Muti판 116분, 1990년 Chailly판 113분 등으로 길이가 다르며, cuts와 녹음 매체의 차이를 포함한 음반 시간이다. 배역과 성악 배치 Rigoletto: baritone. Mantua 공작의 궁정 광대이며 Gilda의 아버지다. Gilda: soprano. Rigoletto가 세상과 격리해 기른 딸로, 변장한 공작을 사랑한다. Il Duca di Mantova (Duke of Mantua): tenor. 궁정의 권력자로 Gilda와 Maddalena를 유혹한다. Sparafucile: bass. Rigoletto와 계약하는 살인청부업자다. Maddalena: contralto 또는 alto. Sparafucile의 누이이며 폭풍 속에서 공작을 살려 달라고 설득한다. Giovanna: mezzo-soprano. Gilda를 돌보는 인물이다. Il Conte di Monterone: baritone. 딸을 유혹한 공작을 고발하고 저주를 내린다. Marullo: baritone, Matteo Borsa: tenor, Il Conte di Ceprano: bass, La Contessa di Ceprano: mezzo-soprano, 궁정의 시종과 관리들 Coro: Cavalieri, Dame, Paggi, Alabardieri로 구성된 혼성 합창. 제3막에는 무대 뒤 남성 합창이 추가된다. 편성 Ricordi 비평판의 피트 편성은 플루트 2(제2주자는 piccolo 겸함), 오보에 2(제2주자는 English horn 겸함), 클라리넷 2, 바순 2, 호른 4, 트럼펫 2, 트롬본 3, cimbasso, 팀파니, 큰북, bell, 현악기다. Schott의 개정 공연 자료는 여기에 무대 밖 banda와 무대 위 현악을 구체화한다. 무대 밖 banda: ottavino, flauti 2, oboi 2, E-flat clarinet, B-flat clarinets 4, bassoons 2, E-flat horns 4, B-flat cornets 2, B-flat trumpets 2, trombones 3, bass trombone, bells 2, Gran cassa 무대 위 현악: Violini I, Violini II, Viole, Contrabbassi 제3막의 공간 음향: 폭풍 장면에서 낮은 현악과 목관의 천둥·번개 효과, bell, 무대 뒤 남성 합창의 무언 허밍이 함께 작동한다. Ricordi는 cimbasso를, IMSLP의 개요는 tuba를 표기한다. Schott의 자료는 무대 밖 banda의 악기와 무대 위 현악 파트를 별도로 제시하므로, 피트와 무대의 편성을 한 목록으로 합치지 않고 자료의 목적에 따라 읽어야 한다. 막별 구성과 줄거리 제1막: 궁정의 조롱과 납치 막은 Mantua 공작 궁전의 무도회장과 거리, Rigoletto의 집으로 이어진다. 번호 1의 Preludio 뒤에 공작의 Della mia bella incognita borghese와 Questa o quella per me pari sono가 붙어 그의 변덕스러운 태도를 알린다. Rigoletto는 Ceprano를 비롯한 귀족을 조롱하고, 딸을 유혹당한 Monterone가 나타나자 그를 다시 희롱한다. Monterone의 저주는 번호 3의 *Quel vecchio maledivami!*에서 Rigoletto 자신의 불안으로 되돌아온다. 거리에서 Rigoletto는 자신의 무기가 혀라면 Sparafucile의 무기는 단검이라고 말하며 살인 계약의 가능성을 듣는다. 집에 도착한 그는 Gilda를 보호하려 하지만, 공작은 가난한 학생 Gualtier Maldè로 변장해 들어온다. 번호 5의 È il sol dell’anima에서 두 사람은 사랑을 확인하고, 번호 6의 Caro nome che il mio cor에서 Gilda는 그 가명을 되뇌며 상대의 모습을 마음속에 만든다. 궁정 사람들은 Gilda를 Rigoletto의 연인으로 오해해 납치하고, 번호 7의 Zitti, zitti, muoviamo a vendetta와 *Soccorso, padre mio!*가 막을 닫는다. 그들은 Rigoletto의 눈을 가린 채 사다리를 잡게 하여 그가 모르는 사이 딸을 데려간다. 제2막: 궁정의 방과 복수의 결심 제2막의 무대는 공작의 궁정 방이다. 공작은 Gilda가 사라진 사실을 알고 *Ella mi fu rapita!*와 Parmi veder le lagrime에서 동요한다. 궁정 사람들은 그가 찾는 여인을 궁으로 데려왔다고 말하고, Rigoletto가 들어오자 자신들이 납치한 대상이 Gilda임을 밝힌다. 번호 9의 Cortigiani, vil razza dannata는 Rigoletto가 분노로 궁정 사람들을 몰아붙인 뒤 딸을 돌려 달라고 애원하는 긴 독창이다. Gilda는 번호 10의 Tutte le feste al tempio에서 공작에게 속은 일을 아버지에게 털어놓고, 부녀의 대화는 *Dio! Mia Gilda!*와 Sì, vendetta, tremenda vendetta로 이어진다. Monterone의 처형 소식이 다시 언급되면서 제1막의 저주가 현재의 궁정 사건과 맞물린다. 제3막: 여관, 사중창, 폭풍과 희생 제3막은 Mincio 강가 Sparafucile의 여관과 그 주변을 무대로 삼는다. Rigoletto는 Gilda에게 공작이 Maddalena를 유혹하는 모습을 보여 주고, 그녀를 Verona로 보내려 한다. 여관 안에서 공작이 La donna è mobile을 부르는 동안 두 사람은 서로 다른 위치에서 장면을 지켜본다. 번호 12의 사중창 Bella figlia dell’amore에서는 Duke, Maddalena, Gilda, Rigoletto가 같은 시간에 서로 다른 감정을 노래한다. Duke는 유혹하고 Maddalena는 흥미를 보이며, Gilda는 배신을 듣고 Rigoletto는 복수를 확신한다. 이어 Rigoletto가 Sparafucile에게 Duke 살해를 의뢰하고 돈을 건네자 폭풍이 다가온다. 번호 13에서 Maddalena는 Duke를 살려 달라고 설득하고, Sparafucile는 밤중에 찾아오는 다른 사람을 대신 죽이겠다고 말한다. Gilda는 남장을 하고 돌아와 자신을 희생하기로 한다. 번호 14의 Mezzanotte와 폭풍 뒤 Rigoletto가 자루를 강으로 옮기려는 순간, 멀리서 Duke의 La donna è mobile이 다시 들린다. 자루 안에는 Gilda가 죽어 가고 있고, Rigoletto는 그녀의 마지막 말과 함께 Monterone의 저주가 실현되었음을 깨닫는다. 초연 이후의 판본과 공연 Ricordi 디지털 아카이브에는 Verdi가 1851년 11월 Giovanni Ricordi에게 보낸 편지가 남아 있다. Verdi는 Rome 공연에서 변경과 절단이 반복되어 무대 위의 작품이 자신이 쓴 Rigoletto와 달라졌다는 취지로 항의했다. 페이지의 메타데이터와 전사에 날짜 표기가 다르게 나타나므로, 이 편지는 1851년 11월의 1차 자료로 읽되 특정 일자를 확정하지 않는다. 이 기록은 초기 공연본의 cuts가 작품 수용과 판본 문제에 직접 연결되었음을 보여 준다. 공연기관 자료는 극장 공간의 실행 조건도 구체화한다. Utah Symphony의 Paul Dorgan은 피트 오케스트라, 무대 밖 banda, 무대 위 현악을 구분하고, 제3막 폭풍에서 무대 뒤 남성 합창의 허밍이 관현악의 바람·천둥 효과와 결합한다고 설명한다. 2024년 Lyric Opera 리허설을 설명한 지휘자 Enrique Mazzola는 Gilda가 등장하는 장면에서 오케스트라의 fortissimo를 낮추고 Verdi가 적은 piano 지시를 살려 성악선의 섬세함을 확보했다고 말했다. 이는 특정 제작의 리허설 선택이 작품의 성악·오케스트라 균형과 연결되는 사례다. 주요 레코딩과 수용 1955년 La Scala, Tullio Serafin·Maria Callas·Tito Gobbi·Giuseppe di Stefano: Naxos Historical과 Gramophone이 확인하는 초기 상업 녹음이다. Alan Blyth는 Serafin의 tempo와 관현악 세부, Callas의 phrasing, Gobbi의 인물 표현을 높게 평가하면서 첫 Gilda–Rigoletto duet의 cuts와 Duke cabaletta 생략, 원 테이프의 왜곡을 함께 지적했다. 1960년 Florence, Gianandrea Gavazzeni·Ettore Bastianini·Renata Scotto·Alfredo Kraus: Ralph Moore의 2021년 MusicWeb 재발매 평론은 Bastianini의 강한 음색과 Gavazzeni의 성악 동반을 장점으로 들고, Scotto·Kraus의 선택과 transfer 음질을 별도로 평가한다. Pristine Audio PACO184의 음반 시간은 1시간 59분 23초다. 1980년 Vienna, Carlo Maria Giulini·Piero Cappuccilli·Ileana Cotrubas·Plácido Domingo: Deutsche Grammophon은 Wiener Philharmoniker와 Wiener Staatsopernchor가 참여한 녹음 및 2018년 재발매를 서지로 제시한다. Gramophone의 Blyth는 Giulini의 tempo와 Rigoletto–Gilda 부녀 장면을 Serafin과 비교해 논한다. 1989년 La Scala, Riccardo Muti: Gramophone은 EMI DDD, 116분으로 식별하며 Muti가 Chusid 비평판을 사용하고 note values, dynamic markings, metronome markings를 엄격하게 따랐다고 평한다. Rigoletto–Sparafucile 장면의 sotto voce와 납치 합창의 ppp가 구체적인 사례로 언급되며, 평론은 빠른 진행이 성악가의 표현 여지를 줄일 수 있다는 점도 지적한다. 1990년 Bologna, Riccardo Chailly·Luciano Pavarotti·June Anderson·Leo Nucci: Decca DDD, 113분으로 기록된다. Blyth는 Chailly가 Muti보다 유연하고 악보의 문자보다 작품의 정신에 반응한다고 평가했으며, Chailly가 높은 음과 변경된 cadenza를 전통적으로 허용할 수 있다고 본다는 발언도 함께 전한다. 주요 자료 Casa Ricordi 비평판 소개 University of Chicago Press, Rigoletto Study Score Martin Chusid 역사 서론 Martin Chusid 비평 주석 Teatro alla Scala 대본 Schott, Gábor Kerényi 실연용 자료 Metropolitan Opera 창작·줄거리 안내 Utah Symphony, Paul Dorgan 오케스트레이션 강의 Ricordi 디지털 아카이브 Verdi 편지 WTTW, Enrique Mazzola 인터뷰 Gramophone, Serafin 녹음 평론 Gramophone, Muti 녹음 평론 Gramophone, Chailly 녹음 평론 Naxos Historical 1955년 녹음 Deutsche Grammophon, Giulini 녹음 MusicWeb, Gavazzeni 재발매 평론 Il trovatore 정보 개요 곡명: Il trovatore 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 장르: 네 부 이탈리아어 오페라 대본: Salvadore Cammarano, Leone Emanuele Bardare(마지막 막 완성) 원작: Antonio García Gutiérrez의 1836년 희곡 El trovador 작곡 시기: 1851년 기획, 1852–1853년 완성 초연: 1853년 1월 19일, Rome Teatro Apollo IMSLP: Il trovatore (Verdi, Giuseppe) Wikipedia: Il trovatore Giuseppe Verdi의 Il trovatore는 Salvadore Cammarano가 대본을 쓰고 Leone Emanuele Bardare가 마지막 부분을 완성한 네 부 오페라다. Antonio García Gutiérrez의 희곡을 바탕으로, 음유시인 Manrico와 Leonora를 둘러싼 사랑과 전쟁을 Azucena의 기억 속 화형과 복수의 이야기로 엮는다. 이 글은 1853년 로마 초연으로 정리된 이탈리아어 판본을 중심으로, 네 부의 극적 흐름과 핵심 번호, 편성, 1857년 프랑스어 개정판의 차이를 함께 살핀다. 출판 정보와 자료 Verdi는 1851년에 작품을 기획한 뒤 1852년부터 1853년 초까지 악보를 완성했다. 자료에 따라 작곡 연대를 1851–1852년 또는 1852–1853년으로 좁혀 적기도 하며, 초연일은 로마 Teatro Apollo의 1853년 1월 19일로 일치한다. Cammarano가 대본의 마지막 막을 마치기 전에 세상을 떠나자 Bardare가 그 부분을 완성했다. David Lawton이 편집한 Ricordi 비평판은 Verdi의 자필 총보를 주된 자료로 삼는다. Verdi는 초연을 준비하는 로마 리허설 동안 성악선과 관현악을 여러 차례 고쳤고, Ricordi는 자필 악보를 복사해 리허설에 사용한 뒤 1853년 8월에 각 번호를 모은 완전한 인쇄본을 냈다. 1888년 판과 그에 기댄 후대 판본은 리허설 중 자필 악보에 추가된 변화를 모두 반영하지 않으므로, 판본을 확인할 때 인쇄 시기와 비평판의 주석을 함께 살펴야 한다. 비평판에는 Manrico 아리아의 tempo di mezzo에 놓인 오르간 부분을 오르간이 없는 극장에서 연주할 수 있도록 관악기로 대체하는 부록도 실려 있다. 소요 시간 공연 기관이 제시하는 시간은 제작과 휴식 배치에 따라 다르다. Metropolitan Opera의 2024–25 시즌 안내는 1·2부를 70분씩 연주하고 35분 휴식 한 번을 두어 총 2시간 55분으로 제시했다. Opéra national de Paris는 음악을 두 부분으로 나누어 각 70분, 휴식 30분, 총 2시간 50분으로 안내한다. 따라서 음악 자체는 약 2시간 20분이며, 휴식을 포함한 관람 시간은 대체로 2시간 50분 안팎으로 예상할 수 있다. 반복과 절삭, 판본, 무대 전환에 따라 실제 시간은 달라진다. 편성 Ricordi 비평판이 제시하는 원판 편성은 다음과 같다. 목관: 플루트 2(제1 플루트는 piccolo 겸함), 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2. 금관: 호른 4, 무대 밖 호른 2, 트럼펫 2, 트롬본 3, cimbasso. 타악기: 팀파니, 큰북, 무대 밖 북, 트라이앵글, 종, 모루를 두드리는 망치. 건반·하프: 하프, 무대 밖 오르간. 현악: 현악 합주. 혼성 합창은 병사, 집시, 수녀, 시민과 Count di Luna의 수행원 등 장면별 집단을 맡는다. IMSLP에 공개된 파트보 목록은 cimbasso를 tuba로 적거나 tambourine·castanets를 별도로 포함하는 등 판본과 자료의 표기가 다르다. 따라서 실제 대여 악보와 무대 배치표를 확인해야 하며, 오르간이 없는 극장에서는 Ricordi 비평판 부록의 관악 대체안을 선택할 수 있다. Part II의 집시 장면에서 망치가 모루를 치는 소리는 합창의 노동 장면과 결합해 오페라의 대표적인 음향 표지를 만든다. 배역과 극적 전제 Manrico: 테너. 음유시인이자 반란군의 지휘자이며 Leonora의 연인이다. Leonora: 소프라노. Aragon 공주의 시녀로, Manrico를 사랑한다. Azucena: 메조소프라노. 집시 여성으로, Manrico를 길러 온 인물이다. Count di Luna: 바리톤. Manrico의 정치적 경쟁자이자 Leonora를 사랑하는 귀족이다. Ferrando: 베이스. Count의 경비대장으로 과거의 비극을 전한다. Ines: 소프라노. Leonora의 친구이자 동행자이며, Ruiz는 Manrico의 동료 테너다. 노집시, 전령: 각각 베이스와 테너. 남녀 합창은 병사, 집시, 수녀, 시민으로 분화한다. 이야기의 현재를 움직이는 것은 오래된 실종 사건이다. 과거 Count의 어린 아들은 집시 여성이 마법을 썼다는 혐의를 받은 뒤 사라졌고, 집시는 화형에 처해졌다. 집시의 딸 Azucena는 어머니의 마지막 명령인 복수를 실행하려다 불길 속에 자신의 아기를 잘못 던졌고, 납치해 온 Count의 아들을 Manrico로 착각해 길렀다. 그 결과 Manrico와 Count di Luna는 형제이면서 정치와 사랑에서 서로 맞서는 관계가 된다. Ferrando가 들려주는 소문과 Azucena가 고백하는 기억이 서로 다른 시점에 배치되면서, 관객은 두 인물의 관계를 마지막까지 완전히 알 수 없다. 네 부의 진행과 주요 번호 작품의 네 부는 Il duello(결투), La gitana(집시 여인), Il figlio della zingara(집시 여인의 아들), **Il supplizio(형벌)**라는 이름을 가진다. 오늘날 공연 자료에서는 이를 네 막으로도 부르지만, 여기서는 Verdi의 원래 부 명칭을 사용한다. Part I. Il duello 막이 오르면 Ferrando가 경비병들에게 옛 Count의 두 아들과 화형당한 집시의 이야기를 들려준다. 이 서술이 곧바로 초자연적인 공포를 확정하지 않고, 성문을 지키는 병사들의 불안과 소문으로 장면을 연다. 궁정 정원에서는 Leonora가 Ines에게 가면무도회에서 만난 음유시인을 사랑한다고 털어놓는다. 소프라노의 cavatina **“Tacea la notte placida”**는 밤의 정적과 사랑의 기억을 길게 펼친다. Leonora가 어둠 속에서 Manrico를 Count로 잘못 알아본 뒤 진짜 Count가 나타나면서 세 사람의 결투가 시작된다. Ferrando의 **“Di due figli vivea padre beato”**는 과거의 핵심 단서를 제공하고, Leonora·Manrico·Count가 얽히는 **“Di geloso amor sprezzato”**의 앙상블은 사랑의 오해를 공개적인 충돌로 바꾼다. Part II. La gitana 장소는 집시들의 야영지로 바뀐다. 합창 **“Vedi! le fosche notturne spoglie”**는 새벽의 노동을 노래하고 실제 모루 타격을 더해 이 장면의 공동체를 드러낸다. Azucena의 **“Stride la vampa”**는 어머니가 화형당하던 불길을 떠올리는 독백이다. 그녀는 Manrico에게 자신의 아이를 불 속에 던졌다는 기억을 다 말하지 않은 채, 자신이 겪은 복수의 실패를 노래한다. 한편 Leonora는 Manrico가 죽었다고 믿고 수도원에 들어가려 하고, Count는 그 틈에 그녀를 데려가려 한다. Manrico가 나타나 Leonora를 구하면서 세 사람의 사랑과 정치적 적대가 다시 같은 무대에 놓인다. Count의 아리아 **“Il balen del suo sorriso”**는 Leonora를 향한 욕망을 적대적인 행동과 나란히 놓는다. Part III. Il figlio della zingara 전쟁 중인 Count의 진영과 Castellor 성이 배경이다. Manrico는 Leonora와 결혼하려 하지만, Count의 군대가 성을 포위했다는 소식이 전해진다. 병사들의 합창과 주사위 놀이 장면 **“Or co’ dadi”**가 전쟁터의 긴장을 만들고, Manrico의 아리아 **“Ah sì, ben mio”**는 결혼을 앞둔 사랑의 확신을 잠시 전면에 둔다. 그 직후 Azucena가 체포되어 Ferrando 앞에 끌려온다. Ferrando는 그녀를 과거의 화형 사건과 연결하고 Count에게 넘긴다. Manrico가 Azucena가 화형당한다는 소식을 듣자 결혼식은 구조 작전으로 바뀌며, 마지막의 **“Di quella pira”**는 테너의 고음과 합창의 집단적 결의를 한꺼번에 밀어 올린다. Part IV. Il supplizio Manrico는 패배해 탑에 갇히고, Leonora는 그를 구하기 위해 Count와 거래한다. 수도원과 감옥 사이의 밤을 그리는 Leonora의 아리아 “D’amor sull’ali rosee” 뒤에는 수도사들의 기도와 죄수들의 **“Miserere”**가 겹친다. Leonora는 Count에게 자신을 내주겠다고 말한 뒤 독약을 삼키므로, Manrico가 처음에는 그녀의 행동을 배신으로 오해하는 순간이 생긴다. 감옥 안에서 두 연인은 짧은 화해를 이루고, Manrico와 Azucena가 고향 산을 회상하는 **“Ai nostri monti”**가 죽음을 앞둔 모자의 기억으로 이어진다. Count가 Manrico를 처형한 뒤 Azucena는 그가 자신의 친아들이 아니라 납치된 Count의 동생이었다고 밝힌다. 그녀가 “복수했다”고 외치는 마지막 순간에, 처음의 화형 이야기가 현재의 처형과 겹치며 비극의 인과가 닫힌다. 1857년 프랑스어 개정판 Le trouvère Le trouvère는 1857년 1월 12일 파리 오페라에서 초연된 프랑스어 판본이다. Verdi는 원래 14개 번호 가운데 8개를 손질하고 제3부에 전막 발레를 추가했으며, 프랑스어 가사에 맞춰 성악 리듬과 일부 음높이도 바꾸었다. 파리판은 결말도 다시 쓰고 제4부 시작에 먼저 등장하는 **“Miserere”**를 되풀이하는 구조를 갖는다. 발레와 개정 번호의 자필 원고가 모두 남아 있지 않아, Ricordi 비평판은 파리 오페라에 보존된 역할 악보와 지휘 총보의 주석을 함께 검토한다. 이 판본은 이탈리아어 원판을 프랑스어로 옮긴 실용 번역본이 아니라, 파리 무대의 관습과 언어를 반영해 다시 만든 별도의 공연 텍스트다. 따라서 발레를 포함한 Le trouvère의 시간과 편성은 1853년 이탈리아어 Il trovatore와 합산하지 않는다. 공연 관행과 수용 David Lawton의 연구는 1904년과 1923년 파리 공연, 1912년 Le trouvère 녹음 자료를 대상으로 프랑스어 판본의 카발레타 반복, da capo와 ritornello의 절삭, 템포 변화와 성악 관행을 비교한다. 이러한 관찰은 19세기 말과 20세기 초 프랑스 무대의 구체적인 관행이며, 오늘날 이탈리아어 판본의 모든 공연에 그대로 적용할 수 있는 규칙은 아니다. Metropolitan Opera의 repertory report는 페이지가 제공하는 2024년 12월 6일까지 1883년 10월 26일 첫 공연을 포함해 해당 극장의 Il trovatore 이력을 667회로 집계한다. 