John Adams (1947–)

Harmonium

Harmonium

정보

John Adams, Harmonium

개요

Wikipedia: Harmonium (Adams)

John Adams의 Harmonium은 John Donne과 Emily Dickinson의 시를 SATB 혼성 합창과 관현악으로 엮은 3악장 작품이다. 1980년 2월 작곡을 시작해 같은 해 10월 25일 작곡을 마쳤고, 1981년 3월 관현악을 완성했다. 악장은 Negative Love, Because I Could Not Stop for Death, Wild Nights 순서이며, 제2악장 끝의 관현악 간주가 쉬지 않고 제3악장으로 이어진다. San Francisco Symphony의 Louise M. Davies Hall 개관 첫 시즌을 위해 쓰였고, 1981년 4월 15일 Edo de Waart가 San Francisco Symphony Orchestra와 San Francisco Symphony Chorus를 지휘해 초연했다.

출판 정보와 자료

전체 악보는 Associated Music Publishers 계열 제품으로 유통되며, Hal Leonard 카탈로그는 제품 번호 50480015, ISBN 9780793541126, 176쪽, 약 35분의 연주 시간을 제시한다. 이 악보의 발행일은 1988년 10월 1일로 기록되어 있다. IRCAM은 출판사를 Chester Music으로 표시하고 Wise Music Classical은 현재 작품 정보와 대여 경로를 제공하므로, 자료에는 Associated Music Publishers, Chester Music, Wise Music Classical과 Boosey & Hawkes 계열 명칭이 함께 나타난다.

1988년에는 전체 악보 발행과 1월 7일 Los Angeles 지역 초연이 확인된다. 단독 작품 음반의 기준 기록은 1984년 ECM New Series 1277이며, 악보와 음반은 서로 다른 연혁을 가진다.

소요 시간

IRCAM과 John Adams의 작품 페이지는 전체를 32분으로, Wise Music Classical은 33분으로, Hal Leonard와 Wikipedia는 약 35분으로 제시한다. 작품 개요의 전체 시간은 약 32~35분으로 기록된다. 연주 템포와 공연·녹음 조건, 카탈로그의 반올림에 따라 수치가 달라진다.

1984년 ECM 녹음은 두 트랙으로 총 32분 14초이며, Negative Love가 10분 37초, 제2·3악장이 합쳐진 두 번째 트랙이 21분 37초다. 1997년 Nonesuch 녹음은 세 악장을 각각 10분 32초, 9분 41초, 11분 33초로 나누어 총 31분 46초로 기록한다. 이 수치는 해당 녹음의 트랙 시간이며 악보에 고정된 악장별 시간과는 구별된다.

편성

작품은 SATB 혼성 합창(divisi)과 관현악을 요구한다. 합창 규모는 자료에 따라 최소 90명 또는 네 성부에 각각 25명으로 제시되며, 성악은 SATB 합창으로만 표기되고 별도 소프라노 독창자 표기는 없다.

출판사, IRCAM, Los Angeles Philharmonic 자료는 바순 3대와 3번의 콘트라바순 겸주를 제시하지만, Boston Symphony Orchestra의 프로그램 노트는 바순 2대와 콘트라바순으로 적는다. 실제 연주 편성은 대여 악보에 적힌 겸주 조건에 따라 달라진다. 합창은 영어 텍스트를 발화하는 성부이면서 반복되는 화성과 관현악적 음향을 함께 형성한다.

텍스트와 작품명

작품명은 Wallace Stevens의 시집 Harmonium에서 왔다. Adams는 처음에 Stevens의 시를 사용하려 했지만 그 언어와 리듬이 자신이 구상한 음악적 이미지와 맞지 않아 그 계획을 접고 제목만 남겼다고 설명했다. 최종 텍스트는 Donne의 Negative Love 한 편과 Dickinson의 Because I Could Not Stop for Death, Wild Nights 두 편으로 구성된다. 제목은 Stevens에서 왔지만 실제 합창 텍스트는 Donne과 Dickinson의 시로 구성된다.

Boston Symphony Orchestra 프로그램 노트에 실린 Adams의 설명은 빈 공간에서 한 음이 나타나 맥동하는 음향 조직으로 커지는 이미지를 작품의 출발점으로 제시한다. 그는 처음에 합창을 전자 음향 발생기처럼 다루고 모음과 음절만 사용할 생각을 했으며, 실제 작품에는 “no”, “ne”, “ya”와 같은 소리가 남았다고 회고한다. 이는 Adams가 초기 구상을 회고한 자료로, 작품의 작곡 배경을 설명한다.

세 악장과 연결

세 악장은 각각 한 편의 시 전체를 독립적인 텍스트 단위로 다룬다. 제2악장 끝의 관현악 간주가 제3악장으로 쉬지 않고 이어져 두 Dickinson 시를 하나의 연속된 진행으로 연결한다.

I. Negative Love

John Donne의 Negative Love 전체를 사용하는 첫 악장이다. Adams는 이 음악이 가운데 C 위의 D 한 음에서 출발해 반복, 음군, 화음과 큰 흐름으로 확장된다고 설명한다. 합창의 “no”, “ne”, “ya”는 말이 되기 전의 소리로 시작하고 점차 Donne의 역설적인 사랑의 언어와 결합한다. Adams의 프로그램 노트는 템포와 음량, 밀도가 커진 뒤 약 10분 지점에서 화성적 절정에 이르고 시작의 분위기로 돌아온다는 형식 이미지를 제시한다.

II. Because I Could Not Stop for Death

Emily Dickinson의 Because I Could Not Stop for Death 전체를 사용하는 둘째 악장이다. Adams는 죽음과 함께 마차를 타고 삶의 장면을 지나가는 시의 이미지를 느리고 분리된 리듬의 흐름으로 옮겼다고 설명한다. 마지막에는 관현악 간주가 놓이며, 이 간주가 제3악장 Wild Nights로 바로 이어진다. 이 연결은 ECM 음반에서 두 악장이 한 트랙으로 묶인 방식에도 나타난다.

III. Wild Nights

Emily Dickinson의 Wild Nights 전체를 사용하는 셋째 악장이다. Adams는 이 시의 욕망과 바다, 노 젓기의 이미지를 앞선 두 악장의 사랑과 시간에 이어지는 추진력으로 설명하고, 갑작스러운 조성 이동을 “gates”라고 부른다. Nonesuch 녹음의 별도 트랙은 이 악장을 11분 33초로 기록하지만, 그 시간은 해당 녹음의 템포와 편집을 반영한다.

초연과 공연

San Francisco Symphony는 Louise M. Davies Hall의 첫 시즌을 위해 작품을 위촉했고, 악보는 Edo de Waart에게 헌정되었다. 1981년 4월 15일 San Francisco의 Davies Hall에서 de Waart가 San Francisco Symphony Orchestra와 San Francisco Symphony Chorus를 지휘해 세계 초연을 맡았다.

Simon Rattle과 City of Birmingham Symphony Orchestra는 1987년 10월 13일 Birmingham Town Hall에서 영국 초연을 열었고, 1990년 7월 28일 London Proms에서도 작품을 연주했다. 1988년 1월 7일에는 Rattle과 Los Angeles Master Chorale가 참여한 Los Angeles Philharmonic의 지역 초연이 Dorothy Chandler Pavilion에서 열렸다. 당시 Los Angeles Times 평론은 120명의 가수가 참여했다고 기록한다.

2017년 7월 14일 BBC Proms 첫날에는 Edward Gardner가 BBC Symphony Orchestra, BBC Symphony Chorus, BBC Proms Youth Choir를 Royal Albert Hall에서 지휘했다. musicOMH의 Barry Creasy는 수백 명 규모의 합창단이 참여한 이 공연에서 Gardner가 큰 공간의 복잡한 리듬을 정밀하게 묶었다고 평했다. Creasy의 평가는 해당 공간의 합창 규모와 리듬 처리에 초점을 둔 비평적 관찰이다.

리허설과 녹음 제작에 관한 회고

2019년 Sasha Matson의 Stereophile 인터뷰에서 Matson은 1981년 초연 리허설을 de Waart와 San Francisco Symphony 곁에서 지켜본 기억을 적었다. Adams는 같은 인터뷰에서 ECM 세션을 훌륭한 공연으로 회고하면서, 시작 부분의 매우 작은 음향에서 큰 음향으로 넓어지는 폭이 LP 제작 과정에서 다이내믹 압축과 레벨 제한을 요구했다고 설명했다. 이 발언은 작품의 다이내믹 설계와 초기 녹음 매체의 제작 조건을 연결해 보여 준다.

녹음과 비평

ECM New Series 1277은 1984년 1월 Davies Symphony Hall에서 녹음되어 같은 해 9월 1일 발매되었다. San Francisco Symphony Orchestra와 San Francisco Symphony Chorus, Edo de Waart, 합창 지휘자 Vance George가 참여했으며, 음반은 Negative Love와 제2·3악장을 두 트랙으로 묶는다. Robert Shaw와 Atlanta Symphony Orchestra, Atlanta Symphony Chorus가 참여한 Telarc CD-80365는 Rachmaninoff의 The Bells와 Harmonium을 함께 담은 결합 음반으로 기록된다.

John Adams가 지휘한 Nonesuch 녹음은 1997년 3월 Davies Symphony Hall에서 제작되었다. San Francisco Symphony와 San Francisco Symphony Chorus, Vance George, 제작자 Wilhelm Hellweg, 엔지니어 John Newton이 참여했고, 1999년 The John Adams Earbox에 먼저 수록된 뒤 2000년 The Klinghoffer Choruses와 결합한 단독 디스크로 발매되었다. Nonesuch 녹음은 세 악장을 별도 트랙으로 제시한다. 2009년 Hoopla 카탈로그 항목은 1984년 ECM 저작권과 de Waart의 동일한 두 트랙을 가리키며, 기존 ECM 마스터의 디지털 유통 시점으로 기록된다.

발매 정보와 평론은 서로 다른 성격의 기록이다. ECM Reviews의 Tyran Grillo는 ECM 판에서 조용한 세부와 합창이 멀게 들린다는 음향 인상을 제시했다. Raymond Tuttle은 Classical Net에서 Adams의 Nonesuch 녹음이 de Waart와 Shaw의 녹음보다 빠른 템포로 들린다고 비교했다. Warner/Nonesuch 책자에서 Robert Hurwitz는 ECM 판의 합창이 작게 들렸던 문제를 Nonesuch 재녹음에서 보완하려 했다고 회고한다. 세 자료는 평론가의 청취 판단과 제작자의 후대 기억을 담은 기록으로, 악보의 연주 지시나 음량 측정값과는 범주가 다르다.

주요 자료

Harmonielehre

Harmonielehre

정보

개요

곡명: Harmonielehre
작곡가: John Adams (1947–)
장르: 대편성 관현악곡
작곡: 1984–85년
초연: 1985년 3월 21일, 샌프란시스코, San Francisco Symphony, Edo de Waart 지휘
출판: Associated Music Publishers, 1985년 초판. Hal Leonard가 배포했다.
범위: 제목 없는 Part I, The Anfortas Wound, Meister Eckhardt and Quackie. Slowly rocking의 세 부분을 포함하는 약 40분의 연속 관현악 작품으로서, 작곡 배경, 형식, 편성, 초연과 녹음을 설명한다.
Wikipedia: https://en.wikipedia.org/wiki/Harmonielehre

John Adams의 Harmonielehre는 세 부분으로 이어지는 약 40분의 관현악 작품이다. 첫 부분 Part I는 제목 없이 기록되고, 두 번째와 세 번째는 각각 The Anfortas Wound, Meister Eckhardt and Quackie. Slowly rocking이라는 표제를 갖는다. Adams는 미니멀리즘의 반복과 점진적 발전을 19세기 말과 20세기 초 관현악의 화성 및 표현과 결합했다. 작품 제목은 Arnold Schoenberg가 1911년에 출간한 화성 이론서에서 가져왔으며, 작품은 12음기법과 구별되는 조성적 화성과 반복을 중심으로 전개된다.

출판 정보와 자료

Associated Music Publishers가 1985년에 관현악 총보를 초판 출판했고, 당시 판본은 Hal Leonard가 배포했다. 현행 판매 정보에도 Associated Music Publishers의 full score가 남아 있으며, IRCAM의 작품 데이터에는 후속 출판사로 Chester Music이 병기된다. 공개 서지와 기관 자료가 가리키는 출판권의 시점이 서로 다르므로, 초판의 출판사와 후속 유통 표기를 구분해서 기록한다.

Harmonielehre라는 독일어 제목은 ‘화성론’ 또는 ‘화성에 관한 논고’를 뜻한다. Schoenberg의 책은 조성 체계가 흔들리던 시기에 화성을 이론적으로 다룬 저서이고, Adams의 작품은 그 제목을 대편성 오케스트라의 현재형으로 옮긴다. LA Philharmonic에 실린 작곡가 노트는 이 제목을 세기 전환기의 관현악과 미니멀리즘을 한 작품 안에서 다시 대면하려는 발상으로 설명한다. 반복되는 음형은 일정한 맥박을 제공하면서 화성 영역과 악기군의 밀도를 단계적으로 바꾼다.

소요 시간

기관 프로그램은 전곡을 약 40분으로 제시한다. San Francisco Symphony와 Edo de Waart가 1985년 3월 23일 녹음한 Nonesuch 음반은 세 트랙을 17분 3초, 12분 16초, 10분 31초로 수록해 합계 약 39분 50초가 된다. 공연 템포에 따라 각 부분의 시간은 수십 초 정도 달라질 수 있다.

부분 표기와 대표 시간 진행의 특징
I Part I, 17:03 E단조의 강한 화음으로 열고 닫는 역아치형 전개. 가운데에 긴 Sehnsucht 구간이 놓인다.
II The Anfortas Wound, 12:16 느린 흐름과 애가적인 트럼펫 선율, 이동하는 단3화음, 두 번의 큰 상승이 결합된다.
III Meister Eckhardt and Quackie. Slowly rocking, 10:31 자장가풍의 시작에서 속도와 음향 밀도를 높여 E♭장조 중심의 종결로 향한다.

편성

공개된 기관 자료와 총보 서지는 다음과 같은 대편성을 제시한다.

기관별 파트 목록은 클라리넷과 bass clarinet의 겸임을 서로 다른 방식으로 적는다. 공연 준비에서는 대여 총보의 파트 표기에 따라 실제 인원을 정한다. 피아노·celesta·하프와 네 명의 percussion은 반복 음형의 윤곽과 화성의 전환을 드러내고, 금관과 저음 현악기는 넓은 화음의 무게를 만든다.

세 부분의 구성

Part I

Adams는 첫 부분을 약 17분의 inverted arch form으로 설명한다. E단조의 두드리는 화음이 시작과 끝을 이루고, 양끝의 높은 에너지 사이에 길게 떠도는 Sehnsucht가 자리한다. 반복 음형은 같은 화음을 고정하는 장치로 머물지 않고, 음역과 악기군이 바뀌는 동안 다음 화성 영역으로 이동하는 추진력으로 기능한다. 이 부분의 역아치는 전통적인 A–B–A 도식보다 에너지의 배치와 회귀를 가리키는 작곡가의 설명에 가깝다.

