Joseph Haydn (1732–1809)

Symphony No. 45 in F♯ minor, Hob. I:45 "Farewell"

Symphony No. 45 in F♯ minor, Hob. I:45 "Farewell"

정보

개요

곡명: Symphony No. 45 in F♯ minor, Hob. I:45 "Farewell" 작곡가: Joseph Haydn (1732–1809) 장르: 4악장 관현악 교향곡 작곡 시기: 1772년, 자료에 따라 1772년 후반으로 좁혀짐 초연·초기 연주: 1772년 Eszterháza에서 연주된 것으로 기관 자료와 후대 전언에 기록됨 고용 맥락: Prince Nikolaus I. Joseph Esterházy의 Eszterháza 궁정 악단 별칭: "Farewell", 독일어 "Abschiedssinfonie" (후대 명칭) 소요 시간: 약 25–27분, 연주 조건에 따라 30분 안팎 악장: I. Allegro assai, II. Adagio, III. Menuet. Allegretto – Trio, IV. Finale. Presto – Adagio IMSLP: Symphony No. 45 in F-sharp minor, Hob. I:45 Wikipedia: Symphony No. 45 (Haydn)

Joseph Haydn의 *Symphony No. 45 in F♯ minor, Hob. I:45 "Farewell"*은 1772년 Eszterháza에서 완성된 네 악장 교향곡이다. 빠른 Allegro assai, A장조의 Adagio, F♯장조의 Menuet. Allegretto – Trio, F♯단조에서 느린 종결부로 넘어가는 Finale. Presto – Adagio가 차례로 놓인다. 마지막 악장에서 연주자들이 하나씩 연주를 멈추고 퇴장하는 관행이 작품의 통용 별칭을 만들었으며, 이 장면은 앞선 세 악장의 조성·형식·음향 대비와 결합해 전곡을 닫는 결말이다.

작곡 배경과 후대 별칭

Haydn은 Prince Nikolaus I. Joseph Esterházy를 섬기며 여름 궁정인 Eszterháza에서 악단을 이끌었다. 1772년 1월 8일 Nicolaus가 Eisenstadt의 관리 Peter Ludwig Rahier에게 보낸 지시에는 대부분 음악가의 아내와 자녀를 Eszterháza에 24시간도 머물게 하지 말라는 내용이 나온다. Haydn2032의 해설은 음악가 숙소인 Musikerhaus의 공간 부족과 배우 Carl Wahr 극단의 예상보다 큰 인원도 당시의 실무 조건으로 제시한다. 이 문서는 가족이 장기간 떨어져 지냈다는 배경을 보여 주지만, 교향곡의 마지막 장면이 그 지시에 대한 직접 응답이었다고 증명하지는 않는다.

Haydn의 노년 회고를 Georg August Griesinger가 전한 일화에서는, 연장된 체류에 낙담한 음악가들을 위해 한 악기씩 침묵하는 교향곡을 만들었다고 한다. 주자는 자기 파트가 끝나면 촛불을 끄고 악보와 악기를 챙겨 나갔고, 군주와 청중이 그 뜻을 알아차린 뒤 다음 날 떠날 허가가 났다는 이야기다. 기관 해설과 전기는 이 장면을 반복해서 전하지만, 1772년 공연의 정확한 날짜와 주자별 동선을 적은 동시대 공연 문서는 확인되지 않는다. 후대 전언과 단계적으로 희박해지는 음악은 서로 다른 근거에 속하며, 마지막 장면을 이해하는 두 축을 이룬다.

"Farewell"이라는 이름은 자필보의 원래 표제가 아니다. Haydn Foundation은 자필보와 18세기 음악 자료에 이 별칭이 없고 1780년대 프랑스에서 생겼을 가능성을 제시하며, Philharmonie de Paris는 1784년 파리에서 제목이 붙었다고 설명한다. "Farewell"은 식별을 위한 통용 명칭이며, 1772년 Haydn이 직접 붙인 제목이라는 증거는 없다.

출판 정보

자필 총보는 Budapest의 National Széchényi Library에 보존되어 있으며, Haydn Foundation은 이를 작품의 진본성을 입증하는 Autograph로 제시한다. 자필보의 facsimile는 1959년과 2010년에 출판되었다. IMSLP의 서지 정보가 적는 첫 출판 연도는 1775년으로, 1772년의 작곡·초기 연주와 다른 사건이다.

Haydn Foundation의 현행 자료는 Sinfonien 1767–1772 비평판과 함께 작품을 소개하며, 악장명·형식·편성·평균 시간을 한 기록 안에서 연결한다. Haydn Foundation의 공식 메타데이터와 IMSLP의 악장·편성 표기가 기본 정보를 제공하며, 개별 형식과 무대 관행은 기관 해설과 연구자의 분석이 보충한다.

소요 시간

Haydn Foundation은 전곡을 약 27분으로 제시하고, Los Angeles Philharmonic과 Wikipedia는 약 25분으로 안내한다. 반복, 템포, 마지막 Adagio의 처리에 따라 실제 연주 시간은 달라지므로 약 25–27분을 일반적인 범위로 잡을 수 있다. 일부 공연과 녹음은 30분 안팎에 이르지만, 이는 고정된 작품 길이가 아니라 연주 조건에 따른 값이다.

편성

기본 편성은 다음과 같다.

자연 호른은 밸브가 없는 악기이므로 조성에 맞는 관 길이를 크룩으로 바꾸어야 한다. F♯단조를 중심으로 하는 이 교향곡은 당시 관현악에서 드문 조성을 택했고, 반음 크룩 주문은 그 조성을 실제 궁정 악단이 연주할 수 있도록 준비한 정황을 제공한다. 클라리넷, 플루트, 트럼펫, 팀파니는 이 작품의 기본 편성에 포함되지 않는다. 마지막의 제1바이올린은 별도 협주곡 독주자가 아니라 현악 파트 안에서 남아 독주처럼 들리는 역할이다.

네 악장의 배치

악장 조성·박자 공식 구분과 중심
I. Allegro assai F♯단조, 3/4 소나타 형식으로 분류되는 긴장된 첫 악장
II. Adagio A장조, 3/8 무음기 현악과 장·단조 변화가 만드는 느린 악장
III. Menuet. Allegretto – Trio F♯장조, 3/4 미뉴에트와 호른 중심 Trio, Gregorian 선율의 연결
IV. Finale. Presto – Adagio F♯단조의 Presto, 3/8 Adagio 빠른 피날레와 단계적 퇴장이 결합한 이중 종결

I. Allegro assai

첫 악장은 F♯단조의 소나타 형식으로 분류되지만, 표준적인 주제 배열과는 다른 진행을 보인다. Los Angeles Philharmonic의 해설은 제1바이올린이 F♯단화음의 음을 내려가며 시작하고, 낮은 현이 끈질긴 단음을 이어 가는 동안 제2바이올린이 반복되는 당김음형으로 불안을 만든다고 설명한다. 큰 도약과 갑작스러운 강세가 첫 재료를 악장 전반에 퍼뜨린다.

대조적인 선율 재료는 전개부에서 나타나며, 재현부에는 그대로 돌아오지 않는다. 제시부가 보통의 관계장조 대신 C♯단조로 이동하고 재현부 직전에 새 재료가 등장한다는 점도 이 악장의 특이성이다. Haydn2032는 이 악장을 가까운 재료가 계속 변형되는 단일 주제적 Allegro로 읽고, 다른 해설은 소나타 형식의 변형으로 설명한다. 두 분석 모두 마지막 Adagio의 고요함과 대비되는 불안정한 출발이 전곡의 첫 방향을 정한다는 점을 보여 준다.

II. Adagio

A장조 3/8의 느린 악장은 무음기를 단 현악이 주제를 노래하며 시작한다. 오보에와 호른은 대부분 구절 끝에서 짧게 개입하고, 중앙부에는 C♯단조가 나타나 장조의 온화함을 어둡게 바꾼다. 반복되는 짧은 동기와 마디선을 넘어 이어지는 불협화음의 지연이 선율을 한 번에 종결하지 않고 다음 구절로 밀어 보낸다.

Haydn Foundation은 이 악장을 ternary songform으로, Wikipedia는 sonata form으로 분석한다. 두 용어는 서로 다른 분석 전통을 가리키며, 공통적으로 A장조의 느린 표면 아래 장·단조 교차와 긴 서스펜션이 있다는 점을 설명한다. James Webster가 이 음악을 고향을 향한 갈망을 표현하는 프로그램적 대목으로 읽었다는 해석도 있으나, 이는 Haydn의 자필 프로그램이 아니라 후대 연구자의 독해다.

III. Menuet. Allegretto – Trio

F♯장조의 미뉴에트는 앞 악장의 어두운 중심에서 잠시 벗어나지만, 종결의 불안정성을 완전히 지우지는 않는다. 각 부분의 종지에서 저음에 D natural이 놓여 화성에 속하지 않는 음처럼 들리는 효과가 생기며, 예상한 춤의 마침표가 약해진다. Trio는 호른의 섬세한 호출로 열리고 두 악기의 색이 미뉴에트와 다른 공간을 만든다.

Haydn2032의 해설은 Trio가 Gregorian Lamentation tone을 인용한다고 설명하고, 문화사학자 Thomas Tolley는 이를 성주간 Tenebrae 예식에서 빛을 차례로 끄는 관행과 연결한다. Los Angeles Philharmonic도 오래된 Gregorian 선율과 호른 중심의 Trio를 언급한다. 이 연결은 작품의 후대 해석을 넓혀 주지만 Haydn이 직접 남긴 프로그램 설명으로 제시할 수는 없다.

IV. Finale. Presto – Adagio

제4악장의 Presto는 F♯단조 2/2박자의 전형적인 빠른 피날레처럼 출발한다. 소나타 형식의 재현부가 종결에 이른 듯한 순간, 음악은 지배화음에서 갑자기 끊기고 3/8박자의 Adagio가 이어진다. 이 Adagio는 제4악장 안의 코다에 해당하며, 독립된 제5악장으로 세지 않는다.

Adagio의 조성은 자료에 따라 다르게 요약된다. Haydn Foundation의 기본 표는 제4악장을 F♯단조로 묶고, 상세 해설과 IMSLP의 악장 표기는 A장조에서 F♯장조로 옮겨 가는 경로를 제시한다. 이 이동은 앞선 조성들을 뒤늦게 정리하는 종결부를 만들며, 마지막 화음보다 전체 경로에서 그 기능이 드러난다.

느린 종결부에서는 악기 주자가 자기 파트를 마칠 때 촛불을 끄고 하나씩 무대를 떠난다는 전승이 공연 관행으로 이어졌다. Philharmonie de Paris가 제시하는 한 순서는 첫 오보에와 둘째 호른, 바순, 둘째 오보에와 첫째 호른, 이어 더블베이스·첼로·둘째 바이올린·비올라가 사라지고 제1바이올린 두 파트가 남는 방식이다. 다른 자료는 일부 주자에게 짧은 독주가 있고 일부는 독주 없이 나간다고 적으므로, 세부 순서는 전승과 현대 무대에 따라 달라질 수 있다.

마지막에 Haydn과 악장 Luigi Tomasini가 두 무음기 바이올린으로 남았다는 이야기도 널리 전해진다. 상업 녹음에서는 촛불과 퇴장이 보이지 않기 때문에, 청취자는 주자 수가 줄어드는 음향과 점점 여려지는 피아니시모로 이 장면을 상상하게 된다. 시각적 무대 장치와 악보에 적힌 음의 감소를 함께 보면, 별칭의 일화와 음악적 결말이 결합하는 방식이 드러난다.

작품사적 위치와 공연 기록

이 작품은 Haydn의 1767–1773년 중기 Esterháza 교향곡과 Sturm und Drang 맥락에 놓인다. F♯단조는 18세기 관현악에서 매우 드문 중심 조성이며, 이 선택은 흔히 쓰이는 장조 교향곡의 출발점과 다른 압력을 만든다. Haydn Foundation은 이 교향곡을 Sturm und Drang 교향곡 가운데 가장 널리 알려진 작품으로 소개하지만, 작품의 평가는 퇴장 일화뿐 아니라 네 악장의 형식적 연결과 종결부의 독창성까지 함께 살핀다. James Webster도 별칭의 이야기와 별개로 작품 자체가 뛰어난 음악으로 평가받을 자격이 있다고 분석했다.

초기 공연의 정확한 날짜는 남아 있지 않지만, 기관 자료는 1772년 Eszterháza에서의 창작·초기 연주를 기록한다. 이후 작품은 악보와 전기 문헌을 통해 별칭과 함께 전승되었고, 자필보·facsimile·비평판은 서로 다른 시기의 독법을 보존한다. Haydn의 첫 악장 재료가 훗날 Symphony No. 85에 인용되었다는 기록은, 이 작품이 작곡가 자신의 교향곡 세계 안에서도 다시 호출될 만큼 식별 가능한 재료를 가졌음을 보여 준다.

주요 레코딩

Antal Doráti, London Symphony Orchestra, Mercury, 1962: IMSLP 녹음 목록에 기록된 초기 녹음 사례다. Doráti·Philharmonia Hungarica가 1970–1974년에 녹음하고 1996년 Decca가 발매한 전곡 사이클과는 시기와 악단이 다르다. 두 기록은 같은 지휘자의 서로 다른 시기와 악단의 연주 관행을 보여 준다.

Pablo Casals, Festival Casals Orchestra of Puerto Rico, Columbia Masterworks, 1959: IMSLP의 공개 녹음 목록에 남은 역사적 표본이다. 이 녹음은 20세기 중반의 연주 전승을 보여 주며, 무대 일화의 재현 여부와는 별개다.

Giovanni Antonini, Il Giardino Armonico, Haydn 2032 Vol. 9, Alpha Classics ALPHA684: The Classic Review의 David A. McConnell은 이 녹음에서 미뉴에트를 한 마디에 한 박으로 지휘한 점과 빠른 템포를 관찰한다. 그는 제1악장 전개부 끝에서 템포를 조금 늦추고 아티큘레이션을 매끈하게 만든 선택이 마지막 Adagio의 갈망을 미리 비추는 듯하다고 평가한다. 이 관찰은 해당 음반에 대한 한 평론가의 청취와 라이너 노트에 근거한 해석이다.

Alexander Liebreich, Münchener Kammerorchester, ECM New Series 2029, 2008: ECM의 음반 페이지와 인용된 Gramophone 평론은 현대 악기로 연주하면서도 역사주의적 감각을 유지한 사례로 소개한다. Liebreich는 퇴장 일화의 진위보다 Adagio의 자유로운 변조와 피날레의 추진력이 작품의 정서적 무게를 만든다고 보며, 그 관점은 마지막 장면을 시각적 장치와 점차 줄어드는 음향이 결합한 대목으로 해석한다.

주요 자료

Symphony No. 94 in G major, Hob. I:94 "Surprise"

Symphony No. 94 in G major, Hob. I:94 "Surprise"

정보

개요

곡명: Symphony No. 94 in G major, Hob. I:94 Surprise
작곡가: Joseph Haydn (1732–1809)
장르: 관현악 교향곡
작곡 시기: 1791년, 첫 런던 방문 기간
초연: 1792년 3월 23일, 런던 Hanover Square Rooms. Haydn이 지휘했다.
별칭: 영어권의 Surprise, 독일어권의 Mit dem Paukenschlag

하이든의 제94번 교향곡은 조용한 선율 뒤에 갑자기 전체 합주가 울리는 제2악장으로 널리 알려져 있다. 그러나 이 장면은 네 악장 가운데 하나이며, 느린 서주가 있는 첫 악장, 빠른 미뉴에트, 추진력 있는 피날레가 함께 작품의 공적 규모와 세부적인 유머를 만든다. 별칭은 이 한순간을 가리키지만, 곡의 구조는 런던의 유료 청중을 위해 설계된 넓은 음향과 실내악적인 주고받음을 함께 보여 준다.

런던 교향곡으로서의 배경

제94번은 하이든의 12곡 런던 교향곡(Hob. I:93–104)에 속한다. 첫 런던 방문에서 Johann Peter Salomon이 조직한 공개 연주회와 연결되어 작곡되었으며, 궁정의 제한된 청중이 아니라 티켓을 사는 도시 관객을 향해 새 음악을 들려주었다. 따라서 큰 합주와 명료한 주제, 즉각 알아들을 수 있는 강약 대비가 정교한 형식 안에 배치된다.

1791년에 완성된 곡은 1792년 3월 23일 Hanover Square Rooms에서 처음 연주되었다. Haydn이 직접 지휘했다는 기록은 초연의 연주회 성격을 분명하게 한다. 당시 청중의 반응을 전하는 일화는 후대 프로그램 자료에 의존하므로, 모든 관객의 반응을 확정하는 기록으로 확대하지 않는 편이 안전하다.

출판과 별칭의 전승

IMSLP와 Haydn-Institut 자료는 1795년 Offenbach의 Johann André를 제94번의 초판으로 제시한다. 뒤이어 Artaria가 André 인쇄를 재각인했고, 자필 악보와 당대 필사 성부, 출판본 사이의 차이는 후대 편집자가 검토해야 할 전승 층을 이룬다. 현재 연주용으로는 Haydn 전집의 음악 텍스트를 채택한 Urtext 판이 널리 사용된다.

Symphony No. 94 in G major, Hob. I:94가 작품의 정식 식별명이며, Surprise는 Haydn이 처음 붙인 표제가 아니다. 영어 별칭은 제2악장의 강한 tutti 화음을 가리키고, 독일어 Mit dem Paukenschlag는 “북소리와 함께”라는 뜻으로 같은 효과를 강조한다. 두 이름은 작품 전체의 성격이라기보다 런던 수용에서 굳어진 안내 표지로 보는 것이 적절하다.

소요 시간과 편성

소요 시간: 약 23–25분. 연주 템포와 반복 선택에 따라 26분 안팎까지 늘어날 수 있다.
편성: 플루트 2, 오보에 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 현악 5부.

이 편성은 목관과 현악의 세밀한 응답을 들려주면서도, 필요할 때 금관과 팀파니를 더해 공개 연주회에 맞는 넓은 음량을 만든다. 제2악장의 놀람은 바로 이 전체 합주가 여린 현악의 선율을 한순간에 확장할 때 발생한다.

네 악장의 설계

I. Adagio cantabile – Vivace assai

느린 서주가 품위 있는 기대를 세운 뒤 빠른 본론으로 넘어가는 소나타 형식의 악장이다. Vivace assai에서는 G장조의 밝은 운동감 속에 조성 밖에서 장난스럽게 출발하는 첫 주제, 절제된 왈츠풍의 두 번째 주제, 하행 도약을 품은 따뜻한 선율이 차례로 대비된다. 현악과 목관이 동기를 주고받고 금관이 공간을 넓히므로, 첫 악장은 제2악장의 큰 화음 없이도 런던 교향곡의 공적 성격을 먼저 제시한다.

II. Andante

C장조 변주곡으로, 단순하고 노래하듯 들리는 주제를 현악이 조용히 제시한다. 주제의 첫 부분이 여리게 반복된 직후 전체 합주와 팀파니의 fortissimo 화음이 끼어들며, 이 한 번의 강한 대비가 Surprise라는 이름의 직접적인 근거가 되었다.

화음 뒤에는 네 변주가 이어진다. 각 변주는 주제의 윤곽과 화성적 골격을 유지하면서 리듬, 장식, 음색, 합주의 밀도를 바꾼다. 목관이 주제를 다시 드러내고 현악이 흐릿한 화성으로 받치는 코다는 처음의 농담을 형식 안으로 돌려놓는다. 따라서 놀람은 청중을 한 번 깨우는 효과에 그치지 않고, 같은 주제를 어떻게 다시 들을 것인지 결정하는 경첩으로 작동한다.

III. Menuetto. Allegro molto – Trio

전통적인 미뉴에트와 트리오의 틀을 유지하지만 Allegro molto가 궁정 춤의 느긋함을 빠른 운동으로 바꾼다. 오스트리아 농민 춤을 연상시키는 힘찬 리듬과 대비되는 Trio의 절제된 품위가 악장 안에서 균형을 이룬다. 후기 하이든이 미뉴에트에 스케르초에 가까운 활력을 부여하는 흐름을 보여 주지만, 악장 명칭 자체가 스케르초로 바뀌지는 않는다.

IV. Finale. Allegro di molto

빠른 G장조 피날레는 반복해서 돌아오는 주제와 전개 과정의 방향 전환을 결합한다. 현악의 민첩한 움직임에 목관과 금관이 응답하고, 팀파니가 종결의 공적 음향을 보탠다. 제2악장의 한 번의 충격을 되풀이하는 대신, 여러 번 되돌아오고 비켜 가는 선율과 논리적인 긴장으로 작품을 닫는다.