이는 한 기관의 기록으로서, 작품이 극장 레퍼토리에서 지속적으로 재공연된 규모를 보여 준다. 주요 레코딩 Enrico Caruso가 1903–1906년에 남긴 Naxos Historical 트랙들은 **“Di quella pira”**를 포함한 발췌 녹음이다. 전곡 세트가 아니므로, 초기 축음기 음향과 특정 번호의 가창을 듣는 자료로 구분해야 한다. Jussi Björling, Zinka Milanov, Leonard Warren 등이 참여한 1952년 RCA Victor 녹음은 Manhattan Center에서 2월 21일부터 3월 16일까지 제작되었다. 전곡의 주요 배역을 한 스튜디오 세션에 모은 세트이며, 지휘자는 Renato Cellini다. Maria Callas, Giuseppe Di Stefano, Fedora Barbieri, Rolando Panerai가 Herbert von Karajan과 함께 녹음한 1956년 La Scala 세트는 Warner Classics의 복원판으로 유통된다. Warner는 이 음반을 Callas가 남긴 마지막 완전한 Leonora 녹음으로 소개하므로, 가수의 경력 맥락과 함께 들을 수 있다. Antonio Pappano가 London Symphony Orchestra와 London Voices를 지휘한 2002년 EMI 녹음에는 Angela Gheorghiu, Roberto Alagna, Larissa Diadkova, Thomas Hampson 등이 참여했다. Edward Greenfield는 The Guardian에서 Pappano가 극적 긴장과 따뜻한 음향을 끌어내고 LSO가 이를 뒷받침한다고 평가했으며, Gheorghiu의 섬세한 Leonora와 Hampson·Diadkova의 인물 묘사를 장점으로 꼽았다. 그는 Alagna의 **“Di quella pira”**에서 영웅적 성량을 밀어붙이는 소리가 거칠어지는 면도 함께 지적했다. 이 평가는 2002년 특정 스튜디오 녹음에 대한 비평이다. Joan Sutherland와 Luciano Pavarotti가 Richard Bonynge 지휘 National Philharmonic Orchestra와 만든 1986년 Decca 세트는 이 작품의 또 다른 전곡 선택지다. Decca의 카탈로그는 배역과 녹음 발매 정보를 제공하며, Sutherland·Pavarotti 중심의 벨칸토 계보를 비교해 들을 때 유용하다. 주요 자료 Ricordi, Verdi: Il trovatore – Critical Edition: 자필 총보, 1853년 로마 리허설의 수정, 1853년 8월 인쇄본, 편성·배역과 오르간 대체안. Ricordi, Verdi: Le trouvère – Critical Edition: 1857년 파리 초연, 8개 수정 번호와 제3부 발레, 프랑스어 판본의 자료 상황. University of Chicago Press, Le trouvère critical edition: 파리판의 제3부 발레, 결말 재작성과 제4부 시작의 “Miserere” 재현에 관한 판본 소개. Archivio Storico del Teatro dell’Opera di Roma, Il trovatore: 로마 Teatro Apollo 초연 기록과 작품 정보. Bibliothèque nationale de France, Il trovatore catalog record: Ricordi 판본의 서지 기록과 연대 확인. Opéra national de Paris, Il Trovatore season page: 이탈리아어 제작의 배역, 두 부분의 공연 시간과 휴식 안내. Metropolitan Opera, 2024–25 Il trovatore season page: 특정 제작의 2시간 55분 공연 시간과 작품 개요. Lyric Opera of Chicago, Il trovatore learning resources: 집시 합창, 모루와 Azucena의 화형 회상에 관한 장면 해설. David Lawton, “Le trouvère and Performance Practice,” The Musical Quarterly: 1904·1923년 파리 공연과 1912년 녹음의 반복·절삭·템포 관행 연구. Metropolitan Opera, Il trovatore synopsis: 네 부의 줄거리와 인물 관계를 확인하는 기관 시놉시스. Metropolitan Opera Archives, repertory report: 해당 극장의 첫 공연일과 누적 공연 통계. Warner Classics, Verdi: Il trovatore (1956, Karajan, Callas Remastered): Callas·Karajan 전곡 녹음의 복원판과 경력 맥락. Naxos Historical, Enrico Caruso, Il trovatore excerpts: 1903–1906년 발췌 녹음의 수록 정보. Naxos Historical, Jussi Björling, Il trovatore: 1952년 RCA Victor 세션과 배역 정보. Edward Greenfield, “Verdi: Il Trovatore,” The Guardian: 2002년 Pappano·Gheorghiu·Alagna 녹음에 대한 동시대 비평. Decca Classics, Verdi: Il trovatore (Sutherland, Pavarotti, Bonynge): 1986년 전곡 녹음의 발매·배역 정보. La traviata 정보 Giuseppe Verdi, La traviata 개요 항목 내용 작곡가 Giuseppe Verdi (1813–1901) 작품명 La traviata 장르 이탈리아어 3막 오페라 대본 Francesco Maria Piave, Alexandre Dumas fils의 희곡 La Dame aux camélias에 바탕을 둠 작곡 시기 1852년 말–1853년 초 세계 초연 1853년 3월 6일, Venice Teatro La Fenice 기준 판본 Ricordi 비평판(1996), 1854년 Teatro San Benedetto 개정판을 본문으로 삼고 1853년 초연판을 Appendix II에 복원 초기 출판 Ricordi의 1853년 부분 성악판, 1855년 완전 성악·피아노판과 총보 공연 범위 전막 3막, 제2막만 두 장면으로 나뉨 IMSLP La traviata Wikipedia La traviata Giuseppe Verdi의 La traviata는 Francesco Maria Piave가 쓴 이탈리아어 대본의 3막 오페라다. 기준 텍스트는 1854년 Teatro San Benedetto 개정판이며, 1853년 Teatro La Fenice 초연판의 차이는 Ricordi 비평판 Appendix II에서 별도로 복원된다. 작품은 제1막의 파리 살롱, 제2막 1장의 파리 근교 시골집과 2장의 Flora Bervoix의 파리 살롱, 제3막의 Violetta Valéry의 침실을 거치며 사랑, 가족 명예, 사회적 낙인, 병든 몸의 시간을 압축한다. 출판 정보와 자료 Verdi와 Piave는 Alexandre Dumas fils의 희곡 La Dame aux camélias(1852)를 직접적인 무대 원천으로 삼았고, 희곡은 1848년 동명 소설을 바탕으로 한다. 두 사람은 1852년 10–11월과 1853년 2월에 대본을 다듬었으며, Verdi는 1853년 초연을 위해 작품을 완성했다. 제목 La traviata는 ‘길을 벗어난 여자’라는 뜻을 지닌다. 대본이 다루는 매춘과 도시의 질병, 동시대 파리의 생활은 당시 오페라 무대에서 드문 소재였다. 1853년 3월 6일 Venice Teatro La Fenice에서 세계 초연이 열렸다. 초연 리브레토는 검열 때문에 무대의 시간과 장소를 ‘파리와 그 근교, 약 1700년’으로 적었다. Verdi와 Piave가 의도한 동시대 배경, 초연 리브레토의 시대 표기, 후대 공연의 의상과 연출은 서로 다른 자료 범주로 다뤄진다. 초연 뒤 Verdi는 작품을 철회하고 첫 두 막의 다섯 곡을 새 가수의 음역과 표현 방식에 맞추어 고쳤다. 1854년 5월 6일 Venice Teatro San Benedetto에서 개정판이 처음 공연되었고, Verdi는 이 판을 자신이 준비한 최종본으로 여겼다. Ricordi는 1853년 3월 28일부터 5월 31일까지 19개 낱곡 가운데 11곡을 먼저 인쇄했지만 개정 결정 뒤 인쇄를 중단했다. 완전한 성악·피아노판은 1855년 1월에 인쇄를 마쳤고, 완전 총보도 같은 초기 출판 계보에 포함된다. Fabrizio Della Seta가 편집한 Ricordi·University of Chicago 비평판(1996)은 Verdi의 오토그래프, 산타가타의 스케치와 초안, La Fenice가 보존한 초연 시기 필사 총보, 1855년 Ricordi 인쇄본, 초판 파트와 초연 리브레토를 대조한다. 비평판의 본문은 1854년 판이며, 1853년 초연판에서 이듬해 바뀐 부분은 Appendix II에서 원래 형태로 복원된다. 따라서 현대 공연이 어느 텍스트를 대여했는지에 따라 특정 아리아와 이중창의 성악선, 프레이징, 다이내믹이 달라질 수 있다. 소요 시간 전막 공연은 인터벌을 포함해 약 2시간 55분에서 3시간으로 안내된다. Metropolitan Opera는 막별 35분·65분·30분과 인터벌 30분·20분을 합산한 약 3시간을 제시하고, Teatro La Fenice는 막별 35분·65분·35분과 인터벌 20분·20분을 합산한 2시간 55분을 제시한다. Naxos/Dynamic의 2021년 영상 카탈로그는 인터벌 운영이 다른 146분의 러닝타임을 기록한다. 그러므로 전막 음악과 무대 전체의 시간은 판본, 반복, 템포, 인터벌 운영을 함께 고려해 약 2시간 25분에서 3시간의 범위로 이해할 수 있다. 편성 성악과 합창 역할 성부 극적 기능 Violetta Valéry 소프라노 파리 사교계의 주인공, 사랑과 희생, 병의 시간을 노래함 Alfredo Germont 테너 Violetta와 사랑에 빠지고 공개적인 오해를 겪음 Giorgio Germont 바리톤 아들의 가족과 딸의 결혼을 위해 Violetta에게 이별을 요구함 Flora Bervoix 메조소프라노 제2막 2장의 파티를 주최함 Annina 메조소프라노. 일부 아카이브는 소프라노로 표기 Violetta를 돌보는 하녀 Gastone 테너 살롱의 손님이자 Alfredo의 소식을 전하는 인물 Baron Douphol 베이스. 일부 아카이브는 바리톤으로 표기 Violetta의 사교계 후원자 Marquis d’Obigny 베이스 Flora의 파티에 참석하는 귀족 Doctor Grenvil 베이스 제3막에서 Violetta의 병세를 돌봄 하인과 관리, 집시와 투우사, 파티 손님과 행렬은 남녀 혼성합창이 맡는다. 합창은 살롱의 사교적 표면, 제2막 2장의 가면무도회와 오락, 제3막의 바깥 카니발 소리를 연결해 Violetta의 사적 장면을 사회적 공간 안에 둔다. 관현악과 무대 밴드 기본 관현악은 플루트 2(제1 플루트는 피콜로 겸용), 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 4, 트럼펫 2, 트롬본 3, cimbasso, 팀파니, 큰북, 트라이앵글, 하프, 현악 5부로 구성된다. 무대 위에는 탬버린과 pikes가 지정된다. Ricordi 비평판은 pikes의 표기를 보존하지만, 구체적인 무대 기능은 제작 자료에 따라 달라질 수 있다. 제2막 2장의 바카날레(N.9)에는 무대 뒤 밴드가 붙는다. 이 밴드는 피콜로 2, 클라리넷 4, 호른 2, 트롬본 2, 캐스터네츠, 탬버린으로 적혀 있으며, 극장 관행에 따라 실제 배치와 인원은 조정된다. Verdi는 이 밴드의 모든 세부를 고정된 관현악 총보로 확정하지 않았으므로, 무대 밴드와 오케스트라 피트의 편성을 따로 기록한다. 세 막과 네 장면 제1막: Violetta의 살롱 작품은 병든 Violetta의 마지막 시간을 먼저 비추는 짧은 전주곡으로 문을 연다. 가느다란 현악 선과 낮은 현악의 사랑 주제가 제3막의 침실을 예고한 뒤, 무대는 8월의 파리 살롱으로 전환된다. 손님들의 합창과 춤이 진행되는 가운데 Alfredo가 Violetta에게 사랑을 고백하고, 두 사람은 Libiamo ne’ lieti calici의 축배에 함께 참여한다. 손님들이 떠난 뒤 Violetta는 Ah, fors’è lui… Sempre libera에서 사랑의 가능성과 자유로운 사교 생활을 한 호흡 안에 놓는다. Un dì, felice, eterea의 고백은 Alfredo의 사적 언어를 살롱의 공적 분위기와 겹치고, 멀리서 들리는 그의 목소리는 Violetta의 자기방어를 흔든다. 제1막은 집단 합창에서 독창적 콜로라투라로 좁혀지며 주인공의 선택을 다음 막으로 넘긴다. 제2막 1장: 시골집과 Germont의 요구 약 석 달 뒤인 1월, Violetta와 Alfredo는 파리 근교의 시골집에서 함께 산다. Alfredo가 잠시 자리를 비운 사이 Giorgio Germont가 찾아와 딸의 결혼과 가족 명예를 위해 Violetta에게 아들을 떠나 달라고 요청한다. 긴 대화와 이중창은 선악의 대결보다 서로 다른 가족 규범과 사랑의 가치가 교섭하는 장면으로 진행된다. Violetta는 자신의 병과 사회적 위치를 감수하며 이별을 선택하고 Alfredo에게 편지를 남긴다. Alfredo가 편지의 뜻을 오해한 뒤 Germont는 아들을 가족으로 돌려세우려 하고, Di Provenza il mar, il suol은 고향과 가족을 상기시키는 바리톤 아리아로 놓인다. Violetta의 희생은 개인적 감정과 Germont 가문의 요구를 같은 무대에 올려 제2막 2장의 공개적 모욕을 준비한다. 제2막 2장: Flora의 파티 같은 날 밤 Flora Bervoix의 파리 살롱에서는 가면무도회, 집시와 투우사 오락, 카드 도박이 이어진다. 무대 뒤 밴드와 합창이 오락의 속도를 만들고, Alfredo는 도박에서 얻은 돈을 Violetta 앞에 던져 그녀가 자신을 버렸다고 믿는 분노를 공개한다. Violetta는 Alfredo와 다시 사적인 말을 나누려 하지만, 인물들의 시선과 Germont의 질책이 장면을 공개적인 심판으로 바꾼다. 제3막: 침실과 마지막 재회 2월의 Violetta는 파리의 병실에 누워 있다. 제3막 전주곡은 제1막 전주곡의 가느다란 현악을 다시 들려주고, 바깥 카니발의 소리는 닫힌 침실과 대비된다. Violetta는 Addio, del passato에서 지난 사랑과 삶에 작별을 고하며, Germont의 편지를 통해 Alfredo가 자신의 희생을 알게 되었다는 사실을 확인한다. Alfredo와 Giorgio Germont가 도착하면 Parigi, o cara의 재회가 잠시 회복의 공간을 만든다. 그러나 병의 시간은 이미 끝에 가까워졌고, Violetta의 마지막 힘은 짧은 환희 뒤에 사라진다. 독창과 합창이 함께하는 최종 앙상블은 제1막의 화려한 사교 공간을 침실의 조용한 죽음으로 되돌리며, 전주곡에서 시작된 시간의 고리를 닫는다. Violetta의 목소리와 사회적 공간 Violetta의 성부는 세 막의 사회적 환경과 신체 조건에 맞추어 달라진다. 제1막의 콜로라투라는 살롱의 빠른 대화와 자기방어를 담당하고, 제2막 1장의 긴 이중창은 Germont의 요구 앞에서 사랑과 가족 명예를 협상하는 시간을 늘린다. 제3막의 짧은 호흡과 침묵, Addio, del passato의 절제된 선율은 병든 몸이 사용할 수 있는 소리의 범위를 보여 준다. Metropolitan Opera의 교육 자료는 동시대 도시의 매춘과 질병을 다룬 점을 Verdi의 작품 세계에서 드문 선택으로 설명한다. 이 배경은 Violetta의 개인적 선택을 파리 사교계, 가족 제도, 공개적 명예의 언어와 연결한다. 제2막 2장의 카드와 가면무도회, 제3막 바깥의 카니발은 Violetta가 침실에 머무는 동안에도 사회적 소리가 계속되는 방식으로 작동한다. 초연·개정·녹음 1853년 초연의 Violetta는 Fanny Salvini-Donatelli, Alfredo는 Lodovico Graziani, Giorgio Germont는 Felice Varesi가 맡았다. 1854년 Teatro San Benedetto 개정 공연에서는 Maria Spezia-Aldighieri, Giovanni 또는 Francesco Landi, Filippo Coletti가 새 중심 배역으로 언급된다. 초연의 반응과 개정 뒤의 수용은 가수, 수정된 성악선, 공연 조건이 함께 바뀐 역사적 사건으로 기록되며, 하나의 원인으로 환원되지 않는다. Deutsche Grammophon의 Carlos Kleiber 연보는 1976년 Bayerisches Staatsorchester와 함께한 뮌헨 La traviata 녹음을 기록한다. Decca의 카탈로그에는 Richard Bonynge 지휘, Joan Sutherland·Luciano Pavarotti·Matteo Manuguerra와 London Opera Chorus·National Philharmonic Orchestra가 참여한 전곡 녹음이 재발매되어 있다. 두 자료는 서로 다른 시기의 성악 전통과 음반 제작 조건을 남긴다. Capriccio C51204는 Roberto Paternostro 지휘, Lucia Aliberti·Peter Dvorský·Renato Bruson과 Tokyo Philharmonic Orchestra·Fujiwara Opera Chorus가 참여한 1990년 전곡 음반이며, 제1막 전주곡을 3분 30초로 표기한다. Josef Krips 지휘의 Orfeo C816112I 재발매는 Ileana Cotrubaş·Nicolai Gedda·Cornell MacNeil·Edita Gruberová와 Vienna State Opera Orchestra·Chorus의 녹음으로, 제1막 전주곡을 3분 50초로 제시한다. 두 카탈로그의 트랙 표기는 같은 악장의 템포와 매체 시간이 달라질 수 있음을 보여 준다. Naxos/Dynamic의 DYN-57955는 Teatro del Maggio Musicale Fiorentino에서 2021년 9월 28일 촬영한 공연을 2022년에 Blu-ray로 발매했다. Nadine Sierra, Francesco Meli, Leo Nucci가 주요 배역을 맡고 Zubin Mehta가 지휘했으며, 카탈로그 러닝타임은 146분이다. 이 영상은 1854년 비평판의 음악과 현대 무대 연출을 한 매체에 기록하지만, 영상의 인터벌 운영과 무대 설정을 악보의 고정 시간이나 초연 당시의 장면으로 소급하지 않는다. 주요 자료 1853년 초연판·1854년 개정판·1996년 비평판 자료와 편성: Ricordi, Verdi La traviata Critical Edition 작곡·개정·출판 연혁과 비평판 서문: University of Chicago Press, English introduction, Italian introduction 초연 날짜·초연 리브레토·배역: Corago, 1853 La Fenice event 3막 구성과 현대 공연 안내: Teatro dell’Opera di Roma archive, Teatro La Fenice 막별 장소·줄거리·주요 번호: Metropolitan Opera synopsis, Royal Opera House programme 동시대 배경과 작품의 도시·사회적 맥락: Metropolitan Opera education resource 역사적·스튜디오 전곡 녹음의 출연진과 제작 정보: Decca, Sutherland/Pavarotti, Deutsche Grammophon, Carlos Kleiber 1990년·2011년 전곡 음반의 트랙·출연진: Naxos/Capriccio C51204, Naxos/Orfeo C816112I 2021년 촬영·2022년 발매 영상과 러닝타임: Naxos/Dynamic DYN-57955 Simon Boccanegra 정보 개요 곡명: Simon Boccanegra 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 원작: Antonio García Gutiérrez의 희곡 Simón Bocanegra (1843) 대본: 1857년판 Francesco Maria Piave와 Giuseppe Montanelli, 1881년 개정판은 Piave의 원안에 Arrigo Boito가 크게 개작 대상 판본: 1857년 베네치아 초연 원판과 1881년 밀라노 개정판 초연: 1857년 3월 12일, Teatro La Fenice, Venice 개정판 초연: 1881년 3월 24일, Teatro alla Scala, Milan 범위: 프롤로그와 3막의 전곡 오페라, 두 판본의 텍스트·음악·공연 조건 비교 IMSLP: Simon Boccanegra Wikipedia: Simon Boccanegra Giuseppe Verdi의 Simon Boccanegra는 Antonio García Gutiérrez의 1843년 희곡을 바탕으로 한 프롤로그와 3막의 오페라다. 1857년 원판과 1881년 개정판은 제노바의 코르사르 출신 Simon Boccanegra가 Doge가 되고 잃어버린 딸 Maria를 Amelia라는 이름으로 다시 만난다는 줄거리를 공유하지만, 제1막의 중심 장면과 텍스트·음악의 배치가 다르다. 1857년판은 축제와 군중의 막 피날레를 두고, 1881년판은 Palazzo degli Abati의 의회실에서 귀족과 민중의 충돌을 집중한다. 두 판본 모두 제3막에서 Simon과 Jacopo Fiesco의 오래된 원한이 풀리고, Gabriele Adorno에게 정치적 계승이 넘어가는 구조로 끝난다. 출판 정보와 판본 Verdi는 1856년 여름 Piave에게 García Gutiérrez의 희곡을 오페라로 만들겠다는 뜻을 전했고, 파리에서 망명 중이던 시인·정치가 Giuseppe Montanelli와 대본을 다듬었다. Roger Parker가 편집한 Ricordi의 1857년 비평판은 Verdi의 자필 총보 두 층을 대조한 첫 판본으로, 1857년에 버려진 재료와 1881년 개정 때 남겨 둔 재료가 함께 보존되어 있음을 설명한다. 이 판본은 작곡가가 1857년에 실제로 쓴 성부와 강약·프레이징을 다시 살피게 한다. 1857년판은 1857년 3월 12일 Teatro La Fenice에서 초연되었다. 