Adams가 회고한 출발점에는 샌프란시스코 만에서 유조선이 로켓처럼 솟는 꿈이 있다. 이 이미지는 부분의 상승하는 힘을 설명하는 창작 배경으로 제시되며, 작품의 인물이나 사건을 구성하는 서사는 아니다.

The Anfortas Wound

두 번째 부분은 느린 템포와 긴 트럼펫 선율로 시작한다. 트럼펫은 이동하는 단3화음 위에서 애가적인 선을 이어 가고, 오케스트라는 두 번의 큰 상승을 통해 음향의 압력을 높인다. Adams는 두 번째 상승을 Mahler의 미완성 교향곡에 대한 경의로 설명했다. 작곡가가 밝힌 경의의 대상은 특정 악장보다 Mahler의 미완성 교향곡이라는 관계 자체다.

표제의 Anfortas는 치유되지 않는 상처를 지닌 왕을 다루는 중세 성배 전설과 관련된다. 베를린 필하모닉 해설은 Adams가 Carl Jung의 신화 독해와 12세기 프랑스 전승을 출발점으로 삼았다고 설명한다. Wagner의 Parsifal과 이름이 연결되지만, Adams는 12세기 프랑스 전승과 Jung의 신화 독해를 이 부분의 배경으로 설명한다. 빠른 반복 대신 느린 화성 이동과 음색의 변화가 시간을 만든다는 점이 이 부분의 청취 경로다.

Meister Eckhardt and Quackie. Slowly rocking

세 번째 부분은 berceuse처럼 가볍게 흔들리는 시작을 갖는다. 표제의 Meister Eckhardt는 중세 신비가 Meister Eckhardt를, Quackie는 Adams의 딸 Emily가 어린 시절 사용한 애칭을 가리킨다. Adams가 회고한 꿈에서는 두 인물이 함께 등장하고, 그 개인적인 장면이 오케스트라의 긴 상승으로 확장된다.

음악은 처음의 부유하는 선율에서 점차 속도와 질량을 얻는다. E♭장조의 페달 포인트가 유지되는 동안 금관과 percussion의 밀도가 늘어나며, 마지막에는 넓은 음향 파도가 세 부분을 닫는다. Slowly rocking은 세 번째 부분 제목에 포함된 부제다.

반복, 화성, 음향

IRCAM은 이 작품에서 미니멀리즘의 음 중심, 반복 세포, 일정한 박동, 화성 영역을 통한 진행이 결합된다고 설명한다. Adams는 이 방법을 후기 낭만주의의 관현악법과 함께 사용한다. LA Philharmonic의 노트가 언급하는 Mahler와 Sibelius, 그리고 기관 해설에서 비교되는 Debussy와 초기 Schoenberg는 작품이 참조하는 관현악 언어의 범위를 보여 준다.

세 부분에서 반복의 역할은 서로 다르다. Part I에서는 짧은 화음과 빠른 내부 맥박이 큰 아치를 밀어 올리고, The Anfortas Wound에서는 반복이 느린 화성의 이동과 트럼펫 선율을 받친다. 마지막 부분에서는 같은 원리가 자장가풍의 흔들림을 점차 넓은 음역과 금관의 질량으로 바꾼다. 세 부분의 연결은 반복 음형의 개수와 함께 화음, 음역, 악기군이 바뀌는 순간을 살필 때 분명해진다.

초연과 녹음

San Francisco Symphony는 작곡가 상주 기간과 Meet the Composer Orchestra Residency Program의 지원 아래 이 작품을 위촉했다. 세계 초연은 1985년 3월 21일 샌프란시스코에서 Edo de Waart의 지휘로 이루어졌다. 자료에 따라 공연 장소명이 다르게 기록되며, Davies Symphony Hall이라는 표기는 일부 기관 자료에서 확인된다.

초연 이틀 뒤인 1985년 3월 23일 같은 도시의 Davies Symphony Hall에서 San Francisco Symphony와 de Waart가 첫 녹음을 남겼다. Nonesuch 카탈로그 79115는 Part I, Part II: The Anfortas Wound, Part III: Meister Eckhardt and Quackie를 각각 독립 트랙으로 표시한다. 이 음반은 초연 직후의 템포와 음향 균형을 확인할 수 있는 기록이며, 세 번째 부분의 제목에서 Slowly rocking이 생략된 것은 녹음 표기의 축약으로 볼 수 있다.

LA Philharmonic은 1985년 10월 31일 Leonard Slatkin 지휘의 첫 로스앤젤레스 공연을 기록한다. 베를린 필하모닉은 2016년 9월 15일 Adams가 직접 지휘한 첫 공연을 프로그램 노트에 남긴다. 두 사례는 작품이 초연 도시의 기록을 넘어 여러 오케스트라의 정규 프로그램으로 확장된 과정을 보여 주며, 초연 녹음과 후대 공연을 별도 기록으로 구분한다.

주요 자료

Short Ride in a Fast Machine

Short Ride in a Fast Machine

정보

Short Ride in a Fast Machine

개요

곡명: Short Ride in a Fast Machine (별칭 Fanfare for Great Woods)
작곡가: John Adams (1947–)
작곡: 1986년
초연: 1986년 6월 13일, Massachusetts주 Mansfield Great Woods Festival, Pittsburgh Symphony Orchestra, Michael Tilson Thomas 지휘
장르: 대편성 오케스트라를 위한 팡파르
작품 범위: 신시사이저를 포함한 관현악 전곡
기준판: Boosey & Hawkes(Hendon Music) 출판 악보와 작품 자료를 중심으로 IRCAM·LA Phil·Kleppinger의 분석을 대조한다.
전곡 소요 시간: 약 4–5분(출판사·공연 안내의 반올림 차이)
주요 자료: Boosey & Hawkes 작품 안내, LA Phil 작품 페이지

John Adams의 Short Ride in a Fast Machine은 일정한 우드블록 박동 위에 클라리넷·신시사이저·트럼펫·현악의 서로 다른 주기를 겹치는 짧은 팡파르다. 이 글은 단악장 전곡을 다루며, Great Woods 개막을 위한 의뢰가 어떻게 통제감과 흥분을 동시에 만드는 리듬 구조로 확장되는지 살핀다. 제목의 ‘빠른 기계’는 실제 자동차의 속도를 재현하기보다, 고정된 기준선을 붙잡은 채 계속 수정되는 박과 음색을 통과하는 청취 경험을 가리킨다.

Great Woods 위촉과 초연

Michael Tilson Thomas는 1986년 Massachusetts Great Woods Festival에서 Pittsburgh Symphony Orchestra와 열 새 축제를 위해 Adams에게 전통적인 브라스 팡파르를 의뢰했다. 축제 이름은 작품의 별칭 Fanfare for Great Woods에 남아 있다. 1986년 6월 13일 Mansfield에서 Thomas가 Pittsburgh Symphony를 지휘해 세계 초연을 열었다. LA Philharmonic의 첫 연주는 1987년 8월 27일 Edo de Waart 지휘로 기록되며, 이는 세계 초연과 구별되는 단체별 연주 이력이다.

Adams는 Copland식 팡파르의 금관 신호를 그대로 반복하지 않고, 밝고 즐거운 표면에 속도와 불안을 함께 넣었다. 축하를 알리는 트럼펫이 이미 다른 박층과 충돌하고, 우드블록이 금관보다 먼저 시간을 세면서 팡파르의 권위와 통제감이 동시에 흔들린다.

제목의 스포츠카 일화

Adams는 한밤중 빠른 스포츠카를 탔다가 흥분과 공포를 함께 느낀 경험을 제목의 이미지로 설명했다. Michael Tilson Thomas의 회고에는 Lamborghini, Indianapolis Symphony 프로그램에는 Ferrari가 언급되므로 차종은 특정하지 않는다. 핵심은 차의 브랜드가 아니라, 빠른 움직임을 즐기면서도 자신이 통제할 수 있는지 확신하기 어려운 감각이다.

이 일화는 악보의 구조를 이해하는 입구다. 우드블록은 변하지 않는 4분음표 펄스를 유지하고, 다른 파트는 그 위에 서로 어긋나는 주기와 악센트를 놓는다. 곡이 실제 차량 속도를 계속 올리는 것은 아니며, 같은 박동 안에서 정보량과 압박이 커지는 방식이 ‘라이드’의 경험을 만든다.

한 악장의 리듬 흐름

1. 기준선의 탄생

독주 우드블록이 일정한 4분음표를 제시한다. 아직 팡파르의 외침보다 출발 전의 단단한 시계에 가까운 이 펄스가 곡 전체의 기준선이 된다.

2. 8분음표 층과 팡파르

클라리넷과 신시사이저가 8분음표 층을 열어 밝고 떨리는 표면을 만든다. 곧 네 트럼펫이 열린 음정과 반복으로 들어와 전통적인 신호를 세우지만, 우드블록과 다른 길이의 패턴을 만들면서 박을 여러 방향으로 나눈다.

3. 주기의 경쟁

호른·트롬본·현악이 화성·음역·악센트를 넓히고, 트럼펫과 목관의 오스티나토가 서로 다른 주기로 겹친다. Stanley Kleppinger는 첫 30초에 박(tactus), 마디, 하이퍼미터의 지각이 계속 다시 구성된다고 분석한다. 3+5, 3+3+2처럼 들리는 분할은 일정 펄스와 상위 미터의 경쟁을 만든다.

4. 색채와 밀도의 확장

실로폰·크로탈·글로켄슈필·심벌즈·탐탐·신시사이저가 표면을 번쩍이게 하고, 현악과 금관이 음향의 폭을 더한다. 실제 템포가 바뀌지 않아도 층과 악센트가 늘면서 청자는 속도가 높아진 듯한 압박을 느낀다.

5. 짧은 종결

고조된 관현악이 지속 박동과 상위 패턴을 끝까지 밀고 가다가 마지막 종지에서 한 번에 닫힌다. ‘도착’은 긴 감속이 아니라 여러 주기가 동시에 멈추며 통제가 회복되거나 중단되는 순간이다.

편성

악기군 편성·역할
목관 피콜로 2, 플루트 2, 오보에 2, 잉글리시 호른, 클라리넷 4, 바순 3, 콘트라바순. 클라리넷의 8분음표와 목관의 색채 전환이 기준 박 위에 놓인다.
금관 호른 4, 트럼펫 4, 트롬본 3, 튜바. 팡파르의 신호와 서로 다른 반복 주기의 악센트를 담당한다.
타악 팀파니와 3인 타악. 우드블록, 트라이앵글, 실로폰, 크로탈, 글로켄슈필, 심벌즈, 스네어, 큰북, 탐탐, 탬버린 등이 포함된다.
전자·현악 신시사이저 2(판본·공연의 기술 조건에 따라 선택 표기), 현악 5부. 신시사이저는 클라리넷과 함께 밝은 8분음표 층과 전기적 색채를 만든다.

Boosey & Hawkes의 약식 편성은 2.2picc.2.corA.4(III,IV ad lib).3.dbn–4.4.3.1–timp–perc(3)–2 synth–strings로 제시된다. 일부 클라리넷과 신시사이저가 선택·기술 조건으로 표시되므로 기관별 간략 목록을 그대로 합산하지 않는다. 신시사이저의 존재는 작품 전체를 전자음악으로 분류한다는 뜻이 아니라 대편성 팡파르 안의 음색 선택이다.

미터와 미니멀리즘

반복 오스티나토와 일정한 펄스는 미니멀리즘의 출발점이지만, Adams는 여러 박층과 풍부한 화성, 금관 악센트, 현악의 선율 흐름을 겹쳐 한 가지 반복에 머물지 않는다. Boosey의 Michael Steinberg 해설과 Indianapolis Symphony의 프로그램 노트는 이를 협화 중심의 빛나는 관현악과 ‘지속적인 맥박’의 미학으로 설명한다. ‘포스트미니멀리즘’은 이 확장된 문법을 가리키는 유용한 분류어이며 작품의 유일한 장르명은 아니다.

Kleppinger의 분석은 청자가 한 가지 정답 박자를 찾기보다, 우드블록의 기준선을 유지하는 청취와 새로운 사건에 맞춰 상위 미터를 다시 잡는 청취를 오간다고 본다. 따라서 ‘불규칙한 박자’라고만 설명하기보다 우드블록·8분음표·트럼펫·현악의 주기가 어떻게 어긋나는지 구체적으로 적어야 한다.

소요 시간

Boosey & Hawkes와 LA Phil은 약 4분, Indianapolis Symphony는 5분으로 안내한다. 실제 공연은 지휘자의 템포와 홀의 잔향, 마지막 종지의 호흡에 따라 4–5분대에 놓인다. 5분 표기는 다른 판본의 개정 시간을 뜻하지 않으며, 작품의 압축된 형식과 공연 조건을 함께 반영하는 카탈로그 값이다.

공연과 레코딩

Boosey & Hawkes가 추천하는 음반은 Edo de Waart 지휘 San Francisco Symphony의 Nonesuch 7559791442다. 작품 페이지는 정확한 녹음일과 트랙 시간을 제공하지 않으므로 연도·시간을 임의로 덧붙이지 않는다. Michael Tilson Thomas는 2011년 9월 San Francisco Symphony 100주년 시즌 개막 갈라에서 이 곡을 다시 지휘했으며, 공식 기록은 이를 공연으로 소개한다.

짧은 작품이 다른 Adams 작품이나 Copland 팡파르와 함께 수록될 때는 앨범 전체 시간을 작품 시간으로 옮기지 않는다. 비교할 때는 초반 30초의 우드블록 펄스, 클라리넷·신시사이저 층, 트럼펫의 박동 이탈, 후반 밀도와 마지막 종지를 차례로 확인한다.

주요 자료

Violin Concerto

Violin Concerto

정보

개요

곡명: Violin Concerto
작곡가: John Adams (1947–)
작곡 시기: 1993년
초연: 1994년 1월 19일, Saint Paul Ordway Music Theater. Jorja Fleezanis 독주, Edo de Waart 지휘, Minnesota Orchestra 연주
장르: 독주 바이올린과 관현악을 위한 협주곡
출판: Boosey & Hawkes (Hendon Music)
헌정: David Huntley를 기리는 추모 헌정
구성: 세 악장
Wikipedia: Violin Concerto (Adams)

John Adams의 Violin Concerto는 독주 바이올린과 관현악을 위한 1993년 협주곡이다. 전곡은 I. Quarter note = 78, II. Chaconne: Body through which the dream flows, III. Toccare 순서의 세 악장으로 이루어지며, 소요 시간은 약 33∼35분이다. 출판된 전곡의 편성에는 두 대의 신시사이저와 증폭 장비가 포함된다.

출판 정보와 자료

Minnesota Orchestra, London Symphony Orchestra, New York City Ballet이 공동 위촉했고 Boosey & Hawkes가 Hendon Music 명의로 공급과 출판, 대여 및 판매를 맡는다. 작품은 Boosey & Hawkes에서 동시대 음악을 담당했던 David Huntley의 죽음을 기리는 추모 헌정이다.