한 장면을 넘어 듣기

제94번의 유명한 화음은 청중의 주의를 음악 안으로 끌어들이는 장치이지만, 곡은 그 효과를 앞세워 다른 악장을 희생하지 않는다. 첫 악장의 서주와 주제 배열은 우아한 출발을 만들고, Andante의 네 변주는 같은 재료를 다른 색으로 보여 주며, 미뉴에트와 피날레는 지속되는 리듬과 형식적 반전으로 웃음을 이어 간다. 공개 연주회의 즉각적인 소통과 고전주의 형식의 균형이 한 작품 안에서 동시에 작동하는 사례다.

주요 자료

Symphony No. 100 in G major, Hob. I:100 "Military"

Symphony No. 100 in G major, Hob. I:100 "Military"

정보

개요

곡명: Symphony No. 100 in G major, Hob. I:100 “Military”
작곡가: Joseph Haydn (1732–1809)
장르: 관현악 교향곡, 네 악장
작곡 시기: 1793–94년
초연: 1794년 3월 31일 London Hanover Square Rooms, Haydn 건반 주도
별칭: “Military”
초기 출판: 1798/99년 Augsburg의 Gombart, 1799년 Offenbach의 Johann André
소요 시간: 약 24–25분
IMSLP: Symphony No. 100 in G major, Hob. I:100
Wikipedia: Symphony No. 100 (Haydn)

Joseph Haydn의 Symphony No. 100 in G major, Hob. I:100은 두 번째 런던 방문을 위해 마련된 네 악장 관현악 교향곡이다. 전곡은 I. Adagio–Allegro, II. Allegretto, III. Menuet–Trio. Moderato, IV. Finale. Presto의 순서로 이어진다. 제2악장과 제4악장에 증원 타악과 트럼펫 신호가 배치되며, 이 음악적 장치와 런던에서의 초기 공연 표기가 “Military”라는 별칭으로 연결된다.

작곡, 런던 초연, 별칭의 형성

Salomon은 1793년 가을 Haydn과의 계약으로 새 교향곡들을 런던 콘서트에 배정했고, Haydn은 1794년 2월 초 런던에 도착할 때 제100번의 일부 악장 또는 초고를 가지고 있었다. 원고 종이와 필사 정황을 바탕으로 외부 악장은 런던에서, 제3악장은 빈에서 쓰였을 가능성이 제시된다. 이 정황은 작곡 장소를 추정하게 하지만 악장별 착수일을 확정하지는 못한다.

첫 공연은 1794년 3월 31일 Hanover Square Rooms의 Salomon 콘서트에서 열렸다. Haydn은 건반에 앉아 앙상블을 이끌었고, 당시 건반 악기가 하프시코드였는지 포르테피아노였는지는 남은 자료에서 특정되지 않는다. Boston Symphony Orchestra 자료는 일주일 뒤 재연을 기록하며, Henle는 1794–95년 런던 체류 중 모두 아홉 차례 연주되었다고 정리한다. 1794년 5월 2일 자선 연주와 1795년 2월 23일 King’s Theatre의 Opera Concert는 초연 뒤의 재연과 수용을 보여 주는 기록이다.

초연일에는 자료 사이에 한 가지 서지 차이가 남아 있다. 다수의 기관·학술 자료는 3월 31일을 기록하지만, CiNii가 소개한 Eulenburg 미니어처 스코어 표제면에는 “1794년 5월 12일 런던에서 최초 연주”라는 문구가 실려 있다. 5월 12일은 그 표제면의 대체 기록으로 남고, 공연 연대기의 주된 기록은 3월 31일이다.

“Military”라는 명칭은 초연 직후부터 공개 표기에 나타난다. Cambridge 학술 장은 Haydn–Salomon 콘서트의 초기 프로그램 공지에서 이 명칭을 추적하며, 1794년 5월 2일 신문에는 제2악장이 “Militaire Movement”, 1795년 2월 23일에는 “Military Overture”로 소개되었다. 현재의 별칭은 런던 공연 문화에서 초연 직후부터 형성된 역사적 명칭으로 이해할 수 있다.

제2악장의 차용과 군악풍 장치

제2악장 Allegretto는 C장조 186마디로, 두 대의 lire organizzate와 관현악을 위한 협주곡 G장조 Hob. VIIh:3의 느린 Romance를 재료로 삼았다. 원 협주곡의 연대는 Henle가 1786년, The Haydn Economy가 1786–87년으로 적지만, 해당 Romance가 교향곡 제2악장으로 옮겨 왔다는 점은 일치한다. Haydn은 런던 체류 중 이 악장을 관악 합주용으로도 편곡했다는 기록을 남겼다.

선율의 진행 중에 삼각형, 심벌즈, 큰북이 증원되고 후반에는 독주 트럼펫 호출이 나타난다. 제4악장 Finale. Presto에서도 같은 계열의 타악이 다시 쓰여 6/8의 빠른 종결을 장식한다. 18세기 후반 오스만 군악풍 타악 관행과 전쟁 중인 런던의 청중을 배경으로 이 장면을 설명하는 해석이 있지만, 특정 터키 곡 인용이나 Haydn의 군사적 장면 묘사를 입증하는 문서는 없다.

출판 정보와 자료

현존 자필은 제1·제3·제4악장을 중심으로 남아 있고, 제2악장은 자필에서 빠져 있다. 런던에서 사용한 연주 파트는 사라졌으며, 1801년 이후 Elssler가 필사한 제2악장 파트에 Haydn의 수정이 남아 있다는 설명이 전한다. 자필은 Budapest의 National Széchényi Library Esterházy 컬렉션으로 기록된다.

초기 “Military Symphony” 판본은 1798/99년 Augsburg의 Gombart와 곧이어 1799년 Offenbach의 Johann André에서 발행되었다. 현대 연구에서는 Horst Walter가 편집한 Henle HN 9068이 Joseph Haydn Werke I/17의 비평판 계보와 연결되며, 1966년 편집판과 1972년 비평 보고서가 그 기반으로 제시된다. IMSLP에는 Robbins Landon 편집의 Kritische Ausgabe sämtlicher Symphonien XII와 1967년 Haydn-Mozart Presse Salzburg 판본이 등록되어 있다. 제2악장 판본은 자필 대신 현존 필사 파트와 비평판의 관계를 반영한다.

악장별 구조

I. Adagio–Allegro

G장조, 289마디. 느린 Adagio 서주가 빠른 Allegro 주부로 이어진다. 런던 교향곡의 외부 악장에 놓인 이 서주와 주부의 결합이 첫 악장의 시간적 범위를 정한다. Gettysburg 프로그램은 악장 전체를 작은 앙상블과 총주의 대비로 설명한다.

II. Allegretto

C장조, 186마디. Hob. VIIh:3의 Romance를 옮긴 변주적 악장으로, 선율의 흐름에 클라리넷과 증원 타악이 차례로 더해진다. 후반의 트럼펫 호출과 삼각형·심벌즈·큰북이 “Military” 별칭의 핵심 대목을 이룬다.

III. Menuet–Trio. Moderato

G장조, 80마디. 미뉴에트와 트리오의 궁정 무곡 형식을 유지하며, 군악풍 타악 없이 제2악장 및 제4악장과 대비되는 위치에 놓인다. Handel and Haydn Society의 프로그램은 트리오에서 플루트·오보에·현악이 짧고 긴 리듬을 주고받는다고 설명한다.

IV. Finale. Presto

G장조, 335마디, 6/8. 빠른 피날레에서 증원 타악과 금관의 호출이 다시 나타나며, 제2악장에서 들린 군사적 효과를 결말의 추진력으로 연결한다. 이 악장은 교향곡의 공식적인 마지막 악장이며, 제2악장의 군악풍 효과가 다시 나타나는 결말이다.

편성

자료에 공통으로 나타나는 편성은 플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 삼각형, 심벌즈, 큰북, 현악이다. Haydn2032 색인은 플루트를 “(2) fl”로 적어 한 플루트와 두 플루트 사이의 판본·연주 관행을 열어 둔다. 기관 프로그램은 클라리넷과 증원 타악이 특히 C장조 제2악장에 결합한다고 설명하며, 제4악장에도 삼각형·심벌즈·큰북이 쓰인다고 밝힌다. 이 때문에 전곡 파트 목록과 악장별 실제 사용, 현대판 편성과 1794년 초연 인원은 서로 다른 정보로 남는다.

소요 시간

IMSLP와 출판 자료는 전곡을 약 25분으로 제시한다. 2020년 Stephen Christophers와 Handel and Haydn Society의 녹음은 약 24분 45초, Claudio Abbado와 Chamber Orchestra of Europe의 1995년 실황은 약 23분 35초로 기록된다. 반복의 처리, 빠르기, 시대악기 또는 현대악기 편성에 따라 실제 시간은 대체로 24–25분 안에서 달라진다.

반복, 녹음과 연주 선택

반복은 연주 전통을 가르는 구체적인 선택으로 남아 있다. Classical Source의 Roger Norrington 서평은 제3악장 트리오 뒤 두 번째 반복을 생략한 연주를 기록하고, The Guardian의 Zehetmair 서평은 모든 반복을 포함한 긴 연주를 언급한다. 두 평론은 각각의 연주가 반복과 템포를 달리해 서로 다른 길이를 낳았음을 보여 준다. Klassik-Kompass가 정리한 Doráti, Hogwood, Norrington, Brüggen 등의 녹음 계보도 시대악기와 현대악기, 반복 관행이 서로 다른 선택으로 이어졌음을 보여 주며, 작품의 연주 전통이 복수의 경로로 이어졌음을 보여 준다.

주요 자료

Symphony No. 101 in D major, Hob. I:101 "The Clock"

Symphony No. 101 in D major, Hob. I:101 "The Clock"

정보

개요

곡명: Symphony No. 101 in D major, Hob. I:101, “The Clock”
작곡가: Joseph Haydn (1732–1809)
작곡 시기: 1793–1794년
초연: 1794년 3월 3일, London Hanover Square Rooms의 네 번째 Salomon 연주회. Haydn이 건반 자리에서 오케스트라를 이끌었다.
장르: 교향곡
범위: 전곡 4악장. I. Adagio – Presto, II. Andante, III. Menuetto. Allegretto – Trio, IV. Finale. Vivace
별칭: “The Clock”. 제2악장의 진자 같은 반주 음형에서 비롯되었으며, 별칭이 처음 쓰인 시점과 정착 시점은 자료에 따라 다르다.
출판: 1799년 Augsburg의 Gombart 판이 먼저 나왔고, 곧 Offenbach의 Johann André 판이 뒤따랐다.
IMSLP: Symphony No.101 in D major, Hob.I:101 (Haydn, Joseph)
Wikipedia: Symphony No. 101 (Haydn)

Joseph Haydn의 *Symphony No. 101 in D major, Hob. I:101, “The Clock”*은 두 번째 런던 방문과 1794년 Salomon 연주회 시즌을 위해 마련된 4악장 교향곡이다. 느린 Adagio 뒤에 Presto가 오는 제1악장, 변형된 노래 형식과 변주·론도 절차가 결합된 Andante, Menuetto. Allegretto – Trio, Finale. Vivace가 이 순서로 이어진다.

출판 정보와 성립

Hob. I:99–104는 Haydn의 두 번째 런던 방문을 위해 준비된 여섯 교향곡이다. Henle의 비평판 서문은 제101번의 제1악장만 런던에서 작성했고 나머지 악장은 빈에서 이미 썼다고 설명한다. Hyperion의 동반 해설은 제100번과 제101번의 일부 악장을 런던에서 마무리한 것으로 묶어 서술하므로, 작품별 작업 순서를 구체적으로 나눈 Henle 기록과 세부 범위가 다르다. 두 자료 모두 1794년 런던 연주회에 맞춰 작품이 완성되었다는 점을 확인한다.

초연은 1794년 3월 3일 Hanover Square Rooms의 네 번째 Salomon 연주회에서 열렸고, 일주일 뒤 다시 연주되었다. 당시 Haydn은 하프시코드인지 포르테피아노인지 확정할 수 없는 건반에 앉아 전통적인 지휘 위치를 맡았으며, 통주저음을 연주한 것은 아니었다. Haydn은 교향곡의 소유권을 Johann Peter Salomon에게 넘겼고, Henle 서문은 1799년 Gombart가 먼저 출판한 뒤 Johann André가 곧 이어 판을 냈다고 기록한다.

현대 연구용 악보는 자필 총보를 주요 자료로 삼고, 1972년 비평 보고서에 자료와 이문 목록을 정리했다. 자필 총보와 런던 공연 파트에는 클라리넷이 보이지 않으며, 하이든이 빈으로 돌아온 뒤 Johann Elßler가 만든 파트와 필사 총보에서 클라리넷이 가장 이르게 확인된다. 자필·런던 파트의 부재와 후대 Elßler 사본은 오늘날의 표준 편성과 1794년 원자료를 구분하게 한다.

소요 시간

전곡은 약 29–30분이다. Joseph Haydn 재단 포털은 약 29분, IMSLP는 평균 약 30분을 제시한다. 실제 시간은 템포와 반복 관행에 따라 달라질 수 있으며, 이 수치는 작품의 기본적인 음악 시간을 나타낸다.

편성

현대 판본에서 흔히 제시하는 편성은 플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 현악 5부다. Joseph Haydn 포털과 Haydn2032는 이 구성을 2|2|2|2 – 2|2 – 1 – Str.로 요약한다.

클라리넷은 자필 총보와 런던 공연 파트에 없고, Elßler가 빈에서 작성한 후대 파트와 필사본에서 처음 나타난다. 현대 연주에서 클라리넷 2대를 포함하는 선택은 후대 자료에 근거하며, 제2악장의 목관 음색도 그 선택에 따라 달라질 수 있다.

네 악장

I. Adagio – Presto

제1악장은 D단조의 느린 도입으로 시작한다. 상승 음계가 뒤의 주제 재료를 미리 비추고, 곧 6/8박자의 경쾌한 D장조 Presto가 어두운 시작을 뒤집는다. Joseph Haydn 포털은 빠른 부분을 소나타 형식으로 분류하며, UC Davis 해설은 긴 전환부와 전개부의 모방 작업이 재현부로 이어진다고 설명한다. 느린 서주와 빠른 본문은 분리된 서막과 본편이 아니라, 같은 동기 재료가 서로 다른 속도로 나타나는 하나의 제1악장을 이룬다.

II. Andante

G장조의 Andante는 변형된 노래 형식으로 분류되며, Hyperion은 변주와 론도가 결합된 진행으로 설명한다. 주제 아래에서 현악과 바순이 규칙적인 진동형 반주를 이어 가지만, 주제가 돌아올 때마다 같은 모습으로 반복되지 않는다. 단조의 총주 뒤에는 플루트와 바순이 두 옥타브 이상 떨어져 반주를 나누고, 바이올린이 그 사이에서 선율을 잇는다. 오보에가 합류하는 대목은 세 목관 독주와 한 줄의 현악이 만드는 작은 실내악처럼 들리도록 편성되었다는 해설을 남긴다.

이 반주가 시계의 진자처럼 들린다는 인상이 “The Clock”이라는 별칭으로 이어졌다. 그러나 악장의 핵심은 고정된 효과음이 아니라, 반주 악기와 화성, 선율 장식이 되돌아올 때마다 바뀌는 변주 과정에 있다.

III. Menuetto. Allegretto – Trio

Menuetto. Allegretto는 D장조의 미뉴에트와 트리오로 이루어진다. Hyperion과 UC Davis는 하이든 후기 미뉴에트가 궁정 춤곡보다 큰 교향곡 악장으로 확장되는 경향을 이 작품에서 확인한다. 트리오에서는 허디거디를 연상시키는 지속음이 플루트의 떠오르는 선율 아래에서 화성을 쉽게 바꾸지 않고 버티며, 두 번째 등장에서야 마을 악대처럼 선율과 조화를 맞춘다. 1794년 Morning Chronicle이 트리오의 매력적인 효과를 따로 칭찬한 것도 이 장면의 수용사를 보여 준다.

Joseph Haydn 포털은 이 미뉴에트가 1793년에 만든 플루트 시계용 소품과 관련된다고 덧붙인다. 이 관계는 악장의 별칭과 하이든의 기계식 악기용 편곡 전통이 만나는 지점이다.

IV. Finale. Vivace

Finale. Vivace는 D장조의 론도 또는 소나타 론도적 피날레다. Hyperion은 제시부의 첫 주제에서 거의 모든 재료가 파생되어 뚜렷한 제2주제보다 지속적인 동기 전개가 두드러진다고 설명한다. 재현부는 현악의 피아니시모 푸가로 조용히 시작하고, 악기 수가 점차 늘어나 코다에서 전 관현악으로 확장된다. 상승·하강 음계와 대위적 모방이 마지막까지 추진력을 이어 가며, 앞선 악장들의 형식적 실험을 밝은 종결로 묶는다.

“The Clock” 별칭과 런던 수용

1794년 3월 5일 Morning Chronicle은 초연 직후 평론에서 Andante 반주의 단순하면서도 뛰어난 처리를 주목했고, 첫 두 악장이 앙코르되었다고 전했다. 이 기록은 “시계”라는 이름이 훗날 굳어지기 전에 이미 제2악장의 반주가 청중의 귀를 붙잡았음을 보여 준다.

별칭의 최초 시점은 자료가 서로 다른 방식으로 제시한다. UC Davis의 Phillip Huscher는 1798년 빈에서 나온 피아노 편곡이 Rondo: The Clock이라는 이름을 사용한 사례를 이른 기록으로 소개하고, Henle는 진자 같은 반주가 19세기에 교향곡 전체의 별칭으로 정착했다고 설명한다. 1798년은 이른 기록이고, 19세기는 이 이름이 교향곡 전체를 가리키는 명칭으로 자리 잡은 시기로 구분된다.

연주와 녹음 기록

초연의 건반 자리는 당시 런던 공공 연주회에서 오케스트라를 이끄는 전통적 위치였다. Haydn이 통주저음을 연주하지 않았다는 Henle의 설명은 오늘날의 지휘 방식과 1794년 현장 관행을 구분하는 데 도움이 된다. 또한 클라리넷 파트의 후대성은 같은 악보를 연주하더라도 판본과 악단의 선택에 따라 목관의 색채가 달라질 수 있음을 보여 준다.

Hyperion의 CDA66528은 The Hanover Band와 Roy Goodman이 1991년 녹음한 제101·102번 교향곡 음반이다. 동반 해설은 1794년 초연의 재연, Morning Chronicle의 반응, 제2악장의 변주·론도 결합, 미뉴에트 트리오의 지속음, 피날레의 현악 푸가를 한 연주 자료 안에서 연결한다. 이 음반은 별칭과 함께 네 악장의 형식 및 18세기 말 런던 콘서트 맥락을 살필 수 있는 기록이다.

주요 자료

Symphony No. 103 in E♭ major, Hob. I:103 "Drumroll"

Symphony No. 103 in E♭ major, Hob. I:103 "Drumroll"

정보

개요

곡명: Symphony No. 103 in E-flat major, Hob. I:103, "Drumroll"
작곡가: Joseph Haydn (1732–1809)
작곡 시기: 1794–1795년
초연: 1795년 3월 2일, 런던 King's Theatre, Haymarket
장르: 고전주의 교향곡, 네 악장
조성: E-flat major
IMSLP: Symphony No.103 in E-flat major, Hob.I:103 (Haydn, Joseph)
Wikipedia: Symphony No. 103 (Haydn)

Joseph Haydn의 Symphony No. 103 in E-flat major, Hob. I:103, "Drumroll"은 1794–1795년 런던 체류 말기에 쓴 네 악장 교향곡이다. 이 글은 관현악 전곡을 다루며, I. Adagio-Allegro con spirito, II. Andante più tosto allegretto, III. Menuet-Trio, IV. Finale. Allegro con spirito 순서로 이어지는 구조를 기준으로 설명한다. 첫 악장의 팀파니 도입, 둘째 악장의 이중 변주, 셋째 악장의 미뉴에트와 트리오, 마지막 악장의 호른 신호가 서로 다른 방식으로 런던 교향곡의 음향과 형식을 만든다.

작곡과 초연

이 작품은 Haydn의 열두 런던 교향곡 가운데 마지막에서 두 번째에 해당한다. 1794–1795년 두 번째 런던 체류 때 작곡되었고, 1795년 3월 2일 Haymarket의 King's Theatre에서 처음 연주되었다. Bremen의 해설은 Haydn이 이 공연을 이끌었다고 설명하며, IMSLP의 공연 기록에는 G. B. Viotti와 Haydn이 함께 적혀 있어 지휘 역할의 세부 분담은 자료마다 다르게 남아 있다.

초연 직후의 Morning Chronicle 평은 느린 서주가 청중의 주의를 끌었고 Allegro가 매혹적이었으며, 둘째 악장이 앙코르되었다고 전한다. 이 기록은 한 번의 공개 공연에 대한 동시대 반응으로서, 작품이 처음부터 네 악장 전체의 대비와 극장적 효과를 염두에 두고 들렸다는 점을 보여 준다.

