# Maurice Ravel (1875–1937)

# Boléro

# 정보

## 개요

**곡명:** *Boléro*, M. 81  
**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)  
**작곡 시기:** 1928년  
**장르:** 단악장 발레 음악 및 독립 관현악곡  
**초연:** 1928년 11월 22일, Paris Opéra, Walther Straram 지휘  
**초연 안무·무대:** Bronislava Nijinska 안무, Alexandre Benois 무대·의상·시나리오  
**헌정·위촉:** Ida Rubinstein  
**작품 범위:** `Tempo di Bolero, moderato assai`로 진행되는 340마디의 단악장 관현악 원곡.  
**IMSLP:** [Boléro, M.81](https://imslp.org/wiki/Bol%C3%A9ro_(Ravel,_Maurice))  
**Wikipedia:** [Boléro](https://en.wikipedia.org/wiki/Bol%C3%A9ro)

Maurice Ravel의 *Boléro*는 하나의 리듬과 두 개의 선율을 거의 그대로 유지하면서 관현악의 색과 음량을 차례로 바꾸는 단악장 발레 음악이다. 이 글은 1928년 발레를 위해 쓰인 원곡과 오늘날 독립 관현악곡으로 연주되는 전곡을 다룬다. 악보에는 전통적인 악장 구분 대신 하나의 bolero가 표시되어 있으며, 같은 음악 재료가 여러 악기의 독주와 혼합 음색으로 이어진 뒤 마지막 tutti에 이른다.

### 위촉에서 작곡까지

Ida Rubinstein은 Ravel에게 Isaac Albéniz의 피아노 모음곡 *Iberia* 가운데 여러 곡을 관현악으로 편곡해 발레로 만들도록 의뢰했다. 그러나 Enrique Fernández Arbós가 이미 해당 곡들의 관현악 편곡 권리를 확보하고 있어 Ravel은 다른 구상을 찾아야 했다. 그는 자신의 작품을 편곡하는 방안도 생각했지만 결국 완전히 새로운 음악을 쓰기로 했다.

Ravel은 1928년 여름 Saint-Jean-de-Luz에 머물 때 한 손가락으로 선율을 치며 친구 Gustave Samazeuilh에게 들려주었다. 그때 그는 이 선율을 발전시키지 않고 여러 번 반복하면서 관현악을 점차 늘려 보겠다는 생각을 설명했다. 이 발상은 작품 전체의 작곡 원리로 남았다. 선율과 리듬의 변화는 제한하고, 악기와 음량, 음색의 조합을 바꾸어 약 15분의 시간을 만든다.

### 소요 시간

전곡은 보통 약 13~16분이다. IMSLP는 평균 15분, IRCAM은 16분, Los Angeles Philharmonic은 15분, New Jersey Symphony는 13분으로 제시한다. 차이는 특히 `Tempo di Bolero, moderato assai`를 어느 속도로 해석하는지와 공연·녹음의 조건에 따라 생긴다. 템포가 빨라지면 악기 색이 바뀌며 쌓이는 시간이 짧아지고, 느려지면 같은 리듬을 유지하는 시간이 늘어난다.

### 편성

IMSLP의 총보·파트 목록을 기준으로 한 원전 편성은 다음과 같다.

- 목관악기: Piccolo, Flute 2, Oboe 2(제2는 Oboe d'amore 겸), English horn, E♭ clarinet, Clarinet 2 in B♭, Bass clarinet, Bassoon 2, Contrabassoon
- 색소폰: Sopranino saxophone in F, Soprano saxophone in B♭(Tenor saxophone 겸)
- 금관악기: Horn 4, Piccolo trumpet in D, Trumpet 3, Trombone 3, Tuba
- 타악기: Timpani 3, Snare drum 2, Bass drum, Cymbals, Tam-tam
- 그 밖의 악기: Celesta, Harp, Strings

E♭ clarinet은 한 clarinet 연주자가 겸할 수 있어 IMSLP는 clarinet 연주자 세 명으로도 가능하다고 설명한다. 색소폰도 보통 두 명이 나누어 맡는다. 한 연주자가 sopranino와 soprano 부분을, 다른 연주자가 tenor 부분을 맡는 방식이다. Sopranino saxophone in F는 현대 공연에서 실제 악기를 구하기 어려워 다른 saxophone으로 대체되는 경우가 있다. LA Phil과 New Jersey Symphony의 안내는 이 편성을 공연 관행에 맞게 간략화해 적기도 하지만, 여기서는 Ravel의 원전 표기를 먼저 제시한다.

### 출판 정보와 자료

초판은 1929년 Paris의 Durand에서 출판되었다. 같은 해 Ravel은 *Boléro*를 piano four hands용으로도 편곡했지만, 이 글의 대상은 발레와 연주회에서 쓰이는 관현악 원곡이다. IRCAM은 작품의 위촉자와 헌정자를 Ida Rubinstein으로 기록하고, 관현악을 위한 발레라는 장르를 명시한다.

초연은 1928년 11월 22일 Paris Opéra에서 열렸다. Rubinstein이 이끄는 무용단의 발레로, Nijinska가 안무를 맡고 Benois가 무대·의상·시나리오를 담당했으며 Straram이 Opéra Orchestra를 지휘했다. IRCAM은 같은 날짜에 Orchestre Lamoureux와 Ravel 지휘로 열린 concert creation도 별도로 기록한다. 이 구분은 발레로 처음 무대에 오른 작품과, 무용 없이 관현악만으로 연주되는 형태가 초기부터 함께 존재했음을 보여 준다.

## 단악장 구조

### 고정된 리듬

작품은 snare drum이 제시하는 bolero 리듬에서 출발한다. 낮은 현악의 pizzicato와 저음부가 리듬의 바탕을 지탱하고, 그 위에 첫 선율이 놓인다. 리듬은 거의 끝까지 같은 패턴을 유지하며, 선율을 새롭게 발전시키기보다 매번 다른 악기가 같은 재료를 전달하도록 만든다.

이 리듬은 관현악이 커지는 동안에도 pulse를 일정하게 유지하며, 음량과 음색의 변화를 선율의 변화와 구별하게 한다. 같은 박동이 flute의 작은 소리와 마지막 전 관현악의 큰 소리를 이어 주기 때문에, 시작과 끝은 서로 다른 크기를 가지면서도 하나의 연속으로 들린다.

### 두 선율의 반복

두 개의 긴 선율이 번갈아 제시된다. 첫 선율은 flute에서 시작하며 비교적 온음계적인 윤곽을 보인다. 두 번째 선율은 다른 음정 진행과 당김음으로 색을 바꾸고, 다시 첫 선율로 돌아간다. Ravel은 이 두 선율을 반복하는 동안 기본 리듬과 화성의 움직임을 크게 흔들지 않는다.

따라서 작품의 긴장은 선율이 어디로 발전하는지보다 다음 반복에서 어느 악기가 선율을 맡는지에 놓인다. Flute와 clarinet이 만든 가벼운 시작은 bassoon, E♭ clarinet, Oboe d'amore, saxophone의 차례를 거치며 다른 표정을 얻는다. 후반에는 여러 악기가 함께 선율을 연주해, 독주로 들리던 재료가 집단적인 음향으로 바뀐다.

### 음량과 관현악의 누적

LA Phil은 작품이 pp에서 ff까지 점차 커지는 하나의 긴 crescendo라고 설명한다. 이 상승은 악기의 추가와 음역·음색 배치를 함께 조절해 만든다. Ravel은 같은 선율을 악기마다 다른 음역과 음색으로 배치하고, 독주와 겹침의 비율을 조절하면서 밀도를 높인다.

초반에는 한 악기가 선율을 맡고 나머지 악기는 리듬과 화성의 틀을 지킨다. 중반에는 두 선율의 교대가 새로운 색소폰과 목관의 음색을 통과한다. 후반에는 목관과 금관, 현악, 타악기가 더 두꺼운 조합을 이루며, snare drum의 고정 박동이 큰 음향 속에서도 사라지지 않는다. 마지막 전환에서는 오래 유지된 균형이 깨지고 전 관현악이 종결을 만든다.

## 진행에 따른 관현악 변화

### 도입: flute와 리듬의 기준

도입에서는 snare drum이 작은 음량으로 리듬을 시작하고, 낮은 현악과 저음부가 단순한 바닥을 놓는다. Flute가 첫 선율을 혼자 맡으면서 선율의 윤곽이 드러난다. 이 첫 제시는 작품이 어떤 재료를 얼마나 오래 반복할지 알려 주는 동시에, 이후의 변화가 새로운 선율이 아니라 음색과 음량의 변화라는 사실을 확인한다.

### 초기 목관: clarinet과 bassoon

Clarinet과 Bassoon은 같은 선율을 받아 서로 다른 음역과 발음으로 바꾼다. Bassoon의 높은 음역은 악기의 일상적인 저음 이미지와 다른 색을 만들고, E♭ clarinet은 더 날카롭고 가벼운 윤곽을 부여한다. Ravel은 하나의 선율을 표준적인 악기군에만 맡기지 않고, 각 악기가 지닌 약간의 낯섦까지 편성의 일부로 활용한다.

Oboe d'amore가 들어오면 음색은 다시 부드럽고 둥글게 변한다. 이 대목은 스페인 춤의 제목을 직접 묘사하기보다, 고정된 리듬 위에서 악기의 성격이 차례로 바뀌는 관현악 실험으로 이해된다.

### 색소폰과 혼합 음색

Sopranino, Soprano, Tenor saxophone은 관현악 안에 독특한 중간 색을 더한다. 원전은 Sopranino saxophone in F를 요구하지만, 실제 공연에서는 악기 확보와 연주 관행에 따라 다른 saxophone이 사용되기도 한다. 중요한 것은 특정 대체 악기를 규칙처럼 고정하는 데 있지 않고, saxophone이 목관과 금관 어느 한쪽으로 완전히 환원되지 않는 색으로 선율을 바꾼다는 점이다.

중반 이후에는 Horn, Celesta, Piccolo, Harp와 여러 목관이 선율 또는 반주를 겹친다. 한 악기의 독주가 악기군의 합성 음색으로 옮겨 가면서, 반복은 악기군의 합성 음색으로 계속 이동한다. 음높이의 큰 변화가 적어도 소리의 결은 계속 바뀌기 때문에, 곡의 시간이 음색의 순서로 구분된다.

### 금관과 종결

후반에는 Trumpet과 Piccolo trumpet, Trombone, Horn이 선율과 화성의 무게를 높인다. Strings와 목관이 이미 쌓은 음향 위에 금관이 합류하면, 같은 리듬의 압력이 더 직접적으로 드러난다. Timpani와 여러 타악기는 이 상승을 지지하지만, snare drum의 반복이 작품의 기준을 계속 유지한다.

마지막에는 전 관현악이 모여 오랫동안 고정되어 있던 균형을 흔든다. LA Phil과 New Jersey Symphony는 이 부분을 점층적 crescendo 뒤의 오케스트라 절정으로 설명한다. 여기서는 악보 이미지를 독자적으로 판독해 세부 화성을 덧붙이지 않고, 기관 해설이 확인하는 고정 리듬·관현악 누적·마지막 tutti의 관계만 서술한다.

## 발레와 연주회용 작품

초연 프로그램의 시나리오는 Spain의 tavern을 무대로 삼는다. 천장에 매달린 brass lamp 아래에서 사람들이 춤추고, 여성 무용수가 긴 table 위로 올라가며 발걸음과 주변의 환호가 점점 커진다. 이 설정에서 고정 리듬은 춤의 축을 만들고, 관현악의 crescendo는 무용수와 군중의 에너지가 함께 올라가는 시간으로 기능한다.

Ravel은 이 무대와 다른 공장 배경의 구상도 선호했다. LA Phil은 그 구상이 작품의 기계적인 리듬과 연결된다고 설명한다. 두 무대 구상은 하나의 음악에 서로 다른 시각적 해석이 가능했음을 보여 준다. tavern의 춤은 스페인풍 발레의 표면을 강조하고, 공장은 반복과 점층을 산업적인 움직임으로 읽게 한다.

오늘날 *Boléro*는 발레보다 관현악 독립곡으로 훨씬 자주 연주된다. 무용이 사라진 자리에서는 악기의 교대와 음량의 증가가 작품의 진행을 직접 보여 준다. 그래서 연주회용 형태는 발레의 원래 장면을 삭제한 축약판이 아니라, Ravel이 설계한 관현악 변화 자체를 전면에 놓는 공연 형태다.

## 연주 자료와 tempo 논쟁

Ravel은 작품을 구상할 때 발전을 최소화하고 관현악을 점차 늘리겠다는 계획을 직접 말했다. New Jersey Symphony의 프로그램 노트는 그가 이 곡을 “seventeen minutes of orchestra without any music”라고 자조적으로 불렀으며, 발명보다 계획과 실행 방식에 의미를 두었다고 전한다. 이 발언은 Ravel이 재료의 제한과 관현악 설계를 의식하고 있었다는 직접 자료로 읽힌다.

tempo에 관한 가장 자주 언급되는 자료는 Toscanini와 Ravel의 충돌이다. New Jersey Symphony는 음악학자 Roger Nichols에게 전해진 Alexandre Tansman의 회고를 통해, Toscanini가 Ravel보다 빠르게 연주했고 Ravel이 “It’s too fast”라고 말했다고 기록한다. 이는 Tansman이 전한 2차 자료이므로 실제 대화의 모든 세부를 확정하는 직접 기록으로 사용할 수는 없다. 다만 Ravel이 생각한 긴 crescendo의 시간과 Toscanini가 선택한 빠른 진행이 작품의 인상을 달리 만들었다는 연주사적 사례로는 의미가 있다.

이 자료는 tempo 선택이 악기 교대와 마지막 절정의 도달 시점을 바꾼다는 점을 보여 준다. 빠른 연주는 악기 교대가 더 촘촘하게 이어지고 마지막 절정에 일찍 도달한다. 느린 연주는 snare drum의 pulse와 음색 변화가 더 오랫동안 누적된다. Ravel이 지정한 moderato와 지속적인 pulse는 악기 배치와 crescendo를 하나의 과정으로 결합하는 기반이다.

## 레코딩과 수용

Ravel이 직접 지휘한 1930년 녹음은 작곡가가 남긴 연주 기록이라는 점에서 역사적 의미가 있다. 이 녹음은 Ravel이 작품의 tempo와 음향을 남긴 역사적 기록이며, 후대 녹음과 비교할 기준 자료다. 이후의 녹음은 같은 선율을 얼마나 매끄럽게 연결하는지, saxophone과 목관의 색을 어떻게 배치하는지, 마지막 tutti까지 pulse를 어떻게 유지하는지에 따라 서로 다른 윤곽을 만든다.

1928년 발레 초연 뒤 작품은 빠르게 연주회 레퍼토리로 이동했다. IRCAM은 Ravel 지휘의 Orchestre Lamoureux가 연주한 concert creation을 발레 초연과 따로 기록한다. 초기부터 무용과 관현악 연주가 병존했으며, 오늘날에는 무대 없이 연주되는 형태가 표준이 되었다. 작품의 인지도는 이 단순한 재료에서 비롯되지만, 지속적인 수용은 그 재료를 수백 마디 동안 지탱하는 관현악 설계와 연주 조건에 달려 있다.

### 주요 자료



- [Boléro (1928)](https://ressources.ircam.fr/en/work/bolero) (IRCAM Ressources). 발레 장르, Durand 출판, Ida Rubinstein 위촉·헌정, 16분, 발레 초연과 concert creation의 구분을 확인했다.
- [Boléro](https://www.laphil.com/works/bolero) (Los Angeles Philharmonic). 15분, 공연 편성, Albéniz 프로젝트와 Ravel의 작곡 구상, 단일 선율·고정 리듬·점층적 다이내믹, 공장 배경을 확인했다.
- [Program Notes: Ravel’s Boléro](https://www.njsymphony.org/program_notes/detail/program-notes-ravels-bolero) (New Jersey Symphony). 13분, 상세 편성, Tansman이 전한 Ravel–Toscanini tempo 일화, Ravel의 자기 설명과 무용 맥락을 확인했다.

# La valse

# 정보

## 개요

**곡명:** *La valse*  
**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)  
**작곡 시기:** 1919–1920년  
**초연:** 1920년 12월 12일, Paris Salle Gaveau; Orchestre Lamoureux, Camille Chevillard 지휘  
**장르:** 단악장 관현악 안무시  
**IMSLP:** [La valse, M.72 (Ravel, Maurice)](https://imslp.org/wiki/La_valse%2C_M.72_%28Ravel%2C_Maurice%29)  
**Wikipedia:** [La valse](https://en.wikipedia.org/wiki/La_valse)

Ravel의 *La valse*는 관현악을 위한 단악장 안무시이며, 이 글은 관현악판 전곡을 다룬다. 악보의 유일한 악장 표시는 `Mouvement de Valse viennoise`다. 소용돌이치는 구름 사이로 왈츠를 추는 남녀가 보이고, 구름이 걷히면서 거대한 홀이 드러나며, 샹들리에의 빛이 음향과 함께 밝아진다는 짧은 무대 지시가 악보 첫머리에 놓인다. 배경은 1855년 무렵의 제국 궁정이다.

이 작품에는 번호가 붙은 장면이나 작곡가가 정한 네 부분이 없다. 낮은 음역에서 떠오르는 박자 조각, 여러 왈츠의 연쇄, 앞서 나온 재료의 변형된 귀환과 가속이 끊기지 않고 이어진다. 따라서 편의를 위해 만든 구간명이나 구간별 시간을 공식 구성처럼 제시하지 않고, 악보와 Ravel의 설명에 확인되는 연속적인 진행을 따라간다.

*La valse*는 무대를 염두에 두고 태어났지만 먼저 연주회장에서 알려졌다. Ballets Russes를 위한 제작은 성사되지 않았고, 관현악 초연 뒤 약 6년이 지나서야 첫 무대 공연이 열렸다. 이후 여러 안무가가 Ravel의 짧고 비서사적인 장면을 서로 다른 이야기와 움직임으로 확장했다.

### 소요 시간

출판사와 공연기관의 안내는 약 12분에서 15분 사이에 놓인다. Breitkopf & Härtel은 12분, IRCAM과 Berliner Philharmoniker는 13분을 제시하며, 일부 공연 자료는 약 15분을 잡는다. 단악장 안에서 속도 변화가 이어지므로 별도의 구간별 시간은 두지 않는다.

### 편성

**Woodwinds:** 3 Flutes (Flute 3 also Piccolo); 3 Oboes (Oboe 3 also Cor anglais); 2 Clarinets in A; 1 Bass Clarinet in A; 2 Bassoons; 1 Contrabassoon.  
**Brass:** 4 Horns in F; 3 Trumpets in C; 3 Trombones; Tuba.  
**Percussion:** Timpani; Bass Drum, Snare Drum, Cymbals, Triangle, Tambourine, Tam-tam, Castanets, Glockenspiel, Crotales.  
**Harps:** 2 Harps.  
**Strings:** Violins I, Violins II, Violas, Violoncellos, Double Basses.

큰 관현악 편성이지만 첫머리는 콘트라바순과 낮은 현악기의 희미한 진동에서 시작한다. 하프 두 대와 글로켄슈필, 크로탈, 캐스터네츠를 포함한 타악기는 춤의 윤곽과 광택을 바꾸고, 금관과 타악기 전체는 후반의 음량 상승에서 비로소 전면에 나온다. 출판사가 제시하는 실연 인원은 팀파니 연주자 외에 타악기 연주자 다섯 명이다.

### 출판 정보와 자료

관현악 자필 자료는 여러 단계로 남아 있다. Morgan Library & Museum은 1919년 12월부터 1920년 3월까지의 날짜가 적힌 관현악 초고와 피아노 독주판, 두 대의 피아노판 원고를 소장한다. BnF에는 Roger Désormière가 보관했던 연필 관현악 초고가 있다. 이 자료들은 관현악곡 하나와 Ravel 자신이 만든 두 피아노판을 구분해 보여 준다. 한 대의 피아노를 위한 네 손 편곡은 Lucien Garban의 작업이다.

피아노 독주판은 1920년 11월, 두 대의 피아노판은 같은 해 12월 Durand에서 출판됐다. 관현악 총보와 파트의 판각은 초연 뒤 진행돼 1921년 3월 완성됐다. 초연에 사용한 총보와 파트는 현재 확인되지 않으며, 남아 있는 자필 정서본에도 공연이나 판각에 쓴 흔적이 없다. 그러므로 1920년 초연 악보가 어느 수정 단계를 반영했는지는 확정할 수 없다.