John Adams의 원고와 공연 관련 자료는 Library of Congress의 John Adams Music Manuscripts and Papers에 보존되어 있다. 이 컬렉션에는 1994년 자필 총보와 독주 바이올린 악보, 스케치 및 컴퓨터 출력 자료가 포함되며, New York City Ballet 관련 폴더는 1993∼1995년 자료로 분류된다. Michael Steinberg의 연구서 초록은 Adams가 1993년 1월 7일 작곡을 시작해 11월 1일 총보를 완성했고, 이후 2∼3주 동안 세부를 고쳤다고 기록한다. 초연 리허설에서도 수정이 이어졌으며, 이어서 London Symphony Orchestra 공연을 맡을 Gidon Kremer와도 추가 수정이 이루어졌다.

소요 시간

Boosey & Hawkes 카탈로그는 전곡을 33분으로 제시하고, Los Angeles Philharmonic과 Adams의 해설은 약 35분으로 설명한다. Leila Josefowicz, David Robertson, St. Louis Symphony Orchestra의 2016년 녹음은 약 33분이며, 세 악장은 각각 약 15분, 11분, 7분이다. 이 수치는 특정 녹음의 트랙 길이이고, 공연에서는 템포와 악장 사이의 진행, 전자 장비 운용에 따라 시간이 달라진다.

편성

타악기 목록은 Boosey & Hawkes와 Los Angeles Philharmonic의 공연용 표기에서 수량과 명칭이 조금씩 달라진다. 두 자료가 공통으로 제시하는 팀파니, 마림바, 관종, 봉고와 콩가, 큰북, 심벌, 귀로, 탬버린, 비브라폰을 기본군으로 삼으며, 추가 악기의 종류와 수량은 대여 악보와 공연장 파트 목록에 따라 정해진다. 신시사이저와 증폭은 출판사 편성표에 포함된 실행 조건이다.

작곡 배경과 협업

바이올리니스트 Jorja Fleezanis가 Adams에게 협주곡을 써 달라고 제안하면서 작품이 시작되었다. Minnesota Orchestra의 회고는 Fleezanis가 라디오에서 Harmonielehre를 들은 뒤 전화를 걸었다고 전하며, 작곡 과정에서 두 사람이 팩스와 전화, 자동응답기에 남긴 연주 녹음을 이용해 독주 파트를 다듬었다고 설명한다.

Adams는 자신의 작곡가 노트에서 바이올린 연주자가 아닌 작곡가로서 왼손 손목의 회전, 손가락의 파지, 악기에서 가능한 몸짓을 익혀야 했다고 회고한다. 그는 1980년대의 작품을 리듬과 화성의 에너지를 지닌 큰 음향 덩어리로 돌아보고, The Death of Klinghoffer를 작업하면서 선율에 더 관심을 기울였다고 설명한다. 그 결과를 그는 hypermelody라는 말로 부른다. 바이올린은 한 구절이 다음 구절로 이어지는 긴 선율을 작품의 거의 전 시간 동안 담당하고, 관현악은 일정한 맥박과 상승하는 음형으로 그 선율을 둘러싼 운동을 만든다.

세 악장의 진행

I. Quarter note = 78

약 15분의 제1악장은 빠르기 지시를 제목으로 삼은 Quarter note = 78이다. Los Angeles Philharmonic과 Adams의 해설은 이 악장을 규칙적으로 맥박하는 관현악의 상승 계단 위에 놓인 긴 바이올린 랩소디로 설명한다. 독주자는 짧은 주제를 반복해서 제시하기보다 긴 구절을 계속 변형하며 이어 가고, 관현악은 그 선율을 받치는 맥박과 화성 공간을 제공한다. 후반의 짧은 독주 카덴차는 작품 전체를 이어 온 독주 선율을 잠시 독주자 한 사람에게 모으는 지점이며, Adams가 전통적인 협주곡 형식을 모델로 삼았다는 설명과도 연결된다.

II. Chaconne: Body through which the dream flows

약 11분의 제2악장은 샤콘느의 반복 원리를 늘리고 압축하며 변형한 악장이다. 독주 바이올린은 관현악이 만드는 느리고 규칙적인 바탕 주변을 긴 선율로 지나간다. 부제인 “Body through which the dream flows”는 시인 Robert Hass의 시에서 가져왔고, Adams는 작곡가 노트에서 관현악의 심박을 몸으로, 그 몸을 통과하는 바이올린의 선율을 꿈으로 연결한다. Adams의 비유는 악장의 느린 바탕과 독주 선율의 관계를 설명하면서, 공식 형식명인 샤콘느와 나란히 악장의 진행을 보여 준다.

III. Toccare

약 7분의 피날레 Toccare는 이탈리아어로 ‘건드리다’라는 뜻을 지닌 제목이다. Adams는 자신의 Shaker Loops에 있던 솟구치는 운동 에너지를 이 악장의 독주 바이올린을 위한 비르투오소적 추진으로 바꾸었다고 설명한다. 빠른 음형과 엇박은 독주자의 손과 활의 움직임을 리듬 표면으로 만들고, 관현악과 신시사이저가 그 운동을 확장한다. 세 악장은 빠른 악장, 느린 악장, 빠른 피날레로 배열되며, 제1악장의 긴 랩소디와 제2악장의 느린 샤콘느가 피날레의 지속적인 운동과 대비된다.

초연, 수용과 녹음

Boosey & Hawkes 카탈로그는 세계 초연을 1994년 1월 19일 Saint Paul의 Ordway Music Theater에서 Jorja Fleezanis, Edo de Waart, Minnesota Orchestra가 맡은 공연으로 기록한다. Minnesota Orchestra의 후대 회고는 같은 날짜와 연주자를 적으면서 공연장을 Orchestra Hall로 표기한다. 두 기관 자료는 초연의 날짜와 연주자에는 일치하고 장소 명칭에서만 차이를 보인다.

작품은 1995년 University of Louisville Grawemeyer Award for Music Composition을 받았다. 첫 녹음은 1996년 Gidon Kremer, London Symphony Orchestra, Kent Nagano의 연주로 발매되었고, 1997년에는 Adams가 지휘하고 Kremer가 독주한 Los Angeles Philharmonic 공연이 이어졌다. Minnesota Orchestra 자료는 Fleezanis가 2003년 Osmo Vänskä 지휘로 작품을 다시 연주했다고 기록한다. Gidon Kremer, Vadim Repin, Robert McDuffie, Leila Josefowicz 등의 후대 연주는 작품이 초연자에서 다른 독주자에게 이어진 과정을 보여 준다.

Nonesuch의 2018년 발매 음반은 2016년 St. Louis에서 Leila Josefowicz, David Robertson, St. Louis Symphony Orchestra가 녹음한 연주다. 이 음반에 실린 Josefowicz의 인터뷰에서 그녀는 독주 선율과 관현악의 엇박이 춤추는 감각과 groove를 만든다고 설명한다. 이 관점은 Adams가 말한 hypermelody를 실제 연주에서 독주선과 관현악 맥박의 관계로 구체화한다.

주요 자료

Naive and Sentimental Music

Naive and Sentimental Music

정보

개요

곡명: Naive and Sentimental Music
작곡가: John Adams (1947–)
장르: 3악장 관현악곡
대상 범위: 대형 관현악 편성과 증폭 스틸 스트링 기타, 키보드 샘플러를 사용하는 전곡
초연: 1999년 2월 19일 로스앤젤레스, Los Angeles Philharmonic, Esa-Pekka Salonen 지휘
Wikipedia: Naive and Sentimental Music

Naive and Sentimental Music은 John Adams가 1998년 봄부터 다음 겨울까지 작곡한 것으로 직접 설명한 세 악장 관현악곡이며, Boosey & Hawkes 카탈로그는 1999년 작품으로 분류한다. Los Angeles Philharmonic, Ensemble Modern Orchestra, Vancouver Symphony Orchestra, Sydney Symphony Orchestra의 공동 위촉으로 쓰였고, 1999년 로스앤젤레스에서 Esa-Pekka Salonen의 지휘로 초연되었다. Naive and Sentimental Music, Mother of the Man, Chain to the Rhythm이 차례로 이어지며 전체 연주 시간은 판본과 공연 조건에 따라 약 45–50분이다.

출판 정보와 연대

작곡가 해설은 제목을 Friedrich Schiller가 1795년에 쓴 Über Naive und Sentimentalische Dichtung에서 가져왔다고 설명한다. Schiller가 말한 naive는 자연과 직접 맞닿아 자신과 환경의 균열을 의식하지 않는 태도이고, sentimental은 그 통일을 잃은 뒤 자기의식 속에서 되찾으려는 태도다. Adams는 이 구분을 곡의 정서를 분류하는 표어가 아니라, 대형 오케스트라를 직접 사용하면서 동시에 그 역사적 의미를 의식하는 창작 과정의 틀로 삼았다.

Boosey & Hawkes와 Schott Music은 작품을 1999년, 약 48분의 오케스트라용 악보로 출판한다. 작곡가의 설명이 제시하는 1998년 작곡 기간과 카탈로그의 1999년 표기는 서로 다른 기준이므로, 이 곡을 단일 연도로만 고정하기보다 작곡 과정과 출판 분류를 나누어 이해해야 한다. 작품은 Esa-Pekka Salonen에게 헌정되었고, 초연 지휘자와 헌정 대상이 일치한다.

소요 시간

악보와 출판사 카탈로그는 약 48분을 제시한다. Nonesuch의 Salonen·Los Angeles Philharmonic 녹음은 세 트랙이 각각 18분 10초, 15분 9초, 11분으로 합계 약 44분 19초이며, 음반 소개는 작품을 거의 50분으로 설명한다. 이는 반복, 템포, 녹음 편집과 공연 진행의 차이를 포함한 수치이므로, 전곡은 약 45–50분으로 제시하고 악장별 시간은 자료의 기준을 함께 밝혀야 한다.

편성

목관은 플루트 4(제3·4플루트는 피콜로 겸함), 오보에 3(제3오보에는 잉글리시 호른 겸함), B-flat 클라리넷 3, 베이스 클라리넷, 바순 3(제3바순은 콘트라바순 겸함)으로 구성된다. 금관은 호른 4, 트럼펫 4, 트롬본 3, 튜바 2를 사용한다.

팀파니와 다섯 명의 타악기 연주자가 비브라폰, 알름글로켄, 실로폰, 트라이앵글, 중국 징, 글로켄슈필, 마림바, 크로탈레스, 큰북, 튜블러 벨, 앤빌, 탐탐, 일본 사원 종, 썰매방울 등 다양한 음색을 맡는다. 여기에 하프 2, 피아노, 첼레스타, 키보드 샘플러, 증폭 스틸 스트링 기타, 현악 5부가 더해진다. Boosey & Hawkes는 선택적 오르간과 샘플러·증폭 장치의 기술 사양을 별도로 안내하므로, 오르간의 사용 여부와 전자 장비의 설치는 실제 대여판과 공연 계약에서 확인해야 한다.

악장별 구조

I. Naive and Sentimental Music

첫 악장은 약 20분의 “선율에 관한 에세이”로 설명된다. 처음 제시되는 단순한 온음계 선율이 하프와 기타의 스트러밍을 바탕으로 여러 관현악 영역을 지나가며, 선율의 직접성과 대형 오케스트라가 만드는 역사적 공간이 한 곡 안에서 교차한다. Nonesuch 녹음에서는 약 18분 10초로 기록된다.

II. Mother of the Man

두 번째 악장은 Ferruccio Busoni의 Berceuse élégiaque에 대한 gloss로 작곡되었다. Busoni 작품의 부제가 불러내는 어머니의 죽음 앞에서 부르는 자장가의 장면은 Adams에게 유년의 상실과 돌아갈 수 없는 통일을 생각하게 하는 출발점이 되었다. 이 악장은 Busoni 작품을 편곡한 것이 아니라 그 작품의 이미지와 사유를 관현악으로 다시 읽은 결과이며, 증폭 기타와 천천히 움직이는 화음이 애가적 중심을 이룬다. 카탈로그의 약 12분과 Nonesuch 녹음의 15분 9초는 서로 다른 기준의 시간이다.

III. Chain to the Rhythm

마지막 악장은 작은 리듬 세포가 여러 화성 영역 사이를 이동하는 과정으로 구성된다. 세포가 관현악 음색과 결합하면서 빠르고 기교적인 에너지로 확장되고, 다섯 명의 타악기 연주자는 큰 음량만을 만드는 대신 금속, 나무, 말렛과 종의 음색을 교대한다. Nonesuch 녹음은 약 11분으로 제시된다.

제목과 관현악적 매체

Adams의 해설에서 naive와 sentimental은 순진함과 감상성을 뜻하는 성격 유형이 아니다. 직접적으로 말하려는 욕구와 이미 지나간 교향악 전통을 의식하는 자기반성이 한 매체 안에서 함께 작동한다는 뜻에 가깝다. 그래서 단순한 선율이 넓은 관현악 공간으로 이동하는 제1악장, Busoni의 애가를 매개로 상실을 되새기는 제2악장, 작은 리듬 세포를 연결망으로 확장하는 제3악장이 하나의 긴 교향적 곡선을 이룬다.

증폭 스틸 스트링 기타는 이 관계를 실제 음향으로 연결하는 악기다. 기타의 친밀한 현 울림은 대형 관현악과 다른 거리감을 만들고, 두 하프와 샘플러, 다섯 파트의 타악은 그 소리를 넓은 색채 공간 안에 배치한다. 이 설명은 Adams의 작곡가 해설과 출판사 편성 자료에 근거한 독해이며, 실제 증폭 수준과 샘플러의 재생 방식은 판본별 기술 사양에 따른다.

초연과 녹음

세계 초연은 1999년 2월 19일 로스앤젤레스 Dorothy Chandler Pavilion에서 Los Angeles Philharmonic과 Esa-Pekka Salonen의 연주로 열렸다. Nonesuch는 같은 지휘자와 악단이 1999년 10월 25–26일 같은 공연장에서 작품을 녹음했고, 2002년 7월 30일 음반을 발매했다고 기록한다. 이 녹음은 초연과 별개의 기록이며, 트랙별 시간은 출판 악보에 적힌 48분과 직접 비교할 수 있는 고정된 표준값이 아니다.

주요 자료

City Noir

City Noir

정보

개요

곡명: City Noir
작곡가: John Adams (1947–)
작곡 시기: 2009년
초연: 2009년 10월 8일, Los Angeles, Walt Disney Concert Hall. Los Angeles Philharmonic 연주, Gustavo Dudamel 지휘
장르: 세 악장 관현악곡
범위: 대편성 관현악을 위한 전곡. The City and Its Double, The Song Is for You, Boulevard Night의 세 악장으로 구성된다.