초연의 주역들은 박수를 받았지만 당시 평론은 어두운 극적 색채와 선언적인 성악 처리 때문에 관객 반응이 미지근했다고 전한다. Verdi는 1857년 6월 Reggio Emilia 재공연을 직접 감독하며 음악과 장면을 고쳤고, 이후에도 작품은 주요 극장의 안정적인 레퍼토리로 이어지지 못했다. Giulio Ricordi는 1870년대 후반 작품을 다시 무대에 올릴 방법을 찾았고, 1880년 Verdi와 Arrigo Boito의 협업을 연결했다. Verdi가 1880년 11월 20일 Giulio Ricordi에게 보낸 편지는 중간부를 크게 고치고 Petrarch의 평화 호소와 의회실 장면을 넣자는 계획을 담고 있다. Boito는 1881년 1월 21일 편지에서 자신의 이름을 공식 표지에 넣지 말고 Piave의 이름을 남겨 달라고 요청했다. 따라서 1881년판은 Piave의 원안을 바탕으로 Boito가 큰 개작을 가하고 Verdi가 음악을 다시 쓴 공동 작업으로 설명하는 편이 정확하다. 1881년 개정판은 3월 24일 Teatro alla Scala에서 초연되었다. 개정판은 같은 원작과 인물군을 유지하면서 제1막의 정치적 무게와 인물 사이의 관계를 다시 배치한 별도의 작품 상태다. Casa Ricordi의 비평판 안내도 두 버전을 서로 다른 음악적·정치적 환경에 반응한 판본으로 설명한다. 항목 1857년 원판 1881년 개정판 제1막 중심 Doge 즉위 축제, 항구와 군중, 합창·발레 피날레 Palazzo degli Abati 의회실, 귀족·민중 의원과 Petrarch의 평화 호소 대본 표기 Piave와 Montanelli의 작업 Piave 이름을 표지에 남기고 Boito가 텍스트를 크게 개작 Simon의 정치극 군중과 납치 사건이 축제 장면 속에서 충돌 의회실의 파벌 대립과 Simon의 통합 호소가 장면의 중심 Paolo의 처리 초기 Verdi의 번호형 구성 안에 놓임 독살 음모와 권력 욕망이 더 선명하게 연결됨 소요 시간 전곡 시간은 판본과 공연 조건에 따라 달라진다. 1881년판의 Naxos Historical 1957년 녹음은 약 2시간 20분이며, Teatro alla Scala의 2024년 공연 안내는 인터미션과 장면 전환을 포함해 2시간 54분으로 제시한다. San Francisco Opera는 인터미션 한 회를 포함한 약 2시간 50분을 안내한다. 1857년 원판의 Opera Rara 녹음은 약 2시간 13분으로, 개정판과 다른 번호와 피날레를 포함한다. 기준 판본과 조건 전곡 시간 구조 단위의 대략적인 시간 Naxos Historical 1957 1881년판, Santini 지휘 약 2시간 20분 프롤로그 약 29분, 제1막 장면 1 약 34분, 제1막 장면 2 약 21분, 제2막 약 29분, 제3막 약 28분 Teatro alla Scala 2024 1881년판, 인터미션·전환 포함 약 2시간 54분 프롤로그 약 28분, 제1막 장면 1 약 30분, 제1막 장면 2 약 24분, 제2막 약 32분, 제3막 약 26분과 전환·휴식 Opera Rara 2025 Roger Parker 비평판의 1857년 원판 약 2시간 13분 1857년판의 번호와 축제형 제1막 피날레를 포함 작품의 표준 시간은 하나의 숫자로 고정되지 않으며, 선택한 판본과 휴식·무대 전환을 함께 제시할 때 공연 조건을 정확히 설명할 수 있다. 편성 1881년판의 공개 악보 목록에는 독창자와 혼성 합창 외에 다음 관현악이 적힌다. 목관: Piccolo, 2 Flutes, 2 Oboes, 2 Clarinets, Bass Clarinet, 2 Bassoons 금관: 4 Horns, 2 Trumpets, 3 Trombones, Cimbasso 타악기와 현악: Timpani, Bass Drum, Strings 무대 밖 악기: 4 Trumpets, 4 Trombones, 2 Drums, Bells, Harp 무대 밖 금관과 타악기는 제노바의 군중·의회·궁정이 서로 다른 공간에 놓인다는 설정과 연결된다. 현대 제작에서 실제 인원과 배치는 극장의 악보 대여판과 무대 계획에 따라 달라질 수 있으므로, 1857년판과 1881년판의 편성은 판본별 자료로 따로 제시된다. 주요 성부는 Simon Boccanegra와 Paolo Albiani의 Baritone, Amelia 또는 Maria Boccanegra의 Soprano, Jacopo Fiesco 또는 Andrea의 Bass, Gabriele Adorno의 Tenor, Pietro의 Baritone이다. Amelia의 Maid는 Mezzo-Soprano가 맡으며, 합창은 선원·장인·민중·귀족 의원·병사·궁정 인물로 장면마다 역할을 바꾼다. 1881년 리브레토의 의회실에는 귀족 의원 12명과 민중 의원 12명, 해상 영사와 전령이 배치되어 합창이 단순한 배경이 아니라 정치적 집단으로 기능한다. 인물과 줄거리 Prologue 14세기 제노바의 San Lorenzo 성당 앞 광장에서 Paolo와 Pietro는 코르사르 Simon Boccanegra를 민중파의 후보로 내세워 Doge로 만들려 한다. 귀족 Jacopo Fiesco는 딸 Maria의 죽음을 애도하고 Simon을 원망한다. Fiesco의 아리아 Il lacerato spirito는 이 상실을 프롤로그의 성악 중심에 놓는다. Simon은 Maria와의 사이에서 태어난 아이가 사라졌다는 사실만 알고 Fiesco 궁전으로 들어간다. 그 사이 Maria가 죽었다는 사실이 드러나고, 바깥의 군중은 Simon을 새 Doge로 선출한다. 권력의 탄생과 가족의 상실이 같은 장면 안에서 겹친다. 제1막 25년 뒤, Grimaldi 가문에서 Amelia라는 이름으로 자란 Maria는 Gabriele Adorno와의 사랑을 Come in quest’ora bruna로 노래한다. Simon이 그녀를 만나면서 초상화와 기억이 부녀 관계를 드러내고, Oh qual beltà! 장면은 정치 지도자와 잃어버린 딸의 재회를 무대 중앙에 둔다. Fiesco는 Andrea라는 이름으로 숨어 Gabriele를 돕고 있으며, Paolo는 Amelia의 결혼을 막은 뒤 납치를 계획한다. 1881년판의 제1막 장면 2는 Palazzo degli Abati의 의회실로 이동한다. 귀족과 민중의 의원들이 서로 마주 선 가운데 Simon은 Petrarch의 편지를 근거로 제노바와 베네치아의 평화를 호소한다. Amelia 납치 소동과 Gabriele의 오해가 이 정치적 장면에 끼어들고, Simon은 Paolo에게 범인을 찾으라고 명령한다. 합창 Plebe! Patrizi! Popolo는 개인의 갈등을 도시 전체의 대립으로 넓힌다. 1857년판에는 이 의회실 장면 대신 Doge 즉위 축제, 항구의 배와 깃발, 합창과 발레가 놓이며 제1막은 A festa!로 끝난다. 제2막 1881년판의 제2막은 Doge의 방에서 Paolo가 권력을 유지하기 위해 인물들을 움직이는 장면으로 시작한다. Gabriele는 Amelia를 둘러싼 질투에 사로잡혀 Udisti?와 Vil disegno로 복수의 의지를 드러낸다. Amelia는 Gabriele에게 Simon이 자신의 아버지임을 알리고, Simon은 이미 독이 든 물을 마신 뒤에도 Gabriele를 용서한다. 이 용서가 정치적 화해로 이어질 가능성이 열리지만, Paolo의 음모는 마지막 막까지 계속된다. 1857년판과 1881년판의 Paolo 관련 사건은 같은 방식으로 진행되지 않는다. 1857년 원판을 다룬 비평과 녹음은 독살과 처형으로 이어지는 1881년판의 성격화가 원판에서 더 짧거나 다른 장면으로 처리된다고 설명한다. 독살의 세부는 두 판본의 공통 줄거리가 아니라 개정판의 장면으로 특정된다. 제3막 반란이 진압된 Doge의 궁전에서 Paolo의 음모가 무너지고, Fiesco와 Simon은 마침내 서로의 상실을 인정한다. Simon과 Fiesco의 마지막 장면 Inorridisco! no, Simon, non questa는 Maria의 죽음과 Amelia의 생존이 오래된 원한을 바꾸는 지점이다. Simon은 바다를 회상하며 쓰러지고, Gran Dio li benedici의 마지막 축복은 Amelia와 Gabriele의 미래를 향한다. Fiesco가 Amelia를 자신의 손녀로 받아들이고 Gabriele가 다음 Doge가 될 가능성이 남으면서, 정치 권력의 교체가 가족의 화해와 함께 마무리된다. 번호와 판본별 구조 1857년과 1881년의 리브레토 색인은 같은 인물과 장면을 서로 다른 번호로 묶는다. 다음 번호들은 전곡을 처음 따라갈 때 판본 차이를 확인하는 데 필요한 대표 항목이다. 위치 1857년 원판 1881년 개정판 Prologue Il lacerato spirito, Suona ogni labbro il mio nome Il lacerato spirito, Suona ogni labbro il mio nome 제1막 초반 Come in quest’ora bruna, Ti veggo alfin, Simon–Amelia 장면 Come in quest’ora bruna, Anima mia, Oh qual beltà! 제1막 종결 A festa! 축제·합창·발레 피날레 Messeri, il re di Tartaria vi porge, Plebe! Patrizi! Popolo 의회실 피날레 제2막 Udisti?, Vil disegno, Amelia–Gabriele 장면, 삼중창 같은 핵심 장면을 개정된 순서와 대사로 배치 제3막 Doge, a’ tuoi passi è scorta, Simon–Fiesco 이중창, 사중창 피날레 Evviva il Doge!, Inorridisco! no, Simon, Gran Dio li benedici 1857년판은 Amelia의 카바티나와 카발레타, 축제 장면처럼 번호형 구조를 더 많이 보존한다. 1881년판은 Amelia와 Simon의 인식 장면을 앞세운 뒤 의회실 피날레에서 합창과 정치적 논의를 한 덩어리로 묶는다. 이 차이는 개정판의 대사가 더 짧다는 일반론보다, 어느 장면이 막의 종결을 담당하고 합창이 어떤 집단을 대표하는지를 바꾼다. 무대 조건과 공연 관행 1857년 리브레토는 제1막 축제 광장에 장식한 배와 발코니, 깃발과 종려나무, 여러 계층의 군중을 배치한다. 1881년판 제1막 장면 2는 Palazzo degli Abati 의회실에 귀족·민중 의원을 양편으로 나누고, Simon의 좌석과 전령을 중심에 둔다. 제2막의 Doge 방에는 발코니와 암포라가 놓이며, 개정판의 독살 장면에서는 잔이 소도구가 된다. 현대 공연은 이탈리아어 노래에 영어 자막 또는 슈퍼타이틀을 붙이는 경우가 많지만, 이는 1857년 초연의 관행과는 다른 전달 조건이다. 1857년판과 1881년판을 함께 공연하거나 녹음할 때에는 의회실 장면을 별도의 번호로 유지하는지, 무대 밖 금관을 실제로 분리 배치하는지, 전환과 인터미션을 어디에 두는지를 제작 자료에 명시해야 한다. 자료에서 확인되는 컷 목록은 제작과 녹음별로 다르며, 보편적인 공연 관행으로 정리되지 않는다. 초연, 수용과 직접 자료 1857년 초연은 주역들의 호평과 관객의 미지근한 반응이 함께 기록된 공연이다. Casa Ricordi의 1857년 비평판 안내는 작품이 곧바로 안정적인 레퍼토리로 자리 잡지 못했고, 1870년대 초에는 주요 극장에서 재공연이 거의 사라졌다고 설명한다. Oxford의 Roger Parker 항목은 이를 완전한 실패보다 중간 정도의 성과로 표현한다. 1857년판의 초기 수용은 초연과 재공연이 있었으나 지속적인 성공으로 정착하지 못한 과정으로 기록된다. 1881년 개정판은 La Scala에서 큰 성공을 거두었지만, Teatro alla Scala의 작품 소개는 현재의 안정적인 레퍼토리 지위가 1965년 Gianandrea Gavazzeni의 부활과 1971–72년 Claudio Abbado·Giorgio Strehler 제작을 거치며 굳어졌다고 설명한다. 개정판 초연의 성공과 후대의 레퍼토리 정착은 서로 다른 시점의 수용 사건이다. Verdi의 1880년 11월 20일 편지는 개정 과정의 음악적·극적 목표를 직접 보여 준다. 그는 Fiesco에 깊은 Bass가 필요하다고 지적하고, Amelia 납치 사건이 Petrarch의 평화 호소와 의회실 장면을 끊도록 중간부를 다시 만들자고 제안했다. 이 편지는 개정판의 정치극적 중심을 설명하는 자료지만, 편지의 당시 막 번호를 현재 악보의 막 번호와 일대일로 맞추는 근거는 아니다. 2026년 Presto 인터뷰에서 Ludovic Tézier, Marina Rebeka, Francesco Meli는 2024년 Naples 공연 녹음을 준비하며 Simon을 복합적인 색채의 인물로 이해하고, Amelia의 인식 장면과 Gabriele의 정치적 전환을 역할의 중심으로 삼았다고 설명한다. 세 가수는 두 번의 라이브 공연과 리허설을 조합한 녹음에서 앙상블 편집이 어려웠고, 장면별로 역할을 익힌 뒤 여러 녹음을 듣고 악보로 돌아갔다고 말한다. 이 자료는 Verdi의 의도를 확정하는 증언이 아니라, 현대 가수가 1881년판의 관계와 앙상블을 준비한 방식을 보여 준다. 주요 레코딩 Tito Gobbi, Boris Christoff, Victoria de los Angeles, Giuseppe Campora, Rome Opera House Orchestra and Chorus, Santini, 1957: Naxos Historical 책자는 통상 공연되는 1881년판의 녹음일과 약 2시간 20분의 총시간을 제시한다. 이 녹음은 1881년판의 번호 배열과 Santini의 지휘를 확인하는 역사적 자료다. Piero Cappuccilli, Mirella Freni, Nicolai Ghiaurov, José van Dam, José Carreras, La Scala Orchestra and Chorus, Claudio Abbado, 1977: Gramophone의 Alan Blyth는 Giorgio Strehler 제작과 연결된 Abbado의 장면 호흡과 관현악 통제를 높게 평가하고 Cappuccilli의 긴 호흡과 권위를 강조한다. 2018년 재평가도 이 녹음을 1881년판의 대표적 해석 전통 안에서 다시 다룬다. 이 평가는 Gramophone 비평가의 관점이다. Leo Nucci, Kiri Te Kanawa, Ruggero Raimondi, José Carreras, Georg Solti, 1989: Gramophone은 Solti의 해석을 Abbado와 비교하면서 지휘가 더 무겁고 느리게 들린다고 평한다. 이는 템포의 절대 측정치가 아니라 비평가가 들은 장면 호흡과 관현악 중량에 관한 판단이다. 1857년 원판, Roberto Frontali·Kristine Opolais·Giuseppe Gipali, Riccardo Frizza, Parma Festival, 2022: OperaWire의 비평은 원판의 초기 번호형 구성과 축제형 제1막 피날레를 1881년 의회실 장면과 대비한다. Frizza의 유연한 템포와 장면 연결을 장점으로 들면서도 무대 연출의 혼란을 지적하므로, 원판을 독립된 작품 상태로 들을 근거를 제공하는 비교 자료가 된다. 1857년 원판 비평판, Opera Rara, Hallé, Opera North Chorus, RNCM Opera Chorus, Mark Elder, 2025: Roger Parker 비평판을 사용한 이 녹음은 1857년 원판의 완전한 번호와 축제형 피날레를 약 2시간 13분에 담는다. Presto의 Katherine Cooper와 MusicWeb의 Philip Harrison은 Amelia의 더 많은 콜로라투라, 오케스트레이션과 합창 역할의 차이, Elder의 장면 연결을 설명한다. “최초 스튜디오 녹음”이라는 표현은 Opera Rara의 발매 범위에 속하며, 이전 방송 녹음의 존재와 구분한다. 주요 자료 Giuseppe Verdi: Simon Boccanegra (Venice 1857), Casa Ricordi, Roger Parker 편집. 1857년 원판의 자필 총보, 초연 수용, 재공연과 비평판의 성격을 확인했다. Roger Parker, Oxford Music Online. 원작·판본·초연 및 1857년 수용의 학술적 맥락을 대조했다. Metropolitan Opera Simon Boccanegra playbill. 1881년판 배역, 장면별 시놉시스, 의회실 장면과 현대 공연 조건을 확인했다. 1857년 초연 리브레토 및 1881년 개정판 리브레토, Internet Archive. 두 판본의 장면, 번호와 무대 지시를 대조했다. 1881년판 장면·번호 색인 및 1857년판 색인, Libretti d’opera. 대표 아리아·앙상블과 판본별 막 피날레를 확인했다. Verdi–Ricordi 1880년 11월 20일 편지 및 Boito–Ricordi 1881년 1월 21일 편지, Digital Archivio Ricordi. 개정 과정의 의회실 장면과 대본 표기 문제를 확인했다. Giulio Ricordi–Boito 1880년 7월 24일 편지, Digital Archivio Ricordi. Boito에게 Boccanegra 개작을 요청한 경위를 확인했다. Simon Boccanegra, Teatro alla Scala 2024. 개정판의 프롤로그·3막 범위, 현대 공연 시간과 후대 레퍼토리 맥락을 확인했다. Simon Boccanegra in a nutshell, Opera North. 원작과 인물 관계, 현대 관객을 위한 줄거리 설명을 대조했다. Naxos Historical 8.110119-20 booklet. 1957년 1881년판 녹음의 연주자, 녹음일과 시간 정보를 확인했다. Verdi’s original version from Sir Mark Elder and Opera Rara 및 Opera Rara 발매 정보. 1857년 원판의 녹음·비평·트랙 범위를 확인했다. Abbado 녹음 비평, Solti 녹음 비평, Gramophone. 1881년판의 서로 다른 지휘·관현악 해석을 비평가의 관점으로 확인했다. Festival Verdi 2022 review, OperaWire. 1857년 원판 공연의 구조와 해석에 관한 독립 비평을 확인했다. Presto performer interview, Katherine Cooper, 2026. Tézier·Rebeka·Meli의 현대 역할 준비와 녹음 과정을 확인했다. Simon Boccanegra, MusicWeb International, Philip Harrison. Opera Rara 1857년판 녹음의 독립 비평을 확인했다. Un ballo in maschera 정보 개요 곡명: Un ballo in maschera 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 대본: Antonio Somma, Eugène Scribe의 Gustave III ou Le bal masqué 전통에 기반 장르: 3막 이탈리아어 오페라 작곡 시기: 1857–1859년 초연: 1859년 2월 17일, 로마 Teatro Apollo. Boston 총독 Riccardo를 주인공으로 한 판본. 범위: 1859년 로마 초연판을 기준으로 한 전곡. 스웨덴 왕 Gustav III 설정의 복원판도 함께 설명한다. IMSLP: Un ballo in maschera Wikipedia: Un ballo in maschera Un ballo in maschera는 Giuseppe Verdi가 Antonio Somma의 이탈리아어 대본에 붙인 3막 오페라다. 1859년 로마 초연판은 Boston 총독 Riccardo, 그의 친구 Renato, Renato의 아내 Amelia, 점쟁이 Ulrica, 페이지 Oscar를 중심으로 전개된다. 대본의 출발점인 1792년 Stockholm의 Gustav III 암살과 스웨덴 이름을 되살린 복원판에서는 이 인물들이 Gustavo, Anckarström, Arvidson으로 바뀌며, 세 막의 궁정·점술 장면·처형장·가면무도회라는 구조는 유지된다. 출판 정보와 검열 Verdi와 Somma는 Eugène Scribe가 쓴 Gustave III ou Le bal masqué의 대본 전통과 실제 Gustav III 암살 사건을 바탕으로 작업했다. 나폴리 San Carlo의 검열은 왕의 암살과 친구의 아내를 향한 사랑, 무도회와 무대 살인을 문제 삼았고, Verdi가 요구를 거부한 뒤 작품은 로마에서 다시 협상되었다. 로마 검열은 유럽 밖의 배경을 요구했고, 주인공은 Boston 총독 Riccardo로, 친구 Anckarström은 Renato로 바뀌었다. 이 과정에서 Gustavo III, Una vendetta in domino, Un ballo in maschera라는 제목과 배경의 단계가 생겼다. 1859년 2월 17일 Teatro Apollo에서 초연된 판은 Boston 설정이며, Ricordi의 초판 연도는 자료에 따라 1859년 또는 1860년으로 기록된다. 1859년 로마에서 인쇄된 리브레토는 작품을 3막 이탈리아어 멜로드라마로 명시한다. 소요 시간 전곡은 약 2시간 20분에서 2시간 45분이다. 컷, 인터미션, Boston판과 스웨덴판의 장면 선택에 따라 실제 공연 시간은 달라진다. 편성 주요 배역: Riccardo/Gustavo(테너), Amelia(소프라노), Renato/Anckarström(바리톤), Ulrica/Arvidson(콘트랄토), Oscar(소프라노, 바지 역할), Samuel/Horn(베이스), Tom/Ribbing(베이스), Silvano(베이스), 판사와 Amelia의 하인 관현악: 피콜로, 플루트, 오보에 2, 잉글리시 호른, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 4, 트럼펫 2, 트롬본 3, 침바소, 팀파니, 심벌즈, 큰북, 하프, 현악 5부 무대 음악: 무대 밖 관악 반다와 종, 제3막 가면무도회의 무대 위 소규모 현악 앙상블 Flaminio Online과 로마 아카이브의 편성은 기본 관현악과 무대 음악을 따로 적는다. 무대 밖 악기의 수와 배치는 판본과 연출에 따라 달라질 수 있으며, 제3막의 무도회에서는 무대 위 현악이 춤을 계속 연주하는 동안 암살 장면이 진행된다. 검열로 달라진 두 배경 역사적 출발점은 1792년 Stockholm 가면무도회에서 살해된 Gustav III다. Scribe와 Somma는 여기에 통치자와 친구, 친구의 아내, 점쟁이, 음모자 사이의 사랑과 질투를 더했다. Amelia와 Anckarström의 결혼, 그리고 두 사람의 관계를 둘러싼 삼각관계는 역사적 기록이 아니라 대본이 만든 극적 관계다. Boston판에서는 Riccardo가 Boston 총독이고 Renato가 그의 비서이자 친구이며, Ulrica는 Boston의 점쟁이로 등장한다. 