1921년 Durand 총보 뒤에는 서로 다른 자료를 다시 대조한 비평판들이 나왔다. Jean-François Monnard의 Breitkopf Urtext PB 5374는 자필 총보와 피아노판, 초판을 비교했고 첫머리 낮은 현악기의 음향 문제와 Manuel Rosenthal의 후대 수정안도 비평 보고서에 실었다. François Dru가 편집한 *Ravel Edition* 제8권은 2022년에 Morgan과 BnF 원고, 초기 Orchestre Lamoureux 파트, 지휘자들의 사용 총보와 초기 녹음을 함께 검토했다. Douglas Woodfull-Harris의 Bärenreiter Urtext BA 9043은 2025년에 출판됐으며 Ravel이 1928년 미국 순회에서 사용한 San Francisco Symphony 파트까지 자료 범위에 넣었다. 어느 판본도 나머지를 폐기하지 않는다. 판본마다 채택한 전승 자료와 편집 판단이 다르다.

### *Vienne*에서 *La valse*까지

발상은 작품의 완성보다 훨씬 앞선다. Ravel은 1906년 2월 Jean Marnold에게 Johann Strauss를 기리는 거대한 왈츠를 구상한다고 썼고, 그해 여름에는 *Vienne*이라는 제목을 언급했다. 다만 이 편지는 1906년에 실제 작곡을 시작했다는 증거는 아니다. 구상은 1914년 *Wien*이라는 이름으로 다시 나타났고, 현존 자료로 추적되는 본격적인 작업은 1919년 12월 Lapras에서 시작한다.

Ravel은 1919년 말부터 관현악 초고를 쓰고 1920년 초 피아노판과 총보를 빠르게 정리했다. 제목은 작업 도중 독일어 *Wien*에서 프랑스어 *La valse*로 바뀌었다. 1920년 3월 관현악 초고가 마무리됐고, 정서 총보는 4월 중순 무렵 완성됐다. 1906년의 Strauss 오마주와 전쟁 뒤 완성된 악보 사이에는 긴 시간차가 있으므로, 초기 구상과 실제 작곡 시기를 나누어 보는 편이 정확하다.

### 연주회 초연과 무대화

1920년 봄 Misia Sert의 집에서 Ravel과 Marcelle Meyer가 두 대의 피아노로 작품을 들려줬다. Poulenc가 1963년에 구술한 회고에 따르면, Diaghilev는 이를 걸작이지만 발레가 아니라 발레의 그림이라고 평했다. Misia Sert의 회고도 그가 음악보다 안무 가능성에 의문을 품었다는 취지를 전한다. 그러나 유명한 문장은 사건 뒤 수십 년이 지난 회고에만 남아 있고, 시연 날짜조차 자료에 따라 다르다. 동시대의 Diaghilev 발언처럼 단정할 수 없는 일화다.

두 대의 피아노판은 1920년 10월 23일 Wien의 소콘서트홀에서 Ravel과 Alfredo Casella가 처음 공개 연주했다. 관현악판은 12월 12일 Paris Salle Gaveau에서 Orchestre Lamoureux와 Camille Chevillard가 초연했다. 일부 기관 자료에는 Théâtre du Châtelet나 Théâtre des Champs-Élysées가 적혀 있지만, 최신 비평판 연구와 *Ravel Edition*은 Salle Gaveau로 일치한다. 초연의 반응은 엇갈렸고, 1921년 11월 24일 Serge Koussevitzky가 Paris에서 지휘한 공연이 열광적인 성공을 거둔 뒤 국제적인 확산이 빨라졌다.

현재 확인되는 최초 무대화는 1926년 10월 2일 Antwerpen 왕립 플람스 오페라에서 열렸다. Sonia Korty가 안무하고 J. J. B. Schrey가 지휘했다. 오랫동안 첫 발레 공연으로 소개된 1929년 Bronislava Nijinska와 Ida Rubinstein의 제작은 그 뒤의 주요 프로덕션이다. 이 제작은 1929년 1월 Monte Carlo에서 공연된 뒤 5월 23일 Paris Opéra에 올랐다.

George Balanchine의 1951년 *La Valse*는 앞부분에 Ravel의 *Valses nobles et sentimentales*를 붙이고 검은 옷의 죽음이라는 인물을 도입했다. 이 서사는 원래 관현악곡의 줄거리가 아니다. Frederick Ashton이 1958년 La Scala를 위해 만든 판은 구름 사이에서 나타나는 무도회라는 짧은 지시를 대규모 앙상블로 풀었다. 두 안무는 Ravel의 짧고 비서사적인 구상이 전혀 다른 서사로 뻗어 간 사례다.

### 단악장 안에서 태어나는 왈츠

첫머리에는 조성이 분명하지 않은 낮은 현악기의 트레몰로와 콘트라바순의 단편이 깔린다. 그 위로 3박자의 짧은 조각이 서로 겹치지만 완전한 왈츠 선율은 좀처럼 모습을 드러내지 않는다. Ravel은 1920년 Wien에서 한 인터뷰에서 이 앞부분을 ‘왈츠의 탄생’으로 설명했다. 악보의 무대 지시에서는 아직 구름 사이로 춤추는 커플의 모습만 언뜻 보이는 순간에 해당한다.

조명과 홀이 뚜렷해지면서 왈츠들이 연달아 나온다. 우아한 현악 선율, 목관의 짧은 응답, 활주하는 하프와 타악기의 반짝임이 차례로 악기 조합을 바꾼다. 하나의 주제가 완결된 뒤 다음 곡으로 넘어가는 모음곡과 달리, 앞의 동기와 반주가 뒤의 왈츠 안으로 스며든다. 음악학자 Yayoi Uno Everett은 이 과정에서 왈츠 관습의 박자와 악센트가 점차 어긋나고, 이미 들은 재료가 변형돼 되돌아오면서 연속적인 회전을 만든다고 설명한다.

중반 이후 첫머리의 어두운 음향이 돌아오지만 처음과 같은 출발점으로 복귀하지는 않는다. 앞에서 선명했던 왈츠들이 더 짧게 끊기고, 성부가 겹치며, 속도와 음량이 함께 올라간다. Ravel은 Maurice Emmanuel에게 보낸 1922년 편지에서 작품의 진행을 음향이 위로 쌓이는 과정으로 설명하고, 무대는 여기에 빛과 움직임의 상승을 더한다고 썼다. 이 말은 후반을 일정한 빠르기로 몰아붙이는 한 덩어리보다, 되돌아오는 재료가 매번 더 큰 압력을 얻는 진행으로 보게 한다.

끝에 가까워지면 3박자의 균형이 거칠게 흔들리고 악구가 압축된다. 금관과 타악기가 전면에 나오며 춤의 회전은 발작적인 절정에 닿는다. 종결의 강한 박은 왈츠의 관습적인 마침을 비틀지만, 악보에는 제국의 파멸이나 전쟁을 가리키는 사건이 적혀 있지 않다. 작품이 들려주는 것은 하나의 줄거리보다, 희미한 박자에서 시작한 왈츠가 스스로를 밀어 올려 감당하기 어려운 속도와 음향에 이르는 과정이다.

### ‘죽음의 춤’과 Ravel의 설명

초연 직후부터 청자들은 이 결말에 어두운 의미를 부여했다. Florent Schmitt는 겹쳐지는 왈츠에서 공포와 격렬한 질주를 들었고, Roland-Manuel은 유령 같은 무용수와 환각을 떠올렸다. Théodor Lindenlaub는 작품을 죽음의 춤이라고 불렀다. 후대에는 제1차 세계대전과 합스부르크 제국, 오래된 유럽의 붕괴를 읽는 해석도 널리 퍼졌다. 이런 독해는 작품의 초기 수용과 후대 비평을 설명하지만 악보에 명시된 표제는 아니다.

Ravel은 정치적 줄거리와 거리를 두었다. 1922년 Emmanuel에게 보낸 편지에서 패러디나 제2제정의 종말, 전후 Wien을 그렸다는 해석을 경계했고, 1924년 Madrid 인터뷰에서도 그런 설명을 오류라고 했다. 그가 인정한 비극성은 정치적 사건보다 춤의 현기증과 관능이 숙명적인 황홀경까지 밀려가는 데 가까웠다. 1928년 자전적 스케치에서도 작품을 빈 왈츠의 찬미와 환상적이고 숙명적인 회전의 결합으로 요약했다.

발란신의 죽음 서사와 현대 음악학의 전쟁·트라우마 독해는 작품이 만들어 낸 강한 수용의 일부다. 다만 그것을 Ravel이 미리 정한 정답으로 바꾸면, 그가 반복해 밝힌 왈츠의 탄생과 음향·빛·움직임의 상승이라는 설명이 가려진다. *La valse*의 격렬함은 정치적 알레고리를 허용할 만큼 열려 있지만, 그 알레고리를 작곡가의 유일한 의도로 확정하지는 않는다.

### 리듬의 유연성과 남아 있는 연주 자료

Ravel은 1921년 10월 20일 Ernest Ansermet에게 보낸 편지에서 그의 *La valse* 연주가 작품을 완전히 이해했으며, Paris에서는 듣지 못한 ‘리듬의 유연성’을 지녔다고 칭찬했다. 작곡가가 직접 남긴 이 평가는 빈 왈츠의 박자를 기계적으로 똑같이 나누는 것보다 유연한 무게 이동을 받아들였다는 근거가 된다. 다만 당시 공연의 음원은 남아 있지 않고, Ansermet의 현존 상업 녹음은 1947년에 다른 악단과 만든 기록이다.

Ravel 자신은 1928년 1월 Chicago Symphony를 지휘해 이 곡을 연주했다. 같은 미국 순회 중 San Francisco Symphony가 사용한 파트는 Bärenreiter 신판의 자료가 됐지만, 출판사가 공개한 안내만으로 그 안의 개별 기입을 모두 Ravel의 지시라고 볼 수는 없다. 지휘자가 직접 남긴 상업 녹음도 현재 확인되지 않는다.

*Ravel Edition* 편집진은 Charles Munch와 Roger Désormière가 사용한 지휘 총보, Pierre Boulez의 주석 악보, 초기 Orchestre Lamoureux 파트와 Philippe Gaubert의 1927년 녹음까지 비교했다. 편집자 François Dru는 이 자료에서 현악기의 글리산도와 포르타멘토, 당시 빈 무도회 양식의 세련됨, 리듬의 탄력을 되살릴 단서를 찾는다. 이는 Ravel의 한 문장짜리 직접 명령이 아니라 여러 실연 자료를 종합한 현대 편집자의 판단이다.

### 주요 레코딩

- **Ernest Ansermet / Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire (Decca, 1947):** Ravel이 1921년에 리듬의 유연성을 직접 칭찬한 지휘자가 26년 뒤 남긴 기록이다. 당시의 악단과 공연을 그대로 보존한 음원은 아니므로 ‘작곡가 공인 녹음’보다 그가 높이 평가한 지휘자의 후대 해석으로 듣는 편이 정확하다.

- **Charles Munch / Boston Symphony Orchestra (RCA, 1955):** 빠른 추진 속에서도 첫머리의 유령 같은 기척, 관능적인 현악 음색과 관현악 세부를 함께 살린 연주다. *MusicWeb International*은 이 음반의 반짝임과 감각적인 색채를 높이 평가했다. Munch가 사용한 지휘 총보가 2022년 *Ravel Edition*의 원전 연구에 포함됐다는 점도 이 녹음의 역사적 맥락을 보탠다.

- **François-Xavier Roth / Les Siècles (Harmonia Mundi, 2019 녹음ㆍ2020 발매):** Monnard의 Breitkopf판과 시대악기, 거트현을 결합한 현대적 실험이다. *The Guardian*은 가볍고 탄력적인 운동감과 마지막 충격을, *The Classic Review*는 근육질 음향과 관현악 균형을 짚었다. 어둠만 앞세우지 않고 무도회의 광택과 종결의 파열을 맞붙인 해석이다.

세 녹음의 성격은 각기 다르다. Ansermet는 Ravel이 직접 칭찬한 리듬 감각의 후대 기록이고, Munch는 프랑스계 관현악 전통과 편집 자료를 잇는다. Roth는 비평판과 옛 악기의 조건을 새롭게 시험한다. 차이는 첫머리의 희미함, 왈츠 박자의 탄력, 후반 가속이 시작되는 위치와 종결의 무게에서 드러난다.

### 주요 자료

- [Henle, Peter Jost의 2025년 비평판 서문](https://www.henle.de/media/e1/f8/f5/1757417453/HN_1665_Vorwort.pdf): 1906년 구상과 1919–1920년 작곡, 피아노판과 관현악판의 출판, Diaghilev 일화의 회고적 성격, 초연과 초기 수용을 정리한다.
- [Ravel Edition, *La Valse*](https://www.raveledition.com/la-valse): 자필 원고, Durand 판각 연표, 1920년 관현악 초연과 2022년 비평판의 자료 범위를 설명한다.
- [The Morgan Library & Museum, 관현악 자필 원고](https://www.themorgan.org/music-manuscripts-and-printed-music/115541): 1919년 12월–1920년 3월의 날짜가 적힌 관현악 초고와 소장 정보를 제공한다.
- [BnF Comité d’histoire, Fonds Maurice Ravel](https://comitehistoire.bnf.fr/dictionnaire-fonds/ravel-maurice-0): Roger Désormière가 기증한 *La valse* 연필 작업 원고와 분산된 Ravel 자료의 소장 내력을 확인한다.
- [Breitkopf & Härtel, Monnard 편집 PB 5374](https://www.breitkopf.com/work/8600/la-valse): 편성, 소요 시간, 비교한 원전과 비평 보고서의 쟁점을 소개한다.
- [Bärenreiter, Douglas Woodfull-Harris 편집 BA 9043](https://www.barenreiter.co.uk/la-valse-for-orchestra-full-score-paperback-ba9043.html): 2025년 신판의 출판 정보와 1928년 미국 공연 자료를 포함한 원전 범위를 밝힌다.
- [IRCAM, *La valse* 작품 정보](https://ressources.ircam.fr/fr/work/la-valse): 장르, 편성, 소요 시간과 초연 기본 정보를 제공한다.
- [Berliner Philharmoniker, *La Valse* 작품 해설](https://www.berliner-philharmoniker.de/en/programme-notes/maurice-ravel-la-valse/): 악보의 장면 서문, 단악장 표기와 관현악 진행을 정리한다.
- [Henle Blog, Ravel의 1922년 Maurice Emmanuel 편지](https://blog.henle.de/en/2025/01/13/naturally-artificing-maurice-ravel-on-his-150th-birthday/): 정치적 알레고리를 경계하고 음량·빛·움직임의 상승을 설명한 편지 원문 이미지를 제공한다.
- [Opera Ballet Vlaanderen, *La Valse* 공연사](https://www.operaballet.be/en/programme/season-2025-2026/rites-bolero-x-la-valse-le-sacre-du-printemps): 1926년 Antwerpen의 최초 무대화와 Sonia Korty의 안무를 확인한다.
- [BnF Catalogue, 1929년 Paris Opéra 공연](https://catalogue.bnf.fr/ark%3A/12148/cb47523610d): Bronislava Nijinska와 Ida Rubinstein 제작의 공연 서지를 제공한다.
- [George Balanchine Foundation, *La Valse* (1951)](https://balanchine.org/balanchine-catalogue/catalogue-of-works/277-la-valse-1951/): *Valses nobles et sentimentales*를 결합한 발레의 구성과 초연 정보를 확인한다.
- [Frederick Ashton Foundation, *La Valse* (1958)](https://frederickashton.org.uk/ballet/la-valse-1958/): 1958년 La Scala 초연과 Ravel의 무도회 장면을 확장한 안무의 성격을 정리한다.
- [Cambridge University Press, Jillian C. Rogers의 논문](https://www.cambridge.org/core/journals/nineteenth-century-music-review/article/musical-magic-words-trauma-and-the-politics-of-mourning-in-ravels-le-tombeau-de-couperin-frontispice-and-la-valse/9E0903200BA51B9EE28309C188A4972D): 초연 직후의 유령·폭력·죽음의 춤 수용과 현대의 전쟁·트라우마 독해를 작곡가 발언과 구분해 다룬다.
- [Decca Eloquence, Ansermet의 Ravel·Debussy 초기 녹음](https://www.eloquenceclassics.com/releases-archive/ravel-debussy-the-decca-78s-ansermet/): Ravel이 Ansermet의 리듬 유연성을 칭찬한 편지와 1947년 녹음 서지를 전한다.
- [MusicWeb International, Munch/BSO Ravel 음반평](https://www.musicweb-international.com/classrev/2005/Apr05/ravel_munch_82876663742.htm): 1955년 녹음의 음색, 첫머리와 관현악 세부를 평가한다.
- [*The Guardian*, Roth/Les Siècles 음반평](https://www.theguardian.com/music/2020/apr/02/ravel-la-valse-mussorgsky-pictures-at-an-exhibition-review-francois-xavier-roth-les-siecles): 시대악기와 Monnard판을 사용한 연주의 탄력, 음색과 종결을 평가한다.

# Rapsodie espagnole

# 정보

## 개요

**곡명:** Rapsodie espagnole  
**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)  
**작곡 시기:** 1907–1908년  
**초연:** 1908년 3월 15일, 파리 Théâtre du Châtelet, Concerts Colonne, Édouard Colonne 지휘  
**장르:** 네 부분으로 이루어진 관현악 랩소디  

[IMSLP: Rapsodie espagnole](https://imslp.org/wiki/Rapsodie_espagnole_(Ravel%2C_Maurice))  
[Wikipedia: Rapsodie espagnole](https://en.wikipedia.org/wiki/Rapsodie_espagnole)

Maurice Ravel의 `Rapsodie espagnole`은 1907–1908년에 완성한 관현악 랩소디로, `Prélude à la nuit`, `Malagueña`, `Habanera`, `Féria` 네 부분을 이 순서로 연주한다. 이 글은 1908년 Durand 관현악 초판을 기준으로 전곡을 다루며, 가운데의 `Habanera`에 1895년 두 대의 피아노를 위해 먼저 쓴 재료가 사용되었다는 판본 관계도 함께 설명한다.

### 출판 정보

A. Durand & fils는 1908년 파리에서 관현악 총보와 두 대의 피아노판을 출판했다. Morgan Library & Museum이 보존한 초판 표지에는 Ravel이 피아노 스승 Charles de Bériot에게 작품을 헌정한 문구가 남아 있다. 두 대의 피아노판은 1895년에 쓰인 `Habanera`의 재료와 1907–1908년에 완성한 나머지 부분을 함께 묶은 병행 판본으로 기록되며, 관현악판의 단순한 축약판으로 취급하지 않는다.

### 소요 시간

전곡은 자료와 공연에 따라 약 15–17분이다. `Prélude à la nuit`와 `Féria`가 전체 시간의 대부분을 차지하고, `Malagueña`와 `Habanera`는 짧은 가운데 부분을 이룬다. 개별 시간은 지휘 속도와 공연 조건에 따라 달라지므로 총시간 범위로 제시한다.

### 편성

- **목관:** 2 flutes와 piccolo, 2 oboes와 English horn, 2 clarinets와 bass clarinet, 3 bassoons와 sarrusophone
- **금관:** 4 horns, 3 trumpets, 3 trombones, tuba
- **타악기:** timpani, bass drum, cymbals, triangle, castanets, tambourine, tam-tam, snare drum, xylophone
- **기타:** 2 harps, celesta, strings

원 악보와 초판은 sarrusophone을 별도 악기로 적는다. 현행 공연에서는 이 저음 파트를 contrabassoon으로 대체하는 경우가 있으므로, 프로그램이나 파트보에서 어떤 악기를 사용하는지 확인해야 한다. Strasbourg와 Breitkopf의 자료는 piccolo·English horn·bass clarinet·sarrusophone을 각 목관군에 포함해 묶어 표기하고, LA Phil과 공개 악보는 겸주 관계를 세부 목록으로 풀어 쓴다. 타악기 명칭도 판본에 따라 묶음 방식이 달라질 수 있지만, 위 목록은 초판과 전문 기관 자료에서 공통으로 확인되는 연주 골격을 보여 준다.

### 네 부분의 진행

#### I. `Prélude à la nuit` — `Très modéré`

첫 부분은 네 개의 하행음으로 자주 설명되는 반복 음형을 낮고 얇은 관현악 음색 안에 놓는다. 이 음형은 밤과 정지의 출발점을 만들며, 뒤의 `Malagueña`와 `Féria`에도 변형되어 나타난다. 음악은 큰 사건을 서두르기보다 악기 조합과 음역의 미세한 변화를 통해 첫 장면의 공간을 제시한다.

#### II. `Malagueña` — `Assez vif`

짧고 민첩한 춤곡이 첫 부분의 정지된 시간에 움직임을 부여한다. 제목은 스페인 남부의 춤 장르를 가리키지만, Ravel은 특정 민속 선율을 채보해 옮기기보다 리듬과 관현악 색채를 자신의 문법으로 재구성했다. 색채 타악과 목관의 짧은 응답은 다음 부분의 하바네라로 넘어갈 대비를 만든다.