Wikipedia: City Noir

John Adams의 City Noir는 2009년에 완성한 세 악장 관현악곡이다. 이 글은 전곡을 다루며, The City and Its Double에서 도시의 이중적 표면을 펼친 뒤 The Song Is for You의 느린 중심부를 거쳐 Boulevard Night의 야간 대로로 나아가는 순서에 따라 설명한다. 작품의 착상은 1940년대 후반과 1950년대 초 Los Angeles의 누아르 영화와 보도, 재즈 클럽과 자동차 문화에 있지만, 특정 영화의 사운드트랙을 옮긴 작품은 아니다.

작곡 배경과 위촉

Adams는 역사가 Kevin Starr의 캘리포니아 사회·문화사, 특히 전후 Los Angeles를 다룬 글과 《Dream》 연작을 읽으며 작품의 출발점을 얻었다고 작곡가 노트에서 밝혔다. 그가 환기하려 한 것은 한 편의 영화 줄거리보다 당시 도시가 지닌 명암과 재즈가 섞인 미국 관현악의 감각이다. Los Angeles Philharmonic은 이 작품을 캘리포니아의 경험·풍경·문화를 다룬 세 관현악 작품의 마지막 패널로 설명하며, 앞선 두 작품으로 El Dorado와 The Dharma at Big Sur를 든다.

작품은 Los Angeles Philharmonic Association, London Symphony Orchestra와 Cité de la Musique–Salle Pleyel, 네덜란드 ZaterdagMatinee를 위한 Eduard van Beinum Foundation, Toronto Symphony Orchestra의 공동 위촉으로 제작되었다. 세계 초연은 Gustavo Dudamel이 Los Angeles Philharmonic 음악감독으로 취임한 2009–10 시즌 개막 갈라에서 열렸고, Mahler의 교향곡 제1번과 함께 연주되었다. 이 공연은 작품의 창작 배경과 LA Phil의 새 음악감독 취임을 연결하는 초연 맥락을 제공하지만, 확인한 기관·출판사 자료에는 Dudamel 헌정을 명시한 표준 기록이 없다.

소요 시간

전곡은 판본과 연주에 따라 약 34–35분이다. Boosey & Hawkes는 34분, Los Angeles Philharmonic과 Schott는 35분으로 안내하며, Marin Alsop과 ORF Vienna Radio Symphony Orchestra의 2022년 녹음은 약 34분으로 제시된다. 일부 기관 데이터베이스는 28분 또는 30분으로 표기하므로, 이 수치는 작품의 다른 버전이라기보다 자료가 집계한 연주·판본 범위의 차이로 보아야 한다. 세 악장은 대략 The City and Its Double 13–14분, The Song Is for You 8–9분, Boulevard Night 12–13분이다.

편성

피콜로 2(제3 플루트가 피콜로를 겸함), 플루트 3, 오보에 3, 잉글리시 호른, 클라리넷 3(제3 클라리넷이 베이스 클라리넷을 겸함), 별도의 베이스 클라리넷, 알토 색소폰, 바순 2, 콘트라바순, 호른 6, 트럼펫 4, 트롬본 3, 튜바, 팀파니, 다섯 명의 타악기 연주자, 재즈 드럼 세트, 피아노, 첼레스타, 하프 2, 현악 5부로 편성한다.

타악기군에는 비브라폰, 봉고, 캐스터네츠, 차임, 클라베스, 콩가, 카우벨, 크로탈레스, 큰북과 작은북, 글로켄슈필, 조율 공, 마림바, 실로폰, 탬버린, 탐탐, 팀발레스, 톰톰, 트라이앵글, 템플블록 등이 포함된다. Boosey & Hawkes의 총보는 이를 perc(5)로 압축하므로, 실제 대여 총보에서는 악기 배치와 중복 겸임을 확인해야 한다. 알토 색소폰과 재즈 드럼 세트, 피아노는 이 작품의 재즈적 리듬을 담당하고, 대규모 현악·목관·금관과 하프는 그 리듬을 교향악적 규모로 확장한다.

세 악장의 진행

I. The City and Its Double

첫 악장은 넓은 관현악 제스처로 도시의 파노라마를 제시한 뒤, 더블베이스 피치카토와 목관·건반의 빠른 움직임, 재즈 드러머의 일정한 박동으로 시선을 좁힌다. Adams의 작곡가 노트는 이 악장 안에서 강한 에너지의 구역과 느슨한 영화적 서정이 교차한다고 설명한다. 제목은 Antonin Artaud의 《The Theatre and Its Double》에 대한 뒤늦은 시선을 포함하며, 음악은 도시의 밝은 외관과 그 아래의 그림자를 한 방향으로 정리하지 않고 서로 맞물린 장면으로 놓는다.

호른과 첼로의 선율, 찌르는 듯한 금관, 짧게 앞에 나오는 독주 악기가 겹친 뒤, 흐름은 파편처럼 흩어지며 둘째 악장으로 넘어간다. 이 전환은 각 악기가 독립된 목소리를 내면서도 재즈 드럼의 박동과 관현악의 큰 호흡 안에 묶이는 작품의 기본 방식을 드러낸다.

II. The Song Is for You

둘째 악장은 첫 악장의 격렬함을 늦추는 중심부로, 알토 색소폰의 긴 선율이 반음계적인 관현악 음향에서 떠오른다. Boosey & Hawkes의 해설은 이 독주를 길고 표현적인 노래로 설명하며, 이어지는 트롬본 독주가 Duke Ellington 악단의 Lawrence Brown과 Britt Woodman 같은 재즈 연주자의 말하듯 꺾이는 선을 떠올리게 한다고 적는다.

색소폰과 트롬본에 이어 호른과 비올라가 독주적 장면을 맡으면서, 이 악장은 한 명의 협주곡 독주자보다 여러 인물이 번갈아 발언하는 느린 장면을 만든다. 색소폰 선율이 블루 노트를 향했다가 물러나는 움직임과 관현악의 긴 정지가 함께 놓이므로, The Song Is for You는 전곡에서 재즈의 노래와 교향악의 시간감이 가장 직접적으로 만나는 부분이다.

III. Boulevard Night

마지막 악장은 Los Angeles의 밤거리를 대로의 움직임으로 바꾼다. Adams의 노트에 따르면 “Chinatown”을 연상시키는 트럼펫 독주, 출발과 중단을 반복하는 현악의 엔진 리듬, 반복할 때마다 색채를 더하는 색소폰 선율이 이 악장의 장면을 이룬다. 느리고 야간적인 구역과 동물적인 맥박, 거칠고 대담한 재즈 제스처가 교차하면서 음악은 방향 감각이 흔들리는 붐비는 대로의 감각으로 나아간다.

드럼 세트와 타악기의 지속적인 추진력은 금관과 색소폰의 짧은 신호를 하나의 관현악 흐름으로 묶는다. Boulevard Night는 특정 범죄 서사를 재현하기보다, 영화적 명암과 재즈의 리듬이 관현악의 큰 규모 안에서 동시에 작동하는 방식으로 앞선 두 악장의 도시 이미지를 마무리한다.

누아르 이미지와 재즈–교향악의 결합

Adams가 말한 누아르는 실제 영화 선율의 인용보다 1940–50년대 미국 도시가 남긴 감각에 가깝다. 알토 색소폰은 관현악 속에서 재즈 솔리스트의 음색을 내지만, 독주 협주곡의 고정된 주인공으로 머무르지 않고 트럼펫, 트롬본, 호른, 비올라, 더블베이스와 발언을 나눈다. 재즈 드럼 세트와 피아노가 클럽의 박동을 만들면 현악과 목관·금관이 그 박동을 넓은 화면의 움직임으로 바꾼다.

이 구성 때문에 작품의 세 악장은 도시의 지리적 설명이라기보다 서로 다른 시간감과 시선을 배치하는 교향악적 연속으로 읽힌다. 첫 악장은 이중적 표면과 빠른 장면 전환, 둘째 악장은 색소폰과 여러 독주 악기의 느린 목소리, 셋째 악장은 밤의 대로와 집단적인 추진력을 맡는다. 이러한 관계는 작곡가가 설명한 “30분 교향곡”이라는 표현과도 이어지지만, 최종 길이는 출판사와 실제 녹음 자료에 따라 약 34–35분으로 제시된다.

주요 자료

Scheherazade.2 for violin and orchestra

Scheherazade.2 for violin and orchestra

정보

개요

곡명: Scheherazade.2
부제: Dramatic Symphony for Violin and Orchestra
작곡가: John Adams (1947–)
작곡 시기: 2014년
초연: 2015년 3월 26일, New York Avery Fisher Hall, Leila Josefowicz 독주, New York Philharmonic, Alan Gilbert 지휘
위촉: New York Philharmonic, Royal Concertgebouw Orchestra, Royal Concertgebouw, Sydney Symphony Orchestra 공동 위촉
구성: 네 부분으로 이어지는 dramatic symphony
소요 시간: 약 50분
Wikipedia: Scheherazade.2

《Scheherazade.2》는 John Adams가 독주 바이올린과 관현악을 위해 쓴 전곡 dramatic symphony다. 네 부분의 공식 표제는 Tale of the Wise Young Woman-Pursuit by the True Believers, A Long Desire (love scene), Scheherazade and the Men with Beards, Escape, Flight, Sanctuary이며, 고전적인 악장 번호보다 장면 이미지의 연쇄로 작품의 범위를 제시한다. Adams는 Rimsky-Korsakov의 제목을 출발점으로 삼았지만, 현대의 폭력과 저항을 다루는 별개의 협주적 교향곡으로 구성했다.

출판 정보와 자료

Boosey & Hawkes와 IRCAM은 이 작품을 2014년 작곡, 약 50분의 바이올린과 오케스트라를 위한 concertant music으로 기록한다. New York Philharmonic, Royal Concertgebouw Orchestra와 Royal Concertgebouw, Sydney Symphony Orchestra가 공동 위촉했고, 2015년 3월 26일 New York Philharmonic과 Alan Gilbert, Leila Josefowicz의 초연으로 공개되었다. Boosey는 이 작품을 dramatic symphony로 분류하며, 현재의 대여 악보와 온라인 작품 정보를 제공한다.

Adams는 2012년 Paris의 Institut du Monde Arabe에서 Arabian Nights 전시를 본 일을 착상의 계기로 설명했다. 그는 이야기 속 현명하고 강한 젊은 여성, 그녀를 쫓는 집단, 사랑 장면, 법정에서 다투는 남자들, 도주와 피신이라는 이미지를 제시했다. 이 목록은 고정된 극본이나 특정 종교 집단의 역사 서술이 아니라, 작곡가가 작품을 구상할 때 사용한 장면 이미지다. Men with Beards라는 표현도 Adams는 특정 종교를 가리키기보다 여성을 통제한다고 확신하는 사람들의 모습으로 설명했다.

Boosey의 대여 악보와 IRCAM의 작품 항목은 공식 구조와 편성을 확인하는 기준 자료다. 초연 뒤 Adams가 현악기 파트를 포함한 작은 수정을 진행했다고 Cincinnati.com 인터뷰에서 말했지만, 수정된 판본 번호나 마디 범위는 공개 자료에서 특정되지 않는다.

소요 시간

Boosey, IRCAM, St. Louis Symphony의 공연 프로그램은 전곡을 약 50분으로 제시한다. Nonesuch가 초연 직전 작품을 약 40분으로 소개한 기록이 있고, 2016년 St. Louis 공연에서 제작된 Nonesuch 녹음은 트랙 합계 47분 35초로 표시된다. 초연 전 Nonesuch의 약 40분 표기는 출판·기관의 약 50분과 구분되며, 47분 35초는 2016년 Nonesuch 녹음의 실제 트랙 합계다.

편성

Boosey의 축약 편성과 IRCAM의 풀어쓴 목록을 합치면 다음과 같다.

St. Louis Symphony의 2016년 공연 프로그램은 플루트 3대와 피콜로 2대를 적어 출판사·IRCAM의 표기와 다르다. 이 차이는 해당 공연 프로그램의 편성표에 나타난 수치이며, 작품의 기준 편성은 출판사·IRCAM 목록과 별도로 읽는다. cimbalom과 세 명의 타악기 주자는 관현악의 고정된 배경보다 독주 바이올린과 장면 이미지를 주고받는 음향군을 이룬다.

네 부분의 공식 진행

네 표제는 독립된 악장이라기보다 작품이 통과하는 네 개의 큰 장면을 표시한다. Adams의 작곡가 노트와 St. Louis Symphony 프로그램은 다음과 같은 이미지와 음향 진행을 연결한다.

순서 공식 표제 작품 안에서 제시되는 장면 이미지
1 Tale of the Wise Young Woman-Pursuit by the True Believers 현명한 젊은 여성의 목소리와 그녀를 뒤쫓는 집단의 압박이 한 부분 안에서 맞물린다.
2 A Long Desire (love scene) 추격 뒤에 긴 욕망과 사랑의 장면이 놓인다. 사랑의 상대와 관계의 성격은 작곡가 노트가 하나로 고정하지 않는다.
3 Scheherazade and the Men with Beards 논쟁과 재판의 이미지가 금관·타악의 압력, 독주 바이올린의 응답과 함께 전면에 나온다.
4 Escape, Flight, Sanctuary 도주와 비행이 이어지고, 마지막에는 완전히 닫히지 않은 피신처의 이미지가 남는다.

Rebecca A. Schreiber의 2019년 학위논문은 이 네 부분 안의 내부 표제도 분석한다. 첫 부분 후반의 Pursuit by True Believers, 셋째 부분의 Doctrinal disputes, The Judgement, Scheherazade’s Appeal, The Condemnation, 넷째 부분의 178마디 Sanctuary가 그 예다. 이 이름들은 논문이 악보를 세분해 읽은 표지이며, IRCAM과 출판사가 제시하는 네 부분의 공식 표제와는 성격이 다르다.

독주 바이올린과 공동 창작

Leila Josefowicz는 Strings Magazine에서 2013년 말 첫 스케치를 받은 뒤 큰 구조와 부분 사이의 연결을 먼저 파악하고, 배우처럼 각 구절의 인물을 만들며 준비했다고 회고했다. 그녀는 기술적으로 어려운 패시지도 기교 자체보다 이야기 속 움직임과 연결해 이해했다고 설명했다. 이 발언은 초연 독주자 Josefowicz가 자신의 파트를 구축한 방법에 관한 증언이다.

Josefowicz는 2018년 Cleveland Classical 인터뷰에서 첫 부분의 초기 초안이 더 빠르고 화려했지만 Adams와 함께 서정적인 시작으로 바뀌었다고 말했다. 마지막 부분의 초안도 Adams의 첫 바이올린 협주곡과 비슷하게 들려 수정되었다고 회고했다. Josefowicz의 증언은 개정 과정의 방향을 설명하며, 수정본의 판본 번호와 마디는 공개되지 않았다.

독주 바이올린은 네 부분을 연결하는 하나의 연주자이면서, 각 장면에서 다른 상태를 맡는 인물로 쓰였다. New York 초연 뒤의 비평에서 Anthony Tommasini와 George Grella는 Josefowicz의 집중된 독주와 바이올린이 작품 전체를 관통하는 중심 역할을 언급했다. 이는 특정 초연을 들은 비평가의 관찰이며, 작품의 서사 기능은 해석의 여지를 남긴다.