출판 정보와 자료

IMSLP는 1799년 Offenbach의 Johann André가 파트보를 출판했고, 1802년 무렵 Paris의 Pleyel이 총보를 냈다고 기록한다. Pleyel 총보는 현존하는 초기 완전 총보 가운데 하나로 소개되며, André 파트보와는 별도의 출판 단계에 해당한다. 19세기 Breitkopf·Peters 계열 인쇄물은 이 초기 전승을 다시 유통시켰다.

20세기에는 Howard Chandler Robbins Landon이 편집한 Universal Edition 전집과 Hubert Unverricht 계열의 Haydn Complete Edition, 최근의 Henle 연구판이 서로 다른 편집 원칙으로 작품을 제시한다. Henle 연구판은 자필과 초기 사본의 팀파니 표기를 논의하며, 자필에 롤의 세기가 명시되지 않았다는 점을 강조한다. 피날레 끝부분의 몇 마디가 출판 전에 삭제되었다는 기록도 있어, 악보의 판본에 따라 종결부가 달라질 수 있다.

소요 시간

Universal Edition, IMSLP와 여러 기관 안내는 전곡을 약 30분으로 제시하고, 실제 녹음은 반복과 템포에 따라 대체로 28–32분 범위에 놓인다. 둘째 악장에는 일곱 개의 반복 지시가 있어 이를 얼마나 연주하는지가 전체 시간과 악장의 규모를 바꾼다. 전곡 약 30분이라는 기준과 반복 선택의 관계를 함께 보아야 악장별 시간의 차이를 정확히 설명할 수 있다.

편성

관현악: 플루트 1–2, 오보에 1–2, 클라리넷 1–2, 바순 1–2, 호른 1–2, 트럼펫 1–2, 팀파니, 현악.
이조 표기: Universal Edition은 클라리넷을 B-flat, 호른을 E-flat 또는 C, 트럼펫을 E-flat 또는 C로 표시한다.

이조 표기는 파트가 읽는 조성을 나타내며 악기군의 수를 늘리는 표기가 아니다. IMSLP의 기본 목록과 현대 전집의 상세 표기는 두 플루트와 두 클라리넷을 포함한 같은 악기군을 가리킨다. 런던의 대규모 오케스트라와 포르테피아노 사용 가능성은 당시 공연 환경의 문제로 남아 있으며, 모든 판본이 별도의 독립 키보드 파트를 확정하는 것은 아니다.

네 악장의 구조

I. Adagio-Allegro con spirito는 팀파니의 짧은 롤과 Intrada 표기로 시작한다. 자필에는 롤의 세기가 적혀 있지 않고, 초기 사본과 판본마다 포르티시모 또는 크레셴도–디미누엔도 같은 지시가 달라진다. 롤 뒤에는 첼로, 콘트라베이스와 바순의 어두운 선율이 이어지며, 여러 해설이 이를 Dies irae를 연상시키는 장송풍으로 설명한다. 이 연상은 선율의 직접 인용으로 확정되지 않는다. 느린 서주의 재료는 6/8 Allegro의 활기찬 움직임 속으로 흡수되고, 악장 말미에 다시 나타난 뒤 춤곡 같은 변형으로 정리된다. 전체 형식은 느린 서주가 붙은 소나타 형식으로 설명된다.

II. Andante più tosto allegretto는 C단조와 C장조의 두 주제가 교대하는 이중 변주곡이다. Hyperion은 두 주제를 크로아티아 민요 계열로 설명한다. 정확한 채록 원전은 확정되지 않았으므로 작품에는 민속적 귀속으로만 남는다. 장조 변주에서는 F음이 F-sharp로 바뀌고, 바이올린이 이끄는 변주와 행진풍의 변형이 이어진다. 일곱 개의 반복 지시는 악장의 호흡과 길이를 결정하는 중요한 공연 선택이며, 당시 청중이 이 악장을 앙코르했다는 기록도 남아 있다.

III. Menuet-Trio는 E-flat 장조의 미뉴에트와 대비되는 트리오로 구성된다. 미뉴에트의 당당한 리듬에는 오스트리아 춤과 요들의 몸짓을 연상시키는 요소가 있고, 트리오에서는 클라리넷이 현악과 다른 색채의 선율을 맡는다. 동시대 평이 이 악장을 장난스럽고 달콤하다고 묘사했다는 기록은 작곡가가 붙인 표제가 아니라 당시 수용의 한 표현이다.

IV. Finale. Allegro con spirito는 호른 신호와 민속풍 선율을 출발점으로 삼아 E-flat 장조의 결말로 나아간다. 주제의 회귀와 전개가 빠르게 교대해 이 악장을 소나타-론도적 피날레로 부르는 분석이 있지만, 판본과 분석 관습에 따라 소나타 형식이라는 명칭도 사용된다. 출판 전에 삭제된 몇 마디를 포함하는지에 따라 마지막 코다의 길이와 종결 효과가 달라진다.

팀파니 롤과 반복을 둘러싼 연주 자료

첫 팀파니 롤은 악보에 solo와 Intrada가 적혀 있지만 명확한 동적 지시가 없다는 점 때문에 녹음마다 다르게 다뤄진다. The Classical Source의 Roger Norrington 평은 카덴차처럼 확장하지 않고 포르티시모에서 디미누엔도로 이어지는 전통적인 롤을 택한 점을 기록한다. 반대로 Harry Christophers의 2022년 녹음은 팀파니스트가 자유로운 카덴차를 연주하는 선택을 취했으며, 같은 효과를 서주가 되돌아오는 지점에도 적용한 점이 비평의 대상이 되었다. 이 차이는 Intrada를 해석하는 범위를 보여 준다.

둘째 악장의 일곱 반복은 녹음의 시간과 성격을 크게 바꾼다. MusicWeb의 역사적 녹음 조사는 1935년 Vladimir Golschmann의 Saint Louis Symphony Orchestra 녹음이 모든 반복을 포함하면서도 선율의 활력을 유지한다고 평가하고, 1959년 Igor Markevitch와 Lamoureux Orchestra의 녹음은 빠른 템포와 명료한 팀파니 음향으로 악보의 반복음형을 드러낸다고 설명한다. 반복을 줄인 녹음과 모두 연주한 녹음은 같은 악장 구조를 서로 다른 시간감으로 제시한다.

주요 레코딩과 실연

주요 자료

Symphony No. 104 in D major, Hob. I:104 "London"

Symphony No. 104 in D major, Hob. I:104 "London"

정보

개요

곡명: Symphony No. 104 in D major, Hob. I:104 “London”
작곡가: Joseph Haydn (1732–1809)
장르: 교향곡
작곡 시기: 1795년, Haydn의 두 번째 London 체류 기간
초연: 1795년 5월 4일 London의 King’s Theatre, Dr. Haydn’s Night 콘서트. Haydn이 이끈 공연으로 기록된다.
편성: 2관 편성, 팀파니와 현악 5부
IMSLP: Symphony No. 104 in D major, Hob. I:104 (Haydn, Joseph)
Wikipedia: Symphony No. 104 (Haydn)

Joseph Haydn의 Symphony No. 104 in D major, Hob. I:104는 런던에서 작곡한 마지막 교향곡으로, 네 악장 I. Adagio – Allegro, II. Andante, III. Menuet. Allegro, IV. Finale. Spiritoso가 이 순서로 이어진다. “London”은 후대에 굳어진 별칭이며, 자필 총보와 1963년 및 1967년 비평판 계열이 작품의 구조와 공연 전승을 설명하는 기준 자료가 된다.

출판 정보와 자료

자필 총보는 Staatsbibliothek zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz의 Mus.ms.autogr. Haydn, J. 40에 보관되어 있다. 1795년 작성된 39엽 자료의 표제에는 영국에서 작곡한 열두 번째 곡이라는 뜻의 문구와 Sinfonia in D가 보이며, 마지막 부분에는 In Nomine Domini와 Haydn의 자필 서명이 남아 있다. 자필 자료는 Henle HN 9072 연구용 총보와 Ulrich Wilker의 2016년 비평 보고서가 판본을 설명하는 출발점으로 삼는다.

현재 접근할 수 있는 편집 계열로는 Hubert Unverricht가 편집한 Joseph Haydn Werke, Series I, volume 18(1963), H. C. Robbins Landon의 Kritische Ausgabe sämtlicher Symphonien, volume XII(1967), 그리고 Henle HN 9072가 있다. Henle의 편집 원칙은 자필 총보를 주된 자료로 삼고, Johann Elßler가 만든 런던 공연용 목관 성부와 후대 필사·인쇄 성부를 대조하는 방식이다. 1801년 전후에는 Offenbach André와 Bonn Simrock의 인쇄 성부가 공표되었고 London Birchall 판도 유통되었지만, 이 가운데 어느 판이 최초 인쇄인지는 자료만으로 확정되지 않는다.

작곡과 초연의 연혁

Haydn은 1794~1795년 두 번째 England 체류 중 마지막 런던 교향곡 여섯 곡 가운데 세 곡을 1795년 시즌을 위해 썼다. Salomon이 조직하던 기존 구독 콘서트가 아니라 King’s Theatre의 Opera Concerts에 참여했으며, Henle 서문은 이곳의 오케스트라가 Hanover Square Rooms보다 큰 약 60인 규모였다고 설명한다. 이 공연 환경은 작품이 런던의 공개 콘서트를 위해 준비되었다는 사실을 보여 주며, 초연 당시의 정확한 좌석 배치와 악기 수에 관한 정보는 제한적으로 남아 있다.

Henle가 Haydn의 수첩을 근거로 제시하는 초연일은 1795년 5월 4일이다. Dr. Haydn’s Night라는 표제 아래 Haydn 자신의 작품만 연주되었고, 수첩에는 청중과 연주자들이 즐거워했으며 자신도 만족했다는 기록과 4,000굴덴의 수입이 함께 남아 있다. Los Angeles Philharmonic과 일부 프로그램은 4월 13일을 첫 공연일로 적지만, Edition HH의 비평과 Haydn 일기 대조는 이 날짜를 오류 가능성이 있는 표기로 다룬다. 기준 초연일은 5월 4일이며, 4월 13일은 별도 공연 여부가 결정되지 않은 상충 기록으로 남는다.

Haydn이 건반을 앞에 두고 악단을 이끌었다는 전통적 설명이 있으며, Henle는 그 건반의 종류를 하프시코드인지 포르테피아노인지 특정하지 않은 채 기록한다. 또한 “London”과 “Salomon”은 Haydn이 자필 총보에 붙인 표제가 아니라 후대 목록과 수용에서 널리 쓰인 이름이다. 이 작품은 Viotti가 관여한 Opera Concerts를 위해 준비한 마지막 세 곡 가운데 하나로 분류되며, Salomon과 연결된 열두 곡이라는 명칭은 후대 목록에서 쓰인 별칭이다.

소요 시간

카탈로그와 프로그램은 전곡을 약 25~30분으로 제시한다. Schott/Eulenburg는 25분, IMSLP는 평균 27분, Universal Edition과 Tucson Symphony Orchestra는 29분, Los Angeles Philharmonic은 약 30분으로 안내한다. 반복기호와 템포에 따라 시간이 달라지며, Howard Shelley와 Orchestra della Svizzera Italiana의 2009년 음반은 네 악장을 합쳐 약 28분으로 제시한다.

편성

Universal Edition의 세부 표기와 자필·필사 성부 자료를 기준으로 한 편성은 다음과 같다.

Haydn2032는 금관의 조성을 생략하고 플루트·오보에·클라리넷·바순 각 2, 호른과 트럼펫 각 2, 팀파니와 현악으로 요약한다. 자필 총보의 마지막 엽과 Johann Elßler의 Do2 성부 묶음에는 제2~4악장의 클라리넷 성부가 따로 남아 있다. 이 자료는 편성의 존재를 뒷받침하며, 1795년 초연 악단의 인원과 배치에 관한 범위는 제한적이다.

네 악장의 구성

I. Adagio – Allegro

첫 악장은 D단조에 가까운 느린 도입으로 시작해 D장조 Allegro로 넘어간다. Hyperion의 Richard Wigmore는 도입이 전체 약 9분 가운데 약 2분을 차지한다고 설명한다. Allegro는 소나타 형식으로 전개되며, 첫 주제가 A장조로 옮겨져 두 번째 주제 영역의 기능을 맡는 단일 주제적 관계가 두드러진다. 발전부는 첫 주제 후반의 짧은 리듬을 다루고 B단조를 거쳐 재현부로 돌아오며, 재현부에서는 목관이 두 번째 주제의 재료를 변형해 잇는다.

II. Andante

G장조 Andante는 현악이 주제를 제시한 뒤 목관과 단조 에피소드로 색채를 바꾼다. A단조와 D단조를 거치는 짧은 부분 다음에 주제가 현악과 바순에서 변형되어 돌아오며, 이어지는 구간에서는 G단조와 B♭장조를 포함한 조성 이동이 진행된다. 마지막에는 G장조의 중심으로 복귀하고, 플루트를 비롯한 목관이 주제의 리듬과 선율을 더 뚜렷하게 드러낸다. 분석 자료는 이 악장을 변주적 원리에 기반한 느린 악장으로 설명하지만, 세부 형식 명칭은 판본과 해설에 따라 다르게 정리된다.

III. Menuet. Allegro

Menuet. Allegro는 D장조 미뉴에트와 B♭장조 트리오로 구성된다. Hyperion 해설은 미뉴에트의 오프비트 악센트와 급격한 강약 대비, 트릴 뒤에 놓인 두 마디의 침묵을 특징으로 든다. 트리오에서는 오보에와 바순이 목관 대화를 만들고, B♭장조의 중간 구간이 G단조로 이동한 뒤 미뉴에트로 돌아갈 준비를 한다. 일부 IMSLP 메타데이터는 트리오를 D단조로 적지만, Henle와 Hyperion의 해설 및 표준 총보는 B♭장조로 일치한다.

IV. Finale. Spiritoso

Finale. Spiritoso는 D장조의 빠른 소나타 형식 악장이다. 낮은 현의 지속음이 드론처럼 이어지는 동안 짧고 밝은 주제가 제시되고, 발전부는 F♯단조를 포함한 조성 이동을 거쳐 D장조 재현으로 돌아온다. 피날레의 선율은 런던 거리의 대구 외침 Live cod 또는 Hot Cross Buns와 닮았다는 이야기가 널리 퍼졌고, 후대 연구는 이를 에스테르하지 주변의 크로아티아계 선율 Oj Jelena와 연결한다. 이 연결은 수용사와 청취 연상의 자료이며, Haydn이 특정 외침이나 민요를 의도적으로 인용했다는 증거와는 구분된다.

별칭과 피날레의 수용

“London”은 열두 편의 런던 교향곡 가운데 마지막 작품이라는 위치에서 생긴 후대의 통용 명칭이다. 독일어권에서는 “Salomon”이라는 이름도 쓰이지만, Haydn이 자필 총보에 적은 표제는 Sinfonia in D와 영국에서 작곡한 열두 번째 곡이라는 기록이다. 별칭은 작품의 작곡 장소와 런던 청중을 연결하는 수용의 표지이며, 작곡가가 자필 총보에 적은 공식 표제는 따로 남아 있다.

피날레의 낮은 지속음과 선율을 런던 거리 외침 또는 Oj Jelena와 연결하는 해설은 Music Academy of the West, Los Angeles Philharmonic, Tucson Symphony Orchestra, Hyperion 등에 반복해서 나타난다. 이 자료들은 사람들이 피날레를 어떻게 들었는지와 후대 연구의 방향을 보여 준다. 선율의 기원과 Haydn의 의도 사이에는 여전히 구분이 필요하다.

초연 자료와 연주 전통

1795년 초연에 관한 가장 구체적인 직접 자료는 Haydn의 수첩을 전하는 Henle 서문이다. Haydn은 5월 4일 공연의 청중과 연주자 반응을 긍정적으로 적었고, 공연 수입도 함께 기록했다. 건반 악기의 종류와 실제 연주 동작은 자료에 특정되지 않으므로, 현대 연주가 초연을 그대로 재현했다고 단정할 근거는 없다.

20세기 녹음은 반복 선택과 악단 규모에서 서로 다른 전통을 보여 준다. Christopher Howell의 MusicWeb International 연재에 따르면 John Barbirolli의 1927년 녹음은 작은 편성으로 제1·2악장 반복을 생략하고 피날레 반복을 포함했으며, 1928년 녹음은 다른 반복 조합을 사용했다. Thomas Beecham의 1939년 녹음도 일부 반복을 줄였고, Kirill Ginzburg의 1951년 녹음은 네 악장에 반복을 모두 남긴 사례로 기록된다. 반복의 선택은 작품 본문 변경보다 당시 연주 시간과 편성 관행을 보여 주는 자료다.

Hans Rosbaud의 1956년 Berlin Philharmonic 녹음에 관해 Howell은 투명한 질감과 전진하는 목관·금관·팀파니를 강조한다. Richard Wigmore는 1993년 Charles Mackerras와 St Luke’s Orchestra의 녹음을 선명한 템포와 가벼운 아티큘레이션, 절제된 비브라토로 평가하고, 좌우로 나눈 바이올린 배치가 응답 효과를 만든다고 설명한다. Mackerras가 104번 미뉴에트의 점2분음표를 65로 잡은 선택도 Czerny의 1830년대 수치와 비교되어 논의된다. 이 평가는 특정 지휘자와 음반에 귀속된 해석이다.

주요 자료

Cello Concerto No. 1 in C major, Hob. VIIb:1

Cello Concerto No. 1 in C major, Hob. VIIb:1

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Joseph Haydn: Cello Concerto No. 1 in C major, Hob. VIIb:1

하이든의 첼로 협주곡 1번 C장조는 18세기 중반의 궁정 악단을 위해 쓰인 것으로 여겨지는 세 악장 협주곡이다. 독주 첼로가 오보에 두 대, 호른 두 대, 현악기와 대화하며, 빠른 Moderato, 서정적인 Adagio, 활기찬 Finale. Allegro molto가 이어진다. 악보는 1961년 프라하의 자료군에서 발견된 필사 파트를 바탕으로 되살아났고, 이듬해 프라하에서 현대 초연이 열렸다.

개요

하이든은 1761년부터 에스테르하지 가문에 고용되어 궁정 악단을 이끌었다. 이 협주곡은 그 시기의 젊은 첼리스트 Joseph Franz Weigl과 연결되어 설명되곤 한다. Weigl이 에스테르하지 악단에서 활동했고 발견된 파트에 그의 이름이 남아 있다는 점이 근거지만, 의뢰서나 하이든의 헌정문이 전해지는 작품은 아니다.

하이든의 1765년 작품 목록에는 제1악장의 주제 시작이 기록되어 있다. 그러나 완전한 자필 총보는 발견되지 않았고, 현재의 연주 악보는 18세기 필사 파트와 하이든 작품 전집의 대조를 통해 편집되었다. 이 독특한 전승 과정이 오랫동안 작품을 레퍼토리에서 사라지게 한 이유이기도 하다.

출판 정보와 자료

1961년 프라하 국립박물관의 Radenín 자료군에서 18세기 관현악 파트가 발견되었다. Oldřich Pulkert가 자료를 정리하던 중 파트를 찾아냈다는 기록이 남아 있다. 발견 자료는 하이든 자필이 아닌 필사본이지만, 1765년 작품 목록의 주제와 음악적으로 대응한다는 점을 바탕으로 하이든의 협주곡으로 편집되었다.

1963년 Editio Supraphon의 Pulkert·Karel Šolc 판이 현대 초연과 가까운 시기에 출판되었고, 1981년에는 Joseph Haydn Werke의 비평판이 나왔다. 오늘날에는 Sonja Gerlach가 편집한 Bärenreiter 연구용 총보와 Henle HN 417 첼로·피아노판을 함께 참고한다. 제1·제2악장의 카덴차는 필사자가 후대에 덧붙인 것이므로 하이든의 자필 카덴차로 볼 수 없다.

소요 시간

전곡은 보통 23–26분 정도다. Maria Kliegel과 쾰른 실내 관현악단의 Naxos 녹음은 Moderato 9분, Adagio 9분 57초, Allegro molto 6분 48초로, 작품 전체가 25분 45초다. 반복과 카덴차 선택에 따라 실제 공연 시간은 달라질 수 있다.

편성

하프와 오르간은 원작 편성에 들어가지 않는다. 1760년대 에스테르하지 악단에서는 첼로·콘트라베이스·violone·바순이 저음부를 보강했을 가능성이 있지만, 바순이 이 협주곡의 독립 파트였다는 증거는 없다. 현대 연주는 오보에 두 대와 호른 두 대, 현악 합주를 기본으로 삼는다.

악장별 구성

I. Moderato

첫 악장은 C장조의 밝은 음향 속에서 투티와 독주 첼로가 주제를 주고받는다. 짧은 관현악 합주가 방향을 제시하면 첼로가 높은 음역으로 응답하고, 빠른 음형과 도약으로 독주자의 기교를 드러낸다. 바로크 협주곡의 리토르넬로 관습과 고전주의 협주곡의 진행이 만나는 악장으로 설명되기도 한다.