#### III. `Habanera` — `Assez lent et d’un rythme las`

이 부분은 느슨한 싱코페이션과 낮은 음역을 중심으로 전곡의 속도를 늦춘다. Ravel은 1895년에 두 대의 피아노를 위해 쓴 `Habanera`를 1907–1908년 관현악 문맥에 배치했다. 따라서 이 부분은 전곡의 작곡 시기와 라벨이 오랫동안 다듬어 온 하바네라 리듬을 연결하는 매개가 된다. LA Phil의 해설은 `Prélude à la nuit`의 네 음형이 이 부분에서는 직접 반복되는 방식으로 두드러지지 않는다고 설명한다.

#### IV. `Féria` — `Assez animé`

마지막 부분은 앞선 세 부분의 정지, 춤, 하바네라 리듬을 축제 장면의 지속적인 움직임으로 확장한다. 하프와 celesta의 밝은 음색, 목관의 겹침, 금관과 캐스터네츠·탬버린의 리듬이 한꺼번에 밀도를 높이면서 전곡의 가장 긴 호흡을 담당한다. Strasbourg의 공연 해설은 초연 당시 `Malagueña`가 앙코르되었다고 기록하며, 이 전환부가 초기 수용에서 독립적인 반응을 이끌었다는 사례로 제시한다.

### 스페인성의 출처와 관현악 방식

Ravel은 Ciboure와 바스크 지방에서 성장했고 어머니에게서 스페인계 노래인 guajira를 들었다. Strasbourg의 해설은 이 개인적 기억과 당시 프랑스 청중이 공유하던 스페인 취향, 그리고 춤 리듬과 장식 선율에 대한 Ravel의 관심이 작품의 배경을 이룬다고 설명한다. LA Phil이 인용한 Manuel de Falla의 평가는 `Rapsodie espagnole`의 스페인성이 특정 민속 선율의 직접 인용보다 자유로운 리듬, 선법적 선율, 장식 음형의 결합에서 나온다고 본다.

이 관점에서 네 부분의 순서는 표제만 나열한 랩소디가 아니라 관현악 재료를 단계적으로 배치하는 설계로 읽힌다. `Prélude à la nuit`의 반복 음형이 `Malagueña`와 `Féria`에서 다른 리듬과 음색으로 돌아오고, `Habanera`는 1895년의 독립된 재료를 통해 흐름을 잠시 굽힌다. 사뤼소폰을 포함한 저음 목관, 두 대의 하프와 celesta, 그리고 여러 타악기는 스페인풍 표지를 하나의 악기로 고정하지 않고 부분마다 다른 조합으로 제시한다.

### 초연과 연주 판본

1908년 3월 15일 Théâtre du Châtelet 초연은 Édouard Colonne가 지휘한 Concerts Colonne가 맡았다. IRCAM은 같은 달 5일을 날짜로 적는 등 기관별 기록에 차이가 있으나, 다수 공연기관과 Ravel 초판의 서지 맥락은 3월 15일을 제시한다. 오늘날에는 sarrusophone의 대체 여부와 목관 겸주 표기를 공연 전에 확인해야 하며, 1908년 관현악판과 두 대의 피아노판을 서로 다른 연주 매체로 구분해야 작품의 실제 음향 조건을 파악할 수 있다.

### 주요 자료

- [Rapsodie espagnole, IRCAM 작품 데이터베이스](https://ressources.ircam.fr/en/work/rhapsodie-espagnole)
- [Rapsodie espagnole 해설, Orchestre Philharmonique de Strasbourg](https://philharmonique.strasbourg.eu/-/comprendre-l-%C5%93uvre-la-rapsodie-espagnole-par-maurice-ravel)
- [Rapsodie espagnole Urtext, Breitkopf & Härtel](https://www.breitkopf.com/work/9203/rapsodie-espagnole)
- [Rapsodie espagnole, Los Angeles Philharmonic](https://es.laphil.com/works/rapsodie-espagnole)
- [Rapsodie espagnole for two solo pianos, Los Angeles Philharmonic](https://www.laphil.com/works/rapsodie-espagnole-for-two-solo-pianos)
- [1908년 초판 서지, Morgan Library & Museum](https://www.themorgan.org/music-manuscripts-and-printed-music/114016)
- [Rapsodie espagnole 공개 악보 기록, IMSLP](https://imslp.org/wiki/Rapsodie_Espagnole_%28Ravel%2C_Maurice%29)

# Daphnis et Chloé

# 정보

## 개요

**곡명:** Daphnis et Chloé, M.57  
**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)  
**작곡 시기:** 1909년 6월–1912년 4월 5일  
**초연:** 1912년 6월 8일, 파리 샤틀레 극장. Ballets Russes, Pierre Monteux 지휘, Michel Fokine 안무, Léon Bakst 무대·의상  
**작품 유형:** 가사 없는 SATB 합창과 관현악을 위한 1막 3부 발레. Ravel은 이를 ‘안무적 교향곡’이라 불렀다.  
**IMSLP:** [Daphnis et Chloé, M.57](https://imslp.org/wiki/Daphnis_et_Chlo%C3%A9%2C_M.57_%28Ravel%2C_Maurice%29)  
**Wikipedia:** [Daphnis et Chloé](https://en.wikipedia.org/wiki/Daphnis_et_Chlo%C3%A9)

《Daphnis et Chloé》는 Longus의 고대 그리스 목가소설을 바탕으로 Ravel과 Fokine이 줄거리를 만든 전막 발레다. Lesbos의 목동 Daphnis와 Chloé가 사랑을 확인하고, 해적의 납치와 Pan의 개입을 거쳐 새벽의 재회와 공동체의 축제에 이르는 과정을 1막 3부로 잇는다. 무대 사건은 춤의 성격과 관현악 음색으로 구별되지만, 반복되는 동기와 조성의 흐름이 약 50–60분의 전곡을 하나로 묶는다. 전곡에서 두 묶음을 떼어 낸 Suite No. 1과 Suite No. 2도 별도로 연주되며, 특히 제3부 전체에 해당하는 Suite No. 2가 널리 알려져 있다.

### 출판 정보와 자료

Serge Diaghilev는 Ballets Russes의 새 작품을 위해 1909년 Ravel에게 음악을 맡겼다. Fokine은 Longus의 이야기를 무대용으로 구성했고 Ravel도 줄거리 작성에 참여했지만, 두 사람이 상상한 고대 그리스는 같지 않았다. Ravel은 1928년 Roland-Manuel에게 받아쓰게 한 자전적 구술에서 고고학적 복원보다 18세기 말 프랑스 화가들과 가까운 ‘내 꿈속의 그리스’를 그리려 했다고 밝혔다. 같은 구술에서 작품을 ‘안무적 교향곡’이라 부르고, 엄격한 조성 계획과 소수 동기의 발전으로 전체의 통일성을 세웠다고 설명했다. 이 글은 Ravel이 완성 원고를 직접 출판한 수필이 아니라 구술 초고가 사후인 1938년에 공개된 자료이므로, 해당 표현은 그 맥락에 귀속해 읽어야 한다.

제작은 순조롭지 않았다. 음악과 안무의 성격을 두고 Ravel, Fokine, Diaghilev 사이에 이견이 있었고 공연 직전까지 리허설도 빠듯했다. 전곡에 앞서 Suite No. 1이 1911년 4월 2일 파리 Concerts Colonne에서 Gabriel Pierné의 지휘로 연주되었다. 완성 자필 총보에는 1912년 4월 5일 날짜가 적혀 있다. 전곡은 같은 해 6월 8일 샤틀레 극장에서 초연되었으며, Vaslav Nijinsky가 Daphnis, Tamara Karsavina가 Chloé를 맡았다. 네 차례로 예정된 공연 가운데 실제 무대는 6월 8일과 10일 두 차례에 그쳤다. 당시 반응을 단순한 실패로 부르기는 어렵지만, Ballets Russes의 대표적 흥행작처럼 즉시 자리를 잡지도 못했다.

Durand는 피아노·성악 리덕션을 1910년에, 완성 관현악 총보를 1913년에 출판했다. Bibliothèque nationale de France가 소장한 1913년 포켓 총보는 308쪽과 부록으로 이루어져 있다. 완성 자필 관현악 총보는 현재 University of Texas의 Harry Ransom Center, Carlton Lake Collection에 MS-04960으로 보관되어 있다.

초판 총보와 연주 파트에는 음표·셈여림·아티큘레이션이 일치하지 않는 곳이 많다. 지휘자 John Wilson은 자신의 2022년 녹음에 사용한 연주용 판본을 설명하면서, Ravel이 리허설 중 고친 내용 가운데 일부가 총보가 아니라 파트에만 전해졌다고 밝혔다. 이를 출판된 비평판과 혼동해서는 안 된다. 현재 Breitkopf & Härtel은 Jean-François Monnard가 자필 총보, 법정 납본 초판, 서신 등을 대조한 Urtext 전곡 총보 PB 5650과 두 모음곡 총보를 출판한다. 전곡의 기본형에는 가사 없는 SATB 합창이 들어간다. 합창 없는 대체안도 Ravel에게서 비롯되지만, 소규모 공연장의 편의를 위해 마련한 별도 선택지이며 Breitkopf 전곡판은 이를 부록으로 수록한다.

### 소요 시간

- **전곡:** 약 50–60분
- **제1부:** 약 29–31분
- **제2부:** 약 10–11분
- **제3부:** 약 16–17분
- **Suite No. 1:** 약 12–13분
- **Suite No. 2:** 약 17–18분

Durand의 작품 목록은 전곡을 약 55분, Suite No. 1을 13분, Suite No. 2를 17분으로 적는다. Breitkopf Urtext는 각각 약 50분, 12분, 18분으로 제시한다. 부별 시간은 음반의 트랙 구분에 따라 달라지며, 전곡 녹음 가운데에는 약 59분에 이르는 경우도 있다.

### 편성

- **성악:** 가사 없는 SATB 합창
- **목관:** 플루트 3(피콜로 겸임 포함), 알토 플루트, 오보에 2, 잉글리시 호른, E♭ 클라리넷, 클라리넷 2, 베이스 클라리넷, 바순 3, 콘트라바순
- **금관:** 호른 4, C조 트럼펫 4, 트롬본 3, 튜바
- **타악기:** 팀파니, 트라이앵글, 큰북, 심벌즈, 작은북, 군대북, 탐탐, 캐스터네츠, 윈드 머신, 크로탈, 탬버린, 실로폰, 글로켄슈필
- **건반·하프·현악:** 첼레스타, 하프 2, 현악
- **공간 배치 악기:** 무대 위 피콜로와 E♭ 클라리넷, 무대 뒤 호른과 트럼펫

타악기 연주자 수는 자료에 따라 다르다. Durand의 옛 작품 목록은 팀파니 외 6명, Breitkopf Urtext는 팀파니 외 8명으로 계산한다. 합창도 모든 대목에서 한 자리에 고정되지 않으며 무대 뒤와 무대 쪽의 거리가 달라진다. 현악은 여러 성부로 세분되는 divisi를 폭넓게 사용하지만, 최신 출판사의 편성표는 현악 파트 수를 하나의 고정 숫자로 적지 않는다.

### 전곡의 구성

곡은 1막 3부로 쉬지 않고 이어진다. 프로그램과 음반에 따라 Introduction과 Danse religieuse를 하나 또는 둘로 나누고, 제1부 끝의 Nocturne와 제2부 도입 Interlude도 서로 다르게 트랙으로 묶는다. 따라서 트랙 수보다 세 부분과 장면의 순서를 기준으로 범위를 확인하는 편이 정확하다.

#### 제1부: 님프의 동굴에서 Chloé의 납치까지

1. **Introduction et danse religieuse**
2. **Danse générale**
3. **Danse grotesque de Dorcon**
4. **Danse légère et gracieuse de Daphnis**
5. **Danse de Lycéion**
6. **Nocturne. Danse lente et mystérieuse des Nymphes**

무대는 신성한 숲 가장자리, 님프들의 동굴 앞 초원이다. 목동과 목녀들이 봉헌물을 바치고 종교적 춤을 춘 뒤, Chloé의 입맞춤을 상으로 내건 Dorcon과 Daphnis의 춤 경연이 열린다. Dorcon의 익살스럽고 무거운 춤과 Daphnis의 가볍고 우아한 춤은 같은 경쟁을 서로 다른 몸짓으로 보여 준다. Daphnis가 이겨 Chloé의 입맞춤을 받자 Lycéion이 나타나 그를 유혹하는 춤을 춘다.

해적들이 들이닥쳐 Chloé를 납치하면서 앞선 공동체의 춤은 끊어진다. 홀로 남은 Daphnis는 님프들의 동굴 앞에서 쓰러진다. 밤이 되면 석상으로 보이던 님프들이 깨어나 느리고 신비한 춤을 추고, Chloé를 구하기 위해 Pan을 부른다. Suite No. 1은 이 제1부 후반의 Nocturne에서 시작하여 제2부의 Danse guerrière까지 이어진다.

#### 제2부: 해적 진영

7. **Introduction 또는 Interlude**
8. **Danse guerrière**
9. **Danse suppliante de Chloé**

바위투성이 해안의 해적 진영에서 전사들의 거친 춤이 벌어진다. 우두머리 Bryaxis는 Chloé에게 춤을 명령한다. Chloé는 탄원하듯 춤추며 두 차례 달아나려 하지만 붙잡히고, Bryaxis가 그녀를 끌고 가려는 순간 땅이 갈라진다. Pan의 거대한 형상이 나타나자 해적들은 공포에 빠져 흩어진다. 이 부분은 Pan을 무대 위 인물 하나로만 처리하지 않고, 합창과 공간 악기, 관현악의 급격한 변화가 공연장 전체에서 초자연적 사건을 일으키도록 쓰여 있다.

#### 제3부: 새벽, 재회, Bacchanale

10. **Lever du jour**
11. **Pantomime (Les amours de Pan et Syrinx)**
12. **Danse générale (Bacchanale)**

무대는 다시 님프들의 동굴 앞이다. 새벽의 희미한 소리 속에서 새소리 같은 짧은 목관 음형, 잔잔하게 움직이는 현악, 하프와 첼레스타, 가사 없는 합창이 차례로 더해진다. 이 긴 상승은 자연 묘사에 그치지 않는다. Daphnis가 잠에서 깨어나 구출된 Chloé와 다시 만나는 순간까지 밤의 공포를 아침의 공동체로 되돌리는 극적 전환이다.

Daphnis와 Chloé는 Pan에게 감사하며 Pan과 Syrinx의 사랑을 판토마임으로 재연한다. 이때 플루트 독주는 Syrinx를 나타내는 중심 역할을 맡고, 선율은 다른 목관과 관현악으로 이어진다. 두 사람이 님프의 제단 앞에서 사랑을 맹세한 뒤, 5/4박자의 Danse générale가 시작된다. 불규칙한 박의 추진력, 타악기와 금관, 세분된 현악이 합쳐져 전곡을 Bacchanale로 마친다.

### 두 모음곡의 범위

**Suite No. 1, M.57a**는 전곡의 한 장면을 처음부터 떼어 낸 것이 아니다. 제1부 끝의 Nocturne, 두 장소를 잇는 Interlude, 제2부의 Danse guerrière를 묶는다. Daphnis의 절망과 님프들의 출현, 해적 진영으로의 이동, 전사들의 춤이 연속되므로 어둠에서 위협으로 향하는 전곡 중간부의 곡선이 남는다.

**Suite No. 2, M.57b**는 제3부의 Lever du jour, Pantomime, Danse générale를 순서대로 취한다. 새벽과 재회, Pan과 Syrinx의 재연, 마지막 축제가 완결된 결말을 이루기 때문에 독립 연주에서도 극적 방향이 선명하다. 다만 전곡에서는 이 새벽이 Chloé의 납치와 구출 뒤에 오므로, 단순한 일출 효과보다 앞선 사건의 해소라는 의미가 더 분명하다. 두 모음곡의 합창 사용 여부는 출판·실연판에 따라 달라질 수 있으므로, 프로그램에는 사용한 판본과 합창 포함 여부를 함께 밝히는 것이 정확하다.

### 연주 자료가 밝히는 구체적 문제

Paris Opera의 음악감독 Philippe Jordan은 Benjamin Millepied의 2014년 발레로 이 작품을 열한 차례 지휘한 뒤 녹음에 들어갔다고 설명했다. 반복된 무대 경험을 통해 악보 안의 드라마와 인물들이 지나가는 경로를 더 분명하게 정할 수 있었다는 것이다. 반면 Yan Pascal Tortelier는 2021년 인터뷰에서 젊은 시절에는 음을 하나씩 분해하다가 전체 흐름이 무거워졌다고 돌아보았다. 약 30년 전 자신의 전곡 녹음이 60분 가까이 걸렸지만 이후에는 50분에 가까워졌다는 그의 수치는 보편적 기준이 아니라 한 지휘자의 해석 변화다. 두 증언은 세부를 밝히는 일과 장면을 앞으로 보내는 일이 별개의 과제가 아님을 보여 준다.

합창은 독립된 덩어리로 올려놓기보다 관현악의 한 성부처럼 섞는다는 선택이 있다. 2017년 Slovak National Theatre에서 전막 발레를 지휘한 Vinicius Kattah는 합창이 ‘합창단처럼’ 따로 들리지 않고 관현악의 구성원으로 들려야 한다고 말했다. 그러나 중간의 무반주 구간은 관현악의 화성적 맥락 없이 준비해야 한다. Nashville Symphony Chorus의 음악감독 Tucker Biddlecombe는 이 대목을 맞추는 데 여러 주와 단원들의 상당한 개인 연습이 필요했고, 불협화음을 세심하게 조율했다고 회고했다. 합창 없는 대체판은 이런 난점을 임의로 삭제하는 방편이 아니라, Ravel이 소규모 공연장을 위해 마련한 별도 선택지다.

Lever du jour 초두의 가는 목관 음형에서는 큰 상승을 템포 변화로 만들 것인지, 기보된 박과 다이내믹의 축적으로 만들 것인지가 갈린다. NHK Symphony 수석 플루티스트 Hiroaki Kanda는 플루트와 클라리넷의 12음군에서 지휘자가 템포를 흔들면 주자들이 곤란해진다고 말했다. 그가 Pierre Boulez와 연주했을 때에는 기보되지 않은 ritardando 없이 거의 메트로놈처럼 박이 유지되었는데도 거대한 고조가 생겼다고 한다. 이는 Boulez 자신의 처방이 아니라 Kanda가 목격한 한 연주 방식이며, 다른 지휘자의 유동적인 템포 선택을 배제하지 않는다.

이 장면의 음량을 키울 때에도 전체를 한꺼번에 밀어 올리는 방식만 있는 것은 아니다. Charles Dutoit는 Orchestre symphonique de Montréal과 첫 Ravel 녹음으로 《Daphnis et Chloé》를 준비했던 과정을 설명하며, Ravel의 색채는 금관이나 타악기를 일률적으로 줄이는 문제가 아니라고 말했다. 호른·클라리넷·바순이 함께 만드는 화음에서 한 음만 지나치게 약해도 배음과 음색이 달라지므로, 화음 내부의 균형과 음정을 따로 맞춰야 한다는 견해다. 타악기 연주자 Bob Becker의 2016년 Toronto Symphony 전곡 공연 기록은 반대 방향의 조정도 보여 준다. Lever du jour 절정에서 지휘자 Juanjo Mena가 더 큰 소리와 더 분명한 crescendo를 요구하자 Becker는 처음부터 큰 서스펜디드 심벌 두 장을 함께 쓰고 더 무거운 말렛으로 바꾸었다. 이 세팅은 해당 공연장과 악기에 맞춘 사례이지 고정 편성법은 아니다.

Pantomime 플루트 독주는 시작부터 합주 안에서 시간을 받아야 한다. Sydney Symphony의 플루티스트 Lily Bryant는 베이스와 첼로의 pizzicato가 시작되면 세 박을 세고 들어가야 하므로, 독주자가 준비될 때까지 기다릴 수 없다고 썼다. 연습실에서는 음색과 비브라토의 시작·끝, 호른의 합류, 미세한 감속을 미리 표시한다고도 설명했다. Jacques Zoon은 Reina Sofía School의 공개 수업에서 첫음과 끝음을 마르게 끊지 않고, 빠른 음형을 고르게 유지하면서도 forte를 딱딱하게 만들지 않도록 지도했다. 두 관점은 자유로운 노래와 정확한 진입을 동시에 요구한다.

독주 뒤의 빠른 하행 음계는 한 사람이 끝까지 연주하지 않는다. Kanda의 설명에 따르면 피콜로의 최고음에서 시작한 선율을 제1플루트, 제2플루트, 알토 플루트가 차례로 넘겨받는다. 중간부터 들어오는 주자까지 하나의 선으로 들려야 하므로 Charles Dutoit는 이 교대를 정밀하게 리허설했다고 한다. 이 대목에서는 각 파트의 시작음만 맞추기보다 앞사람의 음색과 속도를 들은 뒤 같은 선율을 이어받는 합주가 필요하다.