스웨덴판에서는 Gustavo III, Anckarström, Arvidson이라는 이름과 1792년 왕궁의 배경을 되돌린다. 최근 복원 공연은 역사적 맥락을 선명하게 하지만, 두 설정 모두 사랑의 은폐, 친구의 배신, 예언, 가면무도회의 살인이라는 음악적 구조를 공유한다. 3막 구성과 주요 번호 제1막: 궁정과 Ulrica의 점술 Riccardo는 무도회 초대 명단에서 Amelia의 이름을 보고 사랑에 잠긴다. Renato는 통치자를 향한 음모를 경고하고, Oscar는 가벼운 콜로라투라 성악으로 궁정의 밝은 표면을 유지한다. Riccardo가 변장해 Ulrica의 점술 장소에 들어가면, Amelia는 처형장 근처에서 사랑을 끊을 약초를 찾고, 점쟁이는 Riccardo가 자신이 처음 악수하는 친구의 손에 죽을 것이라고 예언한다. 그 친구가 Renato라는 사실이 밝은 군중 장면과 죽음의 예고를 한 자리에 놓는다. Riccardo의 Dì tu, se fedele와 제1막의 앙상블은 통치자의 사적인 사랑과 공적인 궁정 의례를 연결한다. Ulrica의 낮은 성부와 점술 장면의 어두운 색채는 Oscar의 가벼운 선율과 대조된다. 제2막: 처형장과 사랑의 발각 Amelia는 밤의 처형장 근처에서 약초를 찾고 Riccardo와 만나 서로의 사랑을 확인한다. Anckarström 또는 Renato가 음모를 피해 통치자를 구하러 오면서 두 사람은 즉시 헤어져야 한다. Amelia의 베일이 떨어져 남편이 그녀를 알아보고, 사랑의 이중창은 곧 공개적인 수치와 우정의 파괴로 바뀐다. 처형장이라는 장소는 정치적 폭력과 개인적 욕망을 같은 무대에 놓는다. Verdi는 낮은 음역의 관현악과 성악의 긴 호흡으로 Amelia의 결단과 Riccardo의 절박함을 이어 가며, 제3막의 복수와 제비뽑기를 준비한다. 제3막: 복수와 가면무도회 Renato는 Amelia를 죽이려 하지만 아들을 만나게 해 달라는 그녀의 청을 받아들인다. Amelia의 Morrò, ma prima in grazia는 결혼과 모성에 대한 마지막 호소이고, Renato의 Eri tu는 친구와 아내에게 느낀 배신과 과거의 사랑을 함께 드러낸다. Samuel과 Tom이 합류해 암살을 계획하고, 제비뽑기로 Renato가 살해자로 정해진다. Riccardo는 Ma se m'è forza perderti에서 Amelia와 Renato를 떠나보내기로 결심한다. 마지막 가면무도회에서는 Oscar가 왕의 가면을 알려 주고, 무대 위 현악 앙상블의 춤과 음모자들의 변장이 겹친다. Renato가 Riccardo를 찌른 뒤 Riccardo는 Amelia의 결백과 Renato의 사면을 밝히고 죽는다. Metropolitan Opera는 무도회에서 반복되는 화음이 우아한 표면 아래 긴장을 계속 높인다고 설명하며, Flaminio Online은 춤 음악과 암살이 동시에 진행되는 무대 처리를 강조한다. 성악과 관현악의 무대 기능 Oscar의 콜로라투라적이고 장난스러운 선율, Ulrica의 낮고 기괴한 색채, Amelia의 장식이 적은 진지한 성악선은 세 인물의 극적 위치를 구분한다. Riccardo의 가벼운 통치자 모습은 사랑의 독백과 대조되고, Renato의 바리톤 아리아는 친구의 충성과 복수가 뒤집히는 순간을 맡는다. 오페라 자료와 공연 기록은 제3막의 무대 음악을 별도 부분으로 기록한다. 무도회 현악은 무대 위에서 사교의 리듬을 계속 제공하고, 관현악의 반복 화음과 성악의 대사가 그 위에서 암살을 진행한다. 공적 축제의 소리와 사적인 파국이 같은 장면에 놓이는 이유가 이 편성에서 구체화된다. 초연과 수용 초연은 1859년 2월 17일 로마 Teatro Apollo에서 이루어졌고, 로마 오페라 역사 아카이브에는 1885년부터 2015–2016년까지의 공연 기록이 이어진다. 초연판의 Boston 설정은 20세기 후반까지 널리 공연되었으며, 최근에는 Teatro dell'Opera di Roma와 Metropolitan Opera를 비롯한 극장들이 Gustav III와 Stockholm을 되살린 복원판을 선보였다. 두 공연 전승은 서로 다른 지명과 인물명을 사용하지만, Verdi의 3막 음악과 Somma의 관계망을 공유한다. 주요 자료 Teatro dell'Opera di Roma, 역사 아카이브 및 2016년 공연 해설: 초연, 배역, Scribe 원천, 스웨덴 복원판 Metropolitan Opera, 공식 프로그램 노트 및 교육 자료: 검열 연대기, 주요 번호, 두 배경과 무도회 장면 Teatro La Fenice, Un ballo in maschera 프로그램 PDF: 나폴리·로마 검열과 Boston판의 성립 Flaminio Online, Un ballo in maschera 작품 안내: 3막 줄거리, 배역별 성악선, 무대 위 현악과 관현악 편성 Berkeley Digital Collections, 1859년 리브레토: 초연판의 3막 이탈리아어 멜로드라마와 서지 정보 La forza del destino 정보 개요 곡명: La forza del destino 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 대본: Francesco Maria Piave, Ángel de Saavedra 원작, 1869년판에는 Antonio Ghislanzoni의 보완 텍스트 포함 언어·형식: 이탈리아어 4막 오페라 판본: 1862년 St. Petersburg 초연판, 1869년 Milan La Scala 개정판 주요 공연판: 1869년판 초연: 1862년 11월 10일, St. Petersburg Imperial Theatre(Bolshoi Kamenny Theatre) 개정판 초연: 1869년 2월 27일, Milan La Scala IMSLP: La forza del destino Wikipedia: La forza del destino 작품의 성격 Giuseppe Verdi의 La forza del destino는 우발적인 총격에서 시작된 가족의 복수와 두 연인의 분리를 4막으로 펼치는 이탈리아어 오페라다. Leonora di Vargas, Don Alvaro, Don Carlo di Vargas의 삼각 관계가 스페인과 이탈리아의 수도원·군영·여관을 거치며 이어지고, Verdi는 제1막의 짧은 Preludio 또는 1869년판의 대규모 Sinfonia, 독창·이중창·합창, 무대 밴드와 수도원 기도를 한 극적 연쇄로 묶는다. 1862년판과 1869년 개정판은 서곡, 장면 배열, 대본의 일부, 결말이 서로 다르므로 같은 제목 아래에서 두 음악 상태를 구별해 기록한다. 원작과 성립 과정 대본은 Ángel de Saavedra, Duke of Rivas의 희곡 Don Álvaro o la fuerza del sino를 바탕으로 Francesco Maria Piave가 작성했다. Friedrich Schiller의 Wallensteins Lager에서 가져온 장면이 더해졌고, 1869년판에는 Antonio Ghislanzoni가 일부 텍스트를 보완했다. Andrea Maffei의 번역과 추가 문안도 대본 계보에 포함되지만, Piave를 전면적으로 대체한 새 대본으로 볼 수는 없다. Verdi는 1861년 러시아 상연을 위한 오페라를 완성했다고 알렸으나, Leonora를 맡기로 한 Emilia La Grua의 병 때문에 귀국했다. 1862년 여름 Sant’Agata에서 구조와 관현악을 다듬은 뒤 러시아로 돌아가 리허설 중에도 가수에 맞춘 수정을 계속했다. 첫 공연 뒤 Madrid와 Rome에서 추가 수정이 이루어졌고, Verdi는 결말에 인물이 너무 많이 죽는 문제와 극적 응집을 계속 고민했다. 그 결과 1869년 Milan 개정판은 새 서곡과 재배열된 장면, 영적 결말을 갖추게 되었다. 판본과 초연 1862년판은 11월 10일 St. Petersburg의 Imperial Theatre에서 초연되었다. Corago와 Ricordi는 이 날짜를 사용하며, 일부 악보 목록의 11월 22일 표기는 구력·신력 또는 데이터 입력 차이가 남은 보조 기록이다. 1869년 2월 27일 Milan La Scala에서 열린 개정판 초연은 Eugenio Terziani의 지휘로 이루어졌고, 오늘날 극장과 출판사가 주로 사용하는 공연판은 이 개정판에 가깝다. 두 판본의 차이는 마지막 장면에 가장 크게 드러난다. 1862년판에서는 Leonora와 Carlo가 죽은 뒤 Alvaro도 절벽으로 향하는 절망적 결말이 전승되며, 1869년판에서는 Alvaro가 살아남아 수도원 공동체 안에서 분노를 누그러뜨리는 삼중창으로 끝난다. Ricordi는 이 변화를 세 주인공의 무위와 신앙적 화해를 대비한 개정으로 설명한다. 판본과 제작에 따라 장면 번호와 대본도 함께 달라진다. 소요 시간 공연판에 따라 인터미션을 포함한 전곡은 대체로 3시간대에 놓인다. Teatro alla Scala의 2024년 제작은 약 3시간 53분으로, 1·2막 80분, 3막 60분, 4막 38분과 휴식 시간을 제시한다. Royal Opera House의 2019년 안내는 음악만 약 3시간으로 구분한다. 서곡을 단독으로 연주하면 Nashville Symphony가 약 8분으로 제시하는 1869년 Sinfonia가 전곡 시간에 더해진다. 편성 전곡은 독창자와 혼성 합창, 플루트(피콜로 겸주)와 플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 2(제2주자는 베이스 클라리넷 겸주), 바순 2, 호른 4, 트럼펫 2, 트롬본 3, 저음 금관을 사용한다. 팀파니와 여러 타악기, 하프 2, 현악 5부가 기본 관현악을 이룬다. Kalmus의 연주판에는 성악 11역과 무대 밴드의 트럼펫 6, 북 4, 오르간이 별도로 표시되며, 이 Banda는 장면에 따라 무대 안팎에서 군중과 전쟁의 소리를 보탠다. 주요 배역은 Leonora di Vargas(소프라노), Don Alvaro(테너), Don Carlo di Vargas(바리톤), Marchese di Calatrava(베이스), Preziosilla(메조소프라노), Padre Guardiano(베이스), Fra Melitone(바리톤 또는 베이스), Curra, Mastro Trabuco, Alcalde, Surgeon이다. 여관 손님, 병사, 수도사, 순례자, 학생, 군중과 무대 밴드가 장면별로 합류한다. 서곡의 편성은 전곡의 무대 밴드와 다르게 적힐 수 있으므로, 독립 연주용 Sinfonia의 악기 목록을 전곡에 그대로 적용하지 않는다. 1막: 우발적 총격과 도피 Leonora는 아버지 Marchese di Calatrava의 반대에도 Don Alvaro와 도피하려 한다. Marchese가 두 사람을 발견해 Alvaro의 신분과 사랑을 모욕하자, Alvaro는 자신이 위협이 아님을 보이려고 권총을 바닥에 내려놓는다. 그 순간 총이 발사되어 Marchese가 치명상을 입고, 그는 죽으면서 Leonora를 저주한다. 이 우발적 사건이 Carlo의 복수와 두 연인의 긴 분리를 시작한다. 1862년판의 짧은 Preludio는 이 불안한 출발을 곧바로 오페라로 이어 준다. 1869년판의 Sinfonia는 금관과 바순이 한 음을 세 번 무겁게 반복하는 신호로 시작하고, Leonora의 불안·기도와 전쟁의 에너지를 교차시킨다. Nashville Symphony는 이 반복이 사건의 운명을 한 선율로 설명하기보다 빠져나갈 길이 없는 압박을 만든다고 해설한다. 2막: 여관과 수도원 Carlo는 Pereda라는 학생으로 신분을 감추고 Leonora와 Alvaro를 찾는다. 한편 군중이 모이는 여관에서 Preziosilla는 Al suon del tamburo로 병사들에게 전쟁과 명예를 권하고, Trabuco와 여관 손님, 학생들이 복수극을 사회적 소란으로 넓힌다. Leonora는 Alvaro가 자신을 버렸다고 생각하며 남장을 하고 이동한 뒤 수도원으로 향한다. 수도원에서 Leonora는 Padre Guardiano에게 자신의 정체와 죄책감을 털어놓고 은둔처를 구한다. La Vergine degli Angeli는 수도사들의 기도와 그녀의 고립을 연결하는 합창 장면이다. 여관의 무대 밴드와 군중이 외부 세계의 속도를 만든다면, 수도원의 합창은 그 속도를 끊고 침묵과 규율의 공간을 연다. 3막: 전장과 두 남자의 우정 Alvaro는 Leonora가 죽었다고 믿고 이름을 바꾼 채 이탈리아 전장에 들어간다. Carlo도 다른 이름으로 군대에 들어가며, 두 사람은 서로의 정체를 모른 채 친구가 된다. Alvaro가 습격받는 Carlo를 구한 뒤, 두 사람은 생사를 함께하기로 약속한다. 그러나 Alvaro가 전투에서 다쳐 맡긴 문서 상자에서 Carlo가 Leonora의 초상을 발견하면서 두 남자의 우정은 가문의 복수로 바뀐다. Carlo는 아버지의 죽음과 가문의 명예를 이유로 결투를 요구한다. Urna fatale del mio destino는 그가 복수의 운명에 붙잡힌 상태를 드러내고, Alvaro의 La vita è inferno all’infelice는 사랑을 잃은 뒤의 절망을 노래한다. Preziosilla·병사·Trabuco·Fra Melitone의 군영 장면은 이 사적 결투가 전쟁과 상업, 희극적 군중 사이에서 벌어짐을 보여 준다. 1869년 개정판에서는 이 막의 장면 순서와 연결이 크게 다듬어졌다. 4막: 재회와 두 결말 시간이 흐른 뒤 Alvaro는 수도원에서 Padre Raffaele이라는 이름으로 살고, Leonora는 같은 수도원 부근의 은둔처에 머문다. Carlo가 Alvaro를 찾아와 결투를 재촉하고 출신을 모욕하자 두 사람의 싸움이 다시 시작된다. Leonora는 Pace, pace, mio Dio에서 오래 지속된 죄책감과 평화를 향한 갈망을 노래한다. Alvaro는 치명상을 입은 Carlo의 마지막 고해를 위해 은둔처로 달려가고, 그곳에서 Leonora를 알아본다. Leonora가 오빠를 돕기 위해 다가가자 Carlo가 그녀를 찌른다. 1862년판은 이 죽음 뒤 Alvaro가 절벽으로 몸을 던지는 극단적 결말로 전해지며, 1869년판은 Alvaro를 살려 Padre Guardiano와 함께 신앙적 화해를 노래하게 한다. 후자의 결말에서 Leonora의 죽음은 수도원 공동체의 기도로 감싸이고, Alvaro의 분노는 개인의 복수에서 영적 자기극복으로 이동한다. 대표 번호와 장면 기능 Me pellegrina ed orfana는 1막의 도피 직전 Leonora가 느끼는 고립을 드러낸다. Al suon del tamburo와 Rataplan 계열의 군중 장면은 Preziosilla와 병사들의 리듬을 통해 전쟁을 축제와 상품의 언어로 바꾼다. Son pereda, son ricco d’onore는 Carlo가 위장 신분을 이야기로 꾸미는 장면이며, La Vergine degli Angeli는 은둔과 공동 기도의 전환점이다. 제3막의 Urna fatale은 Carlo의 복수심, Alvaro의 절망 아리아와 이중창은 사랑과 명예가 충돌하는 상태를 각각 보여 준다. 제4막의 Pace, pace, mio Dio는 Leonora가 신에게 평화를 청하는 독창이며, 마지막 삼중창은 1869년판에서 죽음과 용서를 함께 묶는 결론이다. Fra Melitone의 장면은 수도원 생활의 현실과 희극적 완충을 제공해 비극의 무게가 한 가지 어조로만 지속되지 않게 한다. 서곡과 관현악적 모티브 1862년판의 Preludio는 짧은 도입부로, 세 주인공과 연결된 주제를 압축해 제1막으로 넘어간다. Verdi가 Milan 개정판을 위해 쓴 1869년 Sinfonia는 약 8분의 독립 관현악곡으로 확대되었다. 한 음을 세 번 두드리는 금관·바순의 신호, Leonora와 관련된 불안한 현악, 기도에 가까운 상승 선율, 전쟁을 환기하는 금관·타악이 서로 대비한다. 이 신호를 “운명”이라는 초자연적 주제 하나로만 설명하기보다, 총격의 우연과 가문의 명예, 반복되는 복수의 선택이 관현악에서 어떻게 되돌아오는지 살필 수 있다. Nashville과 Rhode Island Philharmonic의 프로그램 노트는 서곡이 오페라의 주요 인물과 기도·전투의 재료를 압축한다고 설명하지만, Verdi가 그 반복에 단일한 표제문을 붙였다는 뜻은 아니다. 수용과 판본의 공연 관행 Ricordi의 비평판과 Corago의 두 대본 기록은 1862년판과 1869년판을 별도의 공연 상태로 보존한다. 오늘날 1869년판이 중심이지만, 1862년판의 짧은 전주곡과 절망적 결말을 복원하는 제작도 가능하다. Met의 현대 제작은 호텔과 도시 공간으로 배경을 옮겼지만, 이는 원작의 18세기 스페인·이탈리아 설정과 분리된 연출 선택이다. 작품의 공연 시간과 무대 밴드 배치는 제작 규모, 휴식, 장면 전환, 결말 판본에 따라 달라진다. 그러므로 1869년 Sinfonia의 독립 연주 시간, 전곡의 음악 시간, 인터미션 포함 제작 시간을 서로 다른 자료값으로 구분한다. 오페라의 수용사는 초연된 한 버전의 고정된 결과가 아니라, Verdi의 개정과 후대의 판본 선택이 계속 겹쳐 온 과정으로 남아 있다. 주요 자료 Ricordi·Gossett/Holmes 비평판 소개 Corago, 1862년 대본 Corago, 1869년 대본 Teatro alla Scala 작품 소개 Metropolitan Opera 시놉시스 Met 2023–24 프로그램 Royal Opera House 2019 안내 IMSLP 악보·판본 목록 Morgan Library, 1869년 대본 Kalmus 연주판 카탈로그 Nashville Symphony, 1869년 서곡 Rhode Island Philharmonic 서곡 해설 StageAgent 역할·번호 자료 RAI, 1869년 개정 해설 Don Carlos 정보 개요 곡명: Don Carlos 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 대본: Joseph Méry와 Camille du Locle, Friedrich Schiller의 희곡을 바탕으로 함 작곡 및 개정: 1865–1867년 작곡, 이후 프랑스어·이탈리아어 여러 판본으로 개정 초연: 1867년 3월 11일, 파리 오페라, 프랑스어 5막판 장르: 프랑스 grand opera에서 출발한 정치·역사 오페라 IMSLP: Don Carlos Wikipedia: Don Carlos Giuseppe Verdi의 Don Carlos는 Schiller의 희곡을 바탕으로 한 오페라로, 1867년 파리에서 초연된 프랑스어 5막판을 역사적 기준으로 삼는다. 이후 이탈리아어 Don Carlo의 5막·4막판과 발레 포함 여부가 갈라졌기 때문에, 이 글은 원래의 다섯 막을 따라 Don Carlos와 Elisabeth의 사랑, Posa의 Flanders 자유 이상, Philippe II와 Grand Inquisitor의 권력 대립을 설명하고 주요 개정판이 범위를 어떻게 바꾸는지 덧붙인다. 출판 정보 파리 초연 전 작품이 지나치게 길다는 판단으로 상당한 컷이 이루어졌고, 이후 이탈리아 공연에서도 삭제와 재구성이 이어졌다. Royal Opera House의 연대기는 1884년 La Scala판에서 Verdi가 Fontainebleau 도입막을 제거했고, 1886년 Modena판에서 그 막을 되살렸다고 정리한다. San Francisco Opera가 구분하는 주요 실현은 1867년 파리 프랑스어 5막판, 1872년 나폴리 이탈리아어 5막판, 1884년 밀라노 이탈리아어 4막판, 1886년 모데나 이탈리아어 5막판이다. 1886년판은 다섯 막이지만 발레를 포함하지 않으므로 막 수와 발레 유무를 같은 기준으로 묶을 수 없다. 프랑스어 원판의 대본은 Méry와 du Locle이 썼고, 이탈리아어판의 번역·수정은 판본마다 달라진다. 원작의 역사 인물과 16세기 스페인 종교재판은 오페라의 무대 배경이지만, Carlos와 Elisabeth의 사랑과 Posa의 우정은 Schiller의 역사극을 음악극으로 각색한 허구적 관계로 다뤄진다. 소요 시간 판본과 컷에 따라 음악은 약 3–4시간이다. Fontainebleau 도입막과 발레를 포함하는 프랑스어 5막판이 가장 길며, 1884년 이탈리아어 4막판은 도입막과 발레를 제외해 더 압축된다. Metropolitan Opera가 프랑스어 5막 공연에 제시한 4시간 35분은 막간 휴식을 포함한 상연 시간으로, 음악 자체의 길이와 구분해야 한다. 편성 주요 배역: Don Carlos(테너), Elisabeth de Valois(소프라노), Rodrigue·Marquis de Posa(바리톤), Philippe II(베이스), Eboli(메조소프라노), Grand Inquisitor(베이스), Thibault(소프라노), Comte de Lerme(테너), 수도사·Charles V의 목소리(베이스), 하늘의 목소리(소프라노). Flanders 사절과 대합창이 궁정·종교재판 장면에 참여한다. 관현악: 3 flutes와 piccolo, 2 oboes와 English horn, 2 clarinets, 4 bassoons와 contrabassoon, 4 horns, 2 cornets, 2 trumpets, 3 trombones, ophicleide 또는 cimbasso 계열 저음 금관, timpani, bass drum, cymbals, triangle, snare drum, bells, harp, strings. 프랑스어 5막 grand opera판에서는 발레와 무대·무대 밖 banda가 공연 조건에 포함될 수 있다. Fontainebleau 도입막과 발레를 삭제한 이탈리아어판에서는 이 무대 규모와 장면의 연결이 달라지며, 저음 금관의 악기명과 무대 악기의 배치도 판본과 국가별 관행에 따라 확인해야 한다. 프랑스어 5막판의 막별 진행 제1막 — Fontainebleau 프랑스와 스페인의 전쟁이 끝나가던 Fontainebleau 숲에서 Don Carlos는 프랑스 공주 Elisabeth de Valois를 만나 사랑을 확인한다. 두 사람의 결혼은 평화 협정의 약속으로 제시되지만, 정치적 결정이 바뀌면서 Elisabeth는 Carlos가 아니라 그의 아버지 Philippe II와 결혼한다. 이 도입막은 Carlos의 개인적 상실과 이후 모든 정치적 갈등의 출발점을 무대 위에 직접 놓는다. 1884년 4막판에서는 이 사건이 생략되어 수도원 장면으로 곧바로 들어간다. 