서사 해석의 범위

Adams가 제시한 장면은 Arabian Nights와 Rimsky-Korsakov의 음악적 기억을 불러오며, 대사 대신 네 부분의 표제와 독주 바이올린이 극적 진행을 제시한다. 첫 부분의 추격, 둘째 부분의 욕망, 셋째 부분의 논쟁, 넷째 부분의 피신은 네 부분의 표제와 프로그램 해설이 제공하는 안내다. Schreiber의 2022년 연구는 이 여성 폭력 비판이 상상된 동쪽에 폭력을 배치하는 오리엔탈리즘의 틀을 다시 만들 수 있다는 긴장도 함께 검토한다. 이 비평적 독해는 작품 수용의 한 관점으로 제시된다.

Josefowicz는 초연을 준비하며 결말에 성취감과 미해결감이 함께 남는다고 말했다. Cleveland Classical 인터뷰에서는 마지막 인물이 도망치는지 되살아나는지를 열린 질문으로 보았다. 따라서 Sanctuary를 확정된 승리나 구원의 사건으로 단정하기보다, 독주 바이올린의 마지막 상태를 여러 방식으로 들을 수 있게 하는 표제로 설명하는 편이 자료의 범위에 맞다.

공연과 녹음의 수용

2015년 3월 New York 초연은 Josefowicz, Gilbert, New York Philharmonic의 조합으로 열렸고, 같은 해 10월에는 Josefowicz와 Adams가 London Symphony Orchestra와 함께 Barbican에서 영국 공연을 진행했다. Andrew Clements는 런던 공연에서 네 부분을 대조, 고뇌, 격렬한 절정, 긴장이 풀리는 결말의 흐름으로 들었으며, Messiaen과 Prokofiev를 연상시키는 순간을 비평적 비교로 제시했다.

2016년 2월 St. Louis Symphony와 David Robertson은 Josefowicz, cimbalom 연주자 Chester Englander와 함께 Nonesuch 음반을 녹음했다. AllMusic은 녹음일을 2월 19–20일, 장소를 St. Louis의 Powell Hall, 전곡 시간을 47분 35초로 기록하고, 음반은 2016년 9월 30일 발매되었다. Gramophone의 Andrew Farach-Colton은 cimbalom을 서사적 암호보다 음색 요소로 들었고, Josefowicz의 부드러움과 단호함이 함께 드러난다고 평가했다. 이 평가는 해당 음반에 대한 비평가의 청취다.

이 음반은 2017년 제59회 Grammy Awards Best Classical Instrumental Solo 부문 후보에 올랐고, 수상은 다른 작품에 돌아갔다. Sydney Symphony의 2017년 프로그램은 David Robertson이 전년도에 이 작품의 호주 초연을 진행했다고 회고한다. 초연, 초기 재공연, 음반과 시상 기록은 작품이 협주곡 레퍼토리로 이동한 경로를 보여 주며, 공연별 편성과 판본은 각 기록의 조건으로 읽어야 한다.

주요 자료

Nixon in China

Nixon in China

정보

존 애덤스, 《중국의 닉슨》 (Nixon in China)

개요

항목 내용
작곡가 존 애덤스(John Adams, 1947–)
작품 《중국의 닉슨》(Nixon in China)
장르·범위 영어 대본의 전막 오페라. 현행 공연 구분은 3막 6장
대본 앨리스 굿먼(Alice Goodman)
작곡 1985–1987년
세계 초연 1987년 10월 22일, 휴스턴 그랜드 오페라, 존 드메인 지휘·피터 셀러스 연출·마크 모리스 안무
Wikipedia Nixon in China

존 애덤스의 《중국의 닉슨》은 앨리스 굿먼의 영어 대본으로 쓴 전막 오페라다. 1972년 미국 대통령 Richard Nixon의 중국 방문을 무대로 삼으며, 현행 공연 구분에서는 세 막의 여섯 장면이 베이징 도착과 회담·연회, Pat Nixon의 견학과 혁명 발레, 마지막 밤의 회상 순으로 이어진다. 이 글은 독립 관현악곡이나 발췌판이 아닌 오페라 전막을 다룬다.

역사에서 대본으로

실제 Nixon의 중국 방문은 1972년 2월 21일부터 28일까지 이어졌다. 냉전기 오랫동안 단절됐던 두 나라의 관계를 바꾸려는 외교였으며, Henry Kissinger는 당시 국무장관이 아니라 대통령 국가안보보좌관이었다. 카메라에 남은 공항의 악수는 오페라 첫 장면의 뼈대가 되지만, 침실에서 인물들이 주고받는 기억과 말은 외교 기록이 아니라 굿먼과 애덤스가 창작한 극이다. 작품을 따라갈 때 중요한 것도 바로 이 차이다. 오페라는 회담의 성과를 재현하다 끝나지 않고, 세계가 지켜보는 자리에 선 사람들이 남의 시선에서 벗어나면 무엇을 기억하는지 묻는다.

피터 셀러스가 1983년 이 방문을 오페라의 소재로 제안했을 때 애덤스는 곧바로 동의하지 않았다. 굿먼의 운문 대본을 접하고서야 음악으로 만들 가능성을 보았다고 작곡가가 회고한다. 굿먼은 당시 방송과 언론 자료, 회고록을 조사했지만, 자신의 1987년 글에서 이 작품을 단순한 풍자가 아닌 ‘영웅적 오페라’로 생각했다고 밝혔다. 이 말은 정치 지도자들을 무비판적으로 추켜세운다는 뜻이 아니다. 공적 의식의 과장과 인물의 취약함을 동시에 무대에 올리겠다는 대본의 규모를 설명한다.

막 구분에도 상연사의 흔적이 남아 있다. 굿먼의 처음 구상은 3막에 각각 세 장면, 두 장면, 한 장면을 두는 것이었다. 그러나 1987년 초연 계열의 공연책자는 마지막 밤을 ‘제2막 제3장’으로 붙여 2막 6장으로 안내했고, 굿먼도 이 변경을 직접 설명했다. 오늘날 출판사와 여러 공연장의 목록은 원래 구상대로 마지막 밤을 독립된 제3막으로 표기한다. 여섯 장면의 순서는 같으므로, 아래에서는 현재 널리 쓰이는 3막 구분을 따른다.

출판 정보와 자료

작품은 브루클린 음악 아카데미, 휴스턴 그랜드 오페라, 케네디 센터가 공동 위촉했다. 네덜란드 오페라와 로스앤젤레스의 오페라 기관은 1987년 공연책자에서 별도의 협력 기관으로 표기된다. 1987년 10월 22일 휴스턴에서 존 드메인이 지휘하고 셀러스가 연출했으며, 마크 모리스가 혁명 발레의 안무를 맡았다. 무대 장치에는 에이드리언 로벨, 의상에는 두냐 라미코바, 조명에는 제임스 잉걸스가 참여했다. 악보의 헌정 대상은 베티 프리먼이다.

악보와 작품 자료는 부지 앤드 혹스/헨던 뮤직이 관리한다. 미국 의회도서관의 애덤스 자료 목록에는 자필 총보와 단축보, 스케치북, 주석이 붙은 총보 사본, 인쇄 총보, 건반 파트와 정오표, 굿먼의 대본 초고와 서신이 따로 기록되어 있다. 출판사가 제공하는 성악보도 있다. 이 자료들은 공연에 쓰이는 악보가 단순한 가사집이 아니라 관현악·전자 건반·무대 제작의 여러 층위와 관계한다는 점을 알려준다.

소요 시간

출판사가 제시하는 전막 소요 시간은 177분으로, 무대에서는 대체로 약 3시간을 잡는다. 휴식 시간을 어디에 두는지도 공연에 따라 달랐다. 1987년 공연책자는 2막 사이에 한 번의 휴식을 안내하지만, 마지막 밤을 별도 제3막으로 공연한 제작은 혁명 발레 뒤에도 휴식을 둔다. 1988년 원작 출연진의 스튜디오 음반은 레이블의 트랙 시간을 합치면 약 2시간 25분이다. 이 수치는 공연장의 진행 시간이나 휴식까지 포함한 길이가 아니라 해당 녹음의 음악 길이다.

편성

Richard Nixon과 Chou En-lai는 바리톤, Henry Kissinger는 베이스바리톤으로 노래한다. Mao Tse-tung은 테너, Pat Nixon은 서정 소프라노, Chiang Ch'ing은 콜로라투라 소프라노다. Mao 곁에서 그의 말을 이어받는 세 비서는 메조소프라노이며 첫째 비서에게는 Nancy T'ang이라는 이름이 붙어 있다. 합창과 무용수도 공항, 연회, 혁명 발레에 참여한다. 이들의 움직임은 단순한 배경이 아니라 대중에게 보여 주는 국가 의식을 이루는 요소다.

관현악은 플루트 두 대(두 주자 모두 피콜로 겸임), 오보에 두 대(둘째 주자는 잉글리시 호른 겸임), 클라리넷 세 대(첫째는 E♭ 클라리넷, 나머지 둘은 베이스 클라리넷 겸임), 소프라노·알토 두 대·바리톤의 색소폰 네 대, 트럼펫 세 대와 트롬본 세 대를 쓴다. 한 사람이 맡는 타악 파트에는 베이스드럼, 작은북, 여러 심벌과 블록, 글로켄슈필, 트라이앵글 등이 들어간다. 전자 피아노 두 대와 신시사이저 또는 샘플러가 건반층을 이루며, 현악기의 출판사 기준 최소 인원은 제1·제2바이올린 각 6명, 비올라·첼로 각 4명, 더블베이스 2명이다.

이 편성에서 전자 악기는 장식이 아니다. 색소폰·금관·전자 건반이 빚는 두꺼운 음향 사이에서도 가사가 들려야 하고, 무대 위 가수가 움직여도 목소리의 위치가 자연스럽게 전달되어야 한다. 애덤스는 첫 오페라를 쓰면서 이 균형을 배우는 과정이었고 성악 증폭이 필요했다고 회고했다. 출판사가 공연 허가에 사운드 디자이너를 요구하는 이유도 이런 실행 조건과 연결된다.

제1막: 카메라가 지켜보는 세 장면

제1장, 베이징 외곽 공항

오페라는 중국 군중과 군인의 합창으로 시작한다. “The people are the heroes now”가 울리는 동안 대통령 전용기가 착륙하고, Chou En-lai가 Nixon 일행을 맞이한다. 아직 대화를 시작하기도 전에 세계적 사건의 모양은 이미 정해져 있다. 군중은 역사적 순간을 하나의 의식처럼 떠받치고, 비행기에서 내린 Nixon은 그 의식의 중심에 서야 한다.

그 뒤 Nixon의 “News has a kind of mystery”가 나온다. 그는 자신이 뉴스가 될 장면을 거의 눈앞에서 보면서도 그 장면에 참여하는 당사자다. 빠르게 움직이는 말과 리듬은 카메라 앞에서 자신감 있게 발언하려는 태도와 뜻밖의 만남을 앞둔 긴장을 함께 드러낸다. 초연부터 이 역을 부른 제임스 매덜리나는 2011년 인터뷰에서 이 노래를 긴 비행 뒤 피로와 흥분이 뒤섞인 사람의 상태로 이해했다고 말했다. 그 해석을 따르면 아리아의 들뜬 리듬은 대통령에 대한 희화화만이 아니라, 역사적 순간을 맞은 인물의 신체적 초조함이 된다.

제2장, Mao의 서재

이어지는 회담은 현실적인 협상 장면으로 단순화되지 않는다. Nixon과 국가안보보좌관 Kissinger가 Mao, Chou, 세 비서를 만나자 정치적 문장들은 비유와 역설로 미끄러진다. Mao의 말을 비서들이 받아 반복하거나 다른 결로 늘리면서, 한 사람의 권위가 여러 목소리로 퍼진다. 서재의 좁은 공간에서 주고받는 말은 공항의 대규모 합창보다 훨씬 이해하기 어려워진다. 미국 방문객이 원하는 명확한 성과와 Mao가 제시하는 역사적·철학적 시야는 쉽게 포개지지 않는다.

초연 지휘자 존 드메인은 이 장면을 연습할 때 Mao와 세 비서의 음높이와 어려운 리듬을 가수들과 세밀하게 맞춰야 했다고 회고했다. 반복되는 관현악 위에 말만 얹으면 되는 장면이 아니라, 성악의 박자와 억양을 정교하게 조직해야 회담 특유의 불안정한 대화가 성립한다는 뜻이다.

제3장, 인민대회당 연회

인민대회당의 건배는 두 진영이 서로를 향해 말하는 공개 의식이다. Chou의 인사와 Nixon의 답사가 이어지고, 합창과 관현악은 개인의 발언을 거대한 행사로 확대한다. 공항에서 Nixon이 뉴스의 주인공이 된다고 느꼈다면, 여기서는 양측 모두 이미 정해진 외교적 언어 속에서 발언한다. 그러나 같은 잔을 들었다고 해서 두 나라가 지나온 시간이 같아지는 것은 아니다. 연회 장면의 긴장은 화해의 제스처와 그 아래 남은 역사적 거리 사이에 있다.

제2막: Pat의 시선과 혁명 발레

제1장, 중국 견학

공식 회담에서 물러나 있던 Pat Nixon이 무대의 중심으로 나온다. 그는 유리 공장에서 유리 코끼리를 받고, 인민공사와 이화원, 명릉을 방문한다. 일정은 외교 행사의 일부지만, Pat은 눈앞의 사물을 정치적 표어로만 받아들이지 않는다. “This is prophetic!”으로 이어지는 독백에서 여행의 장면은 자신이 바라는 평화로운 일상과 미래를 생각하는 계기가 된다. 이 순간의 느리고 넓게 펼쳐지는 성악선은 제1막의 선언과 건배와 다르다. 국가 방문의 공식 동선 위에 한 사람의 사적 상상이 겹친다.

이 장면이 그저 ‘인간적인 휴식’인 것은 아니다. Pat의 선의 역시 방문객의 시선이며, 자신에게 보여 준 중국의 모습을 자신의 가치로 해석한다. 관객은 그 친절함과 제한된 이해를 동시에 듣게 된다. 뒤따르는 발레에서 Pat이 무대의 사건을 실제 고통으로 받아들이는 까닭도 이 시선과 연결된다.

제2장, 베이징 오페라 극장의 밤

중국 측이 준비한 혁명 발레 《홍색낭자군》(The Red Detachment of Women)을 방문객들이 관람한다. 발레 속 여주인공과 지주, 혁명군의 폭력은 극 안에서 이미 정해진 정치적 의미를 지닌다. 그러나 Pat과 Nixon은 그것을 안전한 공연으로만 보지 못하고 무대에 끼어든다. 극중 관람객이 배우와 같은 공간에 들어오는 순간, 어느 장면이 선전이고 어느 고통이 실제인지 분간하기 어려워진다. 초연의 안무가 마크 모리스도 이 발레를 원본의 충실한 복제보다 관람객의 개입이 일어나는 무대로 만들었다고 설명했다.