마지막 Danse générale에서는 빠른 5/4박자를 균등한 다섯 칸처럼만 세면 쉼표와 짧은 음형의 위치가 흐려질 수 있다. 전 Metropolitan Opera Orchestra 클라리네티스트 Sean Osborn은 E♭ 클라리넷 파트를 설명하면서 연습번호 200에서 다섯째 박의 16분음표와 첫째 박의 4분쉼표를 서두르지 말라고 했다. 이어 연습번호 201의 수석 클라리넷 모방과 세 마디 뒤의 맞물림을 들으며 203 뒤 정점까지 긴 crescendo를 만들고, 220의 쉼표와 타이 뒤에는 늦지 않아야 한다고 덧붙였다. 끝의 반복음도 tremolo가 아니라 박 안에 측정된 16분음표다. 그가 제시한 템포와 운지는 개인의 오디션·공연 경험에서 나온 선택이지만, 5박자 안의 빈자리까지 함께 세어야 한다는 지적은 합주가 무너지는 위치를 구체적으로 짚는다.

지휘자 Jacques Lacombe는 2021년 WCRB 인터뷰에서 Ravel의 기보가 대단히 정밀해도 하나의 해석만 허용하는 것은 아니라고 말했다. 그는 Suite No. 2를 다시 연주하면서 독주자들과 이전의 조정을 재검토했다고 밝혔다. Boulez와 Dutoit, Mena가 택한 방식도 각기 다른 악단과 공연장에서 나온 사례다. 따라서 이들의 발언은 하나의 표준 해석으로 합칠 자료가 아니라, 박·화음·악기 선택·독주 교대를 어디서 점검해야 하는지 보여 주는 비교 자료로 읽는 편이 정확하다.
### 주요 레코딩

- **Charles Munch / Boston Symphony Orchestra / New England Conservatory Chorus (1955):** 초기 스테레오 전곡 녹음의 중요한 사례다. Naxos 복각판의 전곡 시간은 54분 14초이며, BBC Music Magazine의 비교 글은 Munch가 관현악 색채와 전체 구조의 추진력을 함께 살린 연주로 평가한다.
- **Charles Dutoit / Orchestre symphonique de Montréal (1980년대 초):** 초기 디지털 녹음 기술과 Montréal 오케스트라의 정교한 음색이 결합된 대표적 전곡 기록이다. 이후 이 작품의 음향 균형과 세부 관현악을 비교할 때 자주 언급되는 기준점이 되었다.
- **François-Xavier Roth / Les Siècles / Ensemble Aedes (2016):** 시대 악기와 거트 현을 사용해 20세기 초 프랑스 관현악의 다른 질감을 들려준다. Harmonia Mundi의 제작 자료가 악기 선택을 밝히며, *The Guardian*은 그 결과의 투명한 짜임과 또렷한 아티큘레이션을 높이 평가하면서 마지막 춤의 열기는 비교적 절제되어 있다고 보았다.
- **Philippe Jordan / Orchestre et Chœurs de l’Opéra national de Paris:** 실제 발레 공연을 열한 차례 치른 경험이 녹음으로 이어진 사례다. 음반의 의미는 화려한 소리만이 아니라 무대에서 확인한 장면의 시간과 드라마를 관현악 연주에 옮겼다는 지휘자 자신의 설명에 있다.

### 주요 자료

- [Durand-Salabert-Eschig, Maurice Ravel 작품 목록](https://www.durand-salabert-eschig.com/-/media/Images/DSE/PDFs/Brochures/R/ravel_maurice.ashx?hash=2D702BF54BE26B00EBB49CE364B3FF9D6F94E461&la=en-GB)
- [Bibliothèque nationale de France, 작품 전거](https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb139177228)
- [Bibliothèque nationale de France, 1913년 총보 서지](https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb440019718)
- [Harry Ransom Center, Carlton Lake Collection finding aid](https://norman.hrc.utexas.edu/fasearch/findingaid.cfm?eadid=00291&showrequest=0)
- [Dezède, Les premières de Daphnis et Chloé](https://dezede.org/dossiers/les-premieres-de-daphnis-et-chloe-de-maurice-ravel/data)
- [Ravel, Esquisse autobiographique 주석판](https://orchestremetropolitain.com/wp-content/uploads/2022/09/esquisse_autobiographique.pdf)
- [Breitkopf & Härtel, Monnard 편집 전곡 Urtext](https://www.breitkopf.com/fr/work/20181/daphnis-et-chloe)
- [Los Angeles Philharmonic, Daphnis and Chloé (complete)](https://www.laphil.com/works/daphnis-and-chloe-complete)
- [Paris Opera, Philippe Jordan의 공연·녹음 설명](https://www.operadeparis.fr/actualites/philippe-jordan-recompense-aux-victoires-de-la-musique-classique)
- [WCRB, Jacques Lacombe 인터뷰](https://www.classicalwcrb.org/show/the-boston-symphony-orchestra/2021-05-21/ravel-with-thibaudet-and-lacombe)
- [Reina Sofía School, Jacques Zoon 공개 수업](https://www.escuelasuperiordemusicareinasofia.es/en/canal-escuela/jacques-zoon-ravel-daphnis-et-chloe-suite-no-2-flute-part-ii-pantomime/)
- [DC Theater Arts, Yan Pascal Tortelier 인터뷰](https://dctheaterarts.org/2021/10/29/yan-pascal-tortelier-on-conducting-art-and-beauty-enlighten-elevate-and-open-unexpected-doors/)
- [Opera Slovakia, Vinicius Kattah 인터뷰](https://operaslovakia.sk/vinicius-kattah-the-best-way-how-to-learn-conducting-is-to-conduct-the-real-orchestra/)
- [Music City Review, Tucker Biddlecombe 인터뷰](https://www.musiccityreview.com/2018/12/09/handels-messiah-and-the-nashville-symphony-chorus-an-interview-with-tucker-biddlecombe/)
- [Bachtrack, Hiroaki Kanda 인터뷰](https://bachtrack.com/about-a-work-ravel-daphnis-et-chloe-hiroaki-kanda-nhkso-october-2025)
- [Charles Dutoit 인터뷰](https://www.bruceduffie.com/dutoit.html)
- [NEXUS, Bob Becker의 심벌즈 연주 기록](https://www.nexuspercussion.com/2016/06/daphnis-and-chloe-and-cymbals/)
- [Sydney Symphony, Lily Bryant의 플루트 연주 해설](https://www.sydneysymphony.com/posts/behind-the-music-ravels-daphnis-and-chlo)
- [Sean Osborn, E♭ 클라리넷 파트 해설](https://www.osbornmusic.com/RavelDaphnisEb.html)
- [Chandos, John Wilson 연주용 판본과 녹음](https://www.chandos.net/products/catalogue/CHSA%205327)
- [Naxos, Charles Munch 1955년 녹음](https://www.naxos.com/CatalogueDetail/?id=9.80723)
- [BBC Music Magazine, 주요 녹음 비교](https://www.classical-music.com/features/recordings/ravel-daphnis-et-chloe-guide-and-best-recordings)
- [Harmonia Mundi, François-Xavier Roth 녹음 자료](https://www.harmoniamundi.com/wp-content/uploads/pdf/ravel-daphnis-chloe-en.pdf)
- [The Guardian, François-Xavier Roth 녹음 평](https://www.theguardian.com/music/2017/apr/06/ravel-daphnis-et-chloe-cd-review-francois-xavier-roth)

# Piano Concerto in G major

# 정보

# Maurice Ravel: *Piano Concerto in G major*

## 개요

**곡명:** *Piano Concerto in G major*  
**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)  
**작품목록 번호:** M. 83  
**작곡 시기:** 1929–1931년  
**초연:** 1932년 1월 14일, 파리 Salle Pleyel; Marguerite Long 독주, Orchestre Lamoureux, 작곡가 지휘  
**작품 유형:** 독주 피아노와 관현악을 위한 세 악장 협주곡 전곡  
**헌정:** Marguerite Long  
**초판:** 파리 Durand; 두 대 피아노판 1931년, 관현악 총보 1932년  
**IMSLP:** [Piano Concerto in G major, M.83](https://imslp.org/wiki/Piano_Concerto_in_G_major%2C_M.83_%28Ravel%2C_Maurice%29)  
**Wikipedia:** [Piano Concerto in G major (Ravel)](https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_in_G_major_(Ravel))

Maurice Ravel의 피아노 협주곡 사장조는 독주 피아노와 관현악을 위해 쓴 세 악장 작품이다. 빠른 `Allegramente`, 느린 `Adagio assai`, 빠른 피날레 `Presto`의 순서로 연주한다. 같은 시기에 작곡한 왼손을 위한 협주곡과는 별개의 작품으로, 이 곡의 독주자는 양손을 사용한다. 전곡은 대략 20여 분이다.

### 작곡과 초기 공연

Ravel은 1929년경 이 협주곡을 본격적으로 쓰기 시작했다. 작업은 왼손을 위한 협주곡의 작곡과 겹쳤으며, 사장조 협주곡은 1931년 가을에 완성했다. 처음에는 자신이 피아노를 연주하며 세계 여러 지역에서 작품을 소개하려 했다. 그러나 건강과 연주 준비 문제로 독주를 Marguerite Long에게 맡기고, 공개 초연에서는 지휘를 담당했다.

Ravel은 1931년 7월 Calvocoressi와의 인터뷰에서 Mozart와 Saint-Saëns의 협주곡을 모델로 들었다. 독주자의 기교가 드러나는 밝고 화려한 음악을 구상했으며, 한때 제목을 *Divertissement*로 정하려 했다고 설명했다. 재즈의 영향도 자신이 인정한 요소다. 고전적인 세 악장 배치와 관악기의 재즈풍 동기는 이러한 구상이 작품에 함께 들어간 사례다.

관현악 초연에 앞서 1931년 12월에는 두 대의 피아노로 작품을 연주했다. Long과 Jacques Février, 이어 Francis Poulenc와 Février가 Ravel 앞에서 협주곡을 선보였다. 이듬해 1월 14일 Salle Pleyel의 《Festival Ravel》에서 관현악 초연을 한 뒤, Long과 Ravel은 유럽 여러 도시에서 작품을 소개했다. 초기 순회에서는 피날레를 앙코르로 다시 연주하기도 했다. 미국에서는 같은 해 4월 22일 Boston Symphony Orchestra와 Philadelphia Orchestra가 각각 Jesús María Sanromá와 Sylvan Levin을 독주자로 연주했다.

### 소요 시간

전곡은 보통 20여 분이다. 아래는 Krystian Zimerman, Cleveland Orchestra, Pierre Boulez의 1994년 녹음을 기준으로 반올림한 시간이며, 전곡 길이는 약 22분이다.

| 악장 | 소요 시간 |
|---|---:|
| I. Allegramente | 약 9분 |
| II. Adagio assai | 약 9분 |
| III. Presto | 약 4분 |

### 편성

| 악기군 | 편성 |
|---|---|
| 독주 | Piano |
| 목관 | Flute 2(한 주자 Piccolo 겸임); Oboe 2(한 주자 English horn 겸임); Clarinet 2(한 주자 E-flat clarinet 겸임); Bassoon 2 |
| 금관 | Horn in F 2; Trumpet in C; Trombone |
| 타악기 | Timpani; Triangle; Snare drum; Cymbals; Bass drum; Tam-tam; Wood block; Whip |
| 하프 | Harp |
| 현악 | Violin I, II; Viola; Violoncello; Double bass |

출판사 편성표는 플루트 두 주자 중 한 사람이 피콜로를, 오보에 두 주자 중 한 사람이 잉글리시호른을, 클라리넷 두 주자 중 한 사람이 내림마조 클라리넷을 겸하도록 적는다. 현악의 제안 인원은 제1바이올린 8명, 제2바이올린 8명, 비올라 6명, 첼로 6명, 더블베이스 4명이다. 금관은 호른 두 대와 트럼펫·트롬본 각 한 대로 이루어지며, 피아노 외에 하프와 다양한 타악기가 참여한다. 목관과 금관의 독주 구절이 자주 등장하므로 관현악 안에서도 개별 악기의 역할이 뚜렷하다.

### 세 악장의 진행

#### I. Allegramente

채찍을 모방하는 타악기 `Whip`의 한 차례 타격 뒤에 피아노가 빠른 분산화음을 연주하고 피콜로가 첫 주제를 제시한다. 피아노는 시작부터 참여하지만 이때는 관악 선율의 반주를 맡는다. 음악이 확대되면 트럼펫이 같은 주제를 힘 있게 이어받으며, 현악과 타악기가 리듬을 더한다. 첫 주제가 충분히 펼쳐진 뒤에는 관현악이 잦아들고 피아노의 느린 독주로 넘어간다.

그 뒤 여러 짧은 선율과 동기가 잇달아 등장한다. 피아노 독주 사이로 내림마조 클라리넷, 약음기를 단 트럼펫, 피콜로가 재즈풍 동기를 주고받는다. 피아노의 길게 노래하는 두 번째 주제에도 짧은 반복음이 끼어든다. 바순이 이 선율을 다시 연주한 뒤에는 피아노의 빠른 음형과 반복음이 중심이 되어 앞서 나온 재료를 전개한다.

첫 주제가 돌아온 뒤에는 하프와 호른, 피아노가 차례로 긴 독주 구절을 맡는다. 하프는 앞서 피아노에서 들렸던 선율을 하모닉스를 섞어 연주한다. 관현악의 짧은 동기가 끼어든 뒤, 호른은 같은 선율을 높은 음역에서 연주하고 목관의 빠른 진행과 현악 화음이 이를 받친다. 이어지는 피아노 카덴차에서는 두 번째 주제가 돌아온다. 트릴과 분산화음 사이에서 선율이 중간 성부에 놓였다가 오른손으로 옮겨가며, 앞서 선율을 끊던 반복음과 다른 질감을 만든다. 현악이 다시 합류한 뒤 피아노의 빠른 진행과 주제 조각들이 종결부를 이끈다.

#### II. Adagio assai

피아노가 혼자 왼손 반주를 시작하고, 그 위에 오른손의 긴 선율을 놓는다. 한 마디 안에서 선율은 세 박으로 움직이지만 반주는 세 음씩 두 묶음으로 들린다. 한 마디를 양손이 서로 다르게 나누면서 각 손이 강조하는 박의 위치도 달라진다. 긴 음과 불규칙한 악구를 지닌 오른손 선율은 규칙적인 왼손 반주 위에서 이어진다.

피아노로 시작한 첫 선율이 모두 끝나기 전에 현악의 여린 화음과 플루트가 합류한다. 그 뒤 피아노는 반주를 맡고 선율은 플루트, 오보에, 클라리넷으로 옮겨가며 첫 큰 구간을 마친다. 중간부에서는 피아노가 다시 선율을 맡는다. 바순이 왼손의 낮은 음을 겹치고 다른 관악기가 대선율을 더하면서, 처음의 독주와 다른 악기 조합을 만든다.

중간부가 진행되면 피아노 음형과 관현악의 상승 화음이 반복·확대된다. 피아노 음형의 묶음은 점차 짧아지고 음역이 올라가며 음량도 커져 합주의 절정에 도달한다. 음악이 다시 가라앉으면 잉글리시호른이 첫 선율을 길게 연주하고, 피아노는 높은 음역의 장식과 대선율을 더한다. 왼손 반주는 계속 이어지므로, 시작의 독백이 관악 선율과 피아노 장식의 협주로 바뀐다. 마지막에는 목관이 다시 선율을 나누고 피아노 트릴과 현악 화음이 여린 결말을 만든다.

#### III. Presto

네 개의 짧고 강한 화음으로 시작한다. 피아노는 빠른 음형으로 전면에 나서고, 피콜로와 클라리넷의 짧은 동기, 트롬본의 미끄러지는 음, 금관 팡파르가 그 사이에 들어온다. 세 음이 내려가는 행진풍 선율도 되풀이되는 재료 가운데 하나다. 짧은 동기들이 독주자의 기교적인 진행과 교대하며 악장을 진행시킨다.

바순도 독주 피아노 못지않게 빠르고 기교적인 구절을 맡는다. 관악 독주와 피아노 음형을 짧게 연결하며 빠른 진행을 유지하고, 여러 타악기의 타격이 그 전환을 강조한다. 끝에는 처음의 네 화음이 다시 나타나고 큰북의 타격과 함께 전곡을 닫는다. 피날레의 시작과 끝을 같은 화음으로 연결한 결말이다.

### 출판 정보와 자료

초판은 파리 Durand에서 간행되었다. Lucien Garban이 관현악을 두 번째 피아노로 옮긴 두 대 피아노판은 1931년 12월에 나왔고, 관현악 총보는 1932년에 출판되었다. 관현악 총보의 판번호는 `12,112`, 같은 내용을 담은 학습용 총보는 `12,150`, 두 대 피아노판은 `12,143`이다. 연습용 피아노판과 관현악 총보는 매체와 자료 계보가 구별된다.

자필 관현악 총보는 Monaco 왕궁문서관의 `HF 127/3`이다. Ravel의 잉크 필사 위에 Garban이 연필로 교정한 흔적이 남아 있다. 파리 Bibliothèque musicale La Grange-Fleuret의 Long 컬렉션 `B 235`에는 두 대 피아노판 교정쇄와 그녀가 사용한 악보가 보관되어 있다. 교정쇄에는 Ravel, Garban, Long의 수정이 함께 나타나며, Long의 개인 악보에는 실제 연주를 위한 주석도 남아 있다.

Peter Jost가 편집한 Henle Urtext는 작곡가가 승인한 생전 총보 초판을 기본으로 삼고, 자필 총보와 피아노판 교정쇄·개인보를 대조한다. 1966년 이후 Durand 재판에서 달라진 강약 표기도 검토한다. 관현악 총보와 파트는 Breitkopf & Härtel이 Henle와 협력해 출판하며, 두 대 피아노용 `HN 1508`의 관현악 축약은 Johannes Umbreit가 만들었다. François Dru의 Ravel Edition 2019 역시 자필보, Long의 악보, 스케치와 교정쇄 등을 대조한 개정판이다. 이 판의 두 번째 피아노 반주부는 Jean-Pascal Beintus가 새로 축약했다.

### 긴 선율과 악기 간 균형을 다룬 연주 자료

초연자 Long이 자신의 악보에 남긴 주석은 느린 악장의 첫머리부터 구체적이다. Henle판 비평 주석에 전사된 기록에는 첫 마디 세 번째 박 왼손의 `ppp`, 19마디의 `sans retenir`, 46–47마디의 `sans cresc.`가 있다. 각각 반주를 매우 여리게 연주하고, 속도를 늦추지 않으며, 크레셴도를 더하지 않는다는 뜻이다. 첫 악장 73마디에도 `sans rit.`가 적혀 있다. 긴 선율이나 느린 구절을 다루면서도 반주의 음량, 감속과 고조의 위치를 따로 구별한 초연자의 연주 주석이다.

Boris Giltburg는 이 작품을 준비하던 2012년의 해설에서 느린 악장 피아노 도입의 어려움을 음의 지속과 연결했다. 피아노는 한 음을 친 뒤 그 음 자체의 강약을 다시 바꿀 수 없으므로, 음색과 뉘앙스는 타건할 때 결정해야 한다는 설명이다. 그는 오른손의 긴 음이 울리는 동안 왼손 반주의 음량을 줄이면 선율이 더 잘 들릴 수 있다고 짚었다. 또한 자신이 해설한 Martha Argerich의 연주에서 양손의 타건이 조금 어긋나는 대목을 관찰하고, 규칙적인 반주와 자유로운 선율을 구별하는 효과로 설명했다. 이 글은 당시 연주 준비와 특정 영상의 분석을 함께 담고 있다.

Gwendolyn Mok은 2024년 Robert Fleitz와의 인터뷰에서 London Symphony Orchestra와 이 협주곡을 녹음했던 경험을 돌아보았다. 그녀는 성악을 공부한 경험을 바탕으로, 각 음이 자연스럽게 줄어드는 동안 다음 음을 이어 긴 선율을 노래하듯 준비했다고 설명했다. Giltburg가 타건과 반주 음량의 관계를 짚었다면, Mok은 앞선 음의 감쇠와 다음 음의 시작을 이어 악구를 유지하는 방법을 들었다. 두 설명은 음이 감쇠하는 피아노로 느린 악장의 긴 독주 선율을 이어 가는 문제를 서로 다른 방식으로 다룬다.