II. Adagio

F장조의 느린 악장은 첼로의 긴 호흡을 앞세운다. 독주 선율은 낮은 음역의 따뜻함과 높은 음역의 투명함을 오가며, 오보에와 현악은 짧은 응답과 부드러운 화음으로 뒤를 받친다. 필사 파트에 카덴차가 남아 있지만, 이는 후대 필사자의 첨가로 편집되어 있다.

III. Finale. Allegro molto

마지막 악장은 C장조로 돌아와 빠른 움직임을 펼친다. 첼로는 짧은 음형과 넓은 도약을 이어 가며, 현악의 리듬과 목관의 악구 사이를 가볍게 누빈다. 제1악장보다 짧지만 독주부의 속도와 음역을 한꺼번에 넓히며, 카덴차 없이 힘찬 종지로 끝난다.

판본과 연주

현대 연주자는 1963년 Supraphon 계열 판본, 1981년 Joseph Haydn Werke 비평판, Bärenreiter·Henle 판본 가운데 하나를 선택한다. 비평판은 알려진 필사 파트를 바탕으로 오류를 바로잡고, 원자료에 없는 편집 보충은 표시하도록 했다. 악보마다 장식음, 아티큘레이션, 카덴차의 제시 방식이 다르므로 판본을 확인하는 것이 중요하다.

초연의 생전 기록은 남아 있지 않다. 1962년 프라하 봄 축제에서 첼리스트 Miloš Sádlo와 지휘자 Charles Mackerras가 현대 초연을 맡았고, 체코 라디오 교향악단이 함께했다. Sádlo는 이후 Mstislav Rostropovich와 첼로·피아노 편곡과 카덴차를 마련했다. 이 자료는 20세기 연주 전통을 보여 주는 후대의 작업이다.

독주 첼로와 소규모 합주의 균형은 이 작품의 핵심이다. 관현악을 지나치게 크게 울리면 첼로의 섬세한 장식과 긴 프레이즈가 묻히므로, 고전주의 협주곡 특유의 가벼운 질감과 대화하는 음량이 필요하다. 느린 악장에서는 활의 속도와 비브라토의 폭이, 빠른 악장에서는 명료한 아티큘레이션이 음악의 성격을 좌우한다.

주요 레코딩

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Cello Concerto No. 2 in D major, Hob. VIIb:2

Cello Concerto No. 2 in D major, Hob. VIIb:2

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Joseph Haydn: Cello Concerto No. 2 in D major

개요

곡명: Cello Concerto No. 2 in D major, Hob. VIIb:2 (Op. 101)
작곡가: Joseph Haydn (1732–1809)
작곡 시기: 1783년
장르: 독주 첼로와 관현악을 위한 협주곡
구성: 세 악장
초기 연주 기록: 1784년 3월 24일 London에서 James Cervetto가 연주했다는 학술 연구가 가장 구체적인 후보이며, 이 공연과 현재 작품의 동일시는 잠정적이다.
초판: Johann André, Offenbach, 1804년경
IMSLP: Cello Concerto No. 2 in D major, Hob. VIIb:2 (Haydn)
Wikipedia: Cello Concerto No. 2 (Haydn)

Joseph Haydn의 Cello Concerto No. 2 in D major는 1783년에 완성한 세 악장 협주곡이다. D장조의 밝은 음역과 첼로의 노래하는 선율을 바탕으로, Allegro moderato, Adagio, Rondo: Allegro가 빠른 도입과 느린 중심, 춤추는 피날레를 차례로 이룬다. 1783년 날짜가 적힌 Haydn의 자필 악보와 1805년 작품 목록이 작곡자 귀속을 뒷받침하며, 한때 제기된 Anton Kraft 작곡설과는 구별된다. 현재 연주에서 만나는 악보는 Haydn의 원전 계열과 19세기 후대 편곡 계열을 나누어 살펴봐야 한다.

작품의 출처와 판본

자필 표제는 이탈리아어 Concerto per il Violoncello로 전해지며, Österreichische Nationalbibliothek에 보존된 자필에는 1783년이라는 날짜와 Haydn의 이름이 적혀 있다. Joseph Haydn Werke 제3부 제2권은 Sonja Gerlach가 편집해 1981년에 출판한 비평판으로, Bärenreiter와 Henle의 실용 Urtext 판이 이 원전 계통을 바탕으로 한다. Hob. VIIb:2는 Hoboken 분류 번호이고, Op. 101은 Johann André 초판과 후대 판본에서 사용된 출판 표기다.

1804년경 Johann André가 낸 초판은 이 작품의 초기 출판 계통을 보여 준다. 1837년 Gustav Schilling의 백과사전이 Anton Kraft를 작곡자로 잘못 적은 뒤 Kraft 귀속설이 널리 반복되었지만, 자필과 1805년 Haydn 목록이 Haydn의 저자임을 뒷받침한다. Kraft가 이 곡에 기술적 조언이나 음악적 아이디어를 보탰다는 설명은 Landon의 가설로 소개될 뿐 입증된 사실은 아니다.

François-Auguste Gevaert의 1890년 편곡은 원전과 다른 층위에 있다. 이 편곡은 관현악과 독주 파트를 바꾸고 일부 마디를 생략하거나 덧붙였으며, 플루트·클라리넷·바순을 추가하는 낭만주의적 음향을 취했다. 따라서 Gevaert판의 악기와 길이를 1783년 Haydn 원전의 정보로 그대로 옮기면 판본의 경계가 흐려진다.

작곡과 초기 연주

여러 기관의 프로그램은 이 협주곡을 1783년 Esterházy 궁정과 연결하고, 당시 궁정 첼리스트였던 Anton Kraft를 작품의 목적 연주자로 설명한다. 그러나 Kraft가 실제 초연자였다는 동시대 기록은 확인되지 않는다. 2019년 Thomas Tolley의 연구는 1784년 3월 24일 London Hannover Square의 신문 광고에 James Cervetto가 “Haydn이 작곡한 첼로 협주곡”을 연주한다고 적힌 사실을 제시한다. 광고의 작품과 오늘날 Hob. VIIb:2의 동일시는 Simon McVeigh의 잠정 식별에 기대고 있으므로, Cervetto의 런던 연주는 현재 확인 가능한 가장 구체적인 초기 연주 후보로 남는다.

1783년 9월 Liechtenstein 궁의 혼인식에서 먼저 연주되었을 가능성이나 1784년 2월 11일 Vienna 초연설도 전해지지만, 정확한 프로그램과 연주자, 지휘자를 확정할 1차 자료는 현재의 작품 자료에서 확인되지 않는다. 이런 전승은 Kraft를 곧바로 초연자나 작곡자로 확정하는 근거가 되지 않는다.

소요 시간

전곡은 보통 약 25–28분이다. Los Angeles Philharmonic은 약 26분으로 안내하고, IMSLP 공개 레코드는 평균 25분으로 기록한다. Naxos에서 Helmut Müller-Brühl이 지휘하고 Maria Kliegel이 첼로를 연주한 녹음은 26분 54초이며, Miklós Perényi와 János Rolla의 Hungaroton 녹음은 26분 03초다. 카덴차와 반복, 판본, 템포에 따라 실제 시간은 달라지므로 이 수치는 참고 범위로 이해할 수 있다.

편성

Haydn 원전의 기본 편성은 독주 첼로, 오보에 두 대, 호른 두 대, 현악이다. 현악은 제1·제2바이올린, 비올라, 첼로, 콘트라베이스로 구성된다. Bärenreiter의 서문은 당시 Bassi에 바순이 포함되어 첼로·콘트라베이스와 함께 투티를 보강했을 가능성을 언급하지만, 독립된 바순 성부가 총보에 명시되었다고 단정하지 않는다. 트럼펫과 팀파니는 이 원전 편성에 들어가지 않는다.

이 편성은 독주 첼로를 오케스트라와 대조시키기보다 같은 선율 조직 안에서 돋보이게 한다. Gevaert의 후대 편곡처럼 목관을 늘린 버전은 색채와 음량의 균형이 달라지므로, 연주 기록이나 음반의 성격은 원전판인지 편곡판인지에 따라 달라진다.

세 악장의 진행

I. Allegro moderato

D장조의 첫 악장은 협주 소나타 형식으로 분석된다. 오케스트라가 주제를 제시하면 독주 첼로가 그 선율을 장식하고 음역을 넓혀 되받으며, 합주와 독주가 주제의 소유권을 나누어 갖는다. 발전부로 갈수록 독주자의 빠른 패시지와 도약이 늘어나지만, 기교는 관현악의 주제에서 분리되지 않는다. Bärenreiter 판은 181마디 끝에 카덴차 위치를 둔다.

II. Adagio

A장조의 느린 악장은 첼로의 긴 칸틸레나를 중심으로 한다. 넓고 차분한 선율이 먼저 흐르고 오케스트라가 이를 받으면서, 첫 악장의 외향적인 움직임이 더 여유 있는 호흡으로 바뀐다. 중간에는 C장조로 이동하는 구간이 나타나며, Bärenreiter 판은 62마디 끝에 카덴차 위치를 표시한다. 카덴차를 포함한 세부 실행은 원전의 장식 관습과 후대 판본의 선택에 따라 달라진다.

III. Rondo: Allegro

D장조 피날레는 복합박자의 춤 같은 론도 주제가 반복되며 진행된다. 프로그램 해설에 따라 에피소드를 두 개 또는 세 개로 세기도 하지만, 반복 구간을 어떻게 나누느냐에 따른 분석상의 차이다. 첼로의 빠른 응답과 옥타브 진행이 독주부의 활기를 만들고, 마지막에는 별도의 긴 카덴차 없이 투티와 독주가 함께 종결을 향한다. 페르마타에서 짧은 장식을 허용하는 전통은 남아 있지만, 피날레 전체를 독립 카덴차의 장으로 확장하지는 않는다.

독주 첼로의 관점과 녹음

Steven Isserlis는 Haydn의 D장조 협주곡을 C장조 협주곡보다 더 오페라적으로 느낀다고 말하며, 자신의 녹음에서는 지휘자라기보다 첼로와 앙상블 사이를 조율하는 director 역할을 맡았다고 설명한다. 이 발언은 모든 연주에 적용할 규범이 아니라, 독주자가 합주와 대화하는 한 가지 방식이다. Wendy Warner도 첫 구절에서 기쁨과 재치, 부드러움이 함께 들리며 긴 선율과 작은 순간의 균형이 중요하다고 말한다.

녹음 비교는 판본과 악기의 선택이 작품의 인상을 바꾼다는 점을 보여 준다. Classical Music의 Helen Wallace는 Mstislav Rostropovich, Christophe Coin, Steven Isserlis, Tatjana Vassiljeva의 녹음을 나란히 다루고, The Classical Source는 Isserlis의 제1악장 카덴차가 길게 확장되면서도 맥박을 유지한다고 평가한다. Naxos와 Hungaroton 녹음의 26분대 시간 차이는 반복과 템포, 카덴차 선택이 실제 결과에 관여한다는 비교 자료가 된다.

주요 자료

Trumpet Concerto in E♭ major, Hob. VIIe:1

Trumpet Concerto in E♭ major, Hob. VIIe:1

정보

Trumpet Concerto in E♭ major, Hob. VIIe:1

개요

Joseph Haydn의 Trumpet Concerto in E♭ major, Hob. VIIe:1은 Anton Weidinger의 keyed trumpet을 위해 쓴 독주 트럼펫과 관현악의 3악장 협주곡이다. 작품은 1796년에 작곡되었고, 1800년 3월 28일 Vienna Burgtheater에서 Weidinger의 독주로 처음 공연되었다. 구성은 I. Allegro, II. Andante, III. Finale. Allegro 순서이며, 원래의 keyed trumpet이 자연 트럼펫으로 제한되었던 저음역과 반음계 선율의 가능성을 고전 협주곡 형식 안에서 어떻게 확장했는지 보여 준다.

출판 정보

IMSLP는 1929년 Brussels의 Walpot에서 나온 트럼펫·피아노 축약판을 첫 출판 항목으로 기록하며, 편곡자는 Alphonse Goeyens다. 독주 파트와 관현악을 함께 볼 수 있는 총보는 1931년 Berlin의 Afa-Verlag에서 H. Wollheim 편집으로 인쇄되었다. 1929년 축약판과 1931년 총보는 각각 트럼펫·피아노 편곡과 관현악 총보라는 서로 다른 출판물이다.

1800년 3월 22일의 Wiener Zeitung 광고는 Weidinger가 여러 키를 가진 새 트럼펫과 Haydn이 그 악기를 위해 쓴 협주곡을 3월 28일 공개한다고 예고했다. 3월 22일은 신문 광고일이고 실제 공연일은 3월 28일이다.

작곡과 초연 맥락

Weidinger는 빈 궁정 오케스트라의 트럼펫 주자로 활동하면서 자연 트럼펫의 음역과 반음계 한계를 넓히는 keyed trumpet을 개발했다. 자연 트럼펫이 긴 관과 자연배음열에 의존해 낮은 음역의 음계와 반음계 음을 충분히 낼 수 없었던 데 비해, keyed trumpet은 관에 뚫은 구멍을 키로 열어 유효한 관 길이를 바꾸었다. Hyperion Records가 소개한 동시대 광고는 Weidinger가 오랜 노력 끝에 이 악기를 완성했다고 홍보했으며, Haydn의 협주곡은 그 발명품을 공개하는 자리의 핵심 작품이었다.

첫 공연에서는 Weidinger가 독주하고, 당시 관현악에는 플루트 2, 오보에 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 현악이 동반했다. Hyperion은 통주 역할을 맡은 포르테피아노도 언급한다. Historic Brass Society Journal의 Bryan Proksch는 1796년 작곡과 1800년 초연 사이의 간격을 Weidinger가 악기의 기능과 연주법을 준비한 시간과 연결하면서, Haydn이 실제 악기의 성능을 충분히 알지 못했을 가능성도 연구 가설로 제시한다.

소요 시간

Los Angeles Philharmonic과 Cleveland Orchestra는 약 15분, IMSLP는 평균 15분으로 안내한다. 판본과 연주 속도에 따른 차이를 고려해 전곡은 약 15분으로 제시한다.

편성

Hyperion은 1800년 공연의 통주 역할로 포르테피아노를 덧붙이지만, 위 목록은 작품의 관현악 편성을 기준으로 정리했다. 현대 공연에서 사용하는 valve trumpet은 원래의 keyed trumpet과 구조와 음색이 다른 악기다.

악장별 구성

I. Allegro

제1악장은 E♭장조의 협주 소나타 형식이다. 관현악 제시가 진행되는 동안 독주자는 큰 음 하나와 짧은 팡파르를 들려주고, 첫 본격 진입에서는 중간 C에서 올라가는 음계와 반음계 선율을 연주한다. Los Angeles Philharmonic은 이 진입이 자연 트럼펫으로 가능한 음에서 출발해 keyed trumpet의 새 기능을 드러낸다고 설명한다. Hyperion은 제2주제가 관계단조에서 도입 주제를 다시 다루며, 고음 장식에 clarino 지시가 남아 옛 트럼펫 기법을 환기한다고 기록한다.

II. Andante

제2악장은 A♭장조로, 중음역 트럼펫에 긴 cantabile 선율을 맡긴다. Cleveland Orchestra는 바이올린과 플루트가 먼저 제시한 선율을 독주 트럼펫이 이어받는 부드러운 흐름을 설명하고, Hyperion은 이 악장이 군사적 팡파르와 다른 노래하는 가능성을 보여 준다고 해설한다. 자연배음에 의존하던 악기의 이미지가 관현악 안에서 선율 악기로 바뀌는 대목이다.

III. Finale. Allegro

제3악장은 E♭장조의 론도 피날레다. 활기찬 주제가 되돌아오는 동안 독주 트럼펫은 빠른 장식과 도약, 반음계적 움직임을 사용해 새 악기의 민첩성을 드러낸다. Cleveland Orchestra와 Hyperion은 이 론도를 Weidinger의 keyed trumpet이 기교와 선율을 함께 보여 주는 피날레로 설명한다.

악기 기술과 현대 연주

keyed trumpet은 여러 키로 자연배음 사이의 음을 채웠지만, 키를 열었을 때 자연배음 음과 다른 저항과 음색이 생겼다. Historic Brass Society Newsletter는 이 악기가 자연 트럼펫의 긴 관과 음색을 어느 정도 유지하면서도 저음과 반음계를 확장했지만, 19세기 초 밸브 코넷과 valve trumpet에 밀려 표준 관현악 악기가 되지 못했다고 설명한다. 오늘날의 밸브 트럼펫은 안정된 음정과 균일한 음색을 제공하므로, 현대 연주는 작품의 음을 실현하면서도 1800년 악기의 물리적 조건과는 다른 결과를 만든다.

원전 악기를 탐색하는 녹음으로 Historic Brass Society Newsletter는 Friedemann Immer의 1986–1987년 녹음과 Mark Bennett의 1990년 녹음을 소개한다. Immer가 사용한 Rudolf Tutz 제작 복원 악기는 다섯 개의 키를 갖지만, Weidinger가 초연에 사용한 악기와 구조가 같다고 단정할 수는 없다. 이 녹음들은 작품의 독주선을 현대 악기로 연주하는 관행과 구별되는 역사적 음향을 들려주는 자료다.

수용과 레퍼토리 정착

Haydn의 협주곡은 keyed trumpet이 장기적인 표준 악기로 자리 잡지 못하면서 20세기까지 거의 잊혔다. Los Angeles Philharmonic은 1930년대에 작품이 콘서트 레퍼토리로 돌아왔다고 설명하고, Cleveland Orchestra는 1931년 총보 출판과 George Eskdale의 2·3악장 녹음 이후 알려져 1950년대에 현재의 인기를 얻었다고 기록한다. Historic Brass Society Journal은 1802년과 1819년 비평에서 반음계 음의 음색과 악기의 결함이 지적되었다고 소개한다. 초연 뒤의 기술적 논쟁과 20세기의 출판·녹음이 함께 작품의 레퍼토리 정착을 이뤘다.

주요 자료

The Creation, Hob. XXI:2

The Creation, Hob. XXI:2

정보

개요

곡명: Die Schöpfung / The Creation, Hob. XXI:2
작곡가: Joseph Haydn (1732–1809)
장르: 독창·혼성 합창·관현악을 위한 3부 오라토리오
대본: Gottfried van Swieten 편집, 창세기·시편·John Milton의 Paradise Lost 관련 텍스트
작곡 시기: 17961798년, 1798년 완성
초연: 1798년 4월 30일, 빈 슈바르첸베르크 궁의 초청 공연
구성: Part I·II·III, 통용 번호 134
IMSLP: Die Schöpfung, Hob. XXI:2 (Haydn)
Wikipedia: The Creation (Haydn)

Joseph Haydn의 Die Schöpfung(The Creation)은 독창자 세 성부, 혼성 합창, 관현악이 함께하는 3부 오라토리오다. 이 글은 독일어와 영어 텍스트가 함께 전해지는 전곡을 다루며, Part I의 혼돈·빛·천체, Part II의 동물·인간, Part III의 에덴동산과 Adam·Eve 순서로 작품을 따라간다. 각 부분은 레치타티보가 창조 사건을 서술하고 아리아·중창·합창이 그 장면을 확장하는 방식으로 이어진다.

대본과 작품의 형성

Haydn은 런던 체류 중 들은 Handel 오라토리오의 대규모 합창 경험을 빈의 관현악과 결합해 이 작품을 썼다. Gottfried van Swieten은 런던에서 전해진 영어 자료를 바탕으로 창세기와 시편의 문구, Milton의 Paradise Lost에서 온 시적 재료를 배열하고 독일어 텍스트를 편집했다. 영어 원자료를 처음 쓴 인물은 자료에서 특정되지 않으므로, van Swieten을 그 자료의 단독 저자로 부르지 않는다.

음악은 독일어 텍스트를 먼저 맞추어 작곡되었고 영어판은 초판에 병기되었다. 두 언어의 음절 강세와 자음 배치가 다르므로 같은 번호라도 성악 프레이즈의 발음과 호흡이 달라질 수 있다. 프랑스어 번역·편곡으로 1800년 파리에서 공연된 기록도 있으나, 그 버전은 독일어·영어 본판과 별개의 공연판이다.

초연, 출판과 판본

자료에는 1798년 4월 29일과 30일이 모두 초기 공연일로 나타난다. 일부 서지는 29일을 첫 공연 또는 리허설로 적지만, Joseph Haydn Privatstiftung과 Philharmonie de Paris는 4월 30일 빈 슈바르첸베르크 궁에서 Haydn이 초청객을 대상으로 지휘한 세계 초연을 기준으로 삼는다. 1799년 3월 19일 빈 Burgtheater 또는 Hofburgtheater에서 열린 공연은 첫 공개 공연이며, 사적 초연과 구분된다.