Chiang Ch'ing이 등장해 “I am the wife of Mao Tse-tung”을 부를 때 발레의 주도권은 다시 그에게 돌아간다. 치솟는 콜로라투라는 단순한 성악 과시가 아니다. 혁명적 역할을 규정하는 권한과 자신의 이름을 동시에 선언하는 소리다. 애덤스는 이 발레 음악을 일부러 ‘위원회가 쓴 듯한’ 것으로 상상했다고 말했다. 앞선 장면의 개인적 반응과 달리, 여기서는 공연 자체가 무엇을 느끼고 생각해야 하는지 지시한다. 제2막의 충돌은 그 지시를 관객석의 두 사람이 받아들이지 못하는 데서 생긴다.

제3막: 마지막 밤의 기억

공식 일정이 끝난 뒤 음악은 공항의 군중과 연회의 건배에서 물러난다. 마지막 장면에서는 인물들이 각자의 과거를 현재의 대화에 끌어들인다. 초입에는 Kissinger도 나타나지만, 그가 떠난 뒤 중심은 Nixon 부부, Mao 부부, Chou에게 옮겨 간다. Nixon과 Pat은 젊은 시절과 전쟁기의 생활을 떠올리고, Mao와 Chiang Ch'ing은 혁명과 두 사람의 관계를 돌아본다. 같은 역사적 방문에 참여했어도 그들을 움직이는 시간은 같지 않다.

Mao 부부가 춤추는 대목에는 오페라보다 먼저 작곡된 독립 관현악곡 《의장이 춤춘다》(The Chairman Dances)의 짧은 동기들이 스친다. 애덤스는 그 관현악곡을 제3막에 통째로 끼워 넣지 않았다고 직접 밝혔다. 춤은 화려한 장면을 재연하기보다 지나간 삶을 기억 속에서 다시 움직이게 한다. 익숙한 동기가 더 조용한 맥락에서 들리는 차이가 마지막 막의 방향을 알려준다.

끝에서 Chou는 “I am old and I cannot sleep”을 부른다. 공항에서는 의전의 주인이었고 연회에서는 양국을 이어 주는 화자였던 그가 이제 자신이 한 일과 그 대가를 묻는다. 이 독백 뒤에 승리나 합의를 확인하는 대합창이 오지 않는 것은 중요하다. 방문이라는 사건은 끝났지만, 그 사건이 역사와 개인의 삶에 어떤 의미로 남을지는 해결되지 않는다.

노래와 무대를 맞추는 일

《중국의 닉슨》은 반복되는 리듬으로 큰 장면을 움직이면서도, 인물마다 말의 길이와 성악적 성격을 다르게 준다. Nixon의 바리톤은 공식 발언과 개인의 회상을 오가고, Pat의 서정 소프라노는 같은 방문을 더 긴 호흡으로 바라본다. Mao의 높은 테너와 세 비서의 맞물리는 선율은 서재의 대화를 쉽게 풀어 주지 않는다. 제2막 말미 Chiang Ch'ing의 콜로라투라가 힘을 집중시킨 뒤, 마지막 장면에서 Chou의 낮고 지친 물음이 남는다. 이 대비가 작품을 공항의 장관에서 사적인 성찰로 옮긴다.

애덤스는 반복 악구가 단순히 같은 길이로 돌아가는 음악만을 쓰지 않았다고 설명했다. 여러 선율층을 겹치고 성악의 말을 그 위에 맞춰 놓기에, 무대에서는 박자가 변하는 지점과 가수의 진입을 세밀하게 합쳐야 한다. 드메인의 초연 회고는 이 어려움을 구체적으로 보여 준다. 목소리가 들리는 균형은 지휘대에서만 해결되지 않는다. 2012년 샌프란시스코 공연의 사운드 디자이너 마크 그레이는 앞쪽의 여러 스피커를 활용해 증폭된 목소리가 확성기보다 무대 위 가수의 자리에서 나오는 것처럼 들리게 했다고 설명했다. 출판사가 요구하는 사운드 디자인은 공항의 합창과 전자 악기 사이에서 가사를 살리는 일뿐 아니라, 무대 안쪽에서 노래하는 인물의 위치를 관객에게 전달하는 일이기도 하다.

두 녹음이 남긴 다른 모습

첫 전곡 음반은 1987년 12월 뉴욕에서 녹음되어 이듬해 노네서치에서 발매됐다. 초연 출연진인 제임스 매덜리나(Richard Nixon), 캐럴앤 페이지(Pat Nixon), 존 다이커스(Mao Tse-tung), 트루디 엘런 크레이니(Chiang Ch'ing), 샌퍼드 실번(Chou En-lai) 등이 참여했지만, 지휘자는 초연의 드메인이 아니라 에도 더바르트였고 관현악단은 세인트루크스 오케스트라였다. 1988년 《로스앤젤레스 타임스》의 존 헨컨은 더바르트의 스튜디오 녹음이 휴스턴 실황보다 성악의 서정성과 가사 전달을 선명하게 들려주고, 반복 반주는 더 매끈하게 만든다고 평했다. 이는 무대에서 눈에 보이는 비행기와 발레 없이도 음악의 선을 따라갈 수 있다는 이점이지만, 초연의 움직임을 그대로 보존한 기록은 아니다.

2008년에는 마린 올솝이 콜로라도 교향악단과 오페라 콜로라도 합창단을 이끌고 덴버 공연을 실황으로 녹음했다. 《BBC 뮤직 매거진》의 애나 피카드는 올솝이 강한 리듬을 살리면서 Pat의 제2막 독백과 제3막의 서정성을 드러냈다고 보았다. 동시에 관현악 세부가 덜 뚜렷하고 Robert Orth의 Nixon은 매덜리나의 유연한 선율 처리와 다르다고 짚었다. 한쪽을 ‘결정판’으로 정하기보다, 첫 녹음에서는 단어와 선율이 정리된 스튜디오의 균형을, 후대 실황에서는 무대의 움직임과 리듬이 만나는 방식을 비교해 들을 수 있다.

주요 자료

The Death of Klinghoffer

The Death of Klinghoffer

정보

개요

곡명: The Death of Klinghoffer

작곡가: John Adams (1947–)

대본: Alice Goodman, 영어 리브레토

작곡 시기: 1990년, 자료에 따라 1990–1991년 작업으로 기록

초연: 1991년 3월 19일, Brussels의 La Monnaie. Kent Nagano 지휘, Peter Sellars 연출, Mark Morris 안무

위촉: La Monnaie, San Francisco Opera, Opéra de Lyon, Glyndebourne Productions, Los Angeles Festival, Brooklyn Academy of Music의 공동 위촉

장르: 프롤로그와 2막으로 이루어진 영어 오페라

범위: 1985년 Achille Lauro 납치 사건을 다루는 전곡, 초연 제작의 공동 위촉·편성·성악 배치, 2014년 Metropolitan Opera 제작과 수용 논쟁

Wikipedia 작품 개요

John Adams의 The Death of Klinghoffer는 Alice Goodman의 영어 리브레토에 붙인 2막 오페라로, 1985년 Achille Lauro 납치와 Leon Klinghoffer의 살해를 소재로 삼는다. 프롤로그의 두 추방 합창, 선상 장면과 독창, 2막의 성서적 합창과 애도가 사건을 시간순 재현과 명상적 장면의 병치로 조직한다. Leon의 죽음은 무대 밖 사건으로 남고, 마지막에는 Marilyn Klinghoffer의 개인적 애도가 놓인다.

출판 정보와 자료

Boosey & Hawkes는 이 작품을 1990년 오페라, 2시간 20분, 2막으로 분류하고 보컬 스코어와 공연 허가 경로를 안내한다. Alice Goodman의 리브레토는 별도 PDF로 출판되어 장면 표지와 배역명을 확인할 수 있다. San Francisco Opera의 공연 아카이브는 La Monnaie, San Francisco Opera, Opéra de Lyon, Glyndebourne Productions, Brooklyn Academy of Music, Los Angeles Festival이 공동 위촉에 참여했다고 기록하며, Los Angeles Festival을 Los Angeles Music Center Opera가 대신한 공동 제작 기록도 덧붙인다.

출판사 카탈로그와 보컬 스코어 메타데이터는 같은 작품을 1990년으로 적지만, IRCAM은 1990–1991년으로 표시한다. 두 표기는 단일 창작 연도와 실제 작업 기간을 가리키는 서로 다른 서지 기준으로 남아 있다. Boosey 자료는 키보드 샘플러를 2대 또는 3대로 제시해 판본과 카탈로그 시점에 따른 차이를 남긴다.

소요 시간

전곡은 약 140분, 곧 2시간 20분이다. 극장 공연의 휴식과 무대 전환 시간은 이 작품 길이에 포함되지 않는다. 합창 부분은 Boosey가 Choruses from The Death of Klinghoffer라는 별도 발췌곡으로도 안내한다.

배역과 성악 배치

Boosey의 성악 표기는 소프라노, 메조소프라노, 콘트랄토, 테너, 바리톤 3명, 베이스, 최소 24명의 합창, 무용수 2명으로 구성된다. 주요 역할은 다음과 같다.

여러 단역과 증언자 성격의 발화는 이 성악진과 합창, 무용수의 조합으로 배치된다. 작품의 인물은 선박 안에서 행동하는 승객·선원·납치범과, 사건의 시간과 장소를 넓히는 합창으로 나뉘며, 리브레토는 이 두 집단을 장면마다 교차시킨다.

편성

관현악은 플루트 2(두 대 모두 피콜로 겸주), 오보에 2(2번은 잉글리시 호른 겸주), 클라리넷 2(2번은 베이스클라리넷 겸주), 바순 2(2번은 콘트라바순 겸주), 호른 2, 트럼펫 2, 트롬본 2, 타악기 1명, 하프, 현악 8·8·6·6·4로 편성된다. 타악기 주자는 KAT MIDI 말렛 컨트롤러와 팀파니를 맡고, 키보드 샘플러 두 대 또는 세 대를 사용한다. 사운드 디자이너를 고용해야 한다는 조건이 Boosey의 공연 허가에 포함된다.

이 편성은 합창과 독창의 영어 텍스트를 관현악과 전자 장비가 받치는 실행 조건을 전제로 한다. 사운드 디자이너는 출판사 허가 문구에 포함된 기술 담당이다.

사건과 드라마의 범위

오페라가 다루는 실제 사건은 1985년 10월 7일의 Achille Lauro 납치와 이튿날 휠체어를 사용하던 69세 승객 Leon Klinghoffer의 살해다. BBC News와 Anti-Defamation League는 납치 경위와 사망 사실을 각각 보도·입장문으로 정리하고, 리브레토는 이 사건을 문학적 장면으로 다시 구성한다.

극의 주요 사건은 장면마다 다른 시점으로 제시된다. 선장은 과거의 납치를 회상하고, 승객과 납치범은 선상에서 대치하며, Leon의 살해와 투척은 무대 밖 사건으로 남는다. Biringer의 분석에 따르면 이 배치는 재현의 속도보다 증언, 합창, 애도의 시점을 교차시키는 형식을 만든다.

프롤로그와 1막

프롤로그는 Chorus of Exiled Palestinians와 Chorus of Exiled Jews로 시작한다. 두 합창은 각각의 추방과 역사적 기억을 노래하며, 관객이 선박 납치 장면에 들어가기 전에 작품의 시간 범위를 넓힌다. Biringer와 Buller의 연구는 이 합창을 개인 인물의 행동을 멈추고 역사·기억·명상을 제시하는 오라토리오적 장치로 분석한다.

1막 첫 장면에서 The Captain은 납치의 경위를 회상한다. 이집트 관광을 위해 대부분의 승객이 배에서 내린 사이 납치범들이 승선했고, 남아 있던 승객은 선내 식당으로 모인다. The First Officer가 위험을 알리자 The Captain은 승객을 진정시키려 한다. Swiss Grandmother의 이야기와 Molqi의 명령은 같은 공간에 놓인 인물들의 정보와 공포가 서로 다름을 보여 준다.

이어지는 선상 대화에서는 Mamoud가 자신의 과거와 라디오에서 들은 노래를 회상하고, The Captain은 서로 이해할 가능성을 말한다. Austrian Woman의 독백은 선실에 숨었던 경험을 전하며, Ocean Chorus와 Night Chorus는 배 위의 시간을 바다와 밤의 이미지로 넓힌다. 이 장면들의 순서는 납치 상황의 현재와 인물들이 각자 기억하는 과거를 동시에 진행시킨다.

2막과 결말

2막 프롤로그의 Chorus of Hagar and the Angel은 Hagar와 Ishmael의 성서 이야기를 통해 추방, 약속, 자손의 이미지를 불러온다. Buller와 Biringer는 이 합창이 1막의 선상 사건을 더 오래된 기억의 틀에 놓는다고 분석한다.

2막 첫 장면에서 Molqi와 Mamoud의 요구와 위협이 거칠어지고, Leon은 자신의 삶과 존엄을 말한다. “Rambo”와 Omar의 발화, British Dancing Girl의 회상, 납치범들 사이의 충돌이 이어진 뒤 Molqi가 Leon을 데려간다. Desert Chorus는 장면의 공간을 광야의 이미지로 옮긴다.

다음 장면에서 Marilyn은 남편이 병원에 있다고 믿으며 기다린다. 무대 밖에서 Leon이 살해된 뒤 Aria of the Falling Body가 죽은 인물의 목소리를 의식적 장면으로 되살리고, Day Chorus가 사건 이후의 시간을 잇는다. 마지막 장면에서 납치범들은 항복하고 승객들은 Cairo에서 배를 떠난다. The Captain이 Marilyn에게 남편의 죽음을 알린 뒤, Marilyn의 애도와 분노가 오페라를 닫는다. 프롤로그의 역사적 합창으로 시작한 작품이 한 가족의 상실로 끝나는 배열이 결말의 장면 기능을 결정한다.

합창과 오라토리오적 형식

Boosey의 작품 노트는 이 오페라가 Bach 수난곡의 영향 아래 오페라와 오라토리오의 경계를 넘나들며, 합창 부분을 독립적으로 공연할 수 있다고 설명한다. 합창은 선박 안의 사건과 거리를 두고 추방, 바다, 밤, 광야, 낮의 시간을 노래한다. 따라서 프롤로그와 각 막의 합창은 줄거리의 해설이면서 작품의 시간 배치를 바꾸는 장면이 된다.

Biringer의 2015년 University of Washington 논문은 이 구조를 여러 서술 시점과 알레고리적 합창이 결합하는 명상적 장르 혼합으로 분석한다. Buller의 수용사 연구는 Peter Sellars가 Adams와 Goodman에게 소재를 제안하고, 유럽 초연 뒤 작품이 미국과 유럽의 여러 제작으로 이동한 경로를 정리한다. 두 연구는 리브레토와 제작 과정이 형식에 미친 영향을 각각 해석하며, 창작자 의도와는 구분되는 학술적 관점을 제시한다.