Hans Graf는 Houston Symphony 공연을 앞둔 2014년 인터뷰에서 이 협주곡을 실내악에 가까운 작품으로 설명했다. 두꺼운 악기 결합보다 개별 악기의 맑은 색을 사용한다는 관점으로, 피콜로·트럼펫·바순·잉글리시호른의 독주를 구체적으로 꼽았다. 피아노에도 맑고 군더더기 없는 정밀한 소리를 기대했다. 첫 악장의 관악 주제와 독주 구절, 느린 악장에서 잉글리시호른이 노래하는 동안 피아노가 장식하는 대목은 그가 강조한 개별 악기의 역할을 보여 준다.

### 주요 레코딩

- **Marguerite Long, 1932년 4월 14일 녹음, Columbia `LFX 257–259`.** 초연 석 달 뒤 Ravel이 제작에 참여한 첫 상업 녹음이다. 복각 `Pristine PASC285`에는 1952년 재녹음도 함께 들어 있다. *Fanfare*의 Boyd Pomeroy는 초기 녹음의 빠른 악장에 있는 리듬의 활력과 느린 악장의 섬세한 선율 처리를 높이 평가하면서, 관현악의 리듬 불안정과 일부 독주의 급한 진입도 지적했다. 초연자의 초기 해석과 당시 관현악의 실제 연주를 함께 전하는 기록이다.
- **Arturo Benedetti Michelangeli · Philharmonia Orchestra · Ettore Gracis, 1957년 녹음, 1958년 초출; EMI 재발매.** *BBC Music Magazine*의 David Breckbill은 세부에 집중한 치밀한 연주를 녹음사의 중요한 사례로 평가했다. 다만 잉글리시호른 독주에는 아쉬움을 표했고, Zimerman과 Boulez의 후대 녹음에서 빠른 악장의 우아함과 재치를 더 높이 평가했다. *Gramophone*의 David Fanning은 Michelangeli의 느린 악장 표현력을 별도의 강점으로 꼽았다.
- **Krystian Zimerman · Cleveland Orchestra · Pierre Boulez, 1994년 녹음, 1998년 발매, Deutsche Grammophon `449 213-2`.** Fanning은 첫 악장의 트릴, 피날레의 맑고 조급하지 않은 음형, 관현악의 정확하고 민감한 응답을 호평했다. 큰 절정 뒤 일부 관현악 진입이 잔향에 흐려지는 녹음상의 유보도 덧붙였다. 같은 음반의 왼손 협주곡은 London Symphony Orchestra와 별도로 녹음한 연주다.
- **Cédric Tiberghien · Les Siècles · François-Xavier Roth, 2022년 발매, Harmonia Mundi `HMM902612`.** 1892년 Pleyel 피아노와 시대악기를 사용했다. *Gramophone*의 Harriet Smith는 피아노 저음의 명료함과 하프의 독주, 느린 악장의 부드러운 목관 응답을 구체적으로 꼽았다. 잉글리시호른 선율에 아주 여리게 반주하는 피아노와 피날레의 기교적인 관악 독주도 호평했다. 현대 악기의 녹음과 다른 음색의 배합을 보여 주는 연주다.

### 주요 자료

- Peter Jost, Henle HN 1508 [서문](https://www.henle.de/media/95/cd/7d/1701338072/1508.pdf)과 [비평 주석](https://www.henle.de/media/a4/1f/35/1701338085/1508_(1).pdf): 작곡·초연, 자필·초판의 계보, Calvocoressi 인터뷰와 Long의 개인보 주석.
- Peter Jost, [Waiting can be worthwhile](https://blog.henle.de/en/2024/01/08/englisch-warten-kann-sich-lohnen-zu-maurice-ravels-klavierkonzert-in-g-dur/), Breitkopf & Härtel [관현악 판본](https://www.breitkopf.com/work/20521/klavierkonzert-g-dur), [Ravel Edition 2019](https://www.raveledition.com/concerto-pour-piano): 자필 교정과 인쇄본의 관계, 현행 총보·피아노 축약보.
- Manuel Cornejo 편집, Dezède [Le Concerto pour piano et orchestre de Ravel, 1932–1937](https://dezede.org/dossiers/le-concerto-en-sol-de-ravel-1932-1937/): 초기 공연, 순회·앙코르와 첫 녹음의 역사.
- Durand–Salabert–Eschig, [Maurice Ravel — Catalogue des œuvres](https://www.durand-salabert-eschig.com/-/media/Images/DSE/PDFs/Brochures/R/ravel_maurice.ashx?hash=2D702BF54BE26B00EBB49CE364B3FF9D6F94E461&la=en-GB), p. 23; Steven Ledbetter, BSO [Piano Concerto in G](https://www.bso.org/works/ravel-piano-concerto-in-g), Hugh Macdonald, Cleveland Orchestra [Piano Concerto in G major](https://www.clevelandorchestra.com/works/ravel-piano-concerto-in-g-major): 공식 구성, 편성과 현악의 제안 인원, 초기 미국 공연.
- Calvin Dotsey, Houston Symphony, [Ravel’s Farewell: The Piano Concerto in G major](https://houstonsymphony.org/ravel-piano-concerto/), Michael Steinberg, SFS [Piano Concerto in G major](https://www.sfsymphony.org/Data/Event-Data/Program-Notes/R/Ravel-Piano-Concerto-in-G-major): 주제와 악기의 교대, 회귀와 종결.
- Boris Giltburg, [첫 악장 해설](https://borisgiltburg.wordpress.com/2012/09/03/a-frenchman-in-new-york-a-brief-listening-guide-to-ravels-piano-concerto-in-g-part-1-of-3/)과 [느린 악장 해설](https://borisgiltburg.wordpress.com/2012/09/04/a-frenchman-in-new-york-a-brief-listening-guide-to-ravels-piano-concerto-in-g-part-2-of-3/): 하프·호른·피아노 독주, 양손의 박절 관계와 긴 선율의 연주.
- Robert Fleitz와 Gwendolyn Mok, tonebase [Ravel’s 2 Piano Concerti 인터뷰](https://www.tonebase.co/piano-blog-posts/darkness-and-lightness-in-ravels-2-piano-concerti-gwendolyn-mok-interview), Calvin Dotsey와 Hans Graf, Houston Symphony [Hans Graf Talks Ravel & Debussy](https://houstonsymphony.org/hans-graf-ravel-debussy/): 느린 악장의 성악적 연결과 실내악적 협주 관계.
- Pristine Classical [Long, PASC285](https://www.pristineclassical.com/products/pasc285): 초기 녹음·재녹음의 세션과 Boyd Pomeroy의 *Fanfare* 비평 전재.
- David Breckbill, *BBC Music Magazine*, [Ravel, Rachmaninoff](https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/ravel-rachmaninoff), David Fanning, *Gramophone*, [Ravel The Piano Concertos](https://www.gramophone.co.uk/reviews/ravel-the-piano-concertos), Presto [DG 4492132](https://www.prestomusic.com/classical/products/7924202--ravel-piano-concertos), Deutsche Grammophon [공식 음반 정보](https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/ravel-the-piano-concertos-zimerman-boulez-6928): Michelangeli·Zimerman 녹음의 평가, 세션·발매일과 악장별 시간.
- Harriet Smith, *Gramophone*, [Ravel Piano Concertos. Mélodies](https://www.gramophone.co.uk/reviews/ravel-piano-concertos-m-lodies-c-dric-tiberghien-st-phane-degout), Harmonia Mundi [HMM902612](https://www.harmoniamundi.com/en/albums/piano-concertos-melodies/): Tiberghien·Roth의 시대악기 녹음과 독립 비평.

# Piano Concerto for the Left Hand in D major

# 정보

## 개요

**곡명:** *Piano Concerto for the Left Hand in D major*, M. 82  
**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)  
**위촉·헌정:** 제1차 세계대전에서 오른팔을 잃은 피아니스트 Paul Wittgenstein  
**작곡 시기:** 1929~1930년. 자필 총보에는 Ravel의 1930년 서명이 남아 있고, 기관에 따라 1930~1931년으로도 기술한다.  
**초연:** 1932년 1월 5일, Vienna Musikverein 대홀. Paul Wittgenstein 독주, Robert Heger 지휘, Wiener Symphoniker  
**작품 유형:** 왼손 독주 피아노와 대규모 관현악을 위한 단악장 협주곡  
**IMSLP:** [Piano Concerto for the Left Hand, M. 82](https://imslp.org/wiki/Piano_Concerto_for_the_Left_Hand_%28Ravel%2C_Maurice%29)  
**Wikipedia:** [Piano Concerto for the Left Hand](https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_for_the_Left_Hand_%28Ravel%29)

Maurice Ravel의 *Piano Concerto for the Left Hand*는 한 손만으로 연주하는 독주 피아노와 관현악을 위한 단악장 작품이다. 음악은 저음 오케스트라의 `Lento` 서주, 피아노의 긴 카덴차와 주제 제시, 6/8 `Allegro`와 D장조 종결로 이어진다. 독주자가 왼손만 사용한다는 조건은 편곡의 제약이 아니라 Ravel이 새로 설계한 협주곡의 출발점이다.

### 위촉과 초연

Paul Wittgenstein은 전쟁으로 오른팔을 잃은 뒤 왼손 레퍼토리를 확장하기 위해 여러 작곡가에게 작품을 위촉했다. Ravel은 1929년 말 빈에서 Wittgenstein의 기존 왼손 작품을 들은 뒤 의뢰를 받아, Marguerite Long을 위한 G장조 협주곡과 이 작품을 병행했다. Wiener Symphoniker와 IMSLP는 1929~1930년을 기본 연대로 제시하고, Boston Symphony Orchestra는 1930년 8월 완성을 기록한다.

세계 초연은 1932년 1월 5일 빈 Musikverein 대홀에서 열렸다. Wittgenstein이 독주하고 Robert Heger가 Wiener Symphoniker를 지휘했다는 기록은 초연 오케스트라의 공식 페이지와 BSO에 일치한다. LA Philharmonic의 1931년 11월 27일 표기는 이 날짜와 충돌하므로, 별도의 초연으로 확정하지 않는다. 1933년 1월 17일 파리 Salle Pleyel에서는 Jacques Février가 독주하고 Ravel이 Orchestre Symphonique de Paris를 지휘했다.

### 출판과 판본

IMSLP는 Durand & Cie., Paris의 1931년 판(plate D. & F. 12734)을 첫 출판으로 목록화한다. Ravel Edition은 Wittgenstein과 빈의 대리인 Georg Kugel이 1931년에 관현악 총보와 파트를 별도로 인쇄했고, Durand의 첫 법정 기탁·공식 절차는 1937년 6월이었다고 설명한다. 두 기록은 비공식 Wittgenstein판과 공식 Durand판을 가리키는 서지 사건으로 나누어 읽는다.

Morgan Library의 자필 총보에는 `Concerto pour la main gauche seule`, `à Paul Wittgenstein`이라는 표제가 있고, 리허설 번호 50~51의 카덴차가 완전히 기보되지 않았다는 주석이 남아 있다. 초연 당시 Wittgenstein이 Ravel의 허가 없이 피아노 파트를 상당히 고쳤다는 기록도 있다. Bärenreiter의 Douglas Woodfull-Harris 비평판은 Wittgenstein에게 준 Ravel의 피아노 축약본과 사유 도서관 자료를 대조해, 최종 카덴차 변경·대안 판독·운지·팩시밀리를 함께 제공한다.

2020년 Ravel Edition은 1930년대 인쇄본을 그대로 재발매한 판이 아니라 Ravel 원고, 초판, Wittgenstein 자료를 다시 대조한 현대 편집판이다. Cédric Tiberghien·Les Siècles·François-Xavier Roth와 Alexandre Tharaud·Orchestre national de France·Louis Langrée의 녹음이 이 판본의 연주 사례로 안내된다.

### 소요 시간

Wiener Symphoniker는 19분, Boston Symphony Orchestra는 약 18분, Los Angeles Philharmonic은 약 19분으로 안내한다. Hyperion의 Jacques Février·Charles Münch 녹음은 19분 31초다. 단악장 무휴주 구조와 카덴차의 길이, `Allegro`의 속도와 편집에 따라 약 18~20분 범위에서 달라진다.

### 편성

**독주자와 관현악**

- 왼손 독주 피아노
- 목관: 플루트 2와 피콜로(제3 플루트 겸용), 오보에 2, 잉글리시 호른, E♭ 클라리넷, 클라리넷 2, 베이스 클라리넷, 바순 2, 콘트라바순
- 금관: 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 3, 튜바
- 타악기: 팀파니, 트라이앵글, 스네어드럼, 심벌즈, 큰북, 우드블록, 탐탐
- 그 밖의 악기: 하프, 제1·제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스

IMSLP는 피콜로와 플루트 2를 별도로 적고, BSO와 LA Philharmonic은 세 번째 플루트가 피콜로를 겸한다고 표시한다. 기관별 악기 수가 달라 보이는 것은 이 파트 표기의 차이이며, 실제 인원과 더블링은 사용하는 총보와 공연 조건을 따른다.

### 단악장 구조

#### Lento 서주: 저음에서 오케스트라로

거의 들리지 않는 저음에서 콘트라바순, 첼로와 더블베이스가 시작한다. 잉글리시 호른과 베이스 클라리넷 같은 낮은 음색이 차례로 더해지고, 오케스트라의 밀도와 음량이 커지며 피아노의 첫 등장을 위한 절정을 만든다. BSO와 LA Philharmonic은 이 긴 서주가 독주자의 늦은 진입을 협주곡의 극적 사건으로 만든다고 설명한다.

#### 카덴차와 주제 제시

오케스트라의 절정 뒤 왼손 피아노가 넓은 음역을 가로지르는 긴 카덴차를 시작한다. 낮은 음과 높은 선율, 내부 리듬이 한 손의 도약과 아르페지오 안에서 겹치며, 독주자는 저음 오케스트라가 쌓은 주제를 자신의 음역으로 다시 제시한다. Morgan Library의 자필 주석처럼 카덴차의 기보와 후대 파트는 서로 다를 수 있다.

#### 부주제와 관악의 응답

카덴차 뒤에는 독주 피아노와 독주 목관이 주제를 주고받고, 잉글리시 호른·베이스 클라리넷·콘트라바순의 어두운 음색이 회상적인 부주제를 받친다. 저음 중심의 관현악은 한 손 독주가 얇게 들리지 않도록 보강하는 동시에, 피아노와 오케스트라를 대등한 협주 파트너로 배치한다.

#### 6/8 Allegro와 D장조 종결

금관이 6/8 `Allegro`를 열면 리듬과 타악기의 추진력이 급격히 커진다. Ravel이 후반부를 ‘재즈 구획’이라고 불렀다는 BSO의 기록처럼, 앞에서 나온 주제와 리듬이 다른 박자와 화성으로 재구성된다. 독주와 오케스트라의 압력이 끝까지 높아진 뒤 D장조로 정리되며, 단악장 전체가 하나의 종결 과정으로 닫힌다.

### 초연 이후의 연주 전승

Ravel Edition은 1933년 파리 초연 뒤에도 Wittgenstein이 사용한 파트와 Ravel의 원고가 서로 달랐다고 기록한다. 1937년 3월 Jacques Février와 Charles Münch가 최근 Durand 자료로 연주한 공연은 공식판 자료가 무대에 올라온 별도 사례다. Wittgenstein의 1950년경 녹음에는 카덴차에 큰 아르페지오를 덧붙인 흔적이 있다는 Hyperion 해설도 있다. 이러한 자료는 초연자의 수정과 작곡가의 악보, 후대 비평판을 하나의 연주 텍스트로 합칠 수 없음을 보여 준다.

1942년 10월 Février·Münch·Paris Conservatoire Orchestra 녹음은 19분 31초의 역사적 실측 사례로 남아 있다. 2020년 Ravel Edition의 Tiberghien·Roth와 Tharaud·Langrée 녹음은 현대 비평판이 실제 공연·녹음으로 이어진 경로를 보여 준다. 두 녹음은 서로 다른 연주 조건과 판본 활용을 보여 주는 사례다.

### 주요 자료

- [Wiener Symphoniker — Konzert für Klavier (linke Hand)](https://www.wienersymphoniker.at/werk/konzert-fuer-klavier-linke-hand-und-orchester-d-dur): 1929~1930년 연대, 약 19분, 1932년 1월 5일 빈 초연의 장소·출연진을 확인했다.
- [Boston Symphony Orchestra — Piano Concerto in D for the left hand](https://www.bso.org/works/piano-concerto-in-d-for-the-left-hand): 1930년 완성, 약 18분, 단악장 구조, 저음 편성과 Ravel의 ‘재즈 구획’ 설명을 확인했다.
- [Los Angeles Philharmonic — Concerto for the Left Hand](https://www.laphil.com/works/concerto-for-the-left-hand): 세 기능적 구획, 편성, 카덴차와 6/8 Allegro에 관한 프로그램 해설을 확인했다.
- [Morgan Library — autograph manuscript, 1930](https://www.themorgan.org/music-manuscripts-and-printed-music/115513): Ravel 자필 총보의 1930년 표기, Wittgenstein 헌정과 카덴차 미기보 주석을 확인했다.
- [Bärenreiter — scholarly-critical full score](https://www.barenreiter.co.uk/concerto-for-the-left-hand-for-piano-and-orchestra-full-score.html): Douglas Woodfull-Harris 편집의 비평판, Wittgenstein 자료·최종 카덴차·대안 판독과 팩시밀리를 확인했다.
- [Ravel Edition — Concerto pour la main gauche](https://www.raveledition.com/concerto-pour-la-main-gauche): 1931 비공식 Wittgenstein판, 1937 Durand 법정 기탁, 1932 빈·1933 파리 초연과 2020 개정판의 편집사를 확인했다.
- [Ravel Edition English](https://english-raveledition.format.com/concerto-for-the-left-hand): Ravel 원고의 ‘single left hand’ 표기, 1937 Durand 자료와 후대 공연·녹음의 관계를 대조했다.
- [Hyperion/APR — Jacques Février, Charles Münch](https://www.hyperion-records.co.uk/dw.asp?dc=W19953_GBSAM2431933): 1942년 10월 녹음의 출연진, 19분 31초 시간과 Wittgenstein 카덴차 변형의 녹음사 맥락을 확인했다.
- [Philharmonie de Paris collections](https://collectionsdumusee.philharmoniedeparis.fr/concerto-pour-la-main-gauche-de-maurice-ravel.aspx?_lg=fr-FR): Wittgenstein의 무허가 수정과 Février·Münch의 1937년 프랑스 연주 맥락을 보조적으로 확인했다.

# Pavane pour une infante défunte

# 정보

## 개요

**곡명:** *Pavane pour une infante défunte*, M.19 (IMR 32)  
**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)  
**작곡 시기:** 1899년 피아노 원곡, 1910년 관현악판  
**초연:** 피아노 원곡은 1902년 4월 5일 파리 Société nationale de musique에서 Ricardo Viñes가 연주했다. 관현악판의 첫 공연은 자료에 따라 1911년 2월 27일 Manchester의 Henry Wood 지휘 또는 1911년 12월 25일 Paris의 Alfredo Casella 지휘로 기록된다.  
**장르:** 피아노 독주를 위한 단악장 파반느와 Ravel의 관현악 편곡  
**범위:** 1899년 G장조 `Lent` 피아노 원곡과 1910년 관현악판을 함께 다룬다. 피아노 원곡은 72마디의 단악장이다.

**IMSLP:** [*Pavane pour une infante défunte*, M.19 (Ravel, Maurice)](https://imslp.org/wiki/Pavane_pour_une_infante_d%C3%A9funte_%28Ravel%2C_Maurice%29)  
**Wikipedia:** [*Pavane pour une infante défunte*](https://en.wikipedia.org/wiki/Pavane_pour_une_infante_d%C3%A9funte)

*Pavane pour une infante défunte*는 Maurice Ravel이 1899년에 피아노를 위해 쓴 단악장 작품이며, 1910년에 Ravel이 관현악판을 만들었다. 피아노 원곡은 G장조 `Lent`로 72마디에 걸쳐 진행되고, 관현악판은 같은 음악을 플루트·목관·호른·하프·현악의 색채로 다시 구성한다. 이 글은 두 버전을 함께 다루며, 원곡의 단악장 범위와 관현악판의 편곡·공연 기록을 구분한다.

### 출판 정보와 자료

IMSLP의 악보 목록은 피아노 원곡의 초판을 Paris의 E. Demets, 1899년, plate E.623 D로 기록한다. 같은 페이지의 보충 정보에는 작품이 *Bibliographie de la France*에 1900년 7월 28일 접수되었다는 서지가 함께 있다. 일부 자료가 1900년을 출판 연도로 쓰는 까닭은 이 서지 수록 시점과 초판 표기를 구분하지 않기 때문이다.

Ravel은 이 작품을 Princesse Edmond de Polignac, 즉 Winnaretta Singer에게 헌정했다. Henle의 Urtext 판본 HN 1260은 1899년 피아노 원곡을 Alexandra Marx가 편집하고 Pascal Rogé가 운지를 제공한 판으로 식별한다. 관현악판은 1910년 M. Eschig에서 출판된 버전으로 BnF Data와 IRCAM이 기록한다.