Haydn은 1800년 빈에서 독일어와 영어를 함께 실은 총보를 자신의 비용으로 출판했다. IMSLP에는 이 빈 판본과 약 1803년 Leipzig의 Breitkopf & Härtel 재판이 별도로 목록화되어 있고, Bärenreiter 서문은 하이든이 인쇄 전 교정과 수정을 감독했다고 설명한다. 자필 총보는 전해지지 않지만, 초연 파트와 조각가 사본, 인쇄본이 서로 다른 자료 계보를 이룬다. 현대 연구용으로는 Annette Oppermann 편집의 Bärenreiter BA 4648과 Henle HN 9831이 Joseph Haydn Werke 전집을 바탕으로 이 변이를 주석 처리한다.

소요 시간

전곡 음악은 보통 약 1시간 45분이다. LA Philharmonic, Wise Music, Philharmonie de Paris가 이 값을 제시하며, Carus는 105분, Breitkopf & Härtel은 120분으로 안내한다. 이 차이는 템포·언어·편성·반복 선택에 따라 생긴다. Boston Baroque의 2024년 공연 안내는 20분 인터미션을 포함해 약 2시간 10분으로 표시하므로, 극장 전체 일정과 음악만의 길이는 서로 다른 항목으로 기록된다.

편성

출판사와 공연기관이 플루트를 2대 또는 3대로 다르게 적는 것은 기본 편성과 29번의 추가를 요약하는 방식이 다르기 때문이다. Bärenreiter는 1799년 빈 파트 자료에서 강한 대목에 여러 목관과 결정본보다 넓게 쓰인 세 번째 트롬본을 확인하지만, 이를 모든 현대 공연의 고정 지시로 보지 않는다. 하이든 시대에는 세 독창자가 천사와 Adam·Eve를 겸했으며, 오늘날에는 소프라노 둘·콘트랄토·테너·베이스 둘로 역할을 나누기도 한다.

Part I: 혼돈에서 천체까지

Part I은 창세기의 첫째 날부터 넷째 날까지를 다룬다. 통용 번호 1의 Die Vorstellung des Chaos / The Representation of Chaos는 관현악만으로 창조 이전의 상태를 열고, 이어 Raphael과 Uriel의 레치타티보가 하늘과 땅의 창조를 말한다. 조성의 확정을 늦춘 도입 뒤 Und es ward Licht / And there was light에서 합창과 관현악이 C장조로 전환한다. Boston Baroque와 LA Philharmonic은 이 순간을 작품의 첫 큰 전환으로 설명한다.

이후 하늘과 물의 분리, 육지와 식물, 해·달·별의 창조가 레치타티보와 아리아로 이어진다. Rollend in schäumenden Wellen / Rolling in foaming billows는 바다의 움직임을 테너와 관현악으로 묘사하고, Nun beut die Flur das frische Grün / With verdure clad는 식물이 난 들판을 노래한다. Part I은 세 독창자와 합창이 하늘의 영광을 찬양하는 Die Himmel erzählen die Ehre Gottes / The heavens are telling으로 닫힌다.

Part II: 동물과 인간

Part II는 다섯째 날과 여섯째 날을 맡는다. 물고기·새·고래의 창조가 먼저 나오며, Gabriel의 Auf starkem Fittiche schwinget sich der Adler stolz / On mighty pens는 새의 비행을 소프라노와 관현악으로 그린다. Raphael의 고래 레치타티보와 이어지는 삼중창은 바다 생물의 규모를 서술하고, 육지 동물의 장면에서는 베이스 레치타티보와 관현악이 사자·말·벌레 등의 움직임을 차례로 언급한다.

인간 창조는 Und Gott schuf den Menschen / And God created man의 레치타티보 뒤에 Uriel의 Mit Würd' und Hoheit angetan / In native worth and honour clad가 놓이는 순서로 진행된다. LA Philharmonic은 이 대목에서 동물과 자연을 묘사하던 음악이 인간의 존엄과 감사에 관한 찬양으로 방향을 바꾼다고 해설한다. Vollendet ist das große Werk / Achieved is the glorious work은 Part II에서 창조의 완성을 선언하는 합창과 삼중창의 연속을 이룬다.

Part III: 에덴의 Adam과 Eve

Part III는 타락 이후의 사건을 다루지 않고, 에덴동산에서 Adam과 Eve가 창조된 세계를 바라보는 장면으로 시작한다. Uriel의 레치타티보와 오케스트라 도입 뒤 두 사람은 Von deiner Güt', o Herr und Gott / By thee with bliss에서 합창과 함께 창조주에게 감사한다. 이어 Holde Gattin, dir zur Seite / Graceful consort가 서로의 사랑과 아침의 자연을 노래하며, Uriel의 O glücklich Paar / O happy pair가 마지막 합창을 준비한다.

통용 번호 34의 Singt dem Herren alle Stimmen / Sing the Lord, ye voices all은 세 독창자와 SATB 합창이 함께 부르는 종결부다. LA Philharmonic은 이 합창을 두 주제가 결합하는 이중 푸가로 설명한다. 정확한 성부 진입 순서와 마디 수는 판본에 따라 주석이 달리므로, 여기서는 텍스트와 공식 번호의 기능만 제시한다.

공연 언어와 규모의 변화

1799년 빈 공개 공연에는 약 200명의 연주자가 참여했고, 같은 해 12월 Tonkünstler-Societät 공연은 약 300명으로 확대되었다는 Bärenreiter의 기록이 있다. Boston Baroque는 하이든 생전 공연이 이와 같은 대규모 편성에서 실내악에 가까운 규모까지 넓었다고 설명한다. 따라서 독창자 수와 오케스트라 인원은 시대·장소·공연 목적에 따라 달라졌다.

Boston Baroque의 프로그램 노트는 빠르고 활기찬 템포에 관한 하이든 시대의 보고와 옛 성악 파트에 추가된 장식음을 소개한다. 이 자료는 시대악기 단체의 공연 해설이며, 특정 아리아의 장식을 하나의 의무 규칙으로 확정하지 않는다. 독일어를 먼저 작곡 언어로 삼은 판본과 영어 공연판은 발음과 프레이즈가 달라질 수 있어 서로 다른 공연 전통으로 다룬다.

작품은 1819년 2월 16일 Handel and Haydn Society의 미국 첫 완전 공연으로 기록되었고, 20세기에는 1949년 Haydn Society 녹음이 초기 레퍼토리 부흥의 계기로 소개된다. 1949년 녹음의 세션 장소와 매체는 확인 자료가 제한되므로 단체 프로그램 노트의 서술 범위에서만 언급한다.

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The Seasons, Hob. XXI:3

The Seasons, Hob. XXI:3

정보

개요

곡명: The Seasons, Hob. XXI:3
작곡가: Joseph Haydn (1732–1809)
대본: Gottfried van Swieten. James Thomson의 영시 The Seasons에서 장면과 모티프를 골라 독일어 대본으로 재구성했다.
작곡 시기: 1799–1801년
초연: 1801년 4월 24일, Vienna의 Palais Schwarzenberg. Haydn 지휘. 첫 공개 공연은 1801년 5월 29일 Redoutensaal에서 열렸다.
장르: 네 부분으로 된 세속 오라토리오로 분류되는 대형 성악 작품
범위: Spring, Summer, Autumn, Winter 네 부분 전곡. Simon(베이스), Lukas(테너), Hanne(소프라노), 혼성 합창과 관현악이 계절의 자연·노동·축제·성찰을 이어 간다.
IMSLP: Die Jahreszeiten, Hob.XXI:3 (Haydn, Joseph)
Wikipedia: The Seasons (Haydn)

Joseph Haydn의 The Seasons는 Gottfried van Swieten이 James Thomson의 시를 바탕으로 마련한 네 부분의 성악 작품이다. Spring, Summer, Autumn, Winter가 차례로 이어지고, 세 독창자와 합창이 농부와 사냥꾼의 일상, 자연의 변화, 공동체의 기도와 축제를 노래한다. 현대 자료는 이 작품을 세속 오라토리오로 분류하지만, Haydn과 van Swieten이 당대에 그 명칭을 스스로 사용했다는 뜻은 아니다.

출판 정보와 자료

Haydn은 The Creation의 성공 뒤 1799–1801년에 이 작품을 썼다. 24명의 귀족 음악 후원자로 이루어진 Gesellschaft der Associierten Cavaliere가 재원과 첫 공연 권리를 맡았다. van Swieten은 Thomson의 4,300행이 넘는 영시를 그대로 번역하지 않고 장면과 모티프를 선별했으며, Gottfried August Bürger의 시, Christian Felix Weiße의 1768년 Singspiel, 시편 15편에서 가져온 텍스트도 대본에 포함했다.

자필 총보는 소실되었다. Joseph Haydn-Institut와 Henle의 비평판 JHW XXVIII/4는 1801년 빈 초연에 사용된 성악·관현악 파트와 합창장·통주저음 주자의 지휘용 악보를 주자료로 삼고, 1802년 Leipzig의 Breitkopf & Härtel 원판을 보조 자료로 대조한다. 1801년 4월 24일 Palais Schwarzenberg의 후원자 대상 초연, 5월 24일 궁정 공연, 5월 29일 Redoutensaal의 첫 공개 공연이라는 순서도 이 자료에서 확인된다.

소요 시간

음반의 순수 재생 시간은 Ivor Bolton의 2시간 6분 40초와 Colin Davis의 2시간 8분 35초가 대표적이다. 따라서 작품 자체는 약 2시간 5–15분으로 볼 수 있다. Academy of Ancient Music의 Barbican 공연은 20분 휴식을 포함해 약 165분으로 안내되므로, 공연장 체류 시간은 음악만의 길이와 구분된다.

편성

기본 편성은 세 독창자, 혼성 합창, 플루트 2(제1 플루트는 피콜로 겸주), 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 콘트라바순, 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 3, 팀파니, 트라이앵글과 탬버린, 현악, 통주저음이다. 통주저음은 하프시코드, 첼로, 더블베이스로 구성되었다.

이 목록은 모든 공연의 고정 인원이 아니다. Henle의 비평판은 1801년 후반 대규모 공연에서 목관을 세 대씩 늘리고, 금관과 현악 파트를 증원한 자료를 제시한다. 1802년 원판에 없던 클라리넷·추가 호른 파트도 후대 공연 자료에 나타나므로, 원자료에 가까운 기본 편성과 대규모 공연 관행은 서로 구분된다.

네 계절의 장면과 음악

각 부분은 계절을 여는 관현악 서주 또는 전주와, 공동체의 응답을 넓히는 마지막 합창을 가진다. 세 독창자는 농촌 인물의 시선을 나누고, 농부·사냥꾼 합창은 개인의 경험을 마을 전체의 시간으로 확장한다.

Spring

봄은 G단조의 겨울 폭풍 같은 서주에서 시작해 recitative를 거쳐 G장조의 Komm, holder Lenz!로 넘어간다. Simon의 쟁기질 노래에는 Haydn의 Surprise Symphony Andante를 휘파람으로 부르는 자기 인용이 들어간다. 자연의 회복은 농촌 노동과 기도로 이어지고, 합창은 새 계절을 맞는 공동체의 목소리가 된다.

Summer

여름은 새벽과 일출, 태양 찬가에서 가뭄과 무더위로 이동한 뒤 천둥과 번개, 폭풍, 일상의 회복으로 돌아온다. 오보에의 닭 울음, 뻐꾸기와 귀뚜라미, 개구리와 종소리 같은 구체적인 소리 묘사가 관현악에 들어간다. Indiana University와 Hyperion의 해설은 이 부분의 자연 음화법을 날씨의 변화와 연결해 설명한다.

Autumn

가을은 수확과 노동의 노래, 사랑의 이중창, 사냥, 포도 수확과 술자리 축제로 이어진다. 호른과 전통적인 사냥 신호가 사냥 장면을 이끌고, 축제의 푸가는 성부들이 주제를 주고받는 대위법적 익살을 만든다. 수확의 기쁨과 젊은이들의 놀이가 합창과 독창의 교대로 펼쳐진다.

Winter

겨울은 안개와 추위, 눈 속에서 길을 잃은 나그네로 문을 연다. 실내의 방적 합창과 Hanne의 이야기, Simon의 인생 성찰이 이어지면서 계절의 쇠퇴가 인간 수명의 문제로 넓어진다. 마지막 이중 합창은 자연의 순환과 새 삶의 전망을 함께 노래하며 전곡을 닫는다.

세 인물과 합창의 역할

Simon은 경험 많은 농부, Hanne는 그의 딸, Lukas는 젊은 농부로 설정된다. 세 사람은 계절의 현상을 설명하는 해설자이면서 노동과 사랑, 기도와 축제에 직접 참여하는 인물이다. 합창은 농부와 사냥꾼의 집단으로서 봄의 기도, 여름의 폭풍, 가을의 수확, 겨울의 성찰을 공동체의 언어로 묶는다.

van Swieten의 대본은 겨울의 방적 노래와 Hanne의 이야기, 마지막 합창처럼 Thomson의 시에 직접 대응하지 않는 부분도 포함해 계절의 일상과 인간의 시간을 함께 구성한다. 이 때문에 네 부분은 풍경 묘사, 노동의 리듬, 공동체의 신앙과 인생의 성찰이 연결되는 하나의 연속된 작품이 된다.

자연 음화법과 수용·녹음

Haydn은 새소리, 개 짖는 소리, 사냥 신호, 천둥과 비바람, 포도주 축제와 방적 장면을 관현악의 구체적인 음향으로 바꾼다. Stanford Libraries는 1801년 공개 공연에서 이런 음화법이 찬사를 받는 동시에 닭 울음과 사냥 총성을 예술의 격하로 본 비판도 불렀다고 기록한다. 당대 수용은 생생한 묘사와 그 묘사의 과잉에 대한 판단이 함께 존재했음을 보여 준다.

Hyperion은 Colin Davis의 1969년 Philips 녹음을 작품의 역사적 기준점 가운데 하나로 소개하고, 2010년 London Symphony Orchestra 녹음에서는 세 독창자와 목관의 색채를 강조한다. Naxos의 Ivor Bolton 녹음은 2005년 발매와 2시간 6분 40초의 재생 시간을 기록한다. 이 음반들은 서로 다른 길이와 연주 전통을 보여 주며, 각 평가는 해당 녹음에 귀속된다.

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Symphony No. 92 in G major, Hob. I:92 "Oxford"

Symphony No. 92 in G major, Hob. I:92 "Oxford"

정보

Joseph Haydn: Symphony No. 92 in G major, Hob. I:92 “Oxford”

Joseph Haydn의 G장조 교향곡 제92번, Hob. I:92는 1789년에 완성되어 1791년 Oxford에서 연주된 뒤 “Oxford”라는 이름으로 굳어진 네 악장 교향곡이다. 약 25–28분 동안 느린 서주가 붙은 활기찬 첫 악장, 노래하듯 평온한 Adagio, 리듬의 기대를 비트는 미뉴에트, 빠른 Presto 피날레가 이어진다. 학위 수여식과 관련된 일화가 유명하지만, 음악은 행사용 팡파르에 머물지 않는다. 작은 동기를 끈질기게 변형하고, 멈춤과 재개로 청중의 예상을 흔드는 하이든의 성숙한 고전주의가 작품 전체를 움직인다.

개요

“Oxford”라는 별칭은 작품이 Oxford를 위해 새로 쓰였다는 뜻이 아니다. Haydn은 파리의 공개 연주회를 위해 제90–92번을 준비했고, 이 교향곡을 1789년에 먼저 완성했다. 1791년 영국에 도착한 뒤 Oxford의 명예 음악박사 학위를 받는 행사에서 제92번을 지휘하면서 오늘날의 이름이 생겼다. Oxford Bate Collection은 Haydn이 그곳에서 학위를 받고 Sheldonian Theatre에서 세 차례 지휘했다고 기록한다.

제92번은 런던 교향곡 열두 곡보다 앞선 작품이지만, 이미 넓은 청중을 염두에 둔 관현악 언어를 갖추고 있다. 트럼펫과 팀파니가 공적인 빛을 더하고, 목관은 주제의 빈틈에 짧은 논평을 넣으며, 현악은 빠른 악장에서 동기를 재빨리 움직인다. 장대한 외관보다 세부의 전환과 유머가 인상을 남기는 교향곡이다.

Oxford와 파리의 공연사

Haydn이 1791년 Oxford에서 받은 학위는 영국에서 얻은 명예 가운데 특히 소중하게 여긴 것으로 알려져 있다. 제92번은 그 방문 중 연주되었고, 19세기에 “Oxford Symphony”라는 별칭이 정착했다. 다만 이 연주가 작품의 세계 초연이었다고 보기는 어렵다. AllMusic은 제92번이 1791년 3월 런던에서 이미 연주되었으며, 그보다 앞서 파리 Loge Olympique에서 공연되었을 가능성도 열어 둔다.

학위를 위해 제92번을 새로 작곡했다는 이야기도 정확하지 않다. Oxford 행사에서 Haydn이 제출한 작곡 시험은 제47번 교향곡에 이미 등장한 미뉴에트 알 로베르시오, 즉 거꾸로 연주해도 같은 선율을 이루는 팔린드롬 악절이었다. 제92번은 행사에 맞춰 급히 만든 음악이 아니라, 파리와 런던을 잇는 국제적 경력을 타고 Oxford 무대에 오른 기존 작품이었다.

후원과 초판

IMSLP의 악보 표지는 프랑스 귀족 Comte d’Ogny를 헌정 대상으로 적는다. Henle와 Bärenreiter는 제90–92번을 파리의 Société Olympique가 의뢰한 작품으로 설명하는 동시에, Oettingen-Wallerstein 공작에게도 판매·소유 약속이 얽혀 있었다고 전한다. 귀족 후원과 공개 연주회 시장이 교차하던 시기에 작품이 여러 경로로 유통되었다는 뜻이다.

초판은 1790년 무렵부터 보급되었고, 이후 여러 출판사와 Haydn 전집이 악보를 이어 갔다. Henle의 Urtext 연구용 악보는 Haydn Complete Edition의 음악 텍스트를 바탕으로 하며, Bärenreiter의 총보와 연주 파트도 같은 비평적 전통에 놓인다. 현대 연주자는 판본의 마디 번호와 악기 표기를 확인할 수 있지만, 청취자는 네 악장의 흐름만으로도 작품의 설계를 따라갈 수 있다.

편성

편성은 플루트, 오보에 두 대, 바순 두 대, 호른 두 대, 트럼펫 두 대, 팀파니, 현악이다. London symphonies보다 악기 수가 적은 편이지만, 금관과 팀파니가 들어가 소리의 외곽이 분명하다. 목관은 주제를 그대로 겹치는 데 그치지 않고, 재현부의 선율 사이와 느린 악장의 끝부분에 짧은 장식을 보탠다.

하이든은 이 악기군을 한꺼번에 울려 효과를 과시하기보다, 음향의 밀도를 계속 바꾼다. 느린 서주에서는 현악의 조용한 화음이 방향을 살피고, Allegro에서는 바순과 목관이 짧은 동기를 주고받는다. 느린 악장의 어두운 중간부에서는 팀파니와 관악의 무게가 평온한 선율에 그림자를 드리운다. 트럼펫과 팀파니는 피날레의 환희를 키우지만, 그 안에도 하이든 특유의 정지와 장난이 살아 있다.

네 악장

1. Adagio – Allegro spiritoso

첫 악장은 G장조의 느린 서주로 시작한다. 현악이 조용한 화음을 내놓고, 음악은 잠시 병행단조 쪽으로 기울며 곧바로 결론을 밝히지 않는다. 몇 개의 measured pause가 청중의 기대를 늘인 뒤, Allegro spiritoso의 가볍고 활기찬 주제가 시작된다.

이 주제는 한 번 쓰이고 사라지는 첫 소재가 아니다. 전개부에서 짧은 음형과 리듬이 여러 성부로 옮겨 가고, 단조로 잠시 방향을 바꾸며, 재현부에서는 목관이 이미 들은 선율에 새 논평을 덧붙인다. 제1주제와 제2주제가 서로 다른 재료처럼 보이면서도 첫 동기의 윤곽을 공유한다는 점 때문에 이 악장은 단일 주제적 성격으로 분석되기도 한다.

하이든의 긴장은 거대한 주제의 충돌보다 멈춤에서 생긴다. 힘차게 나아가던 흐름이 잠시 멈추고, 작은 음형 하나가 다른 조성으로 미끄러진 다음, 다시 행진하듯 앞으로 나간다. 목관의 섬세한 색채가 현악의 추진을 가볍게 만들기 때문에, Allegro의 속도 안에서도 세부가 또렷하게 들린다.

2. Adagio

두 번째 악장은 D장조의 Adagio로, 일부 악보와 음반에서는 Adagio cantabile라는 이름으로도 표기된다. 처음에는 온화하고 품위 있는 선율이 길게 흐른다. 그러나 중간부에 들어서면 단조의 그늘과 목적 있는 걸음이 평온한 표면을 흔든다. 긴장된 구간은 첫 주제의 일부를 다른 표정으로 되돌려 보내며, 음악은 다시 안정된 조성으로 돌아온다.