초연·후속 제작·수용

Boosey의 작품 카탈로그와 공연 기록은 1991년 3월 19일 Brussels La Monnaie에서 Kent Nagano 지휘, Peter Sellars 연출, Mark Morris 안무로 열린 세계 초연을 기록한다. 공동 위촉단은 여러 나라의 오페라단과 페스티벌로 구성되었고, 초연 제작은 이후 여러 도시로 이동했다. San Francisco Opera 아카이브는 1992년 11월 7일부터 24일까지 여섯 차례 열린 미국 서부 초연을 기록한다.

2014년 Metropolitan Opera 제작은 David Robertson 지휘, Tom Morris 연출, Arthur Pita 안무, Finn Ross 영상 디자인으로 8회 무대 공연을 진행했다. Metropolitan Opera Archives는 English National Opera와의 공동 제작과 2014년 10월 20일 첫 공연을 확인한다. 같은 시즌의 글로벌 Live in HD 중계는 2014년 6월 논쟁 속에서 취소되었고, 무대 공연은 예정대로 열렸다.

Anti-Defamation League의 2014년 입장문과 Klinghoffer 가족의 메시지는 팔레스타인인의 고통을 노래하는 합창과 Leon의 살해가 같은 작품에 놓이는 방식이 희생자의 죽음을 흐리거나 납치범의 동기를 정당화하는 듯 보인다고 비판했다. BBC News는 Met의 방송 취소를 보도하면서, Peter Gelb가 국제 유대인 공동체의 우려를 고려했다고 전하고 John Adams가 작품이 폭력·테러·반유대주의를 옹호하거나 조장하지 않는다고 말했다고 인용한다. 이 발언들은 가족·옹호단체·극장 책임자·작곡가가 서로 다른 맥락에서 내놓은 수용 기록으로 남는다.

Ruth Sara Longobardi의 2009년 학술 논문은 1991년과 2003년 제작의 영상·사진 협업을 비교하며, 9·11 전후에 아랍 정체성이 무대에서 다르게 표상되었다고 분석한다. 이 연구는 특정 제작의 매체와 인물 형상을 다루는 분석이다.

녹음과 합창 발췌

Nonesuch는 1992년 Lyon 오페라 오케스트라와 Kent Nagano가 참여한 녹음을 발매했다고 안내한다. Boosey의 카탈로그는 Sanford Sylvan, James Maddalena, Sheila Nadler 등 초연 관계 성악진이 참여한 이 녹음과 Decca DVD를 작품의 주요 기록으로 제시한다. 이 음반 정보는 1991년 무대 초연과 별도의 녹음 사건으로 정리된다.

Boosey가 별도 작품으로 안내하는 Choruses from The Death of Klinghoffer는 오페라의 역사적·명상적 합창을 떼어 약 45분의 독립된 콘서트 형식으로 구성한 발췌곡이다.

주요 자료

El Niño

El Niño

정보

개요

곡명: El Niño
작곡가: John Adams (1947–)
장르와 범위: 성탄 오라토리오 형식의 오페라-오라토리오. 이 글은 두 부분과 전체 24개 섹션으로 이루어진 전곡을 다룬다.
텍스트: John Adams와 Peter Sellars가 성서 본문, 영지주의 유년기 복음서, 중세 성탄극과 설교, 라틴아메리카 시를 엮었다.
작곡 시기: 1999–2000년
초연: 2000년 12월 15일, 파리 Théâtre du Châtelet. Peter Sellars 연출, Kent Nagano 지휘, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, London Voices, Theatre of Voices, La Maîtrise de Paris와 Dawn Upshaw, Lorraine Hunt Lieberson, Willard White가 참여했다.
Wikipedia: El Niño (opera)

John Adams의 《El Niño》는 1999–2000년에 작곡된 성탄 오라토리오 형식의 오페라-오라토리오다. 이 글은 무대 공연과 콘서트 공연에 모두 사용되는 전곡을 다룬다. 작품은 두 부분으로 나뉘며, 전체 순서에는 24개의 독립 섹션이 놓인다. 1부는 수태고지와 Mary의 임신, Joseph의 의심, 베들레헴으로의 이동과 탄생을 따라가고, 2부는 Herod의 위협과 아이들의 학살, 동방박사와 이집트로의 피난, 탄생 이후의 생명을 다룬다.

출판 정보와 자료

Boosey & Hawkes가 악보를 출판했다. 이 작품은 Théâtre du Châtelet, San Francisco Symphony, Lincoln Center, Barbican이 공동으로 위촉했으며, 2000년 파리 초연은 Peter Sellars의 무대 구상과 Kent Nagano의 지휘로 이루어졌다. Sellars가 만든 초연 및 후속 무대 버전에는 춤과 영화가 포함될 수 있지만, 같은 음악과 텍스트는 콘서트 오라토리오로도 연주된다.

Boosey & Hawkes는 공연 허가 조건으로 음향 디자이너를 요구한다. 따라서 증폭과 공간 배치는 편성에 덧붙이는 선택 사항이 아니라 성악, 합창, 전자 건반, 기타와 타악기를 공연장 안에 배치하는 실연 조건으로 다루어야 한다.

소요 시간

공연 형태와 자료에 따라 약 1시간 50분에서 2시간이 걸린다. Boosey & Hawkes와 Cincinnati May Festival은 111분, IRCAM은 1시간 50분, Los Angeles Philharmonic과 Adams의 공식 안내는 약 2시간으로 제시한다.

편성

Los Angeles Philharmonic의 편성표에는 글로켄슈필, 트라이앵글, 징, 알프스 종, 귀로, 마라카스, 크로탈, 높은 카우벨, 템플 블록, 탐탐, 차임, 클라베스, 템플 볼 등이 타악기군에 포함된다. 세 타악 주자의 실제 분담과 건반·샘플러의 세부 운용은 사용하는 악보와 공연 기술 문서에서 확인해야 한다.

텍스트와 구성

Adams와 Sellars는 King James Bible의 성탄 구절에 Gnostic Infancy Gospels, Wakefield Mystery Plays, Martin Luther의 성탄 설교, Hildegard von Bingen의 찬가 O quam preciosa를 결합했다. Sor Juana Inés de la Cruz, Rosario Castellanos, Gabriela Mistral, Rubén Darío, Vicente Huidobro의 시도 함께 사용되며, 대본의 약 3분의 1은 스페인어 또는 라틴어로 이루어진다. 이 텍스트 배열은 성서의 사건을 유지하면서 Mary의 임신과 출산, 돌봄과 폭력에 관한 여성의 목소리를 서사와 명상 사이에 배치한다.

1부: 수태고지에서 탄생까지

1부는 세 카운터테너가 Gabriel의 목소리로 수태고지를 전하는 “I Sing of a Maiden”에서 시작한다. 소프라노가 맡은 Mary의 서사와 메조소프라노가 부르는 Castellanos의 “La anunciación”이 이어지면서 임신의 사건이 개인의 몸과 목소리로 구체화된다. “Magnificat”, Elizabeth 방문, Joseph의 의심과 꿈, 베들레헴으로 향하는 여정이 탄생을 향해 연결되고, “Shake the Heavens”와 출산 장면이 그 흐름을 확장한다.

Mistral의 “The Christmas Star”와 Hildegard의 O quam preciosa는 탄생을 둘러싼 명상적 장면을 이룬다. 세 카운터테너는 전통적인 천사의 역할을 맡는 동시에 독창 앙상블과 해설자의 기능을 오가므로, 1부의 사건을 한 인물의 독백으로만 고정하지 않는다.

2부: Herod의 폭력과 피난

2부는 Sor Juana의 “Pues mi Dios ha nacido a penar”으로 시작한다. Herod의 공포와 동방박사의 방문 뒤에 Darío의 “The Three Kings”와 Huidobro의 “Dawn Air”가 놓이며, 탄생의 소식이 통치자의 폭력과 맞닿는다. 베들레헴의 아이들이 살해되는 장면 뒤에는 Castellanos의 “Memorial de Tlatelolco”가 배치된다. LA Phil의 해설은 이 곡을 작품에서 가장 큰 단일 번호로 설명하며, 성탄 서사를 1968년 멕시코시티의 Tlatelolco 학살을 기억하는 현대의 목소리와 직접 연결한다.

이후에는 외경에 바탕을 둔 용과 야자나무 이야기가 이어진다. 마지막 번호 “Una palmera”는 Castellanos의 시를 어린이합창과 기타에 맡기며, 어린이합창은 작품 전체의 상시 화자가 아니라 결말에서 새 생명의 목소리를 담당한다. 어린이 목소리와 기타가 조용히 끝내는 이 결말은 2부가 다룬 폭력과 피난의 서사를 탄생 이후의 취약한 미래로 이어 준다.

공연 형태와 작품의 관점

LA Phil 작품 해설에서 Adams는 Handel의 Messiah와 같은 성탄 작품을 쓰고 싶었지만, 작품에서 말하는 기적의 범위를 예수의 탄생에서 모든 출산의 기적으로 넓혔다고 설명한다. 그는 작업 제목을 *How Could This Happen?*으로 두기도 했다. 이 설명은 Mary의 임신과 출산이 성탄 도상의 부속 사건이 아니라 작품의 중심 질문이라는 점을 보여 준다.

Adams는 라틴아메리카 문학을 대본에 넣어 여성의 목소리를 확장했지만, 작품이 라틴아메리카 음악을 그대로 재현하도록 쓰인 것은 아니라고 설명한다. 따라서 스페인어권 시의 사용은 특정 민속 양식을 재현한다는 뜻보다, 성서와 외경의 사건을 서로 다른 역사적 목소리로 말하게 하는 텍스트 구성으로 이해하는 편이 정확하다.

초연의 무대 버전은 Sellars의 춤과 영화, 독창자와 합창의 움직임을 통해 사건을 시각화했다. 콘서트 버전에서는 같은 두 부분과 섹션 순서가 무대 장치 없이 진행된다. 2024년 Metropolitan Opera 프로그램도 이 작품을 오페라-오라토리오로 소개하고 새로운 무대화를 다루면서 24개의 독립 섹션을 언급한다. 이는 작품이 처음부터 가진 이중 공연 형태가 이후 제작에서도 유지되었음을 보여 준다.

주요 자료

Doctor Atomic

Doctor Atomic

정보

Doctor Atomic

작곡가: John Adams (1947–)
대본: Peter Sellars
장르: 영어 2막 오페라
작곡: 2004–2005년
초연: 2005년 10월 1일, San Francisco Opera War Memorial Opera House, Donald Runnicles 지휘, Peter Sellars 연출
대상 범위: 1945년 Trinity test를 앞둔 오페라 전곡

개요

Wikipedia: Doctor Atomic

John Adams의 Doctor Atomic은 Peter Sellars가 Manhattan Project의 기록과 문학 텍스트를 엮어 만든 영어 2막 오페라다. 전곡은 Act I의 세 장면과 Act II의 네 장면으로 진행되며, Act II Scene 1과 Scene 2 사이에 Rain over the Sangre de Cristos Mountains 관현악 간주가 놓인다. 이야기는 1945년 6월 말 Los Alamos의 연구실과 Oppenheimer의 집에서 시작해 7월 15일 밤 Trinity 시험장, 7월 16일 새벽의 집과 시험장, 마지막 Countdown으로 이어진다. 중심 인물은 J. Robert Oppenheimer, Kitty Oppenheimer, General Leslie Groves, Edward Teller, Robert Wilson, Pasqualita이며, 과학자·군인·가족을 맡은 합창이 장면마다 집단의 목소리를 이룬다.

출판 정보와 자료

Boosey & Hawkes가 full score와 vocal score를 관리·출판한다. 출판사 카탈로그는 작품을 2004–05년에 작곡된 opera in 2 acts로 기록하고, 순수 연주 시간을 173분으로 제시한다. IRCAM 데이터베이스는 3시간 20분을 지속 시간으로 적어 두 기관의 시간 기준이 다르다는 점을 보여 준다.

San Francisco Opera가 위촉했으며, 2005년 10월 1일 세계 초연은 Donald Runnicles 지휘, Peter Sellars 연출, Gerald Finley의 Oppenheimer로 이루어졌다. Adams가 2007년에 완성한 약 25분의 단악장 관현악 작품 Doctor Atomic Symphony는 오페라의 대목을 재구성한 별도 작품이므로 전곡 범위에 포함하지 않는다.

Sellars의 대본은 Manhattan Project 관계자의 편지·회고·기밀 해제 문서와 과학·군사 보고를 바탕으로 한다. John Donne의 Holy Sonnet XIV, Charles Baudelaire와 Muriel Rukeyser의 시, Bhagavad Gita, Tewa Pueblo 전승의 자장가가 장면별 텍스트로 결합된다. Adams는 2006년 Atomic Heritage Foundation 강연에서 Henry DeWolf Smyth의 Atomic Energy for Military Purposes 서문을 1막 첫 합창에 사용했다고 설명했다.

소요 시간

Boosey의 총보 카탈로그는 순수 작품 시간을 173분으로, IRCAM은 3시간 20분으로 제시한다. 2005년 San Francisco 초연을 본 OperaWest의 Janos Gereben은 1막 약 75분, 2막 약 80분으로 체감했고, Nonesuch의 2017년 오디오 녹음은 트랙 합계 156분 45초(약 157분)다. Opus Arte의 2007년 Amsterdam 2DVD는 영상과 부가 자료를 포함한 매체 전체가 230분으로 기록되어 있어 오페라의 순수 연주 시간과 구분된다.

배역과 성악 배치

편성

관현악은 다음과 같이 구성된다.

2005년 San Francisco 초연을 본 OperaWest의 Janos Gereben은 주요 성악가와 일부 합창에 body microphone이 사용되었다고 관찰했다. 이는 해당 제작의 증폭과 균형에 관한 기록이며 후대 공연의 고정 조건으로 확대하지 않는다.

막과 장면

Act I

Scene 1. Los Alamos laboratory

1945년 6월 말, 독일 항복 뒤 과학자들과 군 관계자들은 일본에 폭탄을 사용할 필요, 안전, 정치적 일정과 기술적 위험을 논의한다. Edward Teller와 Robert Wilson은 대통령에게 보낼 청원에 동료를 참여시키고, 워싱턴에서 돌아온 Oppenheimer는 목표와 연구 책임을 설명한다. Adams의 강연에 따르면 장면의 첫 합창은 Smyth의 1945년 과학 보고서 서문을 바탕으로 하며, Teller의 노래에는 회고록에 인용된 Leo Szilard의 편지가 사용된다.

Scene 2. Oppenheimers’ house

장소가 Oppenheimer 부부의 집으로 옮겨가면 공적 회의의 언어가 Baudelaire 시구를 주고받는 사적 대화로 바뀐다. Oppenheimer가 자리를 떠난 뒤 Kitty는 Muriel Rukeyser의 전쟁·평화 시를 통해 결혼, 사랑, 고립의 감정을 독백한다. 이 장면의 텍스트 출처와 배치는 Metropolitan Opera 시놉시스와 Adams의 작곡 설명에 함께 기록되어 있다.