### 소요 시간

원곡의 기관별 대표 시간은 IRCAM 약 6분, Wikipedia 6–7분이며, 관현악판은 IRCAM 약 7분과 Los Angeles Philharmonic 약 10분으로 제시된다. 따라서 버전과 연주 템포에 따라 전곡은 대체로 약 6–10분의 범위에 놓인다. Henle가 소개하는 Ravel의 1922년 피아노 롤은 복원 속도에 따라 4분 52초에서 5분 42초 사이로 계산되며, 작품의 모든 연주에 적용되는 고정 시간은 아니다.

### 편성

#### 피아노 원곡

독주 피아노를 위한 단악장 `Lent`이다. IMSLP는 72마디와 G장조를 작품의 기본 식별 정보로 제시한다.

#### 관현악판

- **목관:** 플루트 2, 오보에 1, B♭ 클라리넷 2, 바순 2
- **금관:** 호른 2. Ravel의 관현악 악보에는 `2 Cors simples en sol`, 즉 G의 손호른 2대가 지정되어 있다.
- **하프와 현악:** 하프 1, 제1·2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스

관현악판의 약음기 현악과 하프는 피아노 원곡의 페달 잔향을 악기군별 울림으로 분산한다. 현대 연주용 파트에는 G 손호른을 F 호른으로 옮긴 판도 있으므로, 원본의 악기 지정과 후대 실연용 이식을 구분해야 한다.

### 제목과 파반느의 맥락

`Pavane`은 16–17세기 유럽 궁정에서 추던 느린 행렬풍 춤이다. Ravel은 이 제목을 특정 역사적 왕녀의 장례 기록으로 제시하지 않고, 옛 스페인 궁정에서 작은 왕녀가 춤췄을 법한 파반느를 떠올리게 하는 말로 설명했다. Henle와 Los Angeles Philharmonic은 `infante défunte`의 두운과 음성적 울림, 스페인 궁정과 Velázquez의 왕녀 초상에서 연상되는 이미지를 제목의 배경으로 소개한다.

이 맥락에서 제목의 죽음은 장송 행진의 서사보다 고풍스러운 춤과 멀리 있는 궁정 장면을 불러내는 장치로 기능한다. Ravel이 즐긴 말소리와 파반느의 느린 걸음이 함께 작동하므로, 작품은 짧은 선율과 절제된 화성으로 과거를 회상하는 단악장 소품으로 자리 잡는다.

### 단악장 구조와 두 판본

#### 피아노 원곡의 공식 범위

IMSLP가 확인하는 공식 구분은 한 악장 `Lent`, 72마디다. Parlance Chamber Concerts의 프로그램 노트는 반복되는 A 주제와 대조 에피소드를 A–B–B1–A1–C–C1–A2로 나누고, 다른 해설은 이를 ABACA로 압축한다. 두 도식은 프로그램 작성자의 분석이며, Ravel이 악보에 붙인 공식 악장명은 아니다. 따라서 이 글에서는 단악장이라는 범위를 우선하고, 반복과 대조가 이어지는 방식은 보조적인 구조 설명으로 다룬다.

#### 관현악판의 색채 배치

관현악판에서는 첫 선율을 호른이 맡는다. Wikipedia와 공연 해설은 G의 손호른 두 대를 지정한 선택이 선율을 먼 거리의 고풍스러운 음색으로 들려준다고 설명한다. 이어지는 목관과 현악은 피아노 원곡의 화음과 선율을 악기군별로 나누고, 하프는 피아노 페달이 남기는 잔향을 관현악의 울림으로 옮긴다. 약음기 현악이 선율 뒤에 놓이는 방식은 같은 파반느 리듬에 부드러운 공간을 더한다.

이 편곡은 피아노 원곡에 악기를 단순히 덧붙인 결과가 아니라, Ravel이 1910년에 원곡의 음역과 화음 간격을 관현악의 색채로 다시 설계한 버전이다. 두 판본의 단악장 구조는 이어지지만, 피아노판의 여백은 관현악판에서 호른·목관·하프·현악의 교대와 겹침으로 구체화된다.

### 판본과 템포 관행

Henle의 편집 연구는 피아노 판본의 메트로놈 표기가 1913년까지 4분음표=80으로 나타나다가 1913년 제5호부터 4분음표=54로 바뀌었다고 설명한다. 1912년 관현악판 제2호에도 54가 보이지만, 관현악 자필 악보와 Ravel의 1900년 개인 피아노 초판에는 이 수치가 없다는 편집 관찰이 함께 제시된다. 판본에 나타난 숫자와 Ravel이 최종 승인한 지시를 같은 것으로 취급하기 어려운 이유가 여기에 있다.

Ravel의 1922년 피아노 롤은 속도가 일정하지 않아 복원 값이 4분음표=58–69의 범위로 제시된다. Charles Oulmont의 회고는 Ravel이 지나치게 느려 춤의 걸음이 사라지는 연주를 제목의 말장난으로 비꼬았다고 전한다. 이 회고는 단일 템포 숫자를 정하는 지시라기보다 `Pavane`의 행렬풍 걸음과 제목의 관계를 설명하는 자료다.

### 초연과 수용

피아노 원곡의 초연은 1902년 4월 5일 파리 ancienne salle Pleyel의 Société nationale de musique에서 Ricardo Viñes가 맡았다는 기록이 IMSLP와 IRCAM에서 일치한다. 작품은 Princesse Edmond de Polignac에게 헌정된 뒤 Viñes의 연주를 통해 알려졌고, Henle는 생전에 호평을 받으며 여러 편성으로 편곡되었다고 설명한다.

관현악판의 첫 공연 날짜와 지휘자는 자료마다 다르다. Wikipedia와 Frank Daykin의 연대기는 1911년 2월 27일 Manchester에서 Henry Wood가 지휘했다고 적고, Maurice-Ravel.net은 1911년 여름 London Promenade concert의 Henry Wood 공연을 먼저 제시한다. 반면 IRCAM 관현악판 항목과 BnF Data는 1911년 12월 25일 Paris의 concerts Hasselmans에서 Alfredo Casella가 지휘한 공연을 `1re exécution`으로 기록한다. 이 세 기록은 영어권의 Manchester·London 서술과 프랑스 기관 자료의 Paris 서술이 서로 다른 기준을 사용함을 보여 주므로, 관현악판의 세계 초연을 하나의 날짜로 고정하지 않는다.

Manchester 공연을 다룬 당시 평론에서 Samuel Langford는 이 작품의 고풍스러운 화성과 절제된 표현을 언급했다. Ravel 자신은 훗날 작품의 형식과 Chabrier의 영향에 대해 비판적으로 평가했다는 회고가 남아 있다. 초기의 호평과 작곡가의 자기평가는 서로 다른 수용 기록으로서 작품의 현재 연주 관행과 구분해 읽을 수 있다.

### 주요 자료

- [*Pavane pour une infante défunte*, M.19](https://imslp.org/wiki/Pavane_pour_une_infante_d%C3%A9funte_%28Ravel%2C_Maurice%29) — IMSLP. 1899년 피아노 원곡, G장조 `Lent`, 72마디, 피아노 초연, 헌정, E. Demets 초판과 관현악 편곡 목록을 확인했다.
- [*Pavane pour une infante défunte*](https://en.wikipedia.org/wiki/Pavane_pour_une_infante_d%C3%A9funte) — Wikipedia. 제목의 스페인 궁정 맥락, 관현악 편성, G 손호른 지정, Manchester/Henry Wood 공연과 Ravel의 자기평가를 대조했다.
- [Pavane pour une infante défunte — piano (1899)](https://ressources.ircam.fr/en/work/pavane-pour-une-infante-defunte) — IRCAM Resources. 피아노 원곡의 1899년 시기, 약 6분 길이, 편성, 1902년 Viñes 초연을 확인했다.
- [Pavane pour une infante défunte — orchestra (1910)](https://ressources.ircam.fr/en/work/pavane-pour-une-infante-defunte-1) — IRCAM Resources. 1910년 관현악판, 약 7분 길이, Eschig 출판과 1911년 Paris 공연 기록을 확인했다.
- [Pavane pour une infante défunte — orchestral version](https://data.bnf.fr/fr/13917749/maurice_ravel_pavane_pour_une_infante_defunte__orchestre__o_19) — BnF Data. 관현악판 O 19의 서지와 1911년 12월 25일 Alfredo Casella 공연 기록을 확인했다.
- [Pavane pour une infante défunte](https://www.laphil.com/musicdb/pieces/549/pavane-pour-une-infante-defunte) — Los Angeles Philharmonic. 관현악 편성, 약 10분 대표 시간, 제목과 스페인 궁정 이미지에 관한 해설을 참고했다.
- [At what tempo does Ravel’s Pavane “die”?](https://blog.henle.de/en/2015/08/31/at-what-tempo-does-ravel%E2%80%99s-pavane-%E2%80%9Cdie%E2%80%9D/) — Henle Blog, Alexandra Marx. 판본별 메트로놈 표기, Ravel의 피아노 롤, Oulmont 회고를 대조했다.
- [Pavane pour une infante défunte for piano](https://www.parlancechamberconcerts.org/individual-program-notes/maurice-ravel-%281875-1937%29/pavane-pour-une-infante-d%C3%A9funte-for-piano) — Parlance Chamber Concerts. 반복 주제와 대조 에피소드의 2차 형식 분석을 확인했다.

# Ma mère l'Oye (Mother Goose Suite)

# 정보

## 개요

**곡명:** *Ma mère l'Oye (Mother Goose Suite)*, M.60 (관현악 모음곡); 발레판 M.62/O 62  
**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)  
**작곡 시기:** 1908–1910년 피아노 연탄곡, 1911년 관현악 모음곡, 1911–1912년 발레판  
**초연:** 피아노 연탄곡은 1910년 4월 20일 Paris, 발레판은 1912년 1월 28일 Paris Théâtre des Arts  
**성격:** 여러 동화에서 가져온 다섯 개의 피아노 소품이 관현악 모음곡과 무대용 발레판으로 확장된 작품이다.  
**IMSLP:** [*Ma mère l'Oye (suite), M.60*](https://imslp.org/wiki/Ma_m%C3%A8re_l%27Oye,_M.60_(Ravel,_Maurice))  
**Wikipedia:** [*Ma mère l'Oye*](https://en.wikipedia.org/wiki/Ma_m%C3%A8re_l%27Oye)

*Ma mère l'Oye*는 Maurice Ravel이 친구의 아이들을 위해 쓴 피아노 연탄곡을 바탕으로 만든 관현악 모음곡이다. 이 글은 1911년 M.60 관현악판의 다섯 곡을 기본 범위로 삼고, 1911년부터 1912년 초까지 확장된 발레판이 추가 번호와 연결부를 통해 무대 서사를 만든 과정도 함께 다룬다. 관현악 모음곡은 *Pavane de la Belle au bois dormant*, *Petit Poucet*, *Laideronnette, impératrice des pagodes*, *Les entretiens de la Belle et de la Bête*, *Le jardin féerique*의 순서로 진행되며, 발레판은 *Prélude*, *Danse du rouet et scène*, 네 개의 *interlude*, 여섯 개의 *tableau*(마지막은 *Apothéose*)를 결합한다.

### 출판 정보와 판본

1910년 Durand가 출판한 원곡의 부제는 “cinq pièces enfantines”(어린이를 위한 다섯 곡)이며, 표지에는 “Pour Mimie et Jean Godebski”가 적혀 있다. 이 판본은 Ravel의 친구 Ida와 Cipa Godebski의 자녀 Mimi와 Jean을 위한 피아노 4손 작품이다. 같은 다섯 곡을 관현악으로 옮긴 판본은 1911년에 완성되었고, 작품번호 M.60으로 분류된다. 관현악 모음곡의 첫 공연은 Henry Wood와 Queen's Hall Orchestra가 1912년 8월 27일 London Proms에서 했을 가능성이 높다고 Boston Symphony Orchestra가 기록한다.

발레판은 Jacques Rouché의 위촉으로 확장되었으며, Rouché에게 헌정되었다. BnF는 이 판본을 O 62, 1911–1912년 작품, 1912년 Paris Durand 초판으로 정리하고, IRCAM은 M.62라는 표기와 1912년 1월 28일 Théâtre des Arts 초연을 제시한다. 일부 자료는 초연일을 1월 29일로 적지만, BnF와 IRCAM의 서지·작품 정보는 1월 28일에 일치한다. 원곡은 Godebski 남매에게, 발레판은 Rouché에게 헌정되어 두 판본의 제작 목적이 구분된다.

### 소요 시간

관현악 모음곡은 약 16분으로 제시되며, 다른 공연기관 페이지에는 21분 표기도 있다. 다섯 곡은 각각 약 1–2분, 3분, 3–4분, 4분, 3–4분 정도다. 발레판 전체는 IRCAM 기준 약 28분으로, 연결부와 무대 장면이 포함되어 관현악 모음곡보다 길다.

### 편성

관현악 모음곡의 목관은 플루트 2(제2플루트는 피콜로 겸임), 오보에 2(제2오보에는 잉글리시 호른 겸임), 클라리넷 2, 바순 2(제2바순은 콘트라바순 겸임)이다. 금관은 호른 2대이며, 팀파니와 베이스드럼, 심벌즈, 글로켄슈필, 탐탐, 트라이앵글, 실로폰이 타악기군을 이룬다. 하프와 첼레스타, 현악 5부가 더해진다. 이 판본에는 트럼펫·트롬본·튜바가 포함되지 않는다. 발레판은 추가 번호와 연결부에 맞춰 타악기 표기가 달라질 수 있으므로 관현악 모음곡의 목록을 그대로 적용하지 않는다.

### 다섯 곡의 동화와 관현악 장면

Ravel은 Charles Perrault의 *Sleeping Beauty*와 *Tom Thumb*, Marie-Catherine d'Aulnoy의 *The Green Serpent*, Jeanne-Marie Leprince de Beaumont의 *Beauty and the Beast*에서 장면을 가져왔다. 다섯 곡은 각각 독립된 인상을 이루지만, 원곡과 관현악 모음곡에서는 같은 순서로 이어진다.

#### I. *Pavane de la Belle au bois dormant* — Lent

첫 곡은 잠자는 숲속의 미녀가 잠든 시간을 짧은 파반으로 제시한다. LA Phil의 해설은 이 장면을 고대풍의 아이올리아 선법과 멀리 울리는 작은 종에 연결한다. 약 1–2분의 길이 안에서 느린 선율과 절제된 관현악이 동화의 첫 장면을 마련한다.

#### II. *Petit Poucet* — Très modéré

Perrault의 작은 엄지 이야기는 숲에서 길을 잃는 아이의 이동으로 바뀐다. 독주 오보에는 인물이 길을 찾으며 이어 가는 선을 맡고, 중간의 새소리는 그가 뿌린 빵부스러기를 새들이 먹어 버리는 대목과 연결된다. 약 3분 동안 오보에 선과 새소리가 길 잃음의 장면을 이어 간다.

#### III. *Laideronnette, impératrice des pagodes* — Mouvement de marche

d'Aulnoy의 이야기 속 Laideronnette와 pagode의 세계는 오음음계와 금속성 타악기의 색으로 나타난다. Boston Symphony Orchestra의 해설은 피콜로와 플루트, 하프, 첼레스타, 글로켄슈필이 작은 인형이나 도자기 악기를 연상시키는 반짝이는 음색을 만든다고 설명한다. 이 장면의 동양풍 이미지는 당시 프랑스 음악이 상상한 pagode 세계의 역사적 표현으로 읽을 수 있으며, 약 3–4분의 행진이 그 색채를 압축한다.

#### IV. *Les entretiens de la Belle et de la Bête* — Mouvement de valse modéré

느린 왈츠 성격의 대화에서 클라리넷은 미녀의 우아한 선율을, 콘트라바순은 야수의 낮고 무거운 목소리를 맡는다. 두 음색의 대비가 청혼과 응답을 구분하고, 미녀가 수락한 뒤에는 야수가 왕자로 변하는 장면이 더 가벼운 음향으로 이어진다. 이 곡은 약 4분 동안 인물의 대화를 관현악의 독주적 색채로 조직한다.

#### V. *Le jardin féerique* — Lent et grave

마지막 곡은 하프와 첼레스타, 독주 바이올린에서 출발해 전체 오케스트라의 상승으로 나아간다. 발레판에서는 잠자는 미녀가 깨어나는 *Apothéose*의 결말로 배치되며, 관현악 모음곡에서는 다섯 동화 장면을 닫는 곡으로 남는다. 약 3–4분의 길이와 느린 빠르기가 앞선 장면들의 색을 하나의 종결로 묶는다.

### 발레판의 무대 구조

발레판은 피아노 원곡의 다섯 번호를 그대로 늘어놓지 않고, *Prélude*와 *Danse du rouet et scène*를 앞에 놓은 뒤 장면 사이에 *interlude*를 삽입한다. BnF는 이를 하나의 *prélude*와 여섯 개의 *tableau*로 분류한다. 실제 번호의 흐름은 *Prélude – Très lent*, 첫 번째 *tableau*인 *Danse du rouet et scène*, 두 번째 *tableau*인 *Pavane*, *interlude*, 세 번째 *tableau*인 *Les entretiens*, *interlude*, 네 번째 *tableau*인 *Petit Poucet*, *interlude*, 다섯 번째 *tableau*인 *Laideronnette*, *interlude*, 여섯 번째 *tableau*인 마지막 *Apothéose: le Jardin féerique*다.

Boston Symphony Orchestra의 장면 해설에 따르면 *Prélude*는 낮은 플루트와 바순, 약음 호른의 먼 팡파르로 뒤의 이야기들을 예고하고, *Danse du rouet et scène*는 반복되는 페달과 탬버린으로 물레의 움직임을 만든다. 발레판에서는 장면 사이의 닫힌 종지를 줄이고 개별 장면을 늘려 춤과 전환이 이어지도록 했다. 그 결과 원곡과 관현악 모음곡에서 *Petit Poucet* 다음에 오던 *Beauty and the Beast*가 발레판에서는 먼저 나오며, 마지막의 요정의 정원이 잠자는 미녀의 각성과 직접 연결된다.

### 원곡 초연과 공연 맥락

피아노 연탄 원곡은 1910년 4월 20일 Paris의 Société Musicale Indépendante 공연에서 Jeanne Leleu와 Geneviève Durony가 초연했다. Godebski 남매가 작품의 헌정자였지만 실제 초연은 다른 두 어린 연주자가 맡았다는 회고가 Boston Symphony Orchestra와 LA Phil의 프로그램에 남아 있다. 이 초연은 어린이용으로 설계된 피아노 작품이 처음 공개된 사건이며, 이후 Ravel이 같은 재료를 관현악과 발레라는 서로 다른 공연 형태로 확장하는 출발점이 되었다.

관현악 모음곡과 발레판은 같은 동화 재료를 공유하지만 공연에서 요구하는 범위가 다르다. 다섯 곡짜리 모음곡을 연주하는 프로그램과 *complete*라고 표기한 발레판 전체를 같은 곡목으로 취급하면 추가 장면과 연결부가 사라진다. BSO는 1974년 4월 21일 Seiji Ozawa가 지휘한 첫 완전판 공연을 별도로 기록하고 있으며, 이 기록도 1912년 발레 초연이나 관현악 모음곡의 첫 공연 후보와 구분된다.