끝부분에서 선율은 한 번 멈칫한다. 청자는 곡이 끝났다고 생각할 만큼 짧은 정지를 만나지만, 목관이 짧은 장식적 대화를 시작하면서 노래가 다시 이어진다. AllMusic은 이 순간을 느린 악장의 섬세한 재치로 설명한다. 울음을 터뜨리는 극적 장면이라기보다, 부드러운 문장 안에 삽입된 하이든식 농담에 가깝다.

3. Menuetto – Trio, Allegretto

세 번째 악장은 미뉴에트와 트리오로 구성된다. 춤곡이라는 이름 때문에 가지런한 네 마디 구절을 예상하기 쉽지만, 하이든은 여기서 그 기대를 비튼다. 미뉴에트의 구절은 여섯 마디로 늘어나고, 당김음과 갑작스러운 정지가 걸음을 흐트러뜨린다. 우아한 외관 속에서 다음 박을 예상하기 어렵게 만드는 방식이다.

트리오에서는 목관과 호른의 색채가 더 가까이 드러나며, 미뉴에트의 뻣뻣한 유머와 다른 여유를 만든다. 두 부분 모두 반복을 포함한 이부분 형식이지만, 같은 춤을 되풀이하는 느낌은 약하다. 하이든은 반복될 때 악기의 배치와 강세가 어떻게 달라질지를 이용해, 익숙한 형식에 계속 작은 변화를 넣는다.

4. Finale. Presto

피날레는 단순하게 솟아오르는 동기로 시작해 빠른 추진을 만든다. 곡은 여러 번 멈추며 다음 출발을 준비하고, 두 주요 주제가 다성적으로 얽히면서 속도를 유지한다. 주제가 수직으로 겹치는 순간에도 각 선율의 윤곽이 묻히지 않아, 복잡함과 경쾌함이 함께 남는다.

중간부의 단조 전환과 반음계적 선율은 오페라 부파의 익살을 떠올리게 한다. 일부 분석은 이 효과가 훗날 Rossini의 희극적 추진을 예고하는 듯하다고 말하지만, 이는 직접 영향이나 작곡가의 의도를 뜻하지 않는 비평적 비교다. 중요한 것은 하이든이 진지한 교향곡의 형식 안에 연극적인 중단, 속삭이는 목관, 갑작스러운 재출발을 넣었다는 사실이다.

마지막에는 시작의 단순한 동기가 더 큰 음향으로 돌아오며, 트럼펫과 팀파니가 결말을 밝힌다. 첫 악장의 느린 서주가 조심스럽게 문을 열었다면, 피날레는 몇 차례의 장난을 거친 뒤 문을 활짝 닫는다. 환희는 무게로 밀어붙이지 않고, 정확한 타이밍과 빠른 대화에서 생긴다.

형식 속의 유머

제92번의 유머는 별도의 농담 악절에만 머물지 않는다. 첫 악장에서는 정지 뒤에 흐름이 다시 시작되고, 느린 악장에서는 선율이 끝날 듯하다가 목관이 말을 잇고, 미뉴에트에서는 춤의 구절이 예상보다 길어진다. 피날레의 다성적 겹침도 복잡한 과시라기보다 서로 다른 목소리가 재빨리 끼어드는 장면처럼 들린다.

그렇다고 음악이 가볍기만 한 것은 아니다. 느린 서주의 단조 전환, Adagio 중간부의 어두운 걸음, 피날레의 반음계는 형식의 균형을 계속 시험한다. 하이든은 불안과 안정을 번갈아 놓고, 청중이 어느 한쪽에 오래 머물기 전에 다음 표정을 제시한다. 공적인 별칭 뒤에 남는 것은 이런 세밀한 시간 감각이다.

런던 교향곡으로 가는 길

제92번은 Hob. I:93–104의 런던 교향곡 열두 곡에 포함되지 않지만, 그 직전에 쓰였다. Haydn은 이미 파리의 대규모 연주회를 경험했고, 1791년부터 런던 청중을 만났다. 제92번에서 들리는 명료한 주제 처리와 관악의 색채는 더 큰 공연장으로 향하는 준비처럼 느껴지지만, 음악은 후대 작품의 예고편으로만 존재하지 않는다.

오히려 이 교향곡은 하이든이 수십 년간 다듬어 온 고전적 형식을 한층 민첩하게 쓰는 모습을 보여 준다. 네 악장은 각각 독립된 성격을 가지면서도, 작은 동기와 갑작스러운 전환을 통해 하나의 대화처럼 연결된다. “Oxford”를 런던 교향곡의 열세 번째라고 부르는 비평적 비유가 있더라도, 작품의 고유한 매력은 제92번 자체의 압축된 설계에서 찾을 수 있다.

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Missa in angustiis, Hob. XXII:11 "Nelson Mass"

Missa in angustiis, Hob. XXII:11 "Nelson Mass"

정보

개요

곡명: Missa in angustiis, Hob. XXII:11 “Nelson Mass”
작곡가: Joseph Haydn (1732–1809)
언어: 라틴어
장르: 미사, 라틴어 Ordinarium
작곡 시기: 1798년 7월 10일 시작, 8월 31일 완성
초연: 1798년 9월 23일, Eisenstadt
초판: 1803년 Breitkopf & Härtel, August Eberhard Müller의 편곡으로 추정
IMSLP: Mass in D minor, Hob. XXII:11
Wikipedia: Nelson Mass

Joseph Haydn의 Missa in angustiis는 독창 네 성부, 혼성합창, 관현악과 오르간을 위한 전곡 미사다. 전례문은 Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus, Agnus Dei의 여섯 표제로 정리된다. 악보 목록에서는 마지막 Dona nobis pacem을 Agnus Dei와 분리해 일곱 번째 항목으로 세기도 하므로, 아래에서는 전례상의 표제와 목록상의 번호를 구분한다. “Nelson Mass”는 작곡 당시 표지가 아니라 후대에 붙은 별칭이다.

출판 정보와 자료

자필 총보는 1798년 7월 10일에 시작되어 8월 31일에 끝났으며, 현재 오스트리아 국립도서관의 Mus.Hs. 13.724로 소장되어 있다. 자필 표지는 특별한 수식 없이 Missa로 시작하고, Haydn의 작품 초안 목록인 Entwurf-Katalog에는 Missa in Angustijs라고 적혔다. 자필에서 Princess Maria Josepha Hermengild Esterházy를 명시한 헌정 문구는 확인되지 않는다.

1803년 Breitkopf & Härtel 초판은 August Eberhard Müller가 편곡했을 가능성이 큰 판본이다. 20세기에는 Günther Thomas가 1965년에 비평판을 편집하고 1971년에 비평 보고서를 냈으며, 이 판본은 Haydn-Institut의 Joseph Haydn Werke 제23시리즈와 Henle HN 5582로 이어진다. Wolfgang Hochstein이 편집한 Carus판(1990)은 원래 편성과 선택 가능한 후대 관악 파트를 구분해 제시한다. 따라서 1803년 인쇄본이나 Fuchs 계열 파트를 기준으로 들을 때는 자필에 없는 목관과 호른이 더해질 수 있음을 먼저 확인해야 한다.

소요 시간

전곡은 판본과 반복을 포함하는 방식에 따라 대략 35분에서 40분 정도다. Carus는 약 40분, IMSLP는 35–40분으로 안내한다. 녹음 사례로는 Richard Hickox와 Collegium Musicum 90의 1998년 녹음이 약 38분 44초, J. Owen Burdick가 지휘한 Naxos 녹음이 약 38분 46초, David Willcocks와 King’s College Choir·London Symphony Orchestra의 녹음이 약 40분 13초다. 이 수치는 전례에서의 생략 여부와 판본, 반복 선택에 따라 달라질 수 있다.

편성

1798년 원본을 기준으로 하면 편성은 다음과 같다.

원래 총보에는 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순, 호른이 기본 파트로 들어 있지 않다. 팀파니 수는 자료에 따라 한 대처럼 표기되거나 두 대로 서술되므로, 정확한 수량을 단정하지 않는다. Carus는 대괄호 안에 플루트, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순, 호른 2를 선택 파트로 제시하며, 후대의 Johann Nepomuk Fuchs 계열 파트와 출판용 편곡도 목관을 보충한다. 그러므로 “Nelson Mass”의 녹음은 원편성에 가까운지, 후대 관현악 보강판을 사용하는지에 따라 음향과 성부의 균형이 달라진다.

전례문에 따른 구성

Kyrie

Kyrie는 Allegro moderato의 d단조로 시작한다. Kyrie eleison과 Christe eleison의 청원을 독창과 합창이 나누며, 연구 분석에서는 소나타 알레그로의 전개와 독주 협주곡에 가까운 성격이 함께 작동한다고 설명한다. 이 분석은 곡을 단순한 합창 도입부가 아니라 독창 성부와 합창의 관계가 형식을 움직이는 첫 항목으로 보게 한다.

Gloria

Gloria는 Allegro의 D장조이며, Gloria in excelsis, Qui tollis, Quoniam으로 이어지는 내부 구획을 가진다. Qui tollis는 Adagio로 느려지고 B플랫 장조 쪽으로 기울었다가, Quoniam에서 D장조와 빠른 흐름이 돌아온다. 마지막 Cum Sancto Spiritu는 푸가와 종결부로 Gloria를 닫는다. 따라서 악보 목록의 한 표제 안에서도 찬양, 간구, 귀환과 종결이 뚜렷하게 나뉜다.

Credo

Credo는 Allegro con spirito의 D장조로 진행하다가 Et incarnatus est에서 Largo, G장조와 3/4박자로 속도와 조성이 바뀐다. Et resurrexit의 Vivace, D장조가 이어지면서 부활의 문장으로 추진력을 회복한다. 비평판 설명에 따르면 자필과 그에 근거한 판본에는 통상적인 신경의 두 문구, Et in unum Dominum과 qui ex Patre Filioque procedit가 음악으로 설정되지 않은 채 남아 있다. 이 생략은 후대 편곡자가 임의로 메울 수 있는 빈칸이 아니라, 원본을 읽을 때 판본의 범위를 밝혀야 하는 부분이다.

Sanctus

Sanctus는 Adagio에서 Allegro로 넘어가며 D장조를 중심에 둔다. Pleni sunt caeli가 빠른 부분을 열고, Osanna in excelsis가 그 뒤를 잇는다. Osanna의 반복은 다음 Benedictus와 별개의 전례 표제를 연결하는 표지로 기능한다.

Benedictus

Benedictus는 Allegretto의 d단조이며, 연구 분석에서는 세 절과 합창 코다를 포함하는 135마디 구조로 정리한다. 독창 성부가 전례문의 각 절을 이끌고 합창이 끝을 받친 뒤, 마지막 Osanna에서 앞선 Sanctus의 재료가 돌아온다. 이 때문에 악보 목록에서 별도 항목으로 세더라도 Sanctus와의 음악적 연결을 함께 보아야 한다.

Agnus Dei와 Dona nobis pacem

Agnus Dei는 Adagio의 G장조로 자비를 청하고, Dona nobis pacem에 이르면 Vivace의 D장조로 전환한다. IMSLP식 일곱 항목 목록은 Dona nobis pacem을 Allegro vivace, D장조의 독립 번호로 둔다. 전례상으로는 하나의 마지막 청원 안에 속하지만, 판본과 목록을 비교할 때는 이 분리를 표시하는 편이 정확하다.

초연과 별칭의 형성

1798년 9월 23일 Eisenstadt에서 첫 연주가 있었다는 점은 여러 자료가 지지한다. 그러나 교회 이름은 일치하지 않는다. Bärenreiter 비평판 서문과 Sacred Music의 자료는 Bergkirche를 유력한 장소로 제시하는 반면, Eisenstadt 교구 자료는 große Kirche라고 쓰고, 다른 전기 자료에는 Stadtpfarrkirche 또는 St Martin이라는 명칭도 나온다. 따라서 날짜와 도시는 확실하게 쓰되, 특정 교회를 단정하지 않는 편이 안전하다. 초연 지휘자와 전체 연주 인원도 남아 있는 1차 프로그램으로 확정하기 어렵고, Haydn이 오르간을 맡았을 가능성과 그가 지휘했다는 후대의 설명을 같은 사실로 합칠 수 없다.

이 미사는 Esterházy 궁정의 이름날 예배 전통과 함께 설명되는 경우가 많다. 다만 McGrann의 연구는 후기 미사 가운데 처음 세 곡과 Princess Maria Josepha Hermengild의 이름날을 직접 연결할 자료가 약하다고 지적하며, 자필에도 명시적인 헌정이 없다. Missa in angustiis라는 제목은 “곤경 속의 미사”라는 뜻이지만, 그것만으로 특정 전쟁 사건을 작곡 의도로 확정할 수는 없다.

“Nelson Mass”라는 별칭은 작곡 당시의 제목이 아니다. 1800년 Horatio Nelson과 Emma Hamilton이 Eisenstadt를 방문했고 그 무렵 Bergkirche에서 Haydn의 미사가 연주되었다는 기록이 별칭의 배경으로 거론된다. 그러나 Nelson이 그 연주를 들었거나 직접 이름을 붙였다는 증거는 없다. 더구나 나일 해전 승전보가 빈에 전해진 시점은 1798년 9월 중순으로, 8월 31일 자필 완성일보다 늦다. 따라서 베네딕투스의 트럼펫을 Nelson의 승전 소식이 작곡 중 직접 낳았다는 이야기는 연대상 설득력이 낮다.

판본과 연주 사례

1803년 Müller 편곡과 후대 Fuchs 파트는 목관을 추가해 19세기식 관현악 색채를 만든다. 반대로 Günther Thomas의 비평판과 이를 바탕으로 한 현대 연주 중 일부는 원래의 트럼펫, 팀파니, 현악, 오르간이라는 제한된 틀을 복원하려 한다. 2012년 McCaldin 녹음은 Fuchs의 재관현악을 사용한 사례로 비평에서 언급되며, 2013년 Higginbottom 공연은 Credo와 Sanctus 사이에 Haydn의 모테트 Insanae et vanae curae를 봉헌송처럼 삽입했다. 이 모테트는 해당 공연의 전례적 구성에는 의미가 있지만 미사 자필의 일부는 아니다.

Richard Hickox, Collegium Musicum 90과 합창단의 1998년 녹음은 기간악기와 소규모 합창, 원래 오르간을 사용하는 선택으로 소개되며, 비평은 Fuchs식 목관을 덧붙인 연주와의 음향 차이를 짚는다. J. Owen Burdick가 지휘한 Naxos 녹음에 관한 비평은 템포와 라틴어 발음, 합창의 울림을 구체적으로 평가한다. Willcocks의 1961년 녹음은 다른 시대의 대규모 합창·관현악 전통을 보여 주는 비교 사례다. Nancy November가 정리한 음반 논의에는 Willcocks(1962), Bernstein(1963), Harnoncourt(1996), Gardiner(1997)의 네 녹음이 함께 다뤄져, 같은 작품이 판본과 연주 규모에 따라 어떻게 달라졌는지 살필 수 있다.

초기 수용의 한 단서로는 1803년 Rochlitz의 Allgemeine musikalische Zeitung 평이 있다. 그는 특히 Kyrie의 소프라노 성부와 빛나는 바이올린 파트를 높이 평가했다. 이는 오늘날의 “전쟁 미사”라는 별칭보다 먼저, 구체적인 성부와 기악 처리에 주목한 동시대 반응이었다.

주요 자료

Symphony No. 88 in G major, Hob. I:88

Symphony No. 88 in G major, Hob. I:88

정보

개요

곡명: Symphony No. 88 in G major, Hob. I:88
작곡가: Joseph Haydn (1732–1809)
장르: 교향곡, 4악장
작곡 시기: 1787년경
초기 전승: Johann Tost를 통한 Paris 유통, 1788–1789년 Paris 연주 기록
최초 연주: 정확한 날짜·장소·단체를 특정할 수 있는 기록은 남아 있지 않음
초기 출판: 1789년경 Artaria, Sieber 등 여러 출판사의 판본
IMSLP: Symphony No. 88 in G major, Hob. I:88
Wikipedia: Symphony No. 88 (Haydn)

Joseph Haydn의 Symphony No. 88은 G장조의 네 악장 교향곡으로, 느린 서주가 붙은 첫 악장 뒤에 Largo, Menuetto–Trio, Finale가 이어진다. 1787년경의 작품은 초기 인쇄물과 현대 비평판으로 서로 다른 전승을 보이며, 남아 있는 자료는 Johann Tost를 통한 Paris 유통과 후대 연주 기록을 초연 정보와 분리해 전한다.

출판 정보와 전승

Haydn의 공식 연대기와 Philharmonie de Paris 자료는 1787년에 이 교향곡을 작곡했다고 적고, Haydn Foundation과 Haydn2032 목록은 1787년부터 1788년까지를 포괄하는 표기도 남긴다. 1787년이라는 연대가 가장 널리 쓰이지만, 정확한 완성 시점은 자료에 따라 범위가 달라진다.

Haydn은 이전에 Esterházy 궁정에서 바이올린을 연주했던 Johann Tost에게 88번과 89번을 넘겨 Paris에서 출판·유통하도록 했다. 90번부터 92번까지는 뒤에 Société Olympique를 위해 의뢰된 별도 묶음으로 기록된다. 1788년 또는 1789년 Paris 연주 기록은 이 유통과 초기 수용을 보여 주지만, 최초 연주일을 증명하지는 않는다.

자필 총보는 현재 전해지지 않으며, Bärenreiter 판본 소개는 자필에 직접 바탕을 둔 필사 파트가 작곡가의 의도를 추적하는 자료가 되었다고 설명한다. Haydn-Institut의 Joseph Haydn Werke 제1시리즈 제14권은 Andreas Friesenhagen이 편집한 88–92번 비평판(2010)이고, Henle HN 5132와 연구용 판 HN 9056, 연주 자료 BA 10980이 이 판본군과 연결된다. 1960년대 H. C. Robbins Landon 편집판과 IMSLP에 연결된 공개 스캔은 이 비평판과 다른 서지 계열이다.

초기 인쇄물은 작품을 현재의 Hoboken 번호가 아닌 출판사별 번호로 표시했다. 1789년경 Artaria의 빈 판은 Grande Simphonie no. 14, Longman & Broderip의 런던 판은 A grand Symphony no. 1, Forster 판은 Overture Letter V, Sieber의 Paris 판은 Simphonie périodique no. 29로 적는다. Letter V는 19세기 런던 Philharmonic Society 계열 목록의 식별 문자이며 Haydn이 붙인 제목이나 공식 별칭이 아니다.

소요 시간

전곡은 반복과 연주 속도에 따라 약 20분에서 25분 사이로 안내된다. Haydn Foundation과 Konzerthaus Berlin은 약 22분, LA Phil은 약 20분, Bärenreiter 관련 자료는 25분 안팎을 제시한다. Adam Fischer의 2006년 녹음은 네 악장을 약 8분, 6분, 4분, 4분으로 배분해 전곡을 약 22분에 연주한다. Colin Davis의 녹음은 첫 악장 반복 여부에 따라 약 20분 또는 22분으로 달라져, 반복 선택이 시간 차이에 직접 영향을 준다는 점을 보여 준다.

편성

기본 편성은 플루트 1, 오보에 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니와 현악 5부다. 공식 편성표와 Haydn2032 자료에는 클라리넷과 하프가 기본 악기로 들어 있지 않다. 트럼펫과 팀파니는 네 악장 전체의 고정된 음향층으로 계속 울리는 악기가 아니라, 특히 Largo에서 늦게 처음 등장하는 파트로 다뤄진다.

악장별 구성

I. Adagio – Allegro

첫 악장은 G장조의 느린 Adagio 서주 뒤에 Allegro가 이어지는 구조다. Haydn Foundation은 주부를 소나타 형식으로 분류하고, IMSLP 목록은 268마디로 제시한다. Philharmonie de Paris의 악장 목록처럼 서주를 생략하고 Allegro만 제목으로 적는 자료도 있으므로, 두 표기는 악장 수의 차이가 아니라 서주를 표제에 포함하는 방식의 차이다.

II. Largo

두 번째 악장은 D장조의 Largo다. Haydn Foundation은 이를 변주론도로 분류하고, Sydney Symphony와 Tafelmusik 자료는 하나의 주제를 바꾸어 가는 변주 세트로 설명한다. 오보에와 첼로를 중심으로 주제가 제시되고 바순, 호른, 비올라가 이를 받친다는 해설이 있으며, IMSLP 목록은 113마디로 적는다. 중간에 트럼펫과 팀파니가 강하게 들어오면서 느린 악장의 음색과 음량이 바뀐다.

III. Menuetto – Trio

세 번째 악장은 Menuetto – Trio다. IMSLP는 G장조, 70마디로 제시하지만 Haydn Foundation의 웹 표기에는 D장조에서 D장조로 읽히는 값이 있어 조성 표기가 일치하지 않는다. 트리오의 지속음과 춤 리듬을 백파이프에 비유하는 설명은 프로그램과 음반 해설의 해석이며, 악보의 별도 표제나 민속악기 지시로 읽을 수는 없다.