Scene 3. Trinity test site

1945년 7월 15일 밤 Alamogordo의 시험장에서는 폭탄이 높은 탑에 설치된 채 전기 폭풍을 맞는다. 기상 담당 Hubbard는 위험을 경고하고, Captain Nolan은 plutonium과 방사선의 위험을 설명한다. Groves와 Oppenheimer가 책임과 시험 진행을 두고 대화한 뒤, 폭풍 속에 혼자 남은 Oppenheimer가 John Donne의 Batter my heart를 부른다. Adams는 2006년 강연에서 이 독백을 1막 끝에 배치한 장면으로 직접 설명했다.

Act II

Scene 1. Oppenheimers’ house

시험장에서 200마일 떨어진 집에서 Kitty와 Pasqualita는 아이가 깨어나는 밤을 지킨다. Pasqualita가 부르는 Tewa 자장가와 Kitty의 노래는 시험을 기다리는 시간을 가족과 지역 공동체의 경험으로 옮긴다. 이어지는 관현악 간주 Rain over the Sangre de Cristos Mountains는 집 장면과 시험장 장면 사이의 공식적인 전환이다.

Scene 2. Trinity test site

7월 16일 자정 무렵, Wilson과 Hubbard는 탑에서 마지막 측정을 하고 관측 벙커의 과학자들은 폭발이 지구 대기를 점화할 가능성을 논의한다. Groves는 기상과 기술 지연 속에서도 오전 5시 30분 시험을 진행하라고 명령한다. Adams는 2005년 NPR 인터뷰에서 Teller가 이 가능성을 계산하는 장면을 설명했으며, 실제 과학적 계산의 역사적 검증과는 구분된다.

Scenes 3–4. Countdown

공식 장면표는 마지막 두 장면을 Countdown, Zero minus twenty minutes로 묶는다. Groves는 sabotage를 걱정하고, Oppenheimer는 신경 쇠약과 환시에 빠지며, 과학자들은 폭발량을 두고 내기를 한다. 합창은 Bhagavad Gita의 Vishnu 형상을 불러오고, warning rocket과 siren, automatic timer가 마지막 60초를 표시한다.

Adams는 2006년 강연에서 서로 다른 박자의 오케스트라 시계가 겹치며 점점 빨라지는 방식으로 이 카운트다운을 만들었다고 설명했다. 2005년 초연을 본 MusicWeb International의 Harvey Steiman은 전자음향과 긴장된 카운트다운을 강한 장면으로 평가하면서 결말의 무대 효과에는 비판적이었다. Adams의 강연과 비평가의 관찰은 각각 작곡 구상과 특정 제작의 수용을 가리킨다.

Batter my heart와 결말의 음향

Batter my heart는 John Donne의 Holy Sonnet XIV를 사용하는 Oppenheimer의 독백이다. 폭풍 뒤 시험장에 홀로 남은 과학자가 자기 파괴와 재창조를 청하는 종교시를 노래한다는 장면 위치와 텍스트는 Boosey, Metropolitan Opera, Adams의 강연에서 공통으로 확인된다. Adams는 이 시를 Oppenheimer의 과학적 능력과 시적 감수성을 함께 드러내는 자료로 설명했다.

2005년 NPR 인터뷰에서 Adams는 도입부에 power tools를 사용해 electron accelerator 안에 있는 듯한 감각을 만들었고, 연구실 장면의 timpani에는 science-fiction 영화의 음향을 참고했다고 말했다. 마지막에는 폭발을 오케스트라와 무대 조명으로 처리한 뒤 Hiroshima 생존자의 물 요청 음성을 들려줄 구상을 설명했다. Met 시놉시스는 an era begins에서 끝내며, 초연 비평들은 폭발의 시각적 처리와 일본어 음성의 순서를 서로 다르게 기록한다. 따라서 결말의 음향·조명·음성은 작곡가의 설명과 특정 제작의 관찰을 나누어 이해해야 한다.

초연과 후대 녹음

San Francisco Opera의 2005년 초연은 Runnicles의 지휘, Sellars의 연출, Finley의 Oppenheimer를 중심으로 이루어졌다. OperaWest와 MusicWeb의 초연 주간 평론은 Finley의 Donne 독백, Kristine Jepson의 Kitty, 전자음향과 증폭, 2막 카운트다운을 구체적으로 관찰했으며, 대본과 결말에 대한 평가는 서로 달랐다.

2007년 Amsterdam 제작은 Lawrence Renes 지휘, Netherlands Philharmonic Orchestra와 Netherlands Opera Chorus, Sellars 제작, Gerald Finley와 Jessica Rivera 등이 참여한 Opus Arte OA0998D 2DVD로 기록된다. Gramophone의 Philip Clark은 Finley와 오케스트라의 공연을 높이 평가하면서 성악선과 인물 차이에 관한 비판도 덧붙였고, Classical Net은 출연진과 오케스트라를 긍정적으로 보면서 대본의 일부가 늘어진다고 판단했다.

John Adams가 직접 지휘한 BBC Symphony Orchestra·BBC Singers 녹음은 2017년 4월 Maida Vale Studios와 Barbican Centre에서 이루어져 2018년 Nonesuch 2CD·MP3로 발매되었다. Gerald Finley가 Oppenheimer를 다시 맡았고, Julia Bullock, Jennifer Johnston, Brindley Sherratt 등이 참여했으며 공식 트랙 합계는 약 157분이다. Fresh Air의 Lloyd Schwartz는 Finley의 Donne 독백과 Bullock의 Kitty, 마지막 카운트다운을 높이 평가했고, David Nice는 Adams의 지휘와 BBC 연주·합창을 긍정적으로 보면서 Act I Scene 2의 시적 언어에는 비판적이었다. 두 평론은 특정 녹음의 수용을 보여 주며 작품 전체의 단일한 해석으로 일반화하지 않는다.

주요 자료

On the Transmigration of Souls

On the Transmigration of Souls

정보

개요

곡명: On the Transmigration of Souls
작곡가: John Adams (1947–)
작곡 시기: 2002년
초연: 2002년 9월 19일, New York Avery Fisher Hall, New York Philharmonic, New York Choral Artists, Brooklyn Youth Chorus, Lorin Maazel 지휘
위촉: New York Philharmonic과 Lincoln Center Great Performers의 9·11 1주기 기념 위촉
구성: 성인 혼성 합창, 어린이 합창, 관현악, 사전 녹음 음향을 결합한 단악장 작품
소요 시간: 출판사 표기 약 27–28분, 실황·음반은 25분대
Wikipedia: On the Transmigration of Souls

《On the Transmigration of Souls》는 John Adams가 2001년 9월 11일 사건 1주기를 위해 쓴 단악장 합창·관현악 작품이다. 성인 SATB 합창과 어린이 합창, 관현악, 사전 녹음된 이름·말·도시 소리가 한 작품 안에서 이어지며, 악보에는 공식 악장이나 장면 번호가 없다. Adams는 특정 장면을 재현하는 대신 실제 추모 자료를 공연장의 음향 공간에 배치하는 방식으로 작품의 범위를 정했다.

출판 정보와 자료

2002년 2월 New Music USA의 동시대 보도와 Pulitzer 공식 기록에 따르면, New York Philharmonic은 Lincoln Center의 Great Performers 및 이름을 밝히지 않은 뉴욕 가족의 지원과 함께 Adams에게 9·11 1주기 기념 작품을 의뢰했다. Adams는 훗날 2002년 1월 말에 요청을 받았고, 3월에 Ground Zero를 방문해 경찰관들의 회고와 현장에 남은 손글씨 메시지를 보았다고 말했다. 이 자료들은 작품이 성립한 시점과 현장 경험이 작곡의 배경을 이루었음을 함께 보여 준다.

Boosey & Hawkes는 full score와 vocal score를 Hendon Music 명의로 대여·출판한다. 출판사 브로슈어는 full score ISMN 9790051096749, vocal score ISMN 9790051096732를 제시하며, Schott의 제품 정보는 피아노 축약판 BHI 9673, 72쪽을 식별한다. New York Philharmonic 아카이브에는 2002년 9월 초연을 위해 헌정 문구가 붙은 pre-publication copy와 파트 자료가 남아 있다. 이 소장 기록은 초연 악보의 존재를 보여 주지만, 초연본과 현재 대여본 사이의 마디별 개정 목록을 제공하지 않는다.

텍스트와 추모 자료

Adams는 2003년 The Independent 인터뷰에서 작품의 텍스트를 세 가지 자료에서 가져왔다고 설명했다. 첫째는 Ground Zero 주변에 가족과 지인이 붙인 실종자 전단의 짧은 문구, 둘째는 The New York Times의 Portraits of Grief에 실린 희생자 회고, 셋째는 희생자 이름을 무작위로 배열한 목록이다. 가족과 가까운 사람들이 일부 이름과 문구를 녹음했고, 늦은 밤의 New York 거리 소리도 사전 녹음 음향에 포함되었다.

성인 합창은 전단과 회고의 문구를 노래하는 매체로, 사전 녹음은 이름 낭독과 가족의 목소리, 거리의 소리를 전달하는 매체로 작동한다. 어린이 합창은 성인 합창과 다른 음역과 발화 집단을 작품 안에 더한다. Adams가 말한 memory space는 이 자료들이 하나의 연속된 사건 서술로 정리되기보다, 이름·문장·도시의 소리가 같은 공간에서 겹치는 방식을 가리킨다. 이 개념은 작곡가가 제시한 청취의 틀이며, 구체적인 해석의 여지는 청중에게 남겨 둔다.

소요 시간

작품 시간은 자료의 단계에 따라 달라진다. Boosey 브로슈어는 27분 30초, Online Scores 페이지는 28분, IRCAM은 25분을 제시한다. 초연 직전 보도와 Associated Press는 약 20–25분으로 예상했으며, Nonesuch 실황 음반은 25분 04초다. 초기 위촉 보도, 카탈로그 반올림, 공연과 녹음의 정적·전자음향 처리 방식이 서로 다르므로, 악보 기준은 약 27–28분으로, 실제 실황·음반은 25분대의 별도 표본으로 읽는다.

편성

Boosey & Hawkes 브로슈어의 편성표를 기준으로 하면 다음과 같다.

피아노 한 대는 4분음 낮게 조율하고, 출판사 자료에는 대체용 이조 파트와 선택적 샘플러가 함께 제시된다. IRCAM은 전자 장치를 fixed sound로 분류하며, Boosey는 공연 허가에 사운드 디자이너 고용을 조건으로 둔다. 따라서 음향 설비는 부수적인 재생 장비가 아니라 작품을 실현하는 편성 요소다.

단악장 구조와 비평적 진행

Boosey, IRCAM, Pulitzer, New York Philharmonic 아카이브가 공통으로 확인하는 공식 범위는 단악장이다. 악보에 출판된 악장 번호가 없기 때문에, 아래의 세 부분은 공식 형식명이 아닌 청취상의 구간으로 제시한다. John Shinners는 2004년 Nonesuch 음반 리뷰에서 중단 없이 이어지는 세 부분을 청취 지도로 제시했다.

비평적 구간 Shinners가 들은 재료와 진행
첫 부분 거리에서 녹음한 소리와 소년 목소리의 missing 반복 뒤에 조용한 합창·관현악 화음, 이름 낭독, 실종자 전단 문구가 들어온다. 큰 관현악 상승이 다음 구간을 연다.
두 번째 부분 더 많은 이름 낭독 주변에서 Portraits of Grief의 문구가 합창으로 나타난다. Shinners는 겹친 화음과 Love, Light라는 단어가 공동의 음향으로 모이는 과정을 설명한다.
마지막 부분 음악이 가라앉고 이름 낭독과 처음의 거리 소리가 돌아온다. 트럼펫의 단편이 Charles Ives의 The Unanswered Question을 떠올리게 한다는 해석도 이 비평가에게 귀속된다.

이 세 부분은 공식 악장명이 아니라 특정 음반을 들은 비평가의 분석이다. 비슷한 연속 진행을 다룬 SCUP의 학술 논문도 거리 소리, missing, 전단 문구, Love와 Light의 재등장을 단악장 안의 문화적 기억 진행으로 논의한다.

Mark Grey의 공간 설계

사운드 디자이너 Mark Grey는 AudioTechnology 인터뷰에서 작품의 전자음향을 무대 앞 LCR, 객석 중간, 후면 서라운드로 나눈 일곱 개의 독립 구역으로 설명했다. 직접음과 재생된 목소리·도시 소리를 서로 다른 방향에서 보내고, 잔향을 조절해 객석 전체에 음향을 분산하는 설계다. 이는 Adams의 합창·관현악 개념을 공연장 기술로 확장한 협업의 구체적인 사례다.

Grey가 설명한 Sydney Opera House의 5.1 운용은 특정 공연장의 구현 사례다. 출판사가 모든 공연에 공통으로 요구하는 조건은 사운드 디자이너, 사전 녹음 테이프, 컴퓨터 제어 음향 시스템이며, 스피커 수와 채널 배치는 공연장과 공연 자료에 따라 달라질 수 있다. 초연 현장을 다룬 Associated Press가 관찰한 객석 주변 스피커와 4분음 낮은 피아노는 당시 현장의 장비 구성을 보여 준다.

초연, 녹음과 수용

세계 초연은 2002년 9월 19일 Avery Fisher Hall에서 열렸다. Lorin Maazel이 New York Philharmonic을 지휘했고 New York Choral Artists, Brooklyn Youth Chorus, Mark Grey가 참여했다. IRCAM은 어린이 합창을 Brooklyn Children’s Chorus로 표기한다. New York Philharmonic 아카이브의 ID 9112는 9월 19–21일 같은 프로그램을 기록하며, Adams 작품 뒤에 Beethoven Symphony No. 9가 놓였음을 보여 준다.

Nonesuch는 초연과 후속 공연을 바탕으로 한 실황을 2004년 8월 31일 음반 번호 79816으로 발매했다. 녹음 기간은 2002년 9월 19–24일로 기록되고, 음반에는 Maazel과 New York Philharmonic, 두 합창단, Mark Grey의 soundscape engineering이 참여했다. 25분 04초의 단일 트랙은 카탈로그 시간과 다른 실제 음반 표본이다. MusicWeb International의 John Quinn은 Maazel이 거리 소리와 말소리 테이프를 합창·관현악 사이에 섞은 방식을 평가했고, Enjoythemusic.com의 John Shinners는 일반 스테레오 재생이 작품의 다방향 음향을 충분히 드러내지 못한다고 보았다. 두 평가는 각각 특정 음반을 들은 비평가의 관찰이다.

작품은 2003년 Pulitzer Prize for Music을 받았고, Nonesuch 음반은 2005년 제47회 Grammy Awards에서 Best Classical Album, Best Orchestral Performance, Best Classical Contemporary Composition 세 부문을 수상했다. Pulitzer는 작곡 작품의 수용 기록이며, Grammy 세 부문은 2004년 발매된 실황 음반과 그 제작·연주에 관한 기록이다. Adams와 BBC Symphony Orchestra가 2003년 London Proms에서 연주했다는 후대 리뷰의 기록, Mark Grey가 2004년 Sydney Opera House 공연의 5.1 구현을 설명한 기록은 작품이 초연 장소 밖으로 이동한 경로를 보충한다.

주요 자료