제2막 — 수도원과 왕비의 정원 수도원에서 Carlos는 선왕 Charles V의 기억과 죽음의 그림자를 마주한다. Rodrigue de Posa는 Flanders에서 억압받는 사람들을 위해 행동하자고 제안하고, 두 사람은 우정과 정치적 이상을 결합한 약속을 맺는다. 이어지는 정원 장면에서는 Carlos와 Elisabeth의 관계가 궁정의 감시 속에서 흔들린다. Posa와 Carlos의 우정 이중창은 사적인 사랑을 Flanders의 자유라는 공적 사명으로 확장하는 번호다. 제3막 — 왕비의 정원과 auto-da-fé Eboli는 베일을 쓴 채 Carlos와 얽히고, 질투와 오해가 궁정의 위기로 번진다. 이어지는 auto-da-fé는 종교재판과 공개 화형 의식을 행렬·합창·반다와 함께 무대화한다. Flanders 사절들이 자비를 청하는 동안 Carlos는 왕의 권력에 맞서려는 충동을 드러낸다. 프랑스어 5막판에서는 이 grand opera의 대형 장면 안에 발레가 포함될 수 있으며, 1886년 모데나판에서는 발레가 빠진다. 제4막 — Philippe의 방과 감옥 Philippe II는 Elisabeth가 자신을 사랑하지 않는 고독을 독백 Ella giammai m'amò로 드러낸다. Grand Inquisitor와의 대면은 왕권 위에 놓인 교회 제도의 압력을 구체적인 대화로 만든다. Eboli는 자신의 질투와 배신을 깨닫고 O don fatale에서 후회를 노래한다. 감옥에서 Posa는 Carlos를 구하기 위해 스스로 희생하며, 개인의 우정과 Flanders의 자유 이상이 국가 권력과 충돌하는 대가를 보여 준다. 제5막 — Saint-Just 수도원 Saint-Just에서 Elisabeth는 Charles V의 무덤 앞에서 왕비로서의 의무와 Carlos에 대한 사랑을 되돌아본다. 두 사람은 마지막으로 만나 지상에서의 결합과 정치적 사명이 모두 닫혀 가는 상황을 확인한다. Elisabeth의 Tu che le vanità는 개인의 기억, 왕비의 책임, 죽음에 대한 명상을 한 번호 안에 모은다. 마지막의 수도사 또는 Charles V와 연결된 초자연적 개입은 판본과 연출에서 세부가 달라질 수 있으며, 오페라는 Carlos가 현실의 궁정 질서에서 사라지는 결말로 닫힌다. 인물 관계와 극의 세 축 Don Carlos와 Elisabeth의 사랑은 Fontainebleau에서 시작하지만, 평화 조약과 왕실 결혼이 그 관계의 조건을 바꾼다. Posa는 Carlos에게 사적인 절망을 넘어 Flanders의 자유라는 정치적 목표를 제시한다. 이 우정이 있기 때문에 Posa의 죽음은 한 사람의 희생과 억압받는 지역의 정치적 이상이 동시에 무너지는 사건이 된다. Philippe와 Grand Inquisitor의 장면은 왕이 절대적인 주권자가 아니라 교회 제도와도 협상해야 하는 인물임을 드러낸다. Eboli의 질투와 죄책감은 이러한 제도적 갈등을 궁정 내부의 사적인 선택으로 끌어들이며, O don fatale은 그 결과를 한 인물의 자기 고백으로 압축한다. 대합창과 auto-da-fé는 개인들의 사랑과 우정이 사회 전체의 처벌 체계 안에서 시험받는 공간을 만든다. 판본 선택과 공연 범위 Don Carlos와 Don Carlo는 같은 작품사의 여러 실현을 가리키지만, 언어·막 수·도입막·발레·컷이 서로 다르다. 프랑스어 5막판은 Fontainebleau에서 사랑의 출발을 보여 주고 발레와 대합창을 포함할 수 있다. 1884년 이탈리아어 4막판은 그 도입을 삭제해 수도원과 궁정의 어두운 상황으로 곧바로 들어가며, 1886년 이탈리아어 5막판은 도입막을 되살리면서 발레 없이 공연되었다. 같은 제목의 공연이라도 이 선택에 따라 Carlos와 Elisabeth의 관계가 소개되는 시점, auto-da-fé의 무대 규모, 전체 시간이 달라진다. 초연과 초기 수용에서 가장 실질적인 문제는 작품이 길어서 발생한 컷과 개정이었다. Royal Opera House, Metropolitan Opera, San Francisco Opera의 공연 자료는 각 기관이 선택한 언어와 판본을 명시하며, 그 선택이 작품의 정치극·사랑 이야기·grand spectacle의 비중을 바꾼다고 설명한다. 따라서 공연 프로그램의 제목만으로 범위를 판단하지 않고 막 수와 언어, Fontainebleau와 발레의 포함 여부를 함께 확인해야 한다. 주요 자료 Giuseppe Verdi 창작 연대기와 Don Carlos 정보, Royal Opera House Don Carlos 2021–22 제작 자료, Metropolitan Opera Liberty or Death: Don Carlos, Metropolitan Opera Don Carlo 프로그램 자료, Metropolitan Opera Verdi의 Don Carlo 판본사, San Francisco Opera Don Carlo Music Director’s Note, San Francisco Opera Aida 정보 개요 곡명: Aida 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 대본: Auguste Mariette의 구상과 Camille du Locle·Verdi의 극적 설계를 바탕으로 Antonio Ghislanzoni가 이탈리아어 운문 작성 작곡: 1870–1871년 초연: 1871년 12월 24일, Cairo Khedivial Opera House, Giovanni Bottesini 지휘 장르·범위: 전곡을 다루는 이탈리아어 4막 오페라. 4막에 일곱 무대 장면(quadri)이 배치된다. IMSLP: Aïda Wikipedia: Aida Giuseppe Verdi의 Aida는 고대 이집트를 배경으로 한 4막 7장의 이탈리아어 오페라다. 에티오피아 왕녀 Aida는 이집트 왕녀 Amneris의 노예이지만 이집트 장군 Radamès와 사랑한다. 전쟁이 벌어지자 세 사람의 관계에는 Aida의 아버지이자 에티오피아 왕 Amonasro까지 얽힌다. 첫 두 막은 멤피스의 궁전·신전에서 테베의 개선식으로 이어지고, 3막의 나일 강변에서 군사 기밀이 드러나며, 4막은 재판실 옆 궁전과 두 층으로 나뉜 신전·무덤에서 끝난다. 개선 행진은 이 일곱 장면 가운데 하나에 속한다. 오페라 전체는 행렬과 발레뿐 아니라 두 사람 또는 세 사람의 대화가 연속되는 드라마다. 출판 정보와 자료 이집트 총독 Isma'il Pasha는 카이로에 세운 새 오페라 극장을 위해 고대 이집트를 무대로 하는 작품을 원했다. 1869년 수에즈 운하 개통과 극장 개관은 그의 국제적 이미지 구상과 연결되지만, 그해 극장의 개관작은 Verdi의 Rigoletto였다. Aida의 실제 의뢰와 작곡은 그 뒤에 이루어졌다. 이집트학자 Auguste Mariette는 줄거리와 무대·의상 구상에 관여했고, Camille du Locle과 Verdi가 극적 전개를 다듬었다. Antonio Ghislanzoni가 최종 이탈리아어 운문을 썼다. 원안의 기여 범위에는 연구상 이견이 있지만, 1871년 카이로 초판 대본의 표제는 Ghislanzoni를 가사 작성자로 밝히고 ‘4막 7장’을 명시한다. Verdi는 1870년부터 대본과 음악을 함께 수정했다. 프랑스-프로이센 전쟁으로 파리에서 제작하던 의상과 무대 장치의 운송이 늦어져 카이로 공연도 연기되었다. 1871년 12월 24일 Giovanni Bottesini가 카이로의 세계 초연을 지휘했다. Verdi가 직접 지휘한 1872년 2월 8일 La Scala 공연은 이탈리아에서 작품을 공개하고 확산시킨 다음 단계였다. 두 공연의 순서를 분명히 해야 수에즈 운하 개통식, 극장 개관, 오페라 초연이 하나의 행사였다는 오해도 사라진다. 카이로 초판 대본은 1871년 Delbos-Demouret가 이탈리아어·프랑스어로 인쇄했고, Ricordi는 1872년 밀라노에서 대본과 악보를 펴냈다. 1872년 La Scala 공연을 위해 종막 이중창의 가사가 수정되었으며, Verdi는 1880년 파리 공연에서 2막 개선식의 기존 발레를 확장했다. 오늘날 흔히 연주하는 개선식 발레에는 이 확장본이 포함된다. 밀라노 공연을 위해 따로 쓴 Sinfonia는 전막에 채택되지 않았고, 오페라는 짧은 Preludio로 시작한다. Ricordi와 University of Chicago Press의 Verdi 비평판 목록에서 Aida는 아직 향후 편집 대상이다. 초판 대본에서 뒤이은 공연과 인쇄본까지, 이 작품의 텍스트는 한 시점의 모습으로 고정되지 않았다. 배역과 극의 압력 Aida는 소프라노, Radamès는 테너, Amneris는 메조소프라노다. Aida의 아버지 Amonasro는 바리톤이며, 사제장 Ramfis와 이집트 왕은 베이스다. 전령은 테너, 여사제는 소프라노로 노래한다. 합창은 이집트의 사제·병사·시민과 에티오피아 포로를 포함해 서로 다른 집단을 맡는다. Aida가 포로인 동시에 왕녀라는 사실은 이집트 궁정에 숨겨져 있다. Radamès가 국가의 영웅이 될수록 Aida에게는 조국의 적이 되고, Amneris가 왕녀의 권력을 행사할수록 사랑을 얻기는 더 어려워진다. 2019년 La Fenice 공연을 지휘한 Riccardo Frizza는 개선 장면을 제외하면 극을 움직이는 것은 대개 두세 인물의 대화라고 설명했다. 그는 1막에서 Ramfis가 좁은 음역으로 말할 때 관현악이 보다 적극적으로 의미를 전달한다고 지적했다. 정치적 대사와 연인들의 선율을 다른 성악·관현악 관계로 읽은 그의 견해다. 이 관계는 넓은 무대와 군중을 쓰는 공연에서도 독창자 사이의 문답이 가려지지 않아야 하는 이유를 보여 준다. 2022년 Salzburg Festival에서 Radamès 역에 처음 도전한 Piotr Beczala는 이 인물의 군인다운 면모와 연인을 향한 인간적인 면모를 목소리로 함께 보여 주려 한다고 말했다. 그가 묘사한 선택은 금속성 강한 소리만 이어 가는 대신 서정적인 색채도 찾는 것이다. Celeste Aida에서 출정을 꿈꾸는 테너가 종막에는 Aida와 작은 소리로 작별해야 하므로, 이 배역을 한 종류의 영웅적 음색으로만 부를 수 없다는 그의 공연 경험이 작품의 양 끝을 연결한다. 1막: 장군의 선발과 신전 의식 짧은 Preludio에 이어 첫 장면이 멤피스 왕궁에서 열린다. Ramfis가 에티오피아와 전쟁을 예고하자 Radamès는 자신이 장군으로 선택되어 Aida를 자유롭게 할 수 있기를 바란다. 그의 로만차 Celeste Aida는 군사적 영광을 꿈꾸는 순간에 사랑하는 사람의 모습을 그린다. Amneris는 두 사람 사이를 눈치채고 말을 건넨다. 왕은 Radamès를 지휘관으로 발표하지만, Aida에게 ‘승리하여 돌아오라’는 군중의 외침은 사랑하는 남자가 자기 아버지의 나라를 무너뜨리라는 명령이다. Aida의 *Ritorna vincitor!*에서는 그 외침을 그대로 되받은 뒤 연인과 아버지 사이에서 흔들리는 목소리가 나온다. 두 번째 장면은 멤피스의 Vulcano 신전이다. 여사제의 노래와 사제 합창, 무용과 기도 속에서 Radamès는 무기를 받고 출정한다. 궁전에서 들리던 개인의 바람이 공적인 종교 의식으로 승인되는 자리다. 2막: Amneris의 방에서 테베의 성문까지 첫 장면에서 Amneris는 Radamès가 죽었다고 거짓으로 말해 Aida의 반응을 살핀다. Aida가 슬픔을 감추지 못하자 Amneris는 자신도 그를 사랑한다며 경쟁 관계를 드러낸다. 여성 합창과 노예들의 춤은 승전 준비의 밝은 표면을 만들지만, 두 사람 사이의 대화에서는 권력의 차이가 한마디마다 드러난다. Verdi는 Ghislanzoni에게 보낸 1870년 서신에서 이 대면을 다듬으며 운율보다 무대 위 행동에 맞는 명료한 말을 요구했다. Marcello Conati가 전재한 이 편지는 발레와 장식에 가려지기 쉬운 대사의 중요성을 알려 준다. 두 번째 장면은 테베 성문 앞 개선식이다. Marcia trionfale에서 세 대씩 나뉜 이집트 트럼펫 여섯 대가 행진 선율을 주고받고, 합창과 발레, 군악대가 군대와 포로의 입장에 합류한다. 무대 위 인물도 이 행진을 듣는다. 그래서 금관의 위치는 단순한 효과음이 아니라 행렬이 움직이는 장소를 관객에게 알린다. 이어 포로 가운데 나타난 Amonasro는 자신의 왕이라는 신분을 감춘 채 자비를 청한다. Radamès가 포로들의 석방을 요청하자 Ramfis는 반대하고, 왕은 Aida와 Amonasro만 인질로 남긴다. 그러고는 Radamès에게 Amneris와의 결혼을 명한다. 개선식의 끝에서 군중은 승리를 노래하지만, 포로 왕녀·승리한 장군·왕의 딸 모두에게 새로운 곤경이 생긴다. 3막: 나일 강변에서 드러나는 군사 기밀 셋째 막은 별도의 장면 전환 없이 나일 강변의 밤을 이어 간다. Amneris는 Ramfis와 신전으로 가고, 홀로 남은 Aida는 O patria mia에서 다시 볼 수 없을 듯한 고향을 떠올린다. Amonasro가 나타나 딸의 사랑을 이용해 이집트군의 이동 경로를 알아내라고 압박한다. Aida가 그에게 모욕당하고 두려움에 빠지는 대목을 놓고 Verdi는 1870년 9월 Ghislanzoni에게 카발레타의 형식적인 고양보다 끊어진 말과 낮은 음성을 원한다고 썼다. Conati가 전재한 서신에는 성악 형식보다 극중 인물의 즉각적인 반응을 앞세운 판단이 뚜렷하다. Radamès가 오자 Aida는 함께 달아나자고 권한다. 그는 처음에는 이집트를 떠나기를 거부하지만 결국 도피에 동의하고, 안전한 길을 묻는 Aida에게 Napata의 협곡을 말한다. 숨어 듣던 Amonasro가 자신이 에티오피아 왕임을 밝히는 순간 Radamès는 연인에게 한 말이 군사 기밀이 되었음을 깨닫는다. Amneris와 Ramfis가 나타난다. Amonasro가 Amneris를 죽이려 들지만 Radamès가 막고, Aida와 Amonasro는 달아난다. Radamès는 도망치지 않고 Ramfis에게 몸을 맡긴다. 이 막의 긴 대화에서는 누가 무엇을 알고 있는지와 한마디가 언제 돌이킬 수 없는 정보가 되는지가 음악만큼 중요하다. 4막: 보이지 않는 재판과 두 층의 무덤 첫 장면에서 Amneris는 Amonasro가 죽고 Aida는 살아 있다고 Radamès에게 알린다. Radamès는 연인이 무사하다는 말을 듣자 자신의 처벌을 감수하려 한다. Amneris는 그가 Aida를 영영 포기한다면 왕에게 목숨을 구해 달라고 청하겠지만, 그는 거절한다. 제사장들의 재판은 방 안의 Amneris에게 들리지만 관객 앞에서 직접 보이지 않는다. Ramfis가 여러 차례 변명을 요구해도 Radamès는 침묵하고, 산 채로 묻히는 판결을 받는다. Amneris는 그를 판결한 사제들을 저주한다. Verdi는 1870년 10월 서신에서 이 대화의 겉말 아래 절망과 사랑이 함께 있어야 한다고 Ghislanzoni에게 설명했다. 같은 대사가 설득에서 분노와 후회로 바뀌는 이유를 텍스트와 음악이 나누어 맡는 장면이다. 마지막 장면은 하나의 무대를 위아래로 나눈다. 위층은 밝은 신전이고 아래층은 이미 봉인된 Radamès의 무덤이다. 그곳에 먼저 숨어 들어온 Aida를 발견한 그는 그녀와 함께 O terra, addio를 부른다. 위에서는 여사제들의 노래와 Amneris의 기도가 들리고 아래에서는 두 사람이 생을 마친다. Verdi는 종막을 구상하며 두 연인의 노래, 사제들의 소리, Amneris의 평화 기원이 다양하게 결합해야 한다고 1870년 11월 서신에 썼다. 이 끝 장면은 오페라에서 가장 큰 군중이 모인 개선식과 달리, 서로 볼 수 없는 세 집단의 목소리를 같은 시간에 배치한다. 소요 시간 전막의 음악은 약 2시간 25분에서 2시간 35분가량 걸린다. 2024년 Lyric Opera of Chicago 공연 안내는 1·2막을 약 80분, 3·4막을 약 70분으로 묶고 중간 휴식 30분을 더해 전체 관람 시간을 약 3시간으로 잡았다. Decca의 Solti 전곡 녹음은 약 2시간 32분, Karajan 전곡 녹음은 약 2시간 29분, Muti 전곡 녹음은 약 2시간 26분이다. 무대 공연에는 장면 전환과 휴식이 들고, 발레의 사용 범위와 컷도 공연별로 달라진다. 편성 La Fenice의 2019년 공연 프로그램에 적힌 피트 오케스트라는 플루트 두 대와 피콜로, 오보에 두 대와 잉글리시 호른, 클라리넷 두 대와 베이스 클라리넷, 바순 두 대, 호른 네 대, 트럼펫 두 대, 트롬본 세 대, 침바소, 팀파니와 타악기, 하프 두 대, 현악기다. IMSLP의 편성 목록은 타악기로 트라이앵글·큰북·심벌즈·탐탐을 구체화한다. Ricordi 계열 악보를 소개하는 IMSLP와 Kalmus 카탈로그는 목관·금관의 큰 틀을 비슷하게 제시하지만, 플루트와 피콜로의 겸주 표기, 하프 수, 저음 금관 명칭에는 차이가 있다. 한 공연장의 편성표를 모든 초기 공연에 그대로 적용할 수는 없다. 무대 위 음악에는 이집트 트럼펫 여섯 대, 하프, 군악대가 따로 필요하다. La Fenice 편성표의 군악대는 피콜로, 클라리넷, 호른, 트럼펫, 트롬본, 침바소 또는 튜바로 이루어진다. 마지막 무덤 장면의 지하 공간에는 트럼펫 네 대와 트롬본, 큰북을 배치한다. 이때 La Fenice 프로그램은 지하 트롬본 세 대를, IMSLP 요약은 네 대를 적는다. 지하 악단의 규모가 공연 자료에 따라 달라질 수 있음을 보여 주는 차이다. 여사제와 사제 합창의 위치도 피트 오케스트라와 다른 거리의 소리를 만든다. 개선식의 이집트 트럼펫은 고대 악기를 실물 그대로 복원한 악기가 아니라 19세기 오페라 무대를 위해 마련된 악기다. 악기들이 무대에 보이며 주고받는 행진은 피트에서 들리는 관현악과 구별된다. 반면 종막에서는 지하의 연인과 위층 사제들의 노래, Amneris의 기도가 한 무대에 놓인다. 장면에 따라 악기와 노래의 출처를 분리하는 일이 이 작품의 공연 형태를 결정한다. 주요 레코딩 Herbert von Karajan / 빈 필하모닉, Decca 1959년 스튜디오 녹음. Renata Tebaldi, Carlo Bergonzi, Giulietta Simionato가 주요 배역을 맡는다. MusicWeb International의 Ralph Moore는 이 음반에서 느린 흐름과 빈 현악기의 부드러운 음색, 성악과 관현악의 균형을 높이 평가했다. 특정 녹음에서 긴 프레이징과 대형 장면의 긴장을 함께 다룬 사례라는 그의 판단이다. Georg Solti / 로마 오페라 극장 관현악단·합창단, Decca 1961년 스튜디오 녹음. Leontyne Price의 Aida, Jon Vickers의 Radamès, Rita Gorr의 Amneris가 참여했다. Moore는 2막 행렬에서 Solti가 예상보다 넓은 시간과 무게를 주고, Vickers가 Radamès의 갈등을 두드러지게 만든다고 평했다. 이 녹음에는 개선식의 무게와 Radamès의 갈등을 동시에 전면에 놓는 선택이 담겼다. Riccardo Muti / New Philharmonia Orchestra와 Royal Opera House 합창단, 1974년 스튜디오 녹음. Montserrat Caballé, Plácido Domingo, Fiorenza Cossotto가 Aida·Radamès·Amneris를 부른다. Moore는 Caballé의 여린 고음과 3막 나일 강변의 선율, Muti가 친밀한 장면과 군중 장면 사이에서 잡는 균형을 이 녹음의 장점으로 들었다. 이는 그 비평가의 선호이며 세 음반의 우열을 확정하지 않는다. 서로 다른 녹음에서 2막 행진과 3막 부녀 대화, 4막 무덤 장면의 성악·관현악 관계를 비교할 수 있다. 주요 자료 볼로냐대학교 Corago, 1871년 카이로 초판 대본과 작품·공연 색인: 4막 7장, 장소, 배역과 카이로·밀라노 초연. Museo Egizio, Aida, figlia di due mondi: 이집트 총독의 위촉과 고대 이집트 무대의 역사적 구상. Accademia della Crusca, Verdi–Ghislanzoni 서간집 해설: 시나리오에서 이탈리아어 운문까지의 협업과 수정 과정. Marcello Conati의 서신 연구와 Riccardo Frizza 인터뷰, Teatro La Fenice 2019 공연 프로그램: 장면별 대본, Verdi 서신 전재, 1880년 발레 확장, 편성과 지휘 해석. David Lawton, ‘The Autograph of Aida and the New Verdi Edition’: 초기 자료의 전승, 밀라노 수정과 파리 발레의 판본 문제. Ricordi–University of Chicago Press, Verdi 비평판 출판 목록과 Morgan Library, 채택되지 않은 Sinfonia 인쇄본 서지: 현행 편집 상태와 도입곡의 범위. Lyric Opera of Chicago 2024 공연 프로그램: 공연 시간과 휴식 배치. Bayerischer Rundfunk, Piotr Beczala 인터뷰(2022): Radamès 역의 군인·연인 성격을 소리로 구분하려는 가수의 직접 설명. Alfred/Keiser의 Kalmus 총보 카탈로그: 출판 악보의 요약 편성과 무대 악단 자료. Ralph Moore, MusicWeb International 녹음 비교, Decca의 Solti 전곡 발매, Warner의 Muti 전곡 발매: 녹음 연도·성악진과 비평의 구분. Otello 정보 개요 곡명: Otello (Dramma lirico in quattro atti) 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 대본: Arrigo Boito, William Shakespeare의 Othello에 기초 언어: 이탈리아어 작곡 시기: 1884년 착수, 1885년 주요 작곡, 1886년 마무리와 스코어링 초연: 1887년 2월 5일, Teatro alla Scala, Milan 초연 지휘와 주요 배역: Franco Faccio 지휘, Francesco Tamagno(Otello), Romilda Pantaleoni(Desdemona), Victor Maurel(Jago) 기준 범위: 1887년 밀라노 초연판 전곡, 1894년 파리판의 발레와 제3막 대체 피날레를 포함한 판본 관계 IMSLP: Otello Wikipedia: Otello Giuseppe Verdi의 Otello는 Arrigo Boito가 이탈리아어로 쓴 대본에 붙인 4막 오페라(dramma lirico)다. 1887년 밀라노 초연판 전곡이 기본 본문이며, 1894년 파리 공연을 위해 추가된 발레와 제3막 대체 피날레는 별도 판본으로 전승된다. Boito는 Shakespeare의 Othello에서 베네치아의 서두를 덜어 내고 키프로스에서 사건을 시작했으며, 장군 Otello, 아내 Desdemona, 측근 Jago 사이의 질투와 조작을 네 막의 연속적인 극 진행으로 압축했다. 