IV. Finale: Allegro con spirito

피날레는 G장조의 Allegro con spirito다. IMSLP와 Haydn Foundation은 론도로 분류하고, Sydney Symphony 프로그램은 소나타와 론도의 결합으로 설명한다. IMSLP 목록은 221마디로 제시하며, 프로그램 해설은 상·하 현악군이 카논적으로 결합하는 과정을 언급한다. 형식 명칭에는 자료 차이가 있지만, 빠른 주제가 반복과 대위적 응답으로 전개되는 피날레라는 범위는 공통된다.

Largo의 트럼펫과 팀파니

Largo에서 트럼펫과 팀파니가 뒤늦게 등장한다는 점은 여러 공연기관 자료와 녹음 평론이 함께 설명한다. Sydney Symphony 프로그램은 첫 진입을 41마디로 특정하고, LA Phil 해설은 이 두 악기가 느린 악장에서 처음 나타난 뒤 다른 부분에서는 쉬는 것으로 정리한다. MusicWeb의 Adam Fischer 녹음 평론은 해당 녹음에서 약 2분 5초에 두 악기가 들린다고 기록한다. 마디 수와 시각은 각각 특정 프로그램과 녹음의 표본이지만, 느린 악장 안에서 금관과 팀파니가 늦게 색채를 바꾼다는 음악적 사실은 공통으로 남는다.

Bärenreiter 판본 소개는 현악 파트에 붙은 Solo 표기가 첼로 한 명만 연주하라는 뜻이 아니라, 해당 성부를 합주 안에서 드러내라는 연주 실무와 관련된다고 설명한다. 이 사례는 악보의 표기와 실제 합주 인원·균형을 구분해야 하는 판본 문제를 보여 준다.

초연과 초기 수용

정확한 최초 연주 날짜와 장소, 단체, 지휘자는 현재 남아 있는 1차 프로그램으로 특정되지 않는다. Konzerthaus Berlin의 프로그램도 초연을 더 이상 확인할 수 없다고 명시한다. Esterházy에서 Haydn이 먼저 지휘했을 가능성은 1780년대 궁정 관행에 근거한 추정이며, 88번의 특정 공연 명단이나 날짜로 남아 있지 않다.

Tost가 88번과 89번을 Paris로 가져가 Sieber에게 팔았다는 경위는 Haydn 공식 연대기, Philharmonie de Paris, Tafelmusik 책자가 서로 보완한다. 이 과정 덕분에 작품은 1788–1789년 Paris에서 연주될 수 있었지만, 그 연주가 세계초연이었다고 단정할 수는 없다. 초기 인쇄물의 14·1·29번은 각 출판사의 시리즈 번호로, 현재의 Hob. I:88과 함께 적을 때 서로 다른 번호 체계를 나타낸다.

녹음과 연주 자료

Antal Dorati와 Philharmonia Hungarica의 Haydn 교향곡 전집은 1970–1974년에 녹음되어 1996년 Decca/Universal로 발매되었다. Adam Fischer와 Austro-Hungarian Haydn Orchestra의 2006년 MDG 녹음은 Esterházy 궁전에서 네 악장의 시간과 Largo의 늦은 트럼펫·팀파니 진입을 구체적으로 보여 주는 사례다. Colin Davis의 1975년 녹음은 반복 선택에 따라 전곡 시간이 달라지는 비교 자료가 된다.

Das Orchester의 Hugh Wolff와 hr 교향악단 음반 평론은 88번을 세 곡 가운데 특히 자주 연주되는 작품으로 관찰한다. 이 평가는 비평가의 수용 인식이며, 전체 공연 통계와 같은 의미로 확장되지 않는다. Tafelmusik의 책자와 Sydney Symphony, LA Phil, Eduthèque 프로그램은 Largo의 금관·팀파니 진입, Menuetto의 지속음, 피날레의 카논을 서로 다른 판본과 공연 맥락에서 설명한다.

주요 자료

Symphony No. 102 in B-flat major, Hob. I:102

Symphony No. 102 in B-flat major, Hob. I:102

정보

Joseph Haydn: Symphony No. 102 in B-flat major, Hob. I:102

Joseph Haydn의 Symphony No. 102 in B-flat major, Hob. I:102는 1794년 런던에서 완성된 네 악장 교향곡이다. 하이든의 후기 런던 교향곡에 속하며, 네 악장은 Largo–Vivace, Adagio, Menuetto–Trio: Allegro, Finale: Presto 순서로 이어진다. 독주자나 성악 없이 2관 편성과 현악으로 연주된다.

개요

하이든은 두 번째 런던 체류 기간에 99번부터 104번까지의 교향곡을 준비했다. 102번은 그중 1794년 여름과 가을에 완성된 곡으로, 런던의 기획자 Johann Peter Salomon을 위해 쓰인 연작에 속한다. Salomon이 계획한 시즌이 취소되면서 이 곡의 첫 공연은 바이올리니스트 Giovanni Battista Viotti가 시작한 Opera Concerts에서 열렸고, 1795년 2월 2일 런던의 King’s Theatre, Haymarket에서 연주되었다. 초연은 하이든이 지휘한 것으로 전해진다.

이 공연은 샹들리에 일화와도 연결된다. Richard Wigmore는 Hyperion 해설에서 1795년 2월 3일 Morning Chronicle이 마지막 악장이 앙코르된 뒤 샹들리에 하나가 떨어졌다고 보도한 내용을 소개한다. 신문 기사는 교향곡 번호를 직접 적지 않았지만, 이후 이 사건은 102번 초연의 일화로 전해졌다. 하이든의 96번 교향곡이 이미 “기적(Miracle)”이라는 별칭으로 불리고 있었기 때문에 샹들리에 사건이 96번에 잘못 붙었다는 설명도 있다. 102번을 ‘진짜 기적 교향곡’이라고 부르는 관행은 이 역사적 연관성을 가리킬 뿐, 공식 별칭은 아니다.

출판 정보와 자료

1794년에 작성된 자필 총보는 Berlin의 Staatsbibliothek zu Berlin에 D-B Mus.ms.autogr. Haydn, J. 39로 소장되어 있다. 후대 인쇄판으로는 Breitkopf und Härtel(1857), C. F. Peters(1873), Ernst Eulenburg(1934), Howard Chandler Robbins Landon 편집의 비평판(1967) 등이 있다.

현대 연주용 판본으로는 Hubert Unverricht가 편집하고 Ulrich Wilker가 서문과 비평 보고서를 작성한 Henle HN 9070이 있다. 이 판본은 Haydn Complete Edition의 음악 텍스트를 채택하고 Bärenreiter가 관현악 자료를 제공한다. 102번은 후기 런던 교향곡에서 일반적으로 기대하는 클라리넷을 쓰지 않는 예외이며, 클라리넷이 빠진 편성이 중요한 특징이다.

소요 시간

전곡은 연주에 따라 약 22–25분이다. 악장별로는 제1악장 약 8분, 제2악장 약 5분, 제3악장 약 5분, 제4악장 약 4–5분이다. 반복의 실행 여부와 템포에 따라 길이가 달라지며, 녹음 길이는 22분 안팎부터 24분대까지 분포한다.

편성

클라리넷은 편성에 들어가지 않는다. 후기 하이든 교향곡의 많은 곡이 클라리넷으로 목관 음색을 넓히는 것과 비교하면, 102번은 오보에와 바순, 현악의 대비가 더 직접적으로 드러나는 편성이다. Adagio에서는 트럼펫과 팀파니를 약음기로 연주하는 지시가 전해진다. Boston Baroque의 Martin Pearlman은 이 약음기가 하이든의 후대 수정에서 추가되었다고 설명한다.

악장별 구성

I. Largo–Vivace (B-flat major)

첫 악장은 Largo–Allegro vivace로도 표기되는 소나타 형식이다. Largo는 B-flat 유니즌을 길게 유지한 뒤 다섯 음으로 된 짧은 음형을 제시한다. 이 음형은 뒤의 Vivace에서 다시 핵심 재료로 돌아온다. 느린 서주가 끝나면 빠른 본론이 갑자기 열리고, 강박을 비켜 가는 악센트와 팽팽한 제2주제군이 런던 청중이 기대하던 가벼운 선율 대신 긴장된 움직임을 만든다.

발전부에서는 세 성부의 카논이 긴장을 높인 뒤 독주 플루트가 C major에서 주제를 내놓는다. 이어지는 큰 음량의 상승은 재현부로 돌아가는 지점을 뚜렷하게 만든다.

II. Adagio (F major)

F major의 느린 악장으로, 3부 가요 형식의 윤곽을 따른다. 이 음악은 하이든의 F-sharp minor Piano Trio, Hob. XV:26의 Adagio와 밀접하게 연결되어 있다. Richard Wigmore는 이 악장을 그 피아노 트리오를 관현악으로 옮긴 사례로 설명한다.

현악의 길게 이어지는 선율과 부드러운 6연음형 반주 위에 목관이 응답한다. 제시부를 반복할 때에는 트럼펫과 팀파니가 약음기로 더해져 같은 음악의 색채가 달라진다. 피아노 트리오와 연결된 선율은 관현악으로 옮겨지면서 첼로와 바람 악기의 대화, 약음기로 눌린 금관의 울림을 얻는다.

III. Menuetto–Trio: Allegro (B-flat major)

Menuetto는 강한 박감을 지닌 빠른 미뉴에트다. 세 음으로 된 음형이 오케스트라 여러 부분에 차례로 나타나, 춤곡의 규칙 안에서 악기군 사이에 짧은 충돌을 만든다.

뒤의 Trio에서는 바람 악기가 앞에 나서며 성격이 가벼워진다. 미뉴에트의 거친 추진력과 트리오의 유연한 호흡이 대비되지만, 두 부분 모두 짧은 동기와 명료한 악기 응답으로 연결된다.

IV. Finale: Presto (B-flat major)

마지막 악장은 반복되는 주제와 발전부가 결합한 빠른 피날레다. 주제는 예상보다 일찍 돌아오거나 시작 직전에 멈추며, 갑작스러운 조성 이동이 빠른 진행에 변화를 준다.

코다에서는 주제가 잘게 끊기고 말을 더듬듯 멈춘 뒤 마지막 질주로 넘어간다. 이 결말은 하이든의 희극적 결말 처리를 보여 주면서도, 앞의 악장들에서 이어진 긴장과 주제의 재등장을 한데 모아 종결한다.

판본과 연주

102번의 편성은 2관 규모로 간결하지만, 악장 사이의 대비는 분명하다. 클라리넷을 제외한 목관과 약음기 트럼펫·팀파니가 만드는 Adagio의 색채, 외부 악장의 거친 악센트와 빠른 진행이 같은 편성 안에서 서로 다른 음향을 만든다. Henle HN 9070은 이 편성과 약음기 지시를 현대 기준판의 설명과 함께 제시한다.

같은 판본을 사용해도 반복을 모두 연주하는지, 각 악장의 기본 박을 얼마나 빠르게 잡는지에 따라 전곡 시간이 달라진다. 21분대의 기간악기 녹음과 23–24분대의 현대 오케스트라 녹음은 이러한 연주 선택의 차이를 보여 준다.

주요 레코딩

Boston Baroque는 Martin Pearlman의 지휘로 1997년, 2009년, 2013년, 2019년에 이 교향곡을 공연했다.

주요 자료

Symphony No. 96 in D major, Hob. I:96 "Miracle"

Symphony No. 96 in D major, Hob. I:96 "Miracle"

정보

Joseph Haydn: Symphony No. 96 in D major, Hob. I:96 “Miracle”

하이든의 교향곡 96번 D장조는 첫 런던 체류 중 쓰인 네 악장 교향곡이다. 느린 서주가 붙은 Adagio–Allegro, 목가적인 Andante, 춤곡 성격의 Menuetto–Trio, 빠른 Finale가 이어지며, 두 플루트와 두 오보에·바순·호른·트럼펫·팀파니·현악이라는 밝고 탄탄한 편성을 사용한다. “기적”이라는 별칭은 하이든의 자필 제목이 아니라, 런던 공연 중 샹들리에가 떨어졌다는 후대의 일화가 다른 교향곡과 뒤섞여 붙은 이름이다.

개요

바이올리니스트이자 흥행가인 Johann Peter Salomon은 하이든을 런던으로 초청하면서 여러 교향곡을 의뢰했다. 96번은 첫 런던 시즌 초기에 준비된 작품으로, 통용되는 목록과 데이터베이스는 1791년 3월 11일 Hanover Square Rooms 공연을 초연으로 적는다. 그러나 Bärenreiter 비평판은 4월·5월 구독 연주회와 5월 자선 연주회를 후보로 제시한다. 초연의 도시와 연주회장은 같지만, 날짜 표기는 자료의 전통에 따라 달라진다.

“The Miracle”이라는 이름은 1795년 두 번째 런던 체류 때 샹들리에가 떨어졌다는 사건과 연결된다. 하이든 전기 작가 Albert Christoph Dies는 어느 교향곡인지 밝히지 않았고, 후대 연구는 그 사건을 1795년 2월 2일 공연된 교향곡 102번과 연결한다. 별칭은 96번의 음악 내용이나 하이든이 붙인 표제를 가리키지 않는다.

출판 정보와 자료

런던 초연 뒤 1795년 Johann André 판을 비롯해 Breitkopf und Härtel 재인쇄본이 나왔다. 20세기에는 H. C. Robbins Landon 편집판과 Joseph Haydn Werke 전집판이 출판되었고, Bärenreiter BA 4636은 Robert von Zahn과 Gernot Gruber가 편집한 Urtext 계열 총보와 파트를 제공한다. 편집자는 하이든 자필을 주자료로 삼고 Johann Elßler의 파트 필사본과 주변 자료를 대조해, 편집자가 보충한 부분과 부자료에서 옮긴 표기를 구분했다.

소요 시간

전곡은 보통 20–23분 정도다. Bärenreiter와 IMSLP는 약 20분, AllMusic은 평균 22분 42초로 안내한다. Howard Shelley와 Orchestra della Svizzera Italiana의 녹음은 제1악장 6분 51초, 제2악장 5분 54초, 제3악장 5분 12초, 피날레 3분 22초로 총 21분 19초다.

편성

클라리넷, 하프, 오르간은 확인된 원작 편성에 포함되지 않는다. 런던의 큰 공연장을 위해 쓰였지만, 악기 수를 무작정 늘리기보다 목관의 색과 현악의 추진력을 선명하게 배치한다.

악장별 구성

I. Adagio – Allegro

느린 서주가 D장조의 밝은 음향을 잠시 가린 뒤 빠른 Allegro로 넘어간다. Hyperion의 해설은 서주 끝에서 D단조 쪽으로 기울었다가 잘게 끊긴 동기가 Allegro를 움직인다고 설명한다. 반복음과 현악·바순의 하행 동기가 서로 겹치며, 투티와 소규모 응답이 교대로 흐른다. 전체는 소나타 형식으로 분석되지만, 세부 동기와 조성 이동은 판본·해설에 따른 음악 분석으로 이해하면 된다.

II. Andante

G장조의 느린 악장은 가볍게 채색된 A부분과 G단조의 대위적 B부분이 대비되는 A–B–A 구조로 자주 설명된다. 목관과 현악이 목가적인 선율을 건네다가 중간부에서 푸가토에 가까운 긴장이 생긴다. 끝에는 두 독주 바이올린과 목관이 이어 가는 카덴차형 코다가 놓여, 합주가 다시 잔잔해지는 과정을 들려준다.

III. Menuetto – Trio: Allegretto

D장조 미뉴에트는 힘 있는 전체 합주와 현악·목관의 가벼운 응답을 번갈아 놓는다. 트리오에서는 독주 오보에가 춤추듯 이어지는 선율을 맡으며, Ländler 성격을 떠올리게 하는 유연한 억양이 나타난다. 빠르기는 Allegretto로 표시되어, 제목만 미뉴에트로 줄여 부르는 목록과 구별된다.

IV. Finale: Vivace assai

빠른 피날레는 하나의 주제에서 자라나는 론도 성격을 보인다. D단조로 잠시 어두워지는 에피소드가 지나가고, 관악 독주와 현악의 질주가 주제를 되돌린다. A–B–A–C–A로 요약되는 론도에 소나타 형식의 전개가 섞였다는 분석도 있으며, 마지막에는 런던 청중을 향한 듯한 힘찬 종지가 놓인다.

런던 교향곡으로서의 음향

하이든은 Salomon의 런던 공연을 위해 큰 공공 연주회장의 울림과 청중의 집중을 함께 고려했다. 제1악장의 긴 서주와 빠른 본론, 제2악장의 대위적 중간부, 미뉴에트의 오보에 트리오는 각각 다른 방식으로 관현악을 가볍게 했다. 하이든이 피아노포르테에서 악단을 이끌었다는 Charles Burney의 기록은 당시 공연의 한 풍경을 전하지만, 모든 연주회의 인원표나 지휘 방식까지 알려 주는 자료는 아니다.

별칭과 사실의 구분

샹들리에 사건은 1795년 2월 2일 King’s Theatre에서 하이든의 교향곡 102번이 연주될 때 일어났다는 설명이 현재 널리 받아들여진다. 96번에 “기적”이라는 이름이 남은 것은 훗날의 기억이 작품 번호와 결합했기 때문이다. 따라서 이 교향곡을 특별한 표제음악이나 사고를 묘사한 곡으로 들을 필요는 없다.

판본과 연주

Bärenreiter 비평판은 하이든 자필과 당대 필사 파트를 비교해 음표·장식·반복 표기를 편집했다. 1802년경 런던에서 유통된 Mr. Salomon’s Concerts 인쇄 파트는 초기 공연의 편성과 작품 보급을 보여 주는 자료이며, 현대 Urtext와 같은 편집 상태는 아니다. 연주자는 판본과 반복을 선택할 때 피날레의 속도, 팀파니의 울림, 목관의 장식을 함께 조율한다.

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Symphony No. 99 in E-flat major, Hob. I:99

Symphony No. 99 in E-flat major, Hob. I:99

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Joseph Haydn: Symphony No. 99 in E-flat major, Hob. I:99

하이든의 교향곡 99번 E♭장조는 두 번째 런던 방문을 위해 준비된 여섯 곡 가운데 첫 작품으로 알려진 네 악장 교향곡이다. 느린 서주 뒤 빠른 Vivace assai, 목관과 현악의 대화를 품은 Adagio, 춤곡 성격의 Menuetto–Trio, 대위적 결합이 돋보이는 Finale: Vivace가 이어진다. 하이든이 교향곡에서 한 쌍의 클라리넷을 본격적으로 사용한 초기 사례라는 점도 이 곡의 중요한 특징이다.

개요

하이든은 런던의 흥행가 Johann Peter Salomon과 계약을 맺고 두 번째 런던 체류를 위한 여섯 교향곡을 준비했다. 99번은 1793년 작곡되어 1794년 2월 10일 Hanover Square Rooms에서 처음 연주되었다. 당시 하이든이 포르테피아노에서 연주회를 이끌었다는 기록이 반복되며, 별도의 지휘자 이름과 전체 연주자 명단은 전해지는 자료마다 다르다.

초연 평은 작품이 감정을 일깨우고 열렬한 박수를 받았다고 전한다. 첫 악장이 앙코르되었다는 후대 기관의 기록도 있지만, 이는 당대 공연 문서보다 낮은 확실성의 수용 일화다. 99번은 93–104번으로 이루어진 ‘런던 교향곡’에 속하지만, 100번의 “Military”처럼 널리 굳어진 고유 별칭은 없다.

출판 정보와 자료

1793–94년의 자필 악보와 1801년 본의 Simrock 초판 파트, Breitkopf und Härtel 재인쇄본이 남아 있다. H. C. Robbins Landon 편집의 Universal Edition 비평판과 후대 전집판은 자필과 필사 자료를 대조해 출판되었다. CCARH의 현대 악보 표제에는 “Composed in England 1793”라고 적혀 있지만, BSO·Hyperion·IMSLP와 다수의 기관 해설은 빈에서 작곡했다고 설명한다. 작품 연대는 같고 작곡 장소에 관한 기록만 다르다.

소요 시간

전곡은 보통 25–30분 정도다. Universal Edition과 joseph-haydn.art는 약 29분, IMSLP는 평균 30분, AllMusic은 26분 06초로 안내한다. Howard Shelley와 Orchestra of the Age of Enlightenment의 녹음은 27분 13초, Colin Davis와 런던 심포니 오케스트라의 녹음은 28분 47초다.

편성

클라리넷 한 쌍은 이 시기 하이든 교향곡에서 새롭게 눈에 띄는 색채다. 하프나 오르간은 확인된 원작 편성에 없으며, 두 목관군과 금관·팀파니가 런던 공공 연주회의 규모에 맞는 울림을 만든다.