### 주요 자료

- [*Ma mère l'Oye (suite), M.60* — IMSLP](https://imslp.org/wiki/Ma_m%C3%A8re_l%27Oye,_M.60_(Ravel,_Maurice))
- [*Ma mère l'Oye* — Wikipedia](https://en.wikipedia.org/wiki/Ma_m%C3%A8re_l%27Oye)
- [Mother Goose Suite — Los Angeles Philharmonic](https://www.laphil.com/works/mother-goose-suite)
- [*Ma mère l’oye* (Mother Goose), Suite — Los Angeles Philharmonic](https://www.laphil.com/works/ma-mere-l-oye-mother-goose-suite)
- [Mother Goose Suite — Boston Symphony Orchestra](https://www.bso.org/works/mother-goose-suite)
- [Mother Goose (complete) — Boston Symphony Orchestra](https://www.bso.org/works/mother-goose-complete)
- [*Ma mère l’Oye* — IRCAM Ressources](https://ressources.ircam.fr/en/work/ma-mere-l'oye-1)
- [*Ma mère l’Oye*, O 62 — Bibliothèque nationale de France](https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb139177468)
- [*Ma mère l’oye: 5 pièces enfantines* — Morgan Library](https://www.themorgan.org/music-manuscripts-and-printed-music/114013)
- [*Ma mère l’oye*, suite — Orchestre Métropolitain](https://orchestremetropolitain.com/fr/oeuvre/ma-mere-loye-suite/)

# Le tombeau de Couperin

# 정보

## 개요

**곡명:** *Le tombeau de Couperin*, M.68a  
**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)  
**장르:** 관현악 모음곡  
**작곡:** 피아노 원곡 M.68은 1914년 7월–1917년 11월, 관현악판 M.68a는 1919년  
**초연:** 1920년 2월 28일, Paris의 Concerts Pasdeloup, Rhené-Baton 지휘  
**범위:** 피아노 모음곡 M.68의 여섯 곡 가운데 Ravel이 관현악화한 네 곡  
**구성:** `Prélude`–`Forlane`–`Menuet`–`Rigaudon`  
**소요 시간:** 기관 표기 약 16–20분, 음반 사례 약 17분  
**IMSLP:** [Le tombeau de Couperin, M.68a (Ravel, Maurice)](https://imslp.org/wiki/Le_tombeau_de_Couperin,_M.68a_(Ravel,_Maurice))  
**Wikipedia:** [Le Tombeau de Couperin](https://en.wikipedia.org/wiki/Le_Tombeau_de_Couperin)

Maurice Ravel의 *Le tombeau de Couperin*, M.68a는 피아노 모음곡 M.68에서 네 곡을 골라 1919년에 관현악으로 옮긴 작품이다. 관현악판의 순서는 `Prélude`, `Forlane`, `Menuet`, `Rigaudon`이며, 피아노판의 `Fugue`와 `Toccata`는 이 판본에 들어 있지 않다. 제목의 `tombeau`는 17–18세기 프랑스 음악에서 고인을 기리는 장르를 가리킨다. Ravel이 붙인 헌사는 François Couperin 한 사람의 생애보다 18세기 프랑스 음악 전통을 향하며, 각 피아노 악장에는 제1차 세계대전으로 목숨을 잃은 지인들의 이름이 연결되어 있다.

### 판본과 출판

피아노 원곡 M.68의 초판은 P. Durand가 1918년에 냈고, 관현악판 M.68a는 1919년에 같은 출판사에서 나왔다. BnF와 IRCAM의 서지 기록은 M.68을 여섯 곡짜리 피아노 모음곡으로, M.68a를 그중 일부를 관현악화한 판본으로 분리한다. 관현악판은 원곡의 곡목과 순서를 그대로 옮기지 않고 `Menuet`을 세 번째, `Rigaudon`을 마지막에 놓는다.

| 피아노판 M.68의 순서 | 악장 | 헌정 대상 | 관현악판 수록 |
|---:|---|---|---|
| I | `Prélude` | Jacques Charlot | 수록 |
| II | `Fugue` | Jean Cruppi | 미수록 |
| III | `Forlane` | Gabriel Deluc | 수록 |
| IV | `Rigaudon` | Pierre와 Pascal Gaudin | 수록 |
| V | `Menuet` | Jean Dreyfus | 수록 |
| VI | `Toccata` | Joseph de Marliave | 미수록 |

피아노판의 초연은 1919년 4월 11일 Paris의 Salle Gaveau에서 Société musicale indépendante 음악회의 일부로 열렸고, Marguerite Long이 독주했다. Long은 `Toccata`의 헌정 대상인 Joseph de Marliave의 아내였다. 이 초연과 관현악판의 초연은 서로 다른 판본과 매체에 해당한다. 1920년 2월 28일 Concerts Pasdeloup에서 Rhené-Baton이 지휘한 연주가 M.68a의 첫 관현악 공연이다.

### 소요 시간

Philharmonie de Paris의 프로그램은 관현악판을 약 16분, IMSLP의 작품 정보는 약 17분으로 제시한다. Los Angeles Philharmonic은 약 20분으로 안내하며, 1950–60년대부터 최근까지의 음반 카탈로그는 대체로 17분 안팎을 표시한다. 이 차이는 기관의 반올림과 지휘자의 템포, 녹음 조건에서 생긴다. 피아노판 여섯 곡의 기관 추정 시간은 약 23분이므로 M.68a의 관현악 연주 시간과 합산하지 않는다.

### 편성

관현악판의 기본 편성은 다음과 같다.

- **목관:** flute 2(제2주자는 piccolo 겸주), oboe 2(제2주자는 English horn 겸주), clarinet 2(A/B♭), bassoon 2
- **금관:** horn 2 in F, trumpet 1 in C
- **하프:** harp 1
- **현악:** 제1바이올린, 제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스

IMSLP의 파트 목록은 piccolo와 English horn을 각각 겸주 파트로 명시한다. LA Phil의 작품 카드는 English horn을 별도 항목처럼 나열하지만, 이를 오보에 두 대에 더한 별도 네 명의 주자로 계산하지 않는다. 별도의 타악기나 첼레스타는 확인된 기본 편성에 포함되지 않는다. 이 작은 관현악은 피아노판의 한 악기 안에 놓였던 선을 여러 목관과 현악으로 나누고, 하프를 덧붙여 네 춤곡의 음색을 만든다.

### 네 악장의 순서와 표기

IMSLP가 제시하는 1919년 관현악판의 템포와 조성은 다음과 같다. 조성과 tempo marking은 악보 카탈로그의 표기이며, 개별 음반의 실제 빠르기를 뜻하지 않는다.

| 순서 | 악장 | tempo marking | 카탈로그 조성 | 피아노판 번호 |
|---:|---|---|---|---:|
| I | `Prélude` | `Vif` | E minor | I |
| II | `Forlane` | `Allegretto` | E minor | III |
| III | `Menuet` | `Allegro moderato` | G major | V |
| IV | `Rigaudon` | `Assez vif` | C major | IV |

#### I. `Prélude: Vif`

피아노판의 첫 곡이 관현악판에서도 서두를 맡는다. LA Phil의 작품 해설은 피아노에서 이어지던 바로크 장식이 관현악판에서 현대적인 악기 색채로 옮겨 간다고 설명한다. 편곡된 총보에서는 오보에와 다른 목관이 짧은 선을 나누어 맡고, 현악이 그 사이를 연결한다. `Vif` 표기는 추모를 다루는 첫 곡이 빠른 진행으로 시작한다는 사실을 악보에 남긴다.

#### II. `Forlane: Allegretto`

`Forlane`은 옛 이탈리아·프랑스권 춤곡 이름이다. Ravel은 춤곡의 리듬 틀을 유지하면서 E minor의 화성과 목관·현악의 색채를 겹쳤다. LA Phil은 이 악장을 바로크 장식과 Ravel의 20세기 화성이 만나는 부분으로 풀이한다. 피아노판에서 세 번째였던 곡이 관현악판에서는 두 번째에 놓여, 서두의 빠른 흐름 뒤에 모음곡의 춤 리듬을 이어 간다.

#### III. `Menuet: Allegro moderato`

`Menuet`은 피아노판의 다섯 번째 곡이지만 관현악판에서는 세 번째가 된다. G major와 `Allegro moderato`라는 표기 아래에서 오보에와 English horn 겸주 파트, 현악, 하프가 서로 다른 음역을 나누어 맡는다. 기관 해설은 이 악장의 중심에 목관 독주와 우아한 무곡의 균형이 있다고 설명한다. 피아노판의 헌정 대상은 Jean Dreyfus이며, 관현악판에서도 이 헌정 관계가 유지된다.

#### IV. `Rigaudon: Assez vif`

마지막 곡은 피아노판의 네 번째 `Rigaudon`이다. `Assez vif`와 C major가 악보에 표시된다. LA Phil은 이 악장을 활기찬 리듬과 Ravel의 관현악 색채가 결합한 사례로 소개한다. 헌정 대상은 같은 날 전사한 것으로 기록된 Pierre와 Pascal Gaudin 형제이며, 관현악판은 이 곡을 네 악장의 마지막에 배치한다.

### 작곡 과정과 추모의 범위

Ravel은 전쟁이 시작되기 전부터 18세기 양식에 기대는 프랑스식 피아노 모음곡을 구상했다. BnF는 피아노판의 작곡 범위를 1914년 7월부터 1917년 11월까지로 기록한다. 1915년 군 복무와 건강 문제, 어머니의 죽음이 이어진 뒤 작업을 재개했다는 Philharmonie의 설명은 이 기간이 한 번에 이어진 작업이 아니었음을 보여 준다. 완성된 여섯 곡에는 각각 Charlot, Cruppi, Deluc, Gaudin 형제, Dreyfus, de Marliave의 이름이 붙었다.

Ravel은 1919년에 여섯 곡 가운데 네 곡만 직접 관현악화했다. 따라서 M.68a는 피아노판의 모든 헌정을 관현악 음향으로 옮긴 판본이 아니며, `Fugue`와 `Toccata`의 헌정은 피아노 원곡의 맥락으로 남는다. Maurice-Ravel.net가 안내하는 Ravel의 1922년 피아노 롤에도 `Toccata`가 포함되지만, 그 기록은 M.68a의 관현악 연주로 세지 않는다.

### 초연과 공연 기록

피아노판은 Marguerite Long이 1919년 4월 Paris에서 처음 연주했고, 관현악판은 이듬해 2월 Paris의 Concerts Pasdeloup에서 Rhené-Baton과 Orchestre Pasdeloup가 초연했다. BnF 관현악 표제는 M.68a를 피아노판의 “부분 관현악화”로 분류하면서도 네 곡의 독립된 관현악 레퍼토리와 이 초연을 별도로 기록한다. LA Phil은 Artur Rodzinski가 지휘한 1932년 1월 14일 연주를 해당 오케스트라의 첫 공연으로 기록한다. 이 날짜는 작품 전체의 첫 관현악 공연이 아니라 LA Phil의 기관 연혁에 해당한다.

### 주요 레코딩

- **Ernest Ansermet·Orchestre de la Suisse Romande, Decca(1953):** IMSLP의 녹음 기록에 남은 초기 상업 녹음으로, 네 악장을 한 전곡 트랙으로 담은 사례다. 녹음은 Geneva의 Victoria Hall에서 이루어졌다.
- **Eugene Ormandy·The Philadelphia Orchestra, 1960:** Apple Music Classical의 카탈로그는 `Prélude`, `Forlane`, `Menuet`, `Rigaudon`을 네 트랙으로 분리하고 전체를 약 17분으로 표시한다. 페이지에는 오보에 연주자 John de Lancie도 함께 표기된다.
- **Emanuel Krivine·Orchestre national de Lyon, Naïve(1999):** M.68a의 네 악장을 각각 분리해 수록한 음반이다.
- **Ernest Bour·SWR Symphonieorchester, SWR Classic(2018), Arie van Beek·Orchestre de Picardie, NoMadMusic(2022):** 두 카탈로그 모두 네 악장판을 약 17분으로 제시한다. 발매 페이지의 트랙 시간은 음반 메타데이터이며, 지휘자들이 같은 세부 판본을 사용했다는 뜻으로 확대하지 않는다.

### 주요 자료

- [Bibliothèque nationale de France, 피아노판 *Le tombeau de Couperin*](https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb13917720k) — M.68의 여섯 악장, 작곡 범위, 헌정, 1918년 초판, 1919년 피아노 초연
- [Bibliothèque nationale de France, 관현악판 *Le tombeau de Couperin*](https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb13917721x) — M.68a의 네 악장, 1919년 관현악화, 1920년 Pasdeloup 초연
- [IRCAM, *Le Tombeau de Couperin*](https://ressources.ircam.fr/fr/work/le-tombeau-de-couperin) — 작품 카드, 헌정 목록, 초연과 출판 정보
- [Philharmonie de Paris, Ravel 작품 설명](https://pad.philharmoniedeparis.fr/0764489-le-tombeau-de-couperin-de-maurice-ravel.aspx?_lg=fr-FR) — 작곡 과정, 친구들의 헌정, 네 곡 관현악판의 성립
- [Philharmonie de Paris, 관현악판 프로그램 PDF](https://pad.philharmoniedeparis.fr/download.ashx?id=CMTN000479000_01&typedoc=CMTN) — 관현악 초연, 악장 순서와 약 16분 표기
- [Los Angeles Philharmonic, *Le tombeau de Couperin (orchestral suite)*](https://www.laphil.com/works/le-tombeau-de-couperin-orchestral-suite) — 편성, 1932년 기관 초연 기록, 네 악장 해설
- [Maurice-Ravel.net, *Le tombeau de Couperin* 자료](https://maurice-ravel.net/tombeau.htm) — 1918·1919년 악보, 여섯 헌정, Ravel의 1922년 피아노 롤 기록
- [Apple Music Classical, Ormandy·Philadelphia Orchestra](https://classical.music.apple.com/au/recording/maurice-ravel-1875-pp104-1723860047) — 1960년 관현악판 음반의 출연자와 트랙 정보
- [Apple Music Classical, Krivine·Orchestre national de Lyon](https://classical.music.apple.com/fr/album/1191554896?l=en-GB) — 1999년 네 악장 음반 정보

# Valses nobles et sentimentales

# 정보

# Maurice Ravel: *Valses nobles et sentimentales*

## 개요

- 작곡가: Maurice Ravel (1875–1937)
- 작품명: *Valses nobles et sentimentales* (《고귀하고 감상적인 왈츠》), M.61
- 장르: 독주 피아노를 위한 연작과 그 관현악판
- 피아노 작곡: 1911년
- 관현악화: 1912년, *Adélaïde ou le langage des fleurs* 발레를 위해
- 피아노 초연: 1911년 5월 9일, 파리 Salle Gaveau, Louis Aubert
- 발레 초연: 1912년 4월 22일, 파리 Théâtre du Châtelet, Ravel 지휘
- 원제 관현악 콘서트: 1914년 2월 15일, 파리 Casino, Pierre Monteux 지휘로 기록
- 공식 구성: 일곱 왈츠와 *Épilogue*를 포함한 여덟 번호
- 연주 시간: 자료와 판본에 따라 약 12–16분

### 출판 정보

피아노 원작은 Durand & Cie.가 1911년에 D.&F.8247로 출판했고, 관현악판은 1912년 D.&F.8476으로 발행했다. 관현악판의 발레용 표지에는 *Adélaïde ou le langage des fleurs*라는 제목과 무대 논거가 더해졌으며, 이 판본은 원래 피아노 연작과 별개의 음악이라기보다 Ravel이 같은 재료를 관현악과 무대에 맞게 확장한 결과다. 목록에 따라 피아노 원작은 M.61, 관현악판은 M.61a로 표기되며, Marnat 연대기의 Mt.79는 별도의 번호 체계다.

- [IMSLP: *Valses nobles et sentimentales*](https://imslp.org/wiki/Valses_Nobles_et_Sentimentales_%28Ravel%2C_Maurice%29)
- [Fondation Maurice Ravel, 연대기 자료](https://fondationmauriceravel.com/wp-content/themes/ravel/public/pdf/Ravel_Chronologie_Marnat.pdf)

모리스 라벨의 *Valses nobles et sentimentales*는 1911년에 쓴 피아노 연작을 이듬해 관현악으로 옮긴 작품이다. 일곱 개의 왈츠 성격곡 뒤에 *Épilogue. Lent*가 놓이는 여덟 번호가 기본 구조이며, 피아노판의 밀도 높은 음형과 관현악판의 색채가 같은 순서를 서로 다른 매체로 드러낸다. 제목은 프란츠 슈베르트의 *Valses nobles*와 *Valses sentimentales*를 가리키지만, Ravel의 작품은 단순한 복고가 아니라 20세기 초의 화성 감각으로 왈츠라는 장르를 다시 설계한다.

### 소요 시간

교육 자료는 약 12분, 출판사와 작품 데이터베이스는 15분을 제시한다. 실제 연주에서는 Ivan Ilić의 피아노 녹음이 14분 57초이고, John Wilson과 Sinfonia of London의 관현악 녹음은 15분 45초다. Chandos booklet의 여덟 구획 합계는 15분 42초로 트랙 표기와 3초 차이가 난다. Leonard Slatkin과 Orchestre national de Lyon의 음반은 검색된 카탈로그에서 15분 25초로 표시되지만, 버전과 녹음 조건을 함께 보아 약 12–16분의 범위로 이해하는 편이 안전하다.

### 편성

관현악판의 상세 악기 목록과 출판사 약호를 종합하면 다음과 같다.

- 목관악기: 플루트 2, 오보에 2, 잉글리시 호른, A와 B♭ 클라리넷 2, 바순 2
- 금관악기: F호른 4, C트럼펫 2, 트롬본 3, 튜바
- 타악기: 팀파니, 탬버린, 심벌즈, 작은북, 벨 또는 글로켄슈필, 트라이앵글, 큰북
- 건반·현악: 첼레스타, 하프 2, 현악기

Durand-Salabert-Eschig는 2.3(1cor ang).2.2 – 4.2.3.1 – 3perc, 1timb, 1glock, 1cel, 2hp – crd로 압축한다. 여기서 bells와 glock은 목록마다 명칭이 다르므로, 실제 연주에 사용할 악보의 표기를 확인해야 한다. 피아노 원작은 독주 피아노를 위한 별도 매체이고 관현악판에 피아노 독주가 포함된다는 근거는 없다.

## 일곱 왈츠와 에필로그

### I. *Modéré, très franc*

첫 번호는 ‘Moderato, 매우 솔직하게’라는 뜻의 표제를 가진다. 짧은 춤의 박동을 바탕으로 하면서도 예상하기 어려운 화음과 음역의 도약이 표면의 우아함을 즉시 흔든다. 후대 해설이 첫 왈츠의 화성을 당시 청중에게 충격적이었다고 평가하지만, 구체적인 반응은 익명 초연의 회고와 평론 속에서 읽어야 한다.

### II. *Assez lent, avec une expression intense*

느린 속도와 강한 표현을 요구하는 두 번째 번호는 첫 곡의 날카로운 윤곽을 넓은 호흡으로 바꾼다. 피아노판에서는 내성의 움직임과 페달의 잔향이 한 악기 안에서 겹치고, 관현악판에서는 목관과 현악의 교대가 그 층을 분리해 들려준다. 이 차이는 새 선율을 추가했다기보다 같은 연작의 재료가 매체에 따라 다른 질감을 얻는 과정이다.

### III. *Modéré*

세 번째 왈츠는 중간 속도의 표제 아래 짧은 동기와 불규칙한 강세를 교차한다. 왈츠의 3박은 유지되지만 악센트가 규칙적인 춤의 기대를 살짝 비켜 간다. 한 곡씩 독립된 성격을 가지면서도 앞뒤 번호와 이어지는 조성과 음형이 있어, 전체를 작은 소품 모음이 아닌 연속된 피아노 순환곡으로 듣게 한다.

### IV. *Assez animé*

네 번째 번호는 보다 활발한 움직임으로 전환한다. 관현악판에서는 목관의 빠른 응답과 현악의 짧은 제스처가 춤의 회전을 선명하게 만들고, 금관은 결정적인 순간에 화성의 모서리를 드러낸다. 화려한 표면이 곧 낭만적 감정의 직선적 표현을 뜻하지는 않으며, Ravel은 속도와 음색의 간격으로 거리감을 남긴다.

### V. *Presque lent, dans un sentiment intime*

‘거의 느리게, 내밀한 감정으로’라는 표제는 연작의 중심에 조용한 시선을 둔다. 선율은 한 번에 크게 솟기보다 짧은 호흡을 이어 가며, 피아노의 화음과 관현악의 얇은 배치가 서로 다른 방식으로 친밀함을 만든다. 표제의 감정어를 특정 인물이나 줄거리로 확대할 근거는 없다.

### VI. *Vif*

여섯 번째 번호는 짧고 민첩한 움직임을 앞세운다. IMSLP는 *Vif*로, Chandos booklet은 *Assez vif*로 표기해 속도 표현에 차이가 난다. 이 차이는 판본 또는 음반의 표제 전사 문제일 수 있으므로 한쪽을 유일한 정본으로 단정하지 않는다. 관현악에서는 타악과 목관의 선명한 발음이 왈츠의 가벼운 회전을 더 또렷하게 한다.

### VII. *Moins vif*

일곱 번째 왈츠는 앞 번호의 속도를 한 단계 낮추고, 불완전한 종지와 비껴 간 악센트로 긴장을 남긴다. Ravel의 자전적 설명을 전하는 자료는 이 번호를 연작의 개성이 가장 강한 부분으로 보기도 하지만, 그것은 작곡가의 회고와 후대 해설을 통해 전해진 평가다. 짧은 곡 안에서 화음의 빛깔이 빠르게 바뀌는 점이 다음 에필로그의 회상을 준비한다.

### VIII. *Épilogue. Lent*

마지막 번호는 왈츠가 아니라 *Épilogue. Lent*로 명시된다. 앞선 곡들의 리듬과 음색이 느린 호흡 속에서 멀어지듯 되돌아오며, 연작의 순서를 뒤늦게 정리한다. 그래서 목록에 따라 ‘여덟 개 왈츠’라고 부르는 관습과 ‘일곱 왈츠와 에필로그’라고 세는 관습이 함께 존재한다. 에필로그가 특정 무도회의 실제 장면을 묘사한다는 증거는 없지만, 관현악판과 발레판에서는 이 회상성이 무대의 여운과 자연스럽게 연결된다.