작곡과 초연 Verdi는 Aida를 1871년에 초연한 뒤 오랫동안 새 오페라를 발표하지 않았다. 1879년 Giulio Ricordi와 Franco Faccio가 Shakespeare의 Othello와 Arrigo Boito를 연결해 제안했고, Boito는 1879년부터 1881년 사이에 대본을 쓰며 Verdi와 수정했다. Verdi는 1884년에 작곡을 시작했고, 1885년에 주요 작곡을 마친 뒤 1886년까지 관현악화와 대본 수정을 이어 갔다. 1887년 2월 5일 Teatro alla Scala에서 Franco Faccio가 초연을 지휘했다. Francesco Tamagno가 Otello, Romilda Pantaleoni가 Desdemona, Victor Maurel이 Jago를 맡았고, Giovanni Paroli(Cassio), Ginevra Petrovich(Emilia), Francesco Navarrini(Lodovico), Napoleone Limonta(Montano), Vincenzo Fornari(Roderigo), Angelo Lagomarsino(Herald)가 함께 출연했다. 초연 리브레토에 Giulio Ricordi가 남긴 주석과 당시 리뷰는 I막의 폭풍, 사랑 이중창, II막의 Credo in un Dio crudel, III막의 콘체르타토, IV막의 Willow Song과 Ave Maria를 주요 장면으로 기록한다. 출판 정보와 판본 Ricordi가 1887년에 낸 첫 인쇄 총보가 밀라노 초연판의 기준 자료다. Morgan Library가 보존한 성악·피아노판과 리브레토는 각각 [1887] 또는 [1887?]로 서지 표기를 남기며, IMSLP의 성악보 항목은 [1886]으로 적는다. 총보, 성악보, 리브레토가 서로 다른 인쇄물이므로 초판 연도는 자료 종류에 따라 1886년과 1887년으로 나타나며, 1887년 총보가 기준 본문을 제공한다. Linda Fairtile이 편집한 Ricordi Critical Edition(2025, NR 142875)은 1887년 첫 인쇄 총보를 바탕으로 Verdi 자필 악보에서 확인되는 프레이징, 아티큘레이션, 다이내믹을 반영한다. 이 판은 1894년 파리판의 발레와 제3막 개정 피날레도 재구성할 수 있게 한다. Alberto Zedda가 편집한 Ricordi 비평판(1976, NR 132508)은 제4막 Michele Saladino 성악보, Verdi의 편지, 초연 리브레토, 초연 무대 자료, 파리판 자필 자료를 함께 대조한다. 1894년 Paris Opéra 초연을 위해 마련된 Ballabili는 제3막에서 베네치아 사절이 도착하고 Jago가 Desdemona를 데리러 나간 직후에 들어간다. 일곱 구간으로 된 발레의 작곡가 표기 시간은 약 5분 59초이며, 오페라 전곡 공연에서는 생략되는 경우가 많다. 같은 파리 공연을 위해 제3막 콘체르타토의 대체 피날레도 작성되었다. 밀라노판의 96마디에 해당하는 부분을 75마디로 줄이고 성악과 합창의 겹침을 단순하게 정리한 버전으로, 1887년 본문과 다른 공연 전승으로 구분한다. 소요 시간 공연판, 템포, 삭제 여부, 발레의 포함 여부, 인터미션 계산에 따라 전곡은 인터미션 포함 약 2시간 20분대부터 3시간 안팎까지 걸린다. Metropolitan Opera의 2026–27 공연 자료는 I막과 II막을 합쳐 68분, 인터미션 34분, III막과 IV막을 합쳐 73분으로 추정해 총 2시간 55분을 제시한다. Vienna State Opera는 75분, 인터미션 30분, 75분으로 표기한다. Met의 1978년 영상은 2시간 23분, 2015년 영상은 2시간 44분으로 기록되어 있다. 공개된 일부 자료는 두 막을 묶은 시간만 제시해 개별 막의 고정 수치를 제공하지 않는다. 편성 Linda Fairtile이 2025년에 편집한 판의 관현악 피트 편성은 다음과 같다. 목관: 플루트 2, 제3플루트와 피콜로, 오보에 2, 잉글리시 호른, 클라리넷 2, 베이스 클라리넷, 바순 4 금관: 호른 4, 코넷 2, 트럼펫 2, 트롬본 3, 베이스 트롬본 타악기: 팀파니, 탐탐, 큰북과 심벌즈, 추가 큰북 하프와 현악: 하프 2대, 바이올린 I·II, 비올라, 첼로, 콘트라베이스 무대 위에는 백파이프, 만돌린, 기타, C 트럼펫, 대포, 천둥과 번개 효과, 오르간이 놓인다. 무대 밖에는 C 트럼펫 6대와 트롬본 4대가 지정된다. 1976년 Zedda 판은 파리 발레를 위한 두 번째 하프와 발레용 탬버린을 별도로 적고, 만돌린, 기타, 백파이프에 대한 대체 악기도 제시한다. 공개된 판본은 하프 수와 트롬본 표기를 서로 다르게 제시하며, 연주 편성은 선택한 판본에 따라 달라진다. 주요 성악 배역은 Otello(테너, 베네치아군 장군), Jago(바리톤, Otello의 기수), Desdemona(소프라노, Otello의 아내), Cassio(테너), Roderigo(테너), Lodovico(베이스, 베네치아 사절), Montano(베이스, 키프로스의 전임 총독), Herald(베이스), Emilia(메조소프라노, Jago의 아내)다. 혼성 합창은 베네치아 병사와 선원, 키프로스 주민과 어린이, 여러 무장 집단을 맡는다. Ricordi 판의 ‘합창과 무용수’ 표기는 1894년 파리판의 Ballabili까지 포함한 편성 범위를 가리킨다. 막별 구성과 주요 번호 네 막은 독립적으로 기억되는 독창과 합창을 포함하면서도, 대화와 앙상블이 다음 사건으로 이어지는 연속적인 음악극으로 진행된다. 폭풍과 군중이 있는 항구에서 출발해 마지막 침실의 소수 인물로 무대의 범위가 좁아진다. 제1막: 폭풍과 귀환 무대는 키프로스의 항구와 성벽이다. 서곡 없이 Una vela!라는 폭풍 합창과 번개, 천둥, 대포, 무대 밖 금관이 시작을 알리고, Otello가 전투에서 돌아와 Esultate!로 터키 함대의 패배를 선포한다. 시민들은 Fuoco di gioia로 귀환을 축하하고, Jago는 Roderigo를 이용해 Cassio를 술에 취하게 만든다. Cassio와 Montano의 싸움이 벌어지자 Otello는 Cassio의 지위를 박탈한다. 군중이 물러난 뒤 Otello와 Desdemona만 남아 Già nella notte densa를 부른다. 이 사랑 이중창은 폭풍과 승전 의식으로 가득했던 막을 두 사람의 밤 장면으로 닫으며, 이후의 음모가 파괴할 관계와 공적 권위의 출발점을 함께 제시한다. 제2막: 암시와 손수건 성의 방과 정원에서 Jago는 Cassio에게 Desdemona의 중재를 받아 복직하라고 권한다. 그는 Otello가 듣지 않는 자리에서 Credo in un Dio crudel을 부르며 인간과 신에 대한 냉소를 자기 선언으로 내세운다. 이어서 Otello 앞에서 Cassio와 Desdemona의 관계를 암시하고, Desdemona가 Cassio를 위해 청원하는 장면을 질투의 계기로 바꾼다. Otello가 머리에 두르려고 한 손수건을 바닥에 던지자 Emilia가 주워 올리고, Jago가 그것을 빼앗는다. 딸기 자수가 놓인 손수건은 Otello가 Desdemona에게 준 물건이지만, Jago는 Cassio가 그것을 가지고 있었다는 거짓말과 Era la notte, Cassio dormia라는 거짓 수면담을 결합한다. 막 끝의 Sì, pel ciel marmoreo giuro에서 Otello와 Jago는 Desdemona와 Cassio에게 복수하겠다고 맹세한다. 제3막: 공개된 오해 성의 큰 홀에서 베네치아 사절의 도착이 예고된다. Jago는 Otello를 숨겨 두고 Cassio와 대화하면서 Cassio가 말하는 다른 여인의 일을 Desdemona에 관한 고백처럼 들리게 만든다. Desdemona가 Cassio의 복직을 다시 청하자 Otello는 손수건을 요구하고, Dio! mi potevi scagliar에서 자신에게 닥친 고통을 호소한다. Cassio와 Jago의 대화는 Otello가 엿듣는 동안 서로 다른 의미로 분리되어, 사실과 오해가 한 장면 안에서 갈라진다. Lodovico가 베네치아의 도제가 Otello를 소환하고 Cassio를 후임으로 임명한다는 소식을 전하자 공적 질서가 사적 음모에 휘말린다. Otello는 사람들 앞에서 Desdemona를 모욕하고 쓰러지며, Jago는 Roderigo에게 Cassio를 제거하라고 지시한다. 대규모 콘체르타토 피날레는 합창과 주요 인물이 한 공간에 모인 상태에서 Otello의 붕괴와 Jago의 계획을 동시에 진행한다. 1894년 파리판에서는 이 막에 Ballabili를 삽입하고, 콘체르타토 피날레를 대체 버전으로 바꿀 수 있다. 제4막: 침실과 종결 Desdemona의 침실에서 Emilia는 결혼식 때 입었던 옷을 준비하고, Desdemona는 버림받은 여인의 이야기를 담은 Willow Song을 부른다. 이어 Ave Maria를 기도한 뒤 잠든다. Otello는 Desdemona에게 기도했는지 묻고, 결백을 인정하지 않은 채 Jago가 만든 서사를 믿고 그녀를 목 졸라 죽인다. Emilia가 손수건의 출처를 밝히고 Cassio가 그 물건이 자신의 숙소에 나타난 경위를 확인하면서 Jago의 거짓말이 드러난다. Montano는 죽어 가던 Roderigo가 남긴 음모의 증언을 전하고, Jago는 칼을 들고 달아난다. Otello는 Desdemona의 죽음과 자신의 잘못을 깨달은 뒤 스스로 목숨을 끊고, 마지막에 아내에게 다가가 키스한다. 군중과 무대 밖 악기가 사라진 침실은 소수 인물의 말과 노래로 오페라를 마무리한다. 공연과 녹음 1887년 초연에는 Franco Faccio와 초연 성악진이 참여했으며, 당시 기록에는 폭풍, 축하 합창, 사랑 이중창, Jago의 Credo, III막 콘체르타토, IV막의 Willow Song과 Ave Maria가 반복해서 언급된다. Giulio Ricordi가 초연 당일 리브레토에 적은 박수와 커튼콜 순서는 어떤 장면이 즉시 반응을 얻었는지 보여 주는 공연 자료다. 원작의 무대는 키프로스 해안이지만, 2026–27년 Metropolitan Opera의 Bartlett Sher 프로덕션은 시대 배경을 오페라가 작곡된 19세기로 옮긴다. 이 재설정은 악보의 네 막 구성을 유지한 채 시각적 시대 배경을 옮긴 사례다. 폭풍 장면의 무대 밖 금관과 효과음, 침실 장면의 제한된 공간은 판본과 연출이 함께 결정하는 공연 조건이다. Arturo Toscanini가 NBC Symphony Orchestra와 1947년에 남긴 라디오 녹음은 Ramón Vinay, Herva Nelli, Giuseppe Valdengo가 출연한 역사적 기록이다. Herbert von Karajan의 1973년 Berliner Philharmoniker 스튜디오 녹음은 Jon Vickers, Mirella Freni, Peter Glossop과 함께하며, Warner Classics는 잘츠부르크 공연에서 다듬은 해석을 스튜디오로 옮긴 녹음으로 소개한다. Myung-Whun Chung이 지휘한 1994년 Orchestre et Chœurs de l’Opéra Bastille 녹음에는 Plácido Domingo, Cheryl Studer, Sergei Leiferkus가 참여했다. James Levine의 1978년 Metropolitan Opera 실황 영상은 Vickers, Renata Scotto, Cornell MacNeil과 Franco Zeffirelli 프로덕션을 기록하고, Levine이 지휘한 1995년 Met 공연은 Domingo, Renée Fleming, James Morris가 출연한 2004년 Deutsche Grammophon DVD로 발매되었다. 주요 자료 Giuseppe Verdi: Otello, Critical Edition, Linda Fairtile 편집, Ricordi: 1887년 첫 인쇄 총보, Verdi 자필의 표현 표기, 1894년 파리판 재구성 Giuseppe Verdi: Otello, Alberto Zedda 편집, Ricordi: 초연 자료, 제4막 성악보, 파리 발레와 제3막 대체 피날레의 자료 비평 Verdi’s Otello: Documents in the Archive, Archivio Storico Ricordi: Boito와 Verdi의 협업, 초연 리브레토 주석, 발레 자필 자료 Otello Educator Guide, Metropolitan Opera: 대본의 원작, 인물, 네 막의 줄거리와 극적 출발 Otello, Metropolitan Opera 2026–27: 공연 시간과 Bartlett Sher 프로덕션의 시대 설정 Otello, Stanford OperaGlass, 초연과 공연 역사, 파리판 발레: 배역, 편성, 초연 기록, Ballabili의 삽입 위치와 시간 1887년 초연 리브레토, Corago: 초연 날짜와 La Scala 리브레토 서지 1887년 성악·피아노판, Morgan Library 및 1887년 리브레토: Ricordi와 Schirmer의 서지 정보 Otello, Karajan/Vickers/Freni, Warner Classics: 1973년 스튜디오 녹음의 출연진과 제작 배경 Otello, Chung/Domingo/Studer/Leiferkus, Decca Classics: 1994년 녹음의 출연진과 발매 정보 Otello, Levine/Vickers/Scotto, Metropolitan Opera On Demand: 1978년 실황 영상과 러닝타임 Otello, Domingo/Fleming/Morris, Deutsche Grammophon: 1995년 Met 공연의 2004년 DVD 발매 Falstaff 정보 개요 곡명: Falstaff 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 장르: 3막 commedia lirica(서정 희극) 대본: Arrigo Boito, William Shakespeare의 The Merry Wives of Windsor와 Henry IV에 나오는 Falstaff 관련 대목을 바탕으로 함 작곡 시기: 1889~1892년, 1892년 말 총보 완성 초연: 1893년 2월 9일, Teatro alla Scala, Milan. Edoardo Mascheroni 지휘, Victor Maurel 타이틀롤 언어: 이탈리아어 IMSLP: Falstaff (Verdi, Giuseppe) Wikipedia: Falstaff (opera) Falstaff는 Giuseppe Verdi가 1889년부터 1892년까지 작곡한 이탈리아어 3막 commedia lirica로, 이 글은 Arrigo Boito의 대본에 따른 전곡 오페라를 다룬다. 작품은 각 막을 두 장면으로 나누어 모두 여섯 장면으로 진행되며, Windsor에서 Falstaff가 Alice Ford와 Meg Page에게 같은 연애 편지를 보내면서 벌어지는 속임수와 Ford의 질투, Nannetta와 Fenton의 사랑, 밤의 가장무도회가 줄거리를 이룬다. 마지막에는 모든 인물이 참여하는 푸가 Tutto nel mondo è burla가 앞선 소동과 화해를 묶는다. 작곡과 초연 Metropolitan Opera의 프로그램 해설에 따르면 Boito는 1889년 여름, The Merry Wives of Windsor를 주된 원전으로 삼은 희극 대본을 베르디에게 제안했다. 베르디는 나이와 건강을 걱정하면서도 작업을 받아들였고, 창작은 몇 차례 중단을 거쳐 1892년 말 총보 완성에 이르렀다. Teatro dell’Opera di Roma의 카탈로그가 작품 연대를 1890-93으로 표시하는 경우도 있으나, 이 표기는 1892년 말 총보 완성과 1893년 초연을 포함한 도서관식 연대다. 1893년 2월 9일 Teatro alla Scala에서 열린 초연은 Edoardo Mascheroni가 지휘하고 Victor Maurel이 Falstaff를 맡았다. Opera Roma의 초연 기록은 Ford 역의 Antonio Pini Corsi, Fenton 역의 Edoardo Garbin, Alice 역의 Emma Zilli, Nannetta 역의 Adelina Stehle, Quickly 역의 Giuseppina Pasqua, Meg 역의 Virginia Guerrini도 특정한다. Teatro alla Scala는 초연 뒤 22회 공연과 6월까지 이어진 이탈리아·유럽 순회를 기록한다. 같은 해 4월에는 Mascheroni 지휘로 Teatro Costanzi의 로마 공연 여섯 회가 이어졌으며, 이는 밀라노 초연과 구별되는 초기 공연이다. 출판 정보 1893년 Ricordi가 초판의 소유 출판자로 기록되어 있으며, 당시 이탈리아어 리브레토도 Ricordi에서 발행되었다. 현재 판본을 이해하려면 2025년 Gabriele Dotto가 편집한 Ricordi 비평판의 버전 구분이 필요하다. Ricordi는 Rome version을 완전하고 정밀한 문서가 남은 기본 텍스트로 삼고, 파리 재공연을 위한 수정은 Paris version으로 따로 제시한다. La Scala 초연을 위해 준비된 Milan version은 관현악 자료 일부가 유실되어 완전한 공연 텍스트로 남아 있지 않다. 유통된 전통 악보는 Rome과 Paris 자료를 뚜렷한 편집 원칙 없이 섞은 형태일 수 있으며, 비평판은 Verdi의 원래 무대 지시와 동시대 보조 자료를 다시 대조해 이 문제를 정리한다. Rome version과 전통 악보의 차이는 제3막 Fairies’ Scene부터 특히 두드러진다고 설명된다. 아래의 줄거리와 번호는 보존된 공식 장면 순서를 중심으로 하며, 개별 공연이나 녹음의 버전은 제작 자료가 밝힌 경우에만 특정된다. 소요 시간 음악만의 지속 시간을 하나의 표준값으로 고정할 수 있는 자료는 확인되지 않는다. Opernhaus Zürich는 이탈리아어 3막 공연을 인터벌 포함 약 2시간 40분으로 안내하며, 제2막 뒤에 휴식이 있고 인터벌 전 공연이 약 1시간 20분이라고 표시한다. Opera North는 영어 번역 공연을 약 2시간 20분으로 안내하고, Metropolitan Opera의 2013년 프로그램은 13시부터 15시 50분까지의 공연 시간대를 제시한다. 이 수치는 언어, 제작, 장면 전환, 인터벌 조건이 서로 다른 공연 안내로, 음악 자체의 공통 기준을 나타내지 않는다. 편성 성악과 무대 인원 Baritone: Sir John Falstaff, Ford Tenor: Fenton, Dott. Cajus, Bardolfo Soprano: Alice Ford, Nannetta Mezzosoprano: Mrs. Quickly, Mrs. Meg Page Bass: Pistola 무언 역할과 합창: L’oste, Robin, Ford의 Page, 시민·하인·가면무도회의 요정과 마녀를 포함한 Choir Ricordi 비평판은 Mrs. Quickly를 Mezzosoprano로 표기하지만, Opera Roma 카탈로그는 같은 역할을 Contralto로 분류한다. 이 차이는 기관과 판본의 성부 표기 관습이 다름을 보여 주므로 두 표기를 함께 제시한다. 관현악 목관: 3 Flutes(제3은 Piccolo 겸임), 2 Oboes, English Horn, 2 Clarinets, Bass Clarinet, 2 Bassoons 금관: 4 Horns, 3 Trumpets, 3 Trombones, Contrabass Trombone 타악기: Timpani, Triangle, Bass Drum, Cymbals, Bell 그 밖의 악기: Harp, Guitar(in the wings), Natural Horn in A♭ basso(off stage) 현악기: Strings 무대 뒤의 Guitar와 무대 밖의 Natural Horn in A♭ basso는 일반적인 오케스트라 피트의 악기 수와 별도로 기록한다. 기존 악보에서 보이는 cimbasso라는 표현과 Ricordi 비평판의 Contrabass Trombone은 같은 항목인지 자료가 확정하지 않으므로, 기준 편성은 비평판의 원어 표기로 기록한다. 음악의 조직과 텍스트 Teatro alla Scala와 Met의 해설은 전통적인 서곡이나 도입 합창이 상황을 설명하지 않고, 짧은 scherzo 성격의 음악과 빠른 대화가 곧바로 시작된다고 설명한다. Boito의 대본은 긴 독창 번호를 연속해서 배치하기보다 짧은 독창, 대화, 앙상블을 빠르게 이어 간다. 그 결과 Falstaff의 허풍, Ford의 질투, Quickly의 계략, Nannetta와 Fenton의 사랑은 독립된 아리아의 정지보다 장면 안에서 서로 반응하는 말과 음악으로 드러난다. Met 프로그램의 Thomas May는 오케스트라가 동전 소리와 뜨거운 술의 온기를 악기 색채로 암시하고, 제1막 끝의 서로 다른 리듬이 인물들의 엇갈린 목적을 겹쳐 보인다고 분석한다. 같은 해설은 제2막 피날레를 Rossini식 ‘조직된 혼란’과 Mozart식 앙상블의 결합으로 비교하며, 마지막 푸가가 모든 인물을 참여시켜 앞선 소동을 대위법으로 묶는다고 설명한다. 이 표현들은 특정 프로그램 노트의 분석으로 귀속된다. 막과 장면 제1막: 두 통의 편지와 Ford의 음모 제1장면, Garter Inn의 Falstaff 숙소에서는 Dr. Cajus가 Falstaff와 하인들의 난동과 절도 문제를 따진다. Falstaff는 돈을 마련하려고 Alice Ford와 Meg Page에게 같은 내용의 연애 편지를 보내려 하고, Bardolfo와 Pistola가 ‘명예’를 이유로 전달을 거부하자 두 사람을 내보내고 Robin에게 편지를 맡긴다. 리브레토는 Falstaff의 명예 풍자를 L’onore! Ladri!로 표시한다. 이 대목은 장면의 빠른 대화와 동작 속에서 등장하는 독창으로, 작품의 텍스트 중심 진행을 보여 준다. 제2장면, Ford의 집과 정원에서는 Alice와 Meg가 두 편지가 이름만 다를 뿐 같은 내용임을 확인하고, Quickly와 Nannetta와 함께 Falstaff를 골려 줄 계획을 세운다. Ford와 Dr. Cajus, Bardolfo, Pistola는 Falstaff의 계획을 알아내고 Ford의 질투와 복수를 준비한다. 그 틈에서 Nannetta와 Fenton은 짧은 만남과 사랑의 약속을 나눈다. 여성들의 복수 계획, 남성들의 음모, 젊은 연인의 서정이 한 장면 안에서 동시에 진행된다. 