악장별 구성

I. Adagio – Vivace assai

느린 서주는 E♭장조에서 E단조와 C단조 쪽으로 기울며 긴장을 만든다. 빠른 Vivace assai가 시작되면 현악의 반복음과 하행 동기, 목관의 짧은 응답이 맞물린다. Hyperion과 AllMusic은 이 악장을 소나타 형식으로 분석하고, 두 번째 주제에서 독주 클라리넷이 늦게 모습을 드러낸다고 설명한다. 서주의 어두운 음향과 빠른 본론의 추진력이 한 악장을 이룬다.

II. Adagio

G장조의 느린 악장은 A–B–A 구조로 자주 설명된다. 가볍게 채색된 목관과 현악이 목가적인 A부분을 만들고, G단조의 대위적 중간부에서 긴장이 커진다. 트럼펫과 팀파니가 절정에 합류한 뒤 두 독주 바이올린과 목관이 이어 가는 긴 코다가 합주를 다시 가라앉힌다.

III. Menuetto: Allegretto – Trio

E♭장조 미뉴에트는 힘 있는 전체 합주와 가벼운 현악·목관 응답을 교대한다. C장조 트리오에서는 독주 오보에가 유연한 춤 선율을 맡는다. Hyperion과 Mid-Somerset Orchestra는 이 부분을 Ländler 성격으로 듣지만, 공식 악장 표제는 Menuetto와 Trio다.

IV. Finale: Vivace

2/4박자의 빠른 피날레는 하나의 주제에서 출발하는 론도 또는 소나타 론도로 분석된다. 푸가토와 대위적 결합이 진행되는 동안 E♭장조의 주제가 되돌아오고, 잠시 D단조로 어두워지는 에피소드가 긴장을 높인다. 짧은 관악 독주와 현악의 질주가 이어지며 힘찬 종지로 마무리된다.

런던 교향곡으로서의 특징

99번은 런던의 대형 공개 연주회 환경에서 하이든이 만든 후기 교향곡이다. 첫 악장의 긴 서주와 빠른 본론, 느린 악장의 관악 대위, 미뉴에트의 독주 오보에는 한 쌍의 클라리넷이 더해진 음향을 여러 각도에서 보여 준다. 하이든의 회고를 인용한 BSO 해설은 궁정에서 떨어져 지낸 런던 생활이 작곡가의 독창성을 자극했다고 설명하지만, 이는 2차 자료가 전하는 해석이다.

초연 날짜인 1794년 2월 10일과 Hanover Square Rooms는 다수의 목록과 기관 자료가 일치한다. Salomon의 기획과 하이든의 포르테피아노 연주가 당시 공연의 중심이었으며, 정확한 악단 인원과 별도 지휘자의 역할은 당대 프로그램에서 더 확인할 수 있다.

판본과 연주

Universal Edition의 Landon 비평판은 하이든 자필과 주변 필사 자료를 대조한 Urtext 계열이다. 1801년 Simrock 파트는 ‘Mr. Salomon’s Concerts’를 위한 초기 유통 자료로, 현대 비평판과 같은 편집 상태로 보기는 어렵다. 연주자는 판본에 따라 반복, 장식, 클라리넷의 음역을 확인하고 런던식 큰 홀의 잔향과 고전주의의 가벼운 움직임을 조절한다.

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Symphony No. 95 in C minor, Hob. I:95

Symphony No. 95 in C minor, Hob. I:95

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Joseph Haydn: Symphony No. 95 in C minor, Hob. I:95

Joseph Haydn의 C단조 교향곡 제95번, Hob. I:95는 1791년 런던을 위해 쓴 네 악장 교향곡이다. 런던 교향곡 열두 곡 가운데 유일하게 단조로 되어 있고, 느린 서주 없이 첫 다섯 음을 강하게 내리치며 곧바로 시작한다. 약 20분 동안 C단조의 긴장과 C장조의 밝음을 오가며, E♭장조 주제와 변주로 이루어진 Andante, 독주 첼로가 돋보이는 미뉴에트의 트리오, 다성적 기교를 품은 Vivace 피날레를 차례로 들려준다. 작은 규모 안에 하이든의 엄격함과 유머, 실내악적인 친밀감이 함께 들어 있는 작품이다.

개요

제95번은 하이든이 1790년 말 런던에 도착한 뒤 첫 번째 Salomon 시즌을 위해 마련한 교향곡 중 하나다. 첫 공연은 1791년 런던 Hanover Square Rooms에서 열렸으며, 정확한 월과 날짜보다 이 도시의 공개 연주회가 작품의 출발점이었다는 사실이 중요하다. 하이든은 왕실이나 귀족의 사적인 공간이 아니라 많은 청중이 모인 콘서트홀을 염두에 두고, 짧은 동기와 선명한 대비로 음악을 조직했다.

유일한 단조 런던 교향곡이라는 특징은 첫 순간부터 드러난다. 다른 런던 교향곡에서 자주 만나는 느린 서주를 생략하고, C단조의 거친 유니즌을 먼저 던진다. 하지만 작품은 어둠 속에만 머물지 않는다. 두 번째 악장에서 E♭장조의 평온을 마련하고, 미뉴에트의 C장조 트리오에서 독주 첼로를 등장시키며, 피날레에서는 C장조의 속도와 광택으로 결말을 향한다.

런던에서의 작곡과 초연

Johann Peter Salomon의 초청으로 하이든은 1791년 런던에서 큰 성공을 거두고 있었다. 제95번은 그 시즌 말 무렵 Hanover Square Rooms에서 연주되었고, 이후 제93번부터 제104번까지 묶이는 “런던 교향곡”의 첫 여섯 곡 가운데 하나가 되었다. AllMusic은 이 곡이 D장조 교향곡 제96번과 함께 프로그램에 올랐을 가능성을 언급하지만, 당시 공연 전체의 순서를 작품의 일부처럼 확정할 필요는 없다.

이 작품이 다른 런던 교향곡보다 덜 대중적이었다는 평도 있다. LA Philharmonic은 당시 청중이 C단조의 무게에 익숙하지 않았을 가능성을 제시하면서, 첫 악장의 단호한 시작과 C장조 결말 사이에 놓인 미묘한 균형을 강조한다. 인기가 적었다는 말이 음악의 가치 판단을 대신하지는 않는다. 제95번의 독특함은 바로 그 어두운 조성과 짧은 형식 안에서 하이든이 청중을 계속 끌어당기는 방식에 있다.

편성·출판

편성은 플루트 한 대, 오보에 두 대, 바순 두 대, 호른 두 대, 트럼펫 두 대, 팀파니, 현악이다. C단조 작품이면서 트럼펫과 팀파니를 사용한다는 점도 런던 교향곡 중 예외에 해당한다. 금관과 타악기는 단조의 무게를 공적인 에너지로 바꾸고, 현악과 목관은 그 안에서 짧은 대화와 섬세한 색채를 만든다.

IMSLP는 1795년 Offenbach의 Johann André를 최초 출판으로 기록하며, 1855년 무렵 Breitkopf & Härtel과 1965년 Haydn-Mozart Presse 판본도 별도로 소개한다. Henle와 Bärenreiter의 연구용 악보와 총보는 Haydn Complete Edition의 음악 텍스트를 따른다. 악보를 비교할 때는 제1악장의 빠르기를 Allegro moderato로 적은 자필과, 일부 목록의 Allegro 표기를 함께 볼 수 있다.

네 악장

1. Allegro moderato

첫 악장은 서주 없이 다섯 음의 강한 유니즌으로 시작한다. 잠시 침묵한 뒤 제1바이올린이 점음표를 품은 부드러운 대답을 내놓는다. 단호한 호출과 진지한 응답이 하나의 주제 안에 나란히 들어 있기 때문에, 시작부터 음악의 성격이 두 갈래로 나뉜다.

전개부에서는 처음의 동기가 여러 성부로 옮겨 가며 긴 대위적 작업을 벌인다. 상대적으로 온화한 E♭장조 제2주제가 나타나도, 첫 동기의 힘은 계속 남아 있다. 재현부에서는 이미 충분히 다뤄진 다섯 음을 그대로 되풀이하지 않고, 점음표의 대답으로 시작해 C장조의 제2주제로 곧장 향한다. 단조로 시작한 악장이 장조로 끝나는 이 전환은 단순한 승리가 아니라, 긴장을 다른 빛으로 바꾸는 하이든의 솜씨다.

목관은 강한 주제에 맞서 독립적인 장식을 과시하기보다, 현악 사이에 짧은 색채를 끼워 넣는다. 격렬한 음향과 섬세한 논평이 번갈아 오면서, 악장은 심각함을 유지하면서도 지나치게 무거워지지 않는다. Hyperion의 Richard Wigmore는 첫 동기를 이전 C단조 교향곡 제78번과 연결되는 모토로 보지만, 이는 작품을 듣는 하나의 관점으로 이해하면 충분하다.

2. Andante

두 번째 악장은 E♭장조의 Andante다. 하이든의 자필에는 Andante라고 적혀 있고, 후대 악보와 음반에서는 Andante cantabile라는 이름도 흔히 사용한다. 첫 주제는 가볍게 흔들리는 리듬을 품으며, 제1악장의 거친 시작과 전혀 다른 호흡을 마련한다.

이 악장은 주제와 변주로 이루어진다. 첫 변주에서는 독주 첼로가 선율을 앞에 세우고, 현악의 부드러운 움직임이 그 주변을 채운다. 두 번째 변주는 E♭단조로 잠시 어두워져 첫 악장의 긴장을 되살린다. 세 번째 변주에서는 바이올린의 빠른 음형이 노래를 가볍게 들어 올린다. 같은 주제가 악기와 조성에 따라 달라지는 과정이 이 악장의 중심이다.

변주가 끝난 뒤 첫 선율이 돌아오는 순간, 음악은 처음보다 더 많은 기억을 품는다. 평온함은 어둠을 모르는 상태가 아니라, 한 번 어두워졌다가 다시 맑아진 상태로 들린다. 독주 첼로의 존재는 다음 미뉴에트 트리오를 미리 암시하면서, 교향곡 안에 작은 실내악 무대를 마련한다.

3. Menuetto – Trio

C단조의 미뉴에트는 전통적인 춤 형식의 외관을 가졌지만, 구절의 길이와 강세가 예측을 흔든다. 첫 부분은 보통의 여덟 마디나 열여섯 마디보다 긴 스물두 마디로 이루어져 있다. 당김음과 단단한 악센트가 걸음에 긴장을 주며, 우아한 궁정무도회보다 날카로운 교향곡의 중간 악장에 가깝게 만든다.

트리오는 C장조로 옮겨 가고, 독주 첼로가 처음부터 끝까지 선율을 이끈다. 갑자기 한 연주자의 목소리가 오케스트라 앞에 나타나면서, 공적인 음향이 친밀한 실내악으로 좁혀진다. 첼로는 과장된 협주곡 카덴차를 펼치지 않지만, 호흡이 긴 선율로 단조 미뉴에트의 긴장을 풀어 준다.

미뉴에트가 돌아오면 C단조의 윤곽이 다시 선명해진다. 그러나 트리오를 거친 뒤에는 같은 단조가 처음보다 덜 폐쇄적으로 느껴진다. 하이든은 밝은 중간부를 단순한 휴식이 아니라, 다음 피날레로 넘어가기 위한 음향의 전환으로 사용한다.

4. Finale: Vivace

피날레는 C장조의 넓고 평온한 선율로 출발한다. 단조 교향곡의 마지막 악장이라고 예상하면 의외로 밝은 시작이다. 곧 여러 성부가 첫 다섯 음의 윤곽을 변형해 주고받으며, 빠른 8분음표와 다성적 겹침이 흐름을 밀어붙인다.

이 악장은 소나타 형식과 론도적 반복의 성격을 함께 보인다. 주제가 돌아올 때마다 관악과 현악의 역할이 달라지고, 중간부에서는 C단조가 폭풍처럼 끼어든다. 반음계적 선율은 C장조의 평온이 영원히 보장된 것이 아님을 잠시 일깨우지만, 음악은 다시 밝은 조성으로 방향을 돌린다.

피날레의 다성법은 엄격한 공부처럼 들리지 않는다. 각각의 선율이 재빨리 움직이고, 잠깐 멈춘 뒤 다시 합류하면서 연극적인 장면을 만든다. Hyperion은 이 악장의 대위적 기교가 Mozart의 「Jupiter」 교향곡과 비교되어 왔다고 설명한다. 직접적인 모방으로 단정하기보다, 두 작품이 C장조의 장엄함과 푸가적 활기를 함께 보여 준다는 비교로 받아들이는 편이 자연스럽다.

마지막에는 트럼펫과 팀파니가 현악과 관악의 힘을 모아 C장조를 확정한다. 첫 악장의 다섯 음이 어둠 속에서 던진 호출이었다면, 이곳에서는 같은 집중력이 환희의 행진으로 바뀐다. 단조를 지워 버린다기보다, 그 긴장을 통과한 뒤 얻는 밝음이다.

단조와 장조 사이

제95번의 큰 흐름은 C단조와 C장조의 교대다. 첫 악장은 C단조의 강한 유니즌에서 출발해 C장조로 닫히고, Andante는 E♭장조의 평온과 E♭단조의 그림자를 오간다. 미뉴에트는 C단조로 돌아오지만 트리오는 C장조의 독주 첼로를 내세우며, 피날레는 처음부터 C장조를 선택한다.

이 조성의 움직임은 어둠에서 빛으로 직선적으로 올라가는 서사가 아니다. 밝은 순간에도 첫 악장의 기억이 남고, 단조로 돌아갈 때도 이미 첼로와 목관의 온기를 경험한 뒤다. 하이든은 한 조성의 감정을 오래 유지하기보다, 서로 다른 표정을 빠르게 교차시켜 긴장과 유머를 동시에 만든다.

런던 교향곡 안의 위치

런던 교향곡 열두 곡은 대규모 공개 연주회와 국제적 청중을 위해 쓰였다. 제95번은 그 안에서 유일한 단조 작품이며, 느린 서주 없이 바로 시작한다는 점까지 겹쳐 특별한 자리를 차지한다. 그렇다고 다른 작품과 분리된 실험은 아니다. 하이든은 이 곡에서도 주제의 반복과 변형, 관악의 색채, 춤 형식, 빠른 피날레라는 고전 교향곡의 재료를 충실히 활용한다.

제95번의 차별점은 익숙한 재료를 더 압축된 시간 안에 배치하는 데 있다. 첫 악장의 호출, Andante의 변주, 첼로 트리오, C장조 피날레가 약 20분 안에 이어진다. 그래서 이 작품은 거대한 교향곡의 축약판이라기보다, 하이든이 형식과 청중의 기대를 얼마나 짧은 시간에 조절할 수 있었는지를 보여 주는 독립적인 작품으로 들린다.

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Symphony No. 98 in B-flat major, Hob. I:98

Symphony No. 98 in B-flat major, Hob. I:98

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Joseph Haydn: Symphony No. 98 in B-flat major, Hob. I:98

하이든의 교향곡 98번 B♭장조는 첫 런던 방문 중 쓰인 네 악장 교향곡이다. Adagio–Allegro, G장조의 Adagio, 빠른 Menuetto–Trio, 6/8박자의 Finale: Presto가 이어지며, 플루트·오보에·바순·호른·트럼펫·팀파니와 현악이 런던의 큰 연주회장을 위한 울림을 만든다. 피날레 끝에는 짧은 건반 독주가 남아 있어, 하이든이 직접 포르테피아노에서 연주했을 가능성과 연결되는 작품으로도 유명하다.

개요

요한 페터 잘로몬의 초청으로 런던에 온 하이든은 공개 음악회를 위해 교향곡을 새로 썼다. 98번은 1792년 3월 2일 Hanover Square Rooms에서 처음 연주된 것으로 전해지며, 하이든이 건반에서 오케스트라를 이끌었다는 설명이 여러 자료에 반복된다. 런던 노트에는 첫 악장과 마지막 악장이 앙코르되었다는 기록도 남아 있다.

이 작품은 흔히 ‘런던 교향곡’으로 묶이는 93–104번 가운데 첫 런던 방문기에 속한다. 빠른 악장과 느린 악장의 대비뿐 아니라, 미뉴에트의 춤 리듬과 피날레의 건반 독주가 공개 연주회에서 관객과 직접 호흡하도록 설계된 듯한 인상을 준다.

출판 정보와 자료

하이든의 자필 악보는 1792년 자료로 분류되며, 1796년 Johann André와 Artaria·Imbault 판을 비롯한 초기 인쇄본이 남아 있다. Breitkopf und Härtel 재인쇄본과 H. C. Robbins Landon 편집 전집판도 목록에 올라 있다. Bärenreiter BA 4695는 Joseph Haydn Complete Edition의 Urtext 계열 총보와 파트를 제공한다.

소요 시간

전곡은 보통 26–28분이다. IMSLP는 평균 28분, AllMusic은 28분 04초, 일부 작품 안내는 약 26분으로 적는다. Sir Colin Davis와 London Symphony Orchestra의 녹음은 27분 18초이며, 지휘 속도와 반복에 따라 실제 공연 시간은 달라진다.

편성

확인된 기본 편성에는 클라리넷과 하프가 없다. 목관의 선율과 트럼펫·팀파니의 절정, 현악의 빠른 움직임이 건반과 함께 고전적인 런던 교향곡의 음향을 만든다.

악장별 구성

I. Adagio – Allegro

느린 서주는 B♭단조 쪽으로 어두워졌다가 B♭장조의 빠른 Allegro로 넘어간다. 짧은 동기가 현악과 목관 사이를 오가며 발전하고, 서주에서 쌓인 긴장이 활기찬 본론으로 풀린다. Hyperion과 AllMusic은 이 악장을 소나타 형식으로 분석하며, 재현부에서 주제가 압축되어 돌아오는 점을 강조한다.

II. Adagio

F장조의 느린 악장은 목관과 현악의 부드러운 대화로 시작한다. A부분의 목가적인 선율이 이어지다가 중간부에서 대위적 움직임이 짙어지고, 트럼펫과 팀파니가 절정에 참여한다. 끝에는 두 독주 바이올린과 목관이 긴 선율을 이어 가며, 합주가 조용히 처음의 분위기로 돌아온다.

III. Menuetto – Trio

빠른 미뉴에트는 B♭장조의 힘찬 합주와 트리오의 가벼운 움직임을 대비시킨다. 트리오에서 플루트 독주가 F장조에서 A♭장조로 이동하는 대목이 나타나며, 목관의 유연한 선율이 춤의 분위기를 바꾼다. 자료에 따라 Menuetto, Minuet, Presto 등의 표기가 보이지만, 핵심은 미뉴에트와 트리오의 빠른 교대다.

IV. Finale: Presto

6/8박자의 피날레는 빠른 론도 또는 소나타 론도 성격을 보인다. 하나의 주제가 여러 조성과 리듬으로 돌아오고, 푸가토에 가까운 대위적 결합이 움직임을 촘촘하게 만든다. 끝부분에는 약 11마디의 건반 독주가 놓이며, 하이든이 자신의 포르테피아노를 위해 썼다는 해설과 연결된다. 마지막 화음은 다시 B♭장조로 돌아와 짧고 명확하게 닫힌다.

건반 독주와 런던 연주

피날레의 건반 독주는 악보와 판본에 따라 하프시코드, 포르테피아노, Hammerklavier 등으로 표기된다. Samuel Wesley가 하이든의 런던 연주를 “neat and distinct”라고 회고했다는 기록이 있으며, 이 말은 당시 건반 연주의 인상을 전하는 후대 자료다. 하이든이 초연에서 그 독주를 직접 맡았다고 확정할 수 있는 연주자 명단은 남아 있지 않지만, 작품이 공개 음악회와 작곡가의 건반 연주를 염두에 둔 흔적은 분명하다.

건반은 전곡을 계속 반주하는 악기라기보다, 특정 지점에서 오케스트라의 흐름을 잠시 끊고 청중 앞에 모습을 드러내는 독주자로 기능한다. 이 짧은 순간이 긴 교향곡을 작곡가 자신의 공연과 연결하는 독특한 표지가 된다.

런던 교향곡으로서의 음향

98번은 거대한 음향을 계속 밀어붙이기보다 목관의 색, 현악의 추진력, 트럼펫·팀파니의 절정, 건반의 반짝임을 순서대로 배치한다. 하이든이 궁정의 소규모 합주에서 런던의 공개 연주회로 이동하며 얻은 새로운 공간감이 네 악장 안에 압축되어 있다. Adagio의 긴 호흡과 피날레의 속도는 한 곡 안에서 서로 다른 청취 시간을 만든다.

판본과 연주

IMSLP에는 1792년 자필 자료, 1796년 Johann André 판, 19세기 재인쇄와 Landon 계열 편집판이 나란히 올라 있다. 일부 생전 판본에서는 피날레 건반 구절이 빠져 있고, 후대의 피아노 오중주·삼중주 편곡에서만 남는 경우도 있다. 연주자는 사용한 판본과 건반 악기를 밝히고, 원래 관현악과 후대 편곡을 구별하는 편이 좋다.

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