제2막: 변장과 빨래바구니 제1장면, Garter Inn의 다른 방에서는 Quickly가 Alice와 Meg의 거짓 약속을 Falstaff에게 전한다. Ford는 Mastro Fontana라는 가명으로 변장해 Falstaff에게 Alice를 유혹해 달라고 돈을 건네지만, Falstaff가 이미 Alice와의 약속을 무심코 밝히면서 Ford의 질투가 폭발한다. 리브레토는 Ford의 독창을 È sogno o realtà?로 표시한다. 이는 변장 희극 안에 Ford의 격한 독백이 끼어드는 장면이다. 제2장면, Ford의 집에서는 Alice, Meg, Quickly가 Falstaff를 기다리는 동안 Nannetta가 아버지가 정한 Dr. Cajus와의 결혼을 걱정한다. Falstaff가 Alice에게 구애하는 사이 Ford가 집을 수색하고, Falstaff는 커다란 빨래바구니에 숨는다. Fenton과 Nannetta의 만남까지 소동에 휘말린 뒤, 하인들은 Falstaff가 든 바구니를 창문 밖으로 내던져 Thames로 떨어뜨린다. Met 프로그램은 이 장면의 마지막 앙상블을 Rossini와 Mozart의 희극적 조직을 연상시키는 ‘조직된 혼란’으로 분석한다. 제3막: Windsor Great Park와 화해 제1장면, Garter Inn 밖에서 물에 젖은 Falstaff는 뜨거운 술로 기운을 되찾는다. Quickly는 Alice가 밤에 Windsor Great Park에서 만나고 싶어 한다고 다시 약속하고, Falstaff는 Herne 또는 Black Huntsman으로 변장해 숲으로 가기로 한다. Ford는 Nannetta를 Dr. Cajus와 결혼시키려는 계획을 세우지만 Quickly가 이를 엿듣는다. Met의 해설은 뜨거운 술의 온기가 플루트에서 현악과 전체 관현악으로 번지는 과정을 오케스트라의 장면 논평으로 제시한다. 제2장면, Windsor Great Park의 Herne 큰 참나무에서는 Alice 일행이 가면을 쓰고, Nannetta가 요정의 여왕, Fenton이 수도사로 변장한다. 자정에 Falstaff가 Alice를 만나려는 순간 요정과 정령으로 분장한 무리가 나타나 그를 놀리고 벌한다. Falstaff가 Bardolfo를 알아보면서 장난이 드러나고, Ford가 계획한 결혼은 가면을 벗긴 뒤 Nannetta와 Fenton, Bardolfo와 Dr. Cajus의 짝으로 뒤집힌다. Ford는 결국 딸의 결혼을 인정하고 Falstaff와 함께 식사하러 간다. 이 장면의 주요 번호로는 Nannetta의 요정 여왕 노래 Sul fil d’un soffio etesio, Fenton의 독창 Dal labbro il canto estasiato vola, 그리고 전 인물이 합류하는 Tutto nel mondo è burla가 있다. 마지막 푸가는 Falstaff가 말한 세상의 농담을 모든 인물이 함께 노래하는 대위법으로 정리한다. Boito의 텍스트와 Met 프로그램의 해설은 이 결말을 앞선 속임수와 질투가 공동의 웃음으로 전환되는 지점으로 제시한다. 수용과 녹음 Met의 작품사는 1895년 Victor Maurel이 타이틀롤을 다시 맡은 미국·Met 초연 뒤, 작품이 한동안 레퍼토리에서 사라졌다가 1909년 Arturo Toscanini의 새 제작으로 재소개되었다고 기록한다. 1925년 Tullio Serafin 지휘의 새 제작과 1964년 Franco Zeffirelli 제작의 첫 공연을 Leonard Bernstein이 지휘한 사례는 작품이 초기의 관심과 공백을 거쳐 Met의 레퍼토리에 다시 자리 잡은 경로를 보여 준다. Teatro alla Scala는 1980년 Giorgio Strehler의 제작을 회고하면서 Falstaff를 희극적 허풍꾼만이 아니라 웃음과 연민을 함께 불러일으키는 인물로 다루었다고 설명한다. 이 해석은 해당 제작의 관점으로 남는다. 확인된 음반사 카탈로그는 사용 판본과 컷을 상세히 밝히지 않는다. Warner Classics는 Herbert von Karajan, Philharmonia Orchestra와 Chorus, Tito Gobbi, Elisabeth Schwarzkopf가 참여한 음반을 2016년 9월 2일 재발매 항목으로 제시한다. Decca는 Sir Georg Solti, RCA Italiana Opera Orchestra & Chorus, Gabriel Bacquier, Mirella Freni, Giulietta Simionato 등이 참여한 카탈로그를 제공한다. Deutsche Grammophon은 Claudio Abbado, Berliner Philharmoniker, Bryn Terfel, Thomas Hampson 등이 참여한 2001년 전곡 녹음을 식별한다. 이 음반사 자료는 참여자와 발매 정보를 확인하는 근거이며, 음반에 붙은 가치 평가는 각 레이블의 소개로 귀속된다. 주요 자료 Ricordi — Verdi, Falstaff Critical Edition, Gabriele Dotto 편집 Metropolitan Opera — Falstaff 2013–14 program book Teatro alla Scala — Falstaff 공식 소개 Teatro dell’Opera di Roma 역사 아카이브 — Falstaff Teatro dell’Opera di Roma — Falstaff 1893 초연 기록 1893년 Falstaff 리브레토 전사 Glyndebourne Opera Archive — Falstaff synopsis Opera North — Falstaff in a nutshell Opernhaus Zürich — Falstaff 공연 안내 Folger Shakespeare Library — 1894년 프랑스어 리브레토 서지 Warner Classics — Verdi: Falstaff Decca Classics — Falstaff Solti Deutsche Grammophon — Claudio Abbado complete recordings Requiem 정보 개요 곡명: Messa da Requiem(레퀴엠 미사, ‘만초니 레퀴엠’) 작곡가: 주세페 베르디(Giuseppe Verdi, 1813–1901) 작곡: 1873–1874년. 1875년 ‘Liber scriptus’ 개정 초연: 1874년 5월 22일, 밀라노 산 마르코 성당, 베르디 지휘 헌정: 알레산드로 만초니 사망 1주기 IMSLP: Requiem (Verdi, Giuseppe) Wikipedia: Requiem (Verdi) 주세페 베르디의 《레퀴엠 미사》(Messa da Requiem)는 알레산드로 만초니를 추모하며 쓴 라틴어 미사곡이다. 네 독창자와 혼성 합창, 관현악을 위한 이 작품은 ‘Requiem aeternam–Kyrie’, ‘Dies irae’, ‘Offertorio’, ‘Sanctus’, ‘Agnus Dei’, ‘Lux aeterna’, ‘Libera me’의 일곱 부분으로 이어진다. 오늘날 주로 연주하는 것은 1875년에 ‘Liber scriptus’를 고친 판본이다. 만초니가 세상을 떠난 지 꼭 1년이 되는 날, 베르디는 밀라노의 산 마르코 성당에서 직접 초연을 지휘했다. 시작은 죽은 이에게 안식을 구하는 아주 낮은 목소리다. 하지만 곧 ‘진노의 날’이 합창과 큰북을 동원해 밀려들고, 마지막에는 심판의 공포가 다시 돌아온다. 이처럼 강한 대비 때문에 작품은 때로 ‘무대 없는 오페라’라고 불렸다. 그러나 그 표현만으로는 충분하지 않다. 베르디는 독창자가 오페라에서 통할 프레이징과 강세를 이 곡에 그대로 가져오는 일을 경계했다. 그는 극적인 수단을 쓰면서도 전례문의 두려움과 탄원이 노래 자체에서 들리기를 바랐다. 먼저 쓰인 마지막 기도 1868년 로시니가 사망하자 베르디는 여러 이탈리아 작곡가가 한 부분씩 맡는 추모 미사를 제안했다. 자신에게 돌아온 것은 마지막 응답송 ‘Libera me’였다. 공동 미사는 완성되었지만 당시 연주되지 않았고, 베르디가 쓴 음악은 남았다. 뒤에 만초니를 위한 새 레퀴엠을 구상할 때 그는 이 부분을 개작해 작품의 끝에 놓았다. 그러므로 마지막 악장은 앞선 여섯 부분을 단순히 맺는 후주가 아니다. 작품보다 먼저 생긴 음악이 새로 쓴 부분들을 거쳐 돌아와, 처음의 기도와 심판의 소리를 다시 들려주는 자리다. 만초니는 소설 《약혼자들》(I promessi sposi)의 작가이자 베르디가 깊이 존경한 인물이었다. 그의 죽음은 개인적인 상실이면서, 통일 이후 이탈리아의 문화적 상징을 잃은 사건이기도 했다. 베르디는 1873년 사망 소식을 접한 뒤 한 작곡가가 전곡을 책임지는 미사를 계획했고, 이듬해 4월 총보를 마쳤다. 첫 공연은 1874년 5월 22일 산 마르코 성당에서 열렸다. 테레사 스톨츠, 마리아 발트만, 주세페 카포니, 오르몬도 마이니가 네 독창을 맡았다. 사흘 뒤 베르디가 지휘한 라 스칼라 공연이 있었고, 같은 달 27일과 29일에는 프랑코 파초가 그곳에서 지휘했다. 교회에서 시작한 작품이 곧 극장으로 옮겨 간 사실은 당대의 장르 논쟁을 설명하지만, 장소가 바뀌었다고 음악의 목적까지 바뀐 것은 아니다. 출판 정보와 자료 리코르디 출판사는 1874년 초연을 앞두고 성악·피아노 축약보를 준비해 초연 당일 판매했다. 베르디는 그 교정쇄를 살폈지만, 훨씬 뒤에 간행된 관현악 총보의 교정쇄는 같은 방식으로 보지 못했다. 오래 통용된 1913년 리코르디 소형 총보와 후속 판본을 작곡가의 자필 총보와 무조건 동일시할 수 없는 이유다. 예컨대 ‘Lacrymosa’의 이음줄은 자필 악보의 복잡한 표기가 초기 인쇄 과정에서 달라지고, 뒤의 인쇄본에서 다시 분절되었다. 데이비드 로젠이 편집한 리코르디·시카고 대학교 출판부 비평판(1990)은 자필 총보, 초기 필사본, 연주 파트와 성악·피아노 악보를 대조한다. 본문에는 오늘날 친숙한 메조소프라노 중심의 ‘Liber scriptus’를 싣고, 부록에는 1874년 초연 때 쓰인 합창 푸가 판본과 로시니 공동 미사를 위한 초기 ‘Libera me’를 수록한다. 이 두 부록은 ‘정본’과 경쟁하는 별개 작품이라기보다 베르디의 작곡과 수정 과정을 보여 준다. 노르베르트 볼린의 카루스 판, 마리오 우비에타의 베렌라이터 판도 원자료를 다시 검토한 현대 편집본이다. 악보를 고를 때는 출판 연도만 볼 것이 아니라 어느 ‘Liber scriptus’를 싣고 있는지 먼저 확인해야 한다. 소요 시간 대체로 85 90분 안팎이다. 공연 안내에는 약 8485분으로 적히기도 하고, 음반마다 템포와 절의 연결에 따라 시간이 달라진다. ‘Dies irae’ 하나가 전곡의 상당 부분을 차지하므로, 전체 시간만 비교하면 음악의 호흡을 파악하기 어렵다. 편성 소프라노·메조소프라노·테너·베이스 독창자 네 명과 혼성 합창이 노래한다. ‘Sanctus’에서 합창은 두 그룹, 모두 여덟 성부로 나뉜다. 관현악은 플루트 2대와 피콜로를 겸하는 제3플루트, 오보에 2대, 클라리넷 2대, 바순 4대, 호른 4대, 무대 위 트럼펫 4대와 무대 밖 트럼펫 4대, 트롬본 3대, 오피클라이드, 팀파니, 큰북, 현악으로 이루어진다. 원전의 오피클라이드는 현대 공연에서 튜바나 침바소로 대체되기도 한다. 트럼펫 ‘8대’라는 표기는 무대 위와 밖의 악기를 합친 숫자이며, 베르디가 요구한 거리의 효과를 지우는 뜻은 아니다. 베르디는 합창과 관현악의 인원을 한 가지 규모로 고정하지 않았다. 직접 지휘한 공연들 사이에도 인원 차이가 컸다. 따라서 초연의 인원수를 오늘날 공연의 유일한 표준으로 삼기보다, 목소리와 악기들이 서로를 가리지 않는지, 멀리 둔 트럼펫의 대답이 실제로 공간감을 만드는지 살피는 편이 중요하다. 일곱 부분을 따라 듣기 I. Requiem aeternam–Kyrie: 낮은 소리에서 시작하는 기도 약음기를 단 첼로가 먼저 낮은 선율을 내고, 합창은 한 음에서 ‘Requiem’을 조용히 부른다. 바이올린의 선율이 밝아지는 ‘et lux perpetua’에 이르면 영원한 빛을 청하는 말이 잠시 위안을 얻는 듯하지만, 음악은 그 상태에 오래 머물지 않는다. 짧은 무반주 합창을 지나 ‘Kyrie’가 시작되면 테너, 베이스, 소프라노, 메조소프라노가 차례로 자비의 청원을 이어받는다. 네 사람이 각각 하나의 인물을 연기하기보다는 한 기도를 서로 다른 성부로 펼쳐 놓는다. 이 첫 부분의 선율과 하행하는 움직임은 마지막 ‘Libera me’에서 다시 의미를 얻는다. II. Dies irae: 심판의 군중 속에서 들리는 한 사람 ‘Dies irae’는 열 개의 세부 절을 잇는 가장 긴 부분이다. 처음의 강한 관현악 화음과 큰북은 앞서 조심스럽게 열렸던 공간을 한순간에 뒤집는다. 합창이 최후 심판의 날을 외친 뒤 ‘Tuba mirum’에서는 무대 밖 트럼펫이 무대 위 금관에 응답한다. 전례문의 나팔은 특정 악기의 음색만이 아니라 소리가 오는 거리로도 실현된다. 베이스의 ‘Mors stupebit’가 뒤따르면 거대한 장면이 한 사람의 경악으로 좁혀진다. 이어지는 ‘Liber scriptus’는 악보를 구별해서 들어야 할 대목이다. 1874년 초연에서는 심판의 책을 노래하는 합창 푸가였지만, 베르디는 1875년 2월 이를 메조소프라노 독창 중심의 음악으로 바꾸었다. 수정판은 그해 5월 런던에서 처음 들렸고 지금은 일반적인 선택이 되었다. 같은 라틴어 문장이 집단의 엄정한 선언에서 개인의 떨리는 증언에 가까워진 셈이다. 단, 개정의 효과를 처음 판본이 미숙했다는 말로 축소할 필요는 없다. 두 판본은 베르디가 그 장면에 주려던 무게가 어떻게 달라졌는지를 보여 준다. 그다음 ‘Quid sum miser’에서 소프라노·메조소프라노·테너는 “가련한 나는 무엇을 말할까”라는 물음을 나누어 부른다. 네 독창자와 합창이 함께하는 ‘Rex tremendae’는 위엄을 부르면서도 구원을 청한다. ‘Recordare’의 두 여성 성부와 테너의 ‘Ingemisco’는 웅장한 합창에 가려지기 쉬운 개인의 간구를 오래 붙든다. 베이스가 나서는 ‘Confutatis’에서는 합창의 응답 뒤로 앞선 ‘Dies irae’의 충격이 되돌아오고, ‘Lacrymosa’에서 네 독창자와 합창이 눈물의 날을 함께 노래한다. 이 순서를 거치면 심판의 날은 단순한 음향적 절정이 아니다. 군중의 공포가 여러 사람의 목소리로 흩어졌다가 다시 공동의 애도로 모이는 과정이다. III. Offertorio: 합창이 물러난 자리 ‘Domine Jesu Christe’와 ‘Hostias et preces’에서는 합창이 쉬고 독창자 네 명이 봉헌 기도를 이어 간다. 앞부분에서 금관과 큰북, 합창이 넓힌 무대가 여기서는 네 목소리의 주고받음으로 줄어든다. 그렇다고 긴장이 사라지는 것은 아니다. 심판에서 벗어나게 해 달라는 청원과 희생 제물을 받아 달라는 기도가 서로 연결되면서, 소리의 크기보다 문장 사이의 호흡이 중요해진다. 독창 사중창은 ‘Dies irae’의 개인적인 물음에 또 다른 방식으로 대답한다. IV. Sanctus: 두 합창의 찬미 ‘Sanctus’에서는 두 혼성 합창이 각각 네 성부로 나뉘어 빠른 푸가를 펼친다. 한쪽에서 시작한 선율이 다른 쪽으로 번지는 동안 여러 성부가 같은 찬미에 참여한다. 앞의 봉헌 기도나 뒤의 자비 청원에 비해 밝고 짧은 이 부분은 전곡에 필요한 방향 전환이다. 다만 두 합창을 단순히 더 크게 들리게 하려는 장치로만 생각하면, 각 성부가 주제를 주고받는 정교함을 놓치기 쉽다. V. Agnus Dei와 VI. Lux aeterna: 다시 좁아지는 목소리 ‘Agnus Dei’는 소프라노와 메조소프라노가 함께 부르는 소박한 선율에서 출발한다. 합창이 그 선율을 받아 ‘우리를 불쌍히 여기소서’라는 청원을 되풀이할 때, 독창과 집단의 거리는 ‘Sanctus’에서처럼 화려하게 벌어지지 않는다. 두 목소리가 먼저 말한 것을 많은 목소리가 따라 부르는 일 자체가 이 부분의 힘이다. ‘Lux aeterna’에는 소프라노와 합창이 빠지고 메조소프라노·테너·베이스가 남는다. 영원한 빛과 안식을 청하는 텍스트는 밝은 승리의 결말로 곧장 향하지 않는다. 세 성부의 서로 다른 음색과 관현악의 절제된 응답을 듣다 보면, 평안을 바라는 말에도 아직 불안이 남아 있음을 느낄 수 있다. 그래서 다음 ‘Libera me’의 두려움은 갑작스러운 반전이라기보다 앞선 기도 속에 잠복해 있던 질문의 재등장처럼 들린다. VII. Libera me: 돌아온 심판, 끝나지 않은 탄원 마지막 ‘Libera me’에서는 소프라노와 합창이 “나를 구하소서”라고 호소한다. 이어 ‘Dies irae’의 거센 음악이 다시 들려, 앞서 지나온 심판을 과거의 사건으로 돌려놓지 않는다. 그 뒤 ‘Requiem aeternam’이 조용히 돌아오고, 작품 첫머리에서 낮은 현악이 내놓았던 하행 동기와 바이올린의 선율도 새로운 문맥에서 들린다. 끝부분의 합창 푸가는 ‘Sanctus’의 환한 찬미와 달리 구원 요청을 집요하게 이어 간다. 마지막에 남는 것은 모든 의문을 해결하는 승리의 선언이 아니라, 소프라노와 합창이 다시 낮은 소리로 건네는 탄원이다. 이 회귀는 단지 청중에게 처음을 기억시키는 기교가 아니다. 먼저 쓰였던 ‘Libera me’가 전곡의 끝에 자리하면서, 죽은 이를 위한 안식의 기도와 살아 있는 이의 구원 요청을 한 작품 안에 묶는다. 베르디가 남긴 결말의 정적은 처음의 정적과 닮았지만, 청중은 그 사이에 지나간 심판의 소리를 이미 알고 있다. 초연 이후의 개정과 연주 1874년 산 마르코 초연에서 ‘Liber scriptus’를 부른 것은 합창이었다. 베르디가 메조소프라노판을 완성한 뒤 1875년 5월 15일 런던 로열 앨버트 홀에서 수정판을 처음 연주했다. 이 날짜를 작품 전체의 초연으로 혼동해서는 안 된다. 그 공연을 앞두고 베르디가 5월 12일 전체 리허설을 지휘했다는 기록도 남아 있다. 한 작품이 교회와 극장, 이탈리아와 다른 유럽 도시로 빠르게 이동하는 동안 베르디는 음악의 극적 힘뿐 아니라 그것을 어떻게 노래할지도 계속 신경 썼다. 그는 극장 무대에 어울리는 강세와 프레이징이 이 레퀴엠에는 맞지 않는다고 1874년 편지에서 당부했다. 동시에 합창 푸가에서는 어느 성부도 다른 성부를 압도하지 않기를 요구했고, 독주 관악기가 지나치게 멀리 흩어지지 않도록 배치를 조정하려 했다. 이 지시들을 함께 보면 ‘극적으로’ 연주한다는 말은 무조건 크게 밀어붙이라는 뜻이 아니다. ‘Dies irae’의 충격과 ‘Tuba mirum’의 거리, ‘Offertorio’의 네 목소리, 마지막의 약한 탄원이 저마다 필요한 자리를 얻어야 한다는 뜻에 가깝다. 녹음에서 확인할 선택 음반을 비교할 때는 전체 길이나 음량만으로 해석을 재단하지 않는 편이 좋다. 1951년 1월 토스카니니가 NBC 심포니를 지휘한 방송 자료는 뉴욕 공공도서관의 아카이브에 남아 있다. 1963~64년 카를로 마리아 줄리니가 필하모니아 합창단·관현악단과 녹음한 음반은 엘리자베트 슈바르츠코프, 크리스타 루트비히, 니콜라이 게다, 니콜라이 기아우로프의 독창을 들을 수 있는 자료다. 오래된 녹음의 음질과 음반 소책자의 총시간 표기에는 주의가 필요하지만, 서로 다른 성부가 긴 기도를 어떻게 연결하는지 살펴볼 만하다. 1980년 카탈로그의 클라우디오 아바도·라 스칼라 녹음은 약 89분이며, ‘Dies irae’를 여러 트랙으로 나누어 표시한다. 트랙 수는 악장 수가 아니라 음반 편집 방식이다. 2009년 녹음해 2010년 발매한 리카르도 무티·시카고 심포니 음반은 합창, 독창, 관현악의 균형과 빠른 ‘Sanctus’의 선명함을 비교하는 또 다른 기준이 된다. 녹음마다 ‘Tuba mirum’의 멀리 놓인 트럼펫이 얼마나 멀게 들리는지, ‘Liber scriptus’가 어느 판본인지도 함께 확인하면 연주의 선택이 더 구체적으로 드러난다. 주요 자료 Ricordi·University of Chicago Press, David Rosen 편집 비평판 David Rosen, 비평판 서문 David Rosen, 연주 지시와 공연 규모를 다룬 편집 서문 St. Louis Symphony Orchestra, 작품 해설과 세부 순서 Los Angeles Philharmonic, 작품 해설 Royal Albert Hall, 1875년 공연 기록 Warner Classics, 줄리니 녹음 소책자 Chicago Symphony Orchestra, 무티 녹음 자료 Four Sacred Pieces 정보 Giuseppe Verdi: Four Sacred Pieces 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 작품명: Four Sacred Pieces / Quattro pezzi sacri 장르: 독립적으로 작곡된 네 편의 성악 종교음악을 묶은 출판 단위 작곡 시기: 1888–1897년, 곡마다 다름 초기 공동 공연: 1898년 4월 7일 파리 오페라에서 Ave Maria를 제외한 세 곡 공연 소요 시간: 약 38–42분, 연주에 따라 35–45분 IMSLP: https://imslp.org/wiki/4_Pezzi_sacri_(Verdi,_Giuseppe) Wikipedia: https://en.wikipedia.org/wiki/Four_Sacred_Pieces Giuseppe Verdi의 Four Sacred Pieces (Quattro pezzi sacri)는 서로 다른 시기에 쓰인 네 독립 성악 작품을 1898년 한 권으로 묶은 출판 단위다. Ave Maria와 Laudi alla Vergine Maria는 무반주 성악으로, Stabat Mater는 혼성합창과 관현악으로, Te Deum은 이중 혼성합창과 관현악에 짧은 소프라노 독창을 더해 구성된다. 네 곡은 하나의 전례 순서를 따르는 연작이 아니라 라틴어 기도와 찬가, Dante의 이탈리아어 기도문을 서로 다른 편성과 구조로 다루는 묶음이다. 1898년 4월 파리 오페라에서는 네 곡 중 세 곡이 먼저 공연되었고, Ave Maria는 같은 해 빈 공연에서 합쳐졌다. 개요 네 곡의 연대는 한 시기에 집중되지 않는다. 로체스터대학교의 연구는 Laudi alla Vergine Maria를 1888년, Ave Maria sulla scala enigmatica를 1889년, Te Deum을 1895–1896년, Stabat Mater를 1896년에 작곡한 것으로 정리한다. Carus는 독립 작품 전체를 1889–1897년 사이로 묶어 설명하며, Stabat Mater의 완성 시점은 1897년으로 제시한다. 따라서 1898년 출판은 네 곡이 처음부터 하나의 순환곡으로 계획되었다는 뜻이 아니라, Verdi의 말년 작품들을 한 출판물로 묶은 결과다. 텍스트의 출처도 서로 다르다. Ave Maria, Stabat Mater, Te Deum은 라틴어 기도문과 찬가를 사용하고, Laudi alla Vergine Maria는 Dante의 Divina Commedia, Paradiso 제33곡 마지막 기도에서 가져온 이탈리아어다. 네 곡은 성당의 전례 순서에 맞춰 배열된 세트가 아니며, 실제 초기 공연도 항상 네 곡을 함께 올리지는 않았다. 1898년 4월 7일 파리 오페라에서 열린 첫 공동 공개 공연에는 Stabat Mater, Laudi alla Vergine Maria, Te Deum이 올랐고 Ave Maria는 빠졌다. Verdi는 건강 문제로 파리에 가지 않았으며, Boito가 Paul Taffanel과 파리 오페라의 연주를 조율했다. 네 곡이 함께 연주된 이른 사례로는 1898년 11월 13일 빈 공연이 기록되어 있다. 이탈리아에서는 1898년 5월 26일 토리노 공연이 Arturo Toscanini의 지휘로 열렸고, 밀라노 라 스칼라 공연은 1899년 Toscanini가 맡았다. 출판 정보와 자료 Ricordi는 1898년에 네 곡을 Quattro pezzi sacri라는 제목 아래 출판했다. 악보의 배열은 Ave Maria, Stabat Mater, Laudi alla Vergine Maria, Te Deum 순서다. IMSLP는 Ricordi 초판의 성악·피아노 악보와 일부 관현악 파트를 확인할 수 있는 경로를 제공하고, Ricordi의 비평판 사업은 자필, 초기 필사본, 생전 판본과 당시 관현악 파트를 함께 검토하는 편집 원칙을 제시한다. 현재 전하는 자료는 곡마다 상태가 다르다. 로체스터대학교 연구는 Stabat Mater, Laudi, Te Deum의 자필 원고가 알려진 상태로 남아 있지 않다고 설명하며, Ave Maria는 2012년 Toscanini 유산 경매에서 관련 자료가 드러났다고 기록한다. Verdi는 1898년 4월 11일 Ricordi에 보낸 편지에서 Te Deum 인쇄본의 51·61·62쪽을 고치고 음과 호른 표기를 조정하라고 지시했다. 출판된 악보도 작곡가의 수정 대상이 될 수 있었음을 보여 주는 기록이다. 소요 시간 곡별로는 Ave Maria가 약 5–6분, Stabat Mater가 약 12–13분, Laudi alla Vergine Maria가 약 5–7분, Te Deum이 약 15–16분이다. Chandos의 Noseda 녹음은 네 곡을 합쳐 약 41분, MusicWeb이 다룬 Pappano 녹음은 약 39분으로 제시된다. Apple Music의 Chailly와 Rademann 녹음은 각각 약 38분으로 표시된다. 지휘자의 템포, 합창 인원, Laudi의 성악 편성, 판본과 녹음 편집에 따라 시간 차이가 생긴다. 편성 Ave Maria 무반주 혼성 4성부로 연주한다. 초기 기록에는 네 명의 성악가를 가리키는 표현도 있어, 현행 악보의 혼성합창 표지와 1889년 구상·1895년 파르마 초기 공연의 실제 인원을 같은 것으로 단정할 수는 없다. Stabat Mater 4성부 혼성합창과 관현악을 위한 곡이다. Carus의 현대 부품 목록에는 플루트 3, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 4, 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 4, 팀파니, 하프, 현악이 적혀 있다. 반면 Verdi는 1897년 Ricordi에 보낸 편지에서 이 곡에 corno inglese, clarone, arpa가 없다고 설명했다. 아래 편성은 Carus 현대판의 범위를 제시하고, Verdi의 편지에 남은 원자료 정보도 함께 기록한다. Laudi alla Vergine Maria 무반주 여성 성악을 위한 곡이다. Chandos는 두 소프라노와 두 알토, 곧 네 여성 성악가를 위한 작품으로 설명하며, 음반 트랙과 후대 공연에서는 네 성부 여성합창으로 표시되는 경우도 있다. 원래의 네 독창자 편성과 후대의 여성합창 관행은 구별해야 한다. Te Deum 이중 혼성합창과 관현악으로 편성하며 끝부분에 짧은 소프라노 독창이 들어간다. Carus의 부품 목록에는 플루트 3, 오보에 2, 잉글리시 호른, 클라리넷 3, 바순 4, 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 4, 팀파니, 현악이 제시되고 하프는 적혀 있지 않다. Verdi는 1898년 편지에서 합창이 음정을 잡도록 시작 전에 12마디 또는 16마디의 오르간 전주를 두는 방안을 논의했다. 이 전주는 독립 악장이 아니라 공연을 돕는 준비다. 네 곡의 구성과 텍스트 Ave Maria: 수수께끼 선율과 다섯 구간 이 곡의 출발점은 1888년 밀라노 음악신문이 독자들에게 제시한 scala enigmatica, 즉 ‘수수께끼 음계’다. Adolfo Crescentini가 제안한 선율을 본 Verdi는 1889년에 Ave Maria를 구상했고, 1895년 파르마 음악원에서 초기 버전이 연주된 뒤 1897년에 새로 고쳐 1898년 판에 넣었다. Music Theory Online의 Richard Burke는 가사를 다섯 구간으로 나눈다. 1–16마디는 Ave Maria, 17–32마디는 Sancta Maria, 33–48마디는 다시 Ave Maria, 49–64마디는 Sancta Maria이며, 65마디 뒤에는 Amen 코다가 놓인다. 음악은 C와 F의 영역을 거쳐 C로 돌아온다. 이 마디 구분은 Burke의 분석에 따른 구조 설명이다. Stabat Mater: 라틴 시퀀스의 연속 단락 전통적인 라틴어 Stabat Mater dolorosa를 4성부 혼성합창과 관현악으로 설정한다. Chandos의 단락 표지는 Sostenuto의 Stabat Mater dolorosa에서 시작해 Quis non posset contristari, Fac ut portem Christi mortem, per te Virgo sim defensus, in die judicii, Quando corpus morietur를 거쳐 마지막 Tutta forza로 향한다. 여러 독립 악장으로 분할된 곡이라기보다, 십자가 아래의 탄식을 하나의 연속적인 합창 장면으로 밀고 가는 구성이다. Laudi alla Vergine Maria: Dante의 마지막 기도 Dante의 Paradiso 제33곡에 나오는 Vergine madre, figlia del tuo Figlio로 시작하며, La tua benignità non pur soccorre로 이어지는 두 큰 텍스트 단락을 무반주 여성 성악이 노래한다. 네 여성 독창자를 위한 원래 구상과 여성합창으로 부르는 후대 관행은 같은 악보를 서로 다른 인원으로 실현하게 만든다. Ricordi의 1897년 편지에는 이 곡을 가리키는 임시 명칭 La preghiera del Paradiso도 보인다. Te Deum: 이중합창과 마지막 기도 라틴어 암브로시아노 찬가를 바탕으로 Te Deum laudamus, Te aeternum Patrem, Pleni sunt coeli et terra, Sanctus, Patrem immensae majestatis, Tu Rex gloriae Christe, Salvum fac populum tuum의 단락을 이어 간다. 마지막에는 짧은 소프라노 독창이 In te speravi를 강조한다. Girardi의 연구는 그레고리오 선율을 연상시키는 단선적 시작과, 점차 약해지며 모호하게 사라지는 종결을 분석한다. 이 곡의 큰 합창과 마지막 기도는 하나의 방향 안에 놓인다. 초연과 공연 관행 파리 오페라의 1898년 4월 7일 공연은 세 곡을 처음 한 무대에 올린 사건이었다. Boito가 Paris Opera Orchestra의 책임자 Paul Taffanel과 준비를 조율했고, 오페라와 Société의 합창 인력이 참여했다. Verdi는 파리에 가지 않았으며, 당시 프로그램은 Ave Maria를 포함하지 않았다. 다음 날에도 공연이 이어졌고, 같은 해 11월 빈에서 네 곡이 함께 연주되면서 출판 묶음의 전체 구성이 무대에서 구현되었다. Verdi의 1899년 기록은 네 곡의 공연 편성이 고정되어 있지 않았음을 보여 준다. 1899년 4월 2일 편지에서 그는 Te Deum만 단독으로 공연하는 데 반대했지만, 이는 특정 공연 편성에 관한 지시다. Laudi의 네 여성 성악가와 여성합창 선택, Te Deum 시작 전 오르간 전주, Stabat Mater의 판본별 관현악은 공연마다 달라질 수 있는 구체적인 조건이다. 주요 레코딩 Gianandrea Noseda가 Torino Teatro Regio Chorus와 Orchestra를 지휘한 2010년 녹음은 2011년 Chandos에서 발매되었다. 북클릿은 Ave Maria 약 6분, Stabat Mater 약 13분, Laudi 약 6분, Te Deum 약 16분으로 표시한다. 현대 음반에서 네 곡을 한 묶음으로 배열한 사례이며, 각 곡을 독립 작품으로 구분하는 트랙 구성을 유지한다. 1962년 Kingsway Hall에서 녹음된 Carlo Maria Giulini의 네 곡은 초기 음반 수용을 보여 주는 사례다. MusicWeb의 Pappano 음반 평은 Giulini, Gardiner, Muti, Noseda의 녹음을 함께 비교하며 Giulini를 선호하는 비평적 판단을 제시한다. 같은 글에서 Pappano 녹음의 네 곡은 약 39분으로 제시된다. Riccardo Chailly가 Coro와 Orchestra del Teatro alla Scala를 지휘한 2024년 Decca 녹음, Hans-Christoph Rademann이 Dresdner Kammerchor와 Gächinger Kantorei, Stuttgarter Philharmoniker를 지휘한 2023년 Carus 녹음은 현대의 서로 다른 합창·관현악 조건을 보여 준다. Apple Music의 트랙 목록은 Chailly를 약 38분, Rademann을 약 38분으로 표시하며, 두 음반의 성악 구성과 Laudi 처리 방식을 비교할 수 있다. 주요 자료 로체스터대학교, Irina Georgieva의 학위논문 : 네 곡의 작곡 연대, 1898년 파리·빈·토리노 공연, Verdi 서신과 편성·시간의 충돌. Music Theory Online, Richard Burke : scala enigmatica의 유래와 Ave Maria의 마디별 구조, 1895·1897년 상태. Chandos CHAN10659 북클릿 : 네 곡의 텍스트 단락, 성악·관현악 편성, Noseda 녹음의 곡별 시간. Carus, Quattro pezzi sacri 및 Stabat Mater : 현대 출판판의 작품 범위, 부품 목록, 곡별 편성. Archivio Storico Ricordi, Verdi 작품·서신 목록 : 1895–1899년 서신과 출판·공연 준비 자료. BnF, Fonds Paul Taffanel : 1898년 파리 공연과 관련된 Taffanel 서신·프로그램·달력 자료의 소장 정보. Naxos, Chandos CHAN10659, Apple Music, Riccardo Chailly, Apple Music, Hans-Christoph Rademann : 현대 녹음의 참여 단체, 트랙 구성과 시간. MusicWeb, Pappano 음반 평 및 Giulini 음반 평 : Giulini, Pappano와 다른 녹음에 대한 독립 비평과 수용 맥락. Ernani 정보 Giuseppe Verdi: Ernani 작곡가: Giuseppe Verdi (1813–1901) 작품명: Ernani 장르: 4막 dramma lirico 작곡 시기: 1843–1844년 초연: 1844년 3월 9일, 베네치아 Teatro La Fenice IMSLP: https://imslp.org/wiki/Ernani%20(Verdi,%20Giuseppe) Wikipedia: https://en.wikipedia.org/wiki/Ernani Giuseppe Verdi의 Ernani는 Francesco Maria Piave가 대본을 쓰고 Victor Hugo의 희곡 Hernani를 각색한 4막 오페라다. 스페인의 산적이 된 귀족 Ernani, 그가 사랑하는 Elvira, 스페인 왕 Don Carlo, Elvira의 약혼자이자 Ernani에게 맹세를 요구하는 Silva가 명예와 사랑, 왕권과 복수의 갈등을 만든다. 각 막은 아리아와 카발레타, 중창, 합창이 이어지는 번호 오페라의 형식을 갖추면서도, 반복되는 맹세와 호른 신호로 전막을 하나의 비극으로 묶는다. 개요 La Fenice는 1843년 베르디에게 새 오페라를 의뢰했고, Piave는 처음 검토하던 다른 소재 대신 Hugo의 Hernani를 이탈리아어 대본으로 옮겼다. 원작의 Doña Sol은 Elvira로 바뀌고, 여러 장면은 네 막의 오페라 구조에 맞게 압축되었다. 베르디는 원작의 주인공을 콘트랄토가 아니라 테너로 정했고, 레치타티보와 앙상블의 순서를 다시 배치해 인물의 결정을 빠르게 이어 갔다. 초연은 1844년 3월 9일 베네치아 Teatro La Fenice에서 열렸다. 첫 반응은 조심스러웠지만, Vienna와 La Scala 공연을 거치면서 작품의 인기가 빠르게 커졌다. Ernani의 중심은 군중 장면만이 아니라 네 인물의 충돌이다. Ernani의 반항과 사랑, Elvira의 결단, Don Carlo의 왕권, Silva의 명예가 서로 다른 성악 음역과 앙상블의 위치로 구별된다. 원작과 다른 결말 Hugo의 희곡에서 Ernani와 Elvira는 함께 독약을 마시고 Silva도 자살한다. 베르디의 오페라에서는 Charles V의 무덤 장면 뒤 Ernani가 혼자 죽고 Elvira가 그 곁에서 절규한다. 제2막에서 Ernani가 Silva에게 맡긴 목숨의 맹세가 제4막 호른 신호와 함께 되돌아오므로, 결말의 급격함은 극의 앞부분에 이미 준비되어 있다. 출판 정보와 자료 초연을 위해 베네치아에서 Giuseppe Molinari가 인쇄한 1844년 리브레토가 남아 있으며, 베르디의 자필 총보는 Ricordi Historical Archive에 네 권으로 보존되어 있다. 현대 비평판은 Claudio Gallico가 편집한 Ricordi판으로, 자필 총보와 초연 리브레토를 구분해 사용한다. 19세기 후대 공연에서 추가된 번호와 재인쇄본은 La Fenice 초연판과 별개의 전승으로 다룬다. 소요 시간 전막 공연은 컷과 반복, 후대 삽입곡의 포함 여부에 따라 약 2시간 20분에서 2시간 45분이 걸린다. 극장 실황은 무대 전환과 박수까지 포함해 더 길어질 수 있으며, 스튜디오 음반은 레치타티보와 반복을 어떻게 처리하는지에 따라 차이가 난다. 편성 성악: Ernani 테너, Elvira 소프라노, Don Carlo 바리톤, Don Ruy Gomez de Silva 베이스, Giovanna 메조소프라노, Don Riccardo 테너, Jago 베이스, 혼성 합창 목관: 피콜로, 플루트, 오보에 2, 클라리넷 2, 베이스 클라리넷, 바순 2 금관과 타악: 호른 4, 트럼펫 2, 트롬본 3, 침바소, 팀파니, 큰북, 심벌즈, 작은북 기타: 하프, 현악, 무대 안의 밴드와 큰북, 무대 밖 호른 1·트럼펫 6 무대 밖 금관과 밴드는 행렬과 전투 장면을 객석 바깥으로 확장한다. 제4막의 호른 신호는 무대 안에서 Ernani의 맹세를 호출하는 장치로 기능한다. 19세기 극장의 오케스트라는 오늘날처럼 깊은 피트에 들어가 있지 않았으므로, 당시와 현대 공연은 가수와 관현악의 거리에서도 차이가 생긴다. 막별 줄거리 제1막, Il bandito Ernani는 귀족 출신이지만 반란에 가담해 산적이 되었다. 그는 Elvira를 사랑하지만, Elvira는 늙은 Silva와 결혼할 예정이며 Don Carlo도 그녀를 원한다. Elvira의 방에서 세 사람이 차례로 등장하고, Ernani와 Don Carlo가 맞서면서 Silva가 집안의 명예를 지키려 한다. Ernani, involami는 Elvira가 사랑하는 사람을 기다리는 장면이고, Ernani의 카발레타는 사랑과 반항을 한 번에 밀어붙인다. 제2막, L’ospite Ernani는 Silva의 성으로 피신한다. 손님을 보호해야 하는 의무 때문에 Silva는 그를 넘기지 않지만, Elvira와 Ernani의 관계를 알게 되면서 복수심이 커진다. Don Carlo의 추적이 성을 둘러싸자 Ernani는 Silva에게 자신의 목숨을 빚으로 맡긴다. Silva가 뿔피리를 불면 어느 곳에 있든 죽음을 받아들이겠다는 맹세가 이 막에서 만들어진다. Elvira의 Ernani, Ernani, involami는 납치와 강제 결혼의 위협 속에서도 자신의 뜻을 밝히는 아리아다. Ernani와 Silva의 듀엣은 개인적인 사랑을 명예의 계약으로 바꾸며, 제4막의 파국을 향한 음악적 약속을 남긴다. 제3막, La clemenza Charles V의 무덤에서 Don Carlo와 반란 귀족들의 음모가 충돌한다. Ernani와 동료들은 왕권을 무너뜨리려 하지만, 황제 선출을 앞둔 Don Carlo는 복수와 통치자의 관용 사이에서 결정을 내려야 한다. 큰 남성 합창과 중창이 정치적 공간을 만들고, 개인의 맹세가 국가의 권력과 맞물린다. Don Carlo가 황제 Charles V가 된 뒤 반역자와 연인을 용서하면서 막은 일단 화해로 끝난다. 그러나 Silva의 맹세는 사라지지 않는다. 이 막의 앙상블은 베르디가 개별 번호들을 나란히 놓는 데서 그치지 않고, 여러 인물이 같은 결정을 둘러싸고 움직이도록 만든 사례다. 제4막, La maschera Ernani와 Elvira는 결혼을 앞두고 행복을 맞는 듯하다. 축제와 합창이 이어지는 가운데 Silva의 뿔피리 신호가 들리고, Ernani는 자신의 약속을 피하지 못한다. 그는 Elvira에게 작별을 고한 뒤 스스로 목숨을 끊는다. Elvira의 절규와 마지막 합창은 사랑의 결혼식이 명예 맹세의 죽음으로 바뀌는 순간을 압축한다. 음악적 특징과 후대 번호 초기 베르디의 번호 오페라는 아리아의 카바티나와 빠른 카발레타, 레치타티보와 중창이 교대로 이어지는 형식을 사용한다. Ernani에서는 이 형식이 인물의 약속을 반복해서 기억하게 하는 방식으로 작동한다. Ernani의 높은 테너 선율, Elvira의 긴 소프라노 선, Don Carlo의 넓은 바리톤 구절, Silva의 낮은 음역이 서로 다른 명예와 욕망을 드러낸다. 대표적인 장면은 Elvira의 Ernani, involami, Don Carlo의 O de’ verd’anni miei, Silva의 Infelice!, 제3막의 대규모 앙상블이다. Si ridesti il Leon di Castiglia는 남성 합창과 행진의 에너지를 앞세우지만, 작품 전체를 정치적 애국가로만 만들지는 않는다. 각 아리아는 인물이 처한 구체적인 상황 속에서 합창과 다음 장면으로 넘어가는 역할을 맡는다. 베르디는 이탈리아 시기에 쓴 음악을 새 대본에 맞게 다시 사용하기도 했다. 후대 연구는 자기 차용과 개정 번호를 초연판, 공연장의 요구, 가수의 음역과 연결한다. Silva를 위해 추가된 카발레타와 Nicola Ivanoff를 위해 만든 Odi il voto, o grande Iddio, Sprezzo la vita는 후대 공연의 선택지이며, 초연판의 필수 번호로 볼 수 없다. 판본과 연주 1844년 초연판의 핵심은 네 막의 원래 번호와 Piave의 리브레토, 베르디 자필 총보의 관계다. Ricordi 비평판은 자필 총보를 중심에 두고, 자필 대본이 남아 있지 않은 부분은 초연 리브레토와 대조한다. 후대에 추가된 번호를 포함하는 공연은 작품의 다른 전승을 보여 주므로, 어떤 판본을 사용했는지 프로그램에 밝혀야 한다. Riccardo Muti의 1982년 La Scala 실황에 대해 Alan Blyth와 Owen E. Walton은 Domingo, Freni, Bruson, Ghiaurov의 가수진과 Muti의 극적 추진력을 높이 평가했다. 실황의 관객 소리와 La Scala 합창이 장면의 긴박함을 더한다는 평도 있다. Thomas Schippers의 RCA 스튜디오 녹음은 Carlo Bergonzi와 Leontyne Price의 선명한 선율선, 솔리스트와 텍스트가 잘 들리는 균형으로 Muti판과 대비된다. Richard Bonynge의 Decca 녹음은 Sutherland와 Pavarotti를 중심으로 후대 추가 번호와 밝은 음향을 보존한다. 주요 레코딩 Riccardo Muti / Teatro alla Scala (1982년 실황, EMI 3818842 재발매): Plácido Domingo, Mirella Freni, Renato Bruson, Nicolai Ghiaurov가 참여했다. Alan Blyth와 Owen E. Walton은 Muti의 극적 추진력과 La Scala 실황의 긴장, 주요 가수들의 장단점을 구체적으로 평가한다. Thomas Schippers / RCA Italiana Opera Orchestra and Chorus: Carlo Bergonzi, Leontyne Price, Mario Sereni, Ezio Flagello가 참여한 스튜디오 녹음이다. Gramophone은 선명한 텍스트와 선율선, Muti 실황과 다른 음향 균형을 이 음반의 특징으로 꼽는다. Richard Bonynge / Welsh National Opera (1987년 녹음, 1998년 발매, Decca): Luciano Pavarotti, Joan Sutherland, Leo Nucci, Paata Burchuladze가 참여한다. Ivanoff를 위한 추가 번호와 Silva의 카발레타가 포함되어 후대 공연 전승을 보여 준다. 주요 자료 Ricordi, Verdi: Ernani Critical Edition: Claudio Gallico 편집판, 자필 총보와 초연 리브레토, 후대 추가 번호. University of Chicago Press, Ernani: 비평판 목차와 Milan·Parma 부록 번호. Stanford Opera, Ernani Background: 대본 형성, Hugo 원작과의 차이, 인물과 초기 수용. IMSLP, Ernani: 초연·역할·편성·공개 악보와 자필 자료 목록. Corago, 1844 초연 리브레토: Giuseppe Molinari가 인쇄한 La Fenice 초연 대본의 서지. Gramophone·MusicWeb 녹음 비평, Gramophone Schippers, Gramophone Bonynge: Muti, Schippers, Bonynge 녹음의 가수·지휘·판본 평가.