## 제목과 음악적 모델

Ravel은 자전적 설명에서 제목이 Schubert의 *Valses nobles* D.969와 *Valses sentimentales* D.779를 가리키며, Schubert를 본뜬 왈츠 연작을 쓰려 했다는 취지로 말했다. 이 언급은 제목의 출발점을 설명하지만 음악이 Schubert의 양식을 그대로 재현한다는 뜻은 아니다. Michael J. Puri는 작품의 동기와 조성, 각 번호의 연결 방식을 분석해 Schubert보다 Schumann식 피아노 순환곡의 수사에 가깝다는 해석을 제안한다. 이 견해는 작품을 듣는 한 가지 분석 틀이지 Ravel의 명시적 자기 규정은 아니다.

작품에는 Henri de Régnier의 문장에서 가져온 것으로 전해지는 짧은 에피그래프가 연결된다. “plaisir délicieux et toujours nouveau d’une occupation inutile”이라는 구절은 쓸모없는 일을 계속하는 기쁨을 말하지만, 이를 여덟 번호의 구체적인 줄거리나 작곡가의 사적 고백으로 확대하지 않는다. Chabrier를 이 연작의 헌정자나 직접적인 모델로 보는 근거도 확인되지 않는다. 출판 자료에서 Louis Aubert가 일관되게 헌정자이자 초연자로 나타나며, *À la manière de Chabrier*는 별도의 Ravel 작품이다.

## 익명 초연과 발레 무대

피아노 원작은 1911년 5월 9일 Société musicale indépendante의 Salle Gaveau 콘서트에서 Louis Aubert가 처음 연주했다. 프로그램은 작곡가 이름을 숨긴 채 관객에게 저자를 추측하게 했고, Ravel과 Erik Satie, Zoltán Kodály 등 여러 이름이 후보로 거론되었다. Ravel의 자전적 서술과 Aubert의 회고는 야유, 항의, 객석의 대화가 피아노 소리를 덮었다고 전하지만, 후보와 투표의 세부는 회고 자료마다 다르다. 익명성은 작품의 고풍스러운 제목과 새로운 화성을 동시에 시험한 기획이었고, 초연의 소란은 음악 자체의 모든 반응을 대표하지 않는다.

Ravel은 이 연작을 발레 *Adélaïde ou le langage des fleurs*를 위해 관현악화했다. 1912년 4월 22일 Théâtre du Châtelet에서 Natacha Trouhanova가 Adélaïde를 맡고 Ivan Clustine이 안무한 무대가 열렸으며, Les Concerts Lamoureux와 Ravel의 지휘가 기록된다. 발레판의 제목과 논거는 관현악판에 무대 맥락을 덧붙인 것이므로 피아노 원작과 분리된 새 작품으로 세지 않는다.

원래 제목을 그대로 내건 관현악 콘서트는 1914년 2월 15일 Paris Casino에서 Pierre Monteux가 지휘한 연주가 첫 사례로 기록된다. 1912년 2월 15일이나 1913년 파리 관현악 초연으로 적힌 목록은 이 연대기와 맞지 않는다. 1913년에 남은 Welte 피아노 롤은 Ravel 자신의 피아노 연주를 전하는 직접 자료지만, 관현악판의 초연이나 지휘 기록은 아니다.

## 매체에 따른 음향과 수용

피아노판에서는 한 악기가 화음, 내성, 페달의 잔향을 동시에 책임진다. 관현악판에서는 하프와 첼레스타가 고음역의 빛을 따로 떼어 내고, 잉글리시 호른과 클라리넷이 왈츠 선율의 색을 바꾼다. 작은북, 벨 또는 글로켄슈필, 트라이앵글은 춤의 박동을 단순히 강화하기보다 악센트의 위치를 낯설게 만든다. 이 관현악적 확장은 피아노 원작의 화성적 긴장을 지우지 않고 여러 음색 사이에 분산한다.

현대의 피아노 녹음 평론은 Ivana Gavrić의 정확한 기교와 건반 색채를, 관현악 평론은 Pierre Boulez나 Leonard Slatkin의 명료한 균형과 속도 선택을 서로 다르게 평가한다. 이런 평가는 특정 연주에 대한 청취 판단이지 작품의 고정된 의미나 유일한 해석이 아니다. *La valse*와의 음악적 비교가 학술 논문에 등장하지만, *La valse*는 별도의 작품이며 *Adélaïde* 발레판과도 구분해야 한다.

*Valses nobles et sentimentales*의 매력은 옛 왈츠의 이름을 빌리면서 그 춤을 완전히 복원하지 않는 데 있다. 세 박의 규칙, 짧은 번호, 에필로그의 회상은 살롱 음악의 기억을 불러오지만, 어긋난 화음과 건조한 악센트는 그 기억을 현재의 귀로 다시 비춘다. 관현악판은 이 이중성을 더 넓은 색채로 펼치고, 피아노판은 손가락과 페달 사이의 미세한 긴장으로 남긴다.

### 주요 자료

- [Bibliothèque nationale de France, *Adélaïde* 피아노판](https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb47294333d)
- [Bibliothèque nationale de France, 관현악 포켓 스코어](https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb47016431g)
- [Bibliothèque nationale de France, 원 관현악 스코어](https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb471091540)
- [Auditorium de Lyon, Ravel 프로그램 자료](https://www.auditorium-lyon.com/fr/ravel-berio)
- [Durand-Salabert-Eschig, Ravel brochure](https://www.durand-salabert-eschig.com/-/media/Images/DSE/PDFs/Brochures/R/ravel_maurice.ashx?hash=2D702BF54BE26B00EBB49CE364B3FF9D6F94E461&la=en-GB)
- [Morgan Library & Museum, 관현악 스코어](https://www.themorgan.org/music-manuscripts-and-printed-music/70783)
- [University of Rochester Sibley Music Library, D.&F.8476](https://urresearch.rochester.edu/institutionalPublicationPublicView.action?institutionalItemVersionId=16626)
- [Bärenreiter, Urtext 판 서문](https://www.barenreiter.co.uk/prefaces/9790006525867_Innenansicht.pdf)
- [Cambridge Companion to Ravel](https://pinypress.com/wp-content/uploads/2022/01/the-cambridge-companion-to-ravel-by-mawer-deborah.pdf)
- [Chandos, John Wilson 녹음 booklet](https://www.chandos.net/chanimages/Booklets/CH5280.pdf)
- [Michael J. Puri, Music Theory Online 논문](https://www.mtosmt.org/issues/mto.17.23.3/mto.17.23.3.puri.php)
- [The Guardian, Ivana Gavrić 녹음 평론](https://www.theguardian.com/music/2011/sep/22/janacek-ravel-prokofiev-gavric-review)
- [Classical Music/BBC Music Magazine, 관현악 녹음 평론](https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/ravel-39)
- [MusicWeb International, Ravel 관현악 녹음 평론](https://musicwebinternational.com/2026/03/ravel-orchestral-works-operas-naxos/)

# L'heure espagnole

# 정보

## 개요

**곡명:** *L'heure espagnole*, M. 52
**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)
**대본:** Franc-Nohain, Maurice Étienne Legrand의 필명, 1904년 희극
**작곡과 관현악화:** 1907년 4월–10월 성악·피아노판, 1908–1909년 관현악화
**초연:** 1911년 5월 19일 파리 Opéra-Comique, François Ruhlmann 지휘, Albert Carré 연출
**작품 범위:** 프랑스어 단막 오페라, Ravel이 선호한 명칭은 comédie musicale
**구성:** Introduction과 21개 장면
**전곡 소요 시간:** 공연과 판본에 따라 약 50–60분
**IMSLP:** [L'heure espagnole](https://imslp.org/wiki/L%27heure_espagnole_(Ravel%2C_Maurice))
**Wikipedia:** [L'heure espagnole](https://en.wikipedia.org/wiki/L%27heure_espagnole)

Maurice Ravel의 *L'heure espagnole*은 Franc-Nohain의 희극을 바탕으로 한 프랑스어 단막 오페라다. Ravel이 선호한 명칭은 comédie musicale이며, 전곡은 서론에 해당하는 Introduction과 21개 장면으로 이어진다. Toledo의 시계공 작업장에서 Concepción이 두 구혼자를 만나려는 동안 두 남자가 큰 시계 안에 숨고, Ramiro가 시계를 옮기면서 소동이 전개된다. 이 글은 성악·피아노판에서 관현악 총보로 이어진 전곡의 대본, 무대 장치, 판본, 공연과 녹음을 다룬다.

### 원작과 작곡

Franc-Nohain은 Maurice Étienne Legrand이 사용한 필명이다. 원작 희극은 1904년 10월 28일 Théâtre national de l’Odéon에서 공연되었고, Opéra-Comique와 Opéra de Lyon의 프로그램은 이를 “comédie bouffe en un acte et en vers”로 설명한다. Ravel은 1907년에 이 희극의 사용권을 얻어 작곡을 시작했으며, 원작의 진행을 유지하면서 100행이 조금 넘는 부분을 잘랐다.

1907년 4월부터 10월까지 성악과 피아노 부분을 쓴 뒤 1908년과 1909년에 관현악화를 완성했다. 이 구분은 성악·피아노판과 총보가 만들어진 경로를 보여 준다. Dezède는 1907년 7월부터 1911년 5월까지 다섯 차례의 사적 전곡 청취를 기록하며, 그 자리에서 Ravel이 피아노를 맡았다고 전한다.

### 출판 정보와 자료

Durand는 1908년에 성악·피아노판을, 1911년에 관현악 총보를 출판했다. IRCAM은 Jean Cruppi 부인에게 바친 헌정도 기록한다. IMSLP는 성악·피아노판을 판번호 D. & F. 7073, 총보를 D. & F. 7314로 기록하고, 1908년 파리 Durand 초판 악보는 Bibliothèques spécialisées de la Ville de Paris가 114쪽의 단권 악보로 식별한다. 자료 목록에는 1909년 발췌 악보와 Hubert Mouton의 1912년 피아노 삼중주 편곡이 보이며, 별도의 관현악 모음곡 항목은 나타나지 않는다.

자필 자료는 Morgan Library and Museum의 Robert Owen Lehman Collection, R252.H594로 기록되며 작성 시기는 1907년 4월–10월이다. BnF의 1908년 Durand 악보와 Morgan Library의 동시기 악보도 각각 별도 서지로 남아 있다. 현행 Breitkopf Urtext는 Jean-François Monnard가 초판과 자필을 대조해 편집한 판본으로, 1908년 성악·피아노판과 1911년 총보 사이의 성악부 차이를 검토했다고 설명한다. 현행판의 목차는 Introduction과 Scène 01–21을 장면 배열의 기준으로 제시한다.

### 소요 시간

소요 시간은 자료에 따라 차이가 크다. Opéra de Lyon 프로그램은 평균 50분, IRCAM은 55분, Breitkopf Urtext는 60분을 제시하며, 2017년 Gramophone 평론이 다룬 음반은 56분으로 표시된다. 이 자료들을 종합하면 전곡은 약 50–60분으로 설명된다. 공연 속도, 메트로놈과 시계 장치의 처리, 판본과 무대 전환 조건이 각 수치에 붙어 있지 않아, 각 시간은 개별 공연과 음반의 조건을 전제로 한다.

### 편성

| 구분 | 악기와 무대 장치 |
| --- | --- |
| 목관 | 2 flutes, piccolo, 2 oboes, English horn, 2 clarinets, bass clarinet, 2 bassoons, sarrusophone |
| 금관 | 4 horns, 2 trumpets, 3 trombones, contrabass tuba. IMSLP에는 tuba로 적힌다. |
| 타악기 | timpani, snare drum, bass drum, cymbals, spring, tambourine, tam-tam, triangle, castanets, ratchet, whip, sleigh bells, tubular bells, glockenspiel, xylophone |
| 건반과 하프 | celesta, 2 harps |
| 현악 | strings |
| 무대 장치 | 3 metronomes 또는 3 clock pendulums, 시계와 자동인형을 포함한 작업장 장치 |

Opéra de Lyon 프로그램은 세 메트로놈을 40, 100, 232로 맞춘다고 적고, IMSLP는 세 개의 시계추를 별도 악기처럼 기록한다. 두 명칭이 같은 장치를 가리키는지와 현행 Urtext의 실제 배치는 자료에서 일치하지 않는다. sarrusophone은 편성 목록에 남아 있으며, Lyon 프로그램은 contrabassoon 대체 가능성을 함께 언급한다. 자료에서는 tuba와 contrabass tuba, sarrusophone과 대체 악기가 서로 다르게 표기된다.

#### 무대 조건

무대는 18세기 Toledo의 시계공 작업장이다. 자동인형, 음악 상자, 작은 동물 장치와 서로 다른 시각을 치는 시계가 초반에 놓이고, 두 큰 시계는 Ramiro가 실제로 들어 올려 옮긴다. 두 구혼자가 시계 안에 숨은 채 바깥의 인물과 대화하는 장면은 가수의 위치, 시계 문, 이동 동선이 음악의 대화 리듬과 동시에 맞물려야 하는 조건을 만든다. 기관 프로그램은 이 무대 장치를 공연 조건으로 설명하며, 작곡가의 상징 의도를 직접 제시하지 않는다.

### 배역과 장면 구조

주요 배역은 다섯 명이다. 역할의 기능은 자료에서 공통되지만 성부 명칭은 판본과 기관에 따라 다르다.

| 역할 | 극 중 기능 | 자료에 나타나는 성부 |
| --- | --- | --- |
| Concepción | 시계공 Torquemada의 아내, 연애 소동의 중심 | soprano 또는 mezzo-soprano |
| Torquemada | Toledo의 시계공 | tenor |
| Gonzalve | 시를 쓰는 학생이자 구혼자 | tenor |
| Ramiro | 시계를 고치러 온 노새몰이꾼, 실제 행동으로 상황을 움직이는 인물 | baryton-Martin 또는 baritone |
| Don Iñigo Gomez | 부유한 금융가 또는 은행가, 또 다른 구혼자 | bassbuffo, basse-bouffe 또는 bass |

Breitkopf와 IMSLP는 Introduction 뒤에 21개 장면을 두며, 별도의 악장이나 독립된 아리아 번호를 제시하지 않는다. 짧은 성악 대목과 대화가 장면별로 이어지므로, 번호를 연속적인 오페라 장면의 표지로 이해하는 편이 정확하다.

1. **Introduction과 1–2장면, 작업장의 출발:** Ramiro가 시계를 고치러 오고, Torquemada는 시청 시계를 조정하러 나가면서 그에게 기다리라고 한다. 작업장에는 시계와 자동인형이 있고 Concepción은 남편이 비운 시간을 이용할 기회를 얻는다.
2. **3장면, 첫 번째 시계:** Concepción은 Ramiro에게 큰 시계를 2층으로 옮겨 달라고 부탁한다. 그녀가 연인을 만날 계획과 Ramiro의 실제 노동이 같은 무대에서 겹친다.
3. **4–6장면, Gonzalve:** Gonzalve는 시구와 세레나데에 몰두하지만 Concepción이 원하는 직접적인 만남에는 늦게 반응한다. Ramiro가 다시 시계를 옮기자 Gonzalve는 그 안에 숨겨진다.
4. **7–11장면, Don Iñigo:** Don Iñigo가 나타나 권위와 욕망을 과장해 구애한다. Ramiro가 두 번째 시계를 옮길 때 Don Iñigo도 안에 들어가며, 두 시계의 무게 차이가 새로운 희극적 장애물이 된다.
5. **12–15장면, 시계 안팎의 구혼:** Don Iñigo가 문을 열고 나오고, Ramiro는 Gonzalve가 들어 있는 시계를 계속 움직인다. Gonzalve의 시적 언어와 Don Iñigo의 권위적 태도는 Ramiro가 수행하는 실제 행동과 대비된다.
6. **16–18장면, Concepción의 선택:** Ramiro는 Concepción과 함께 지내고 싶은 마음을 말한다. Concepción은 두 구혼자가 기대를 충족하지 못한 뒤, 시계가 아니라 자신을 옮겨 달라고 Ramiro를 선택한다.
7. **19–21장면, 귀환과 결말:** Torquemada가 돌아와 두 시계 속의 구혼자를 발견한다. 그는 두 사람에게 시계를 팔겠다고 하여 소동을 거래로 바꾸고, Concepción과 Ramiro가 함께 남는다. 다섯 인물이 참여하는 마지막 앙상블이 단막의 결말을 맺는다.

### 말의 리듬과 작곡가의 설명

Maurice-Ravel.net이 Orenstein의 자료를 인용해 전하는 1911년 Le Figaro 발언에서 Ravel은 이 작품을 comédie musicale로 부르고, 마지막 5중창은 전통적인 앙상블에 가까운 대목으로, 그 밖의 성악은 일상적인 말의 억양에 가까운 방식으로 구상했다고 설명한다. 같은 자료가 전하는 1938년 회고에서는 작품을 음악으로 만든 대화에 가까운 것으로 표현한다. 이 자료가 제공하는 작곡가의 설명은 프랑스어의 악센트와 억양이 성악선의 출발점이었다는 내용으로 이해한다. 원문을 직접 확인한 Ravel의 편지나 리허설 기록이 아니라 2차 자료의 전달이라는 성격도 함께 고려한다.

시계 속 숨기기는 무대에서 반복되는 행동인 동시에, 말이 앞서고 행동이 늦어지는 인물들의 차이를 드러내는 장면 장치다. Opéra-Comique와 Opéra de Lyon의 기관 해설은 시계의 움직임, 목관과 타악기의 작용, 빠른 대화 리듬을 함께 언급한다. 이 관계는 공연기관이 설명하는 희극의 작동 방식이며, 악보의 모든 음형에 인물 하나를 일대일로 대응시키는 분석은 아니다.

### 초연과 수용

1907년에는 원작 사용권을 얻은 뒤 작곡과 사적 청취가 시작되었다. Dezède가 기록한 1907년 7월 6일 Mme Alfred Droz의 집, 1908년 1월 14일 Carré 또는 Opéra-Comique, 1909년 2월 26일과 3월 19일 Saint-Marceaux 살롱, 1911년 5월 8일 Marcel Pollet의 작업장 청취에서 Ravel이 피아노를 맡았다. 이 공연들은 공개 초연에 앞서 작품을 성악·피아노 형태로 시험한 자리였다.

1911년 5월 19일 파리 Opéra-Comique의 초연은 François Ruhlmann 지휘, Albert Carré 연출로 열렸다. Geneviève Vix가 Concepción, Maurice Coulomb가 Torquemada, Maurice Cazeneuve가 Gonzalve, Jean Périer가 Ramiro, Jean Delvoye가 Don Iñigo Gomez를 맡았다. Carré는 청취 뒤 상연을 미루었고, Opéra-Comique 자료는 초연 뒤 아홉 차례 공연하고 작품을 내렸다고 설명한다. 초기 언론의 비판은 악보가 학술적으로 치밀한 데 비해 소재가 가볍다는 판단과, 프랑스어 대화에 가까운 성악 처리를 둘러싸고 엇갈렸다.

후대 공연 기록도 이어진다. Opéra-Comique 자료는 1919년 런던, 1920년 Chicago와 New York, 1921년 Brussels 공연, 1921년 말 파리 오페라 수용, 1945년 Opéra-Comique 복귀를 기록한다. Opéra national de Lyon은 2018년 제작을 2020년에 재공연했고, Opéra-Comique의 2024년 프로그램도 새 공연을 올렸다. 이 기록들은 단막 오페라가 초기 철회 이후에도 극장 제작을 통해 다시 레퍼토리에 들어온 과정을 보여 준다.

### 녹음과 해석

Gramophone의 Mark Pullinger는 2023년 François-Xavier Roth와 Les Siècles의 Harmonia Mundi 녹음을 다루며, Roth의 속도가 Lorin Maazel과 Ernest Ansermet보다 3–4분 느리지만 흐름을 유지한다고 평가했다. 그는 1930년대 Selmer 트럼펫의 음색도 언급했다. 이 평가는 빠른 대화와 시계 장치가 있는 작품에서 속도와 시대 악기 선택이 어떤 청취 결과를 만든다는 평론가의 관찰이다.

Tim Ashley는 2017년 Asher Fisch와 Munich Radio Orchestra의 BR Klassik 녹음을 평론하면서 메트로놈의 위치와 음량, 풍부한 관현악, 가수들이 과장하지 않는 희극적 처리를 구체적으로 다루었다. 음반의 재생 시간은 56분이며, Ashley가 1953년 Ernest Ansermet와 Suzanne Danco의 녹음을 선호한다고 밝힌 점은 역사적 녹음에 대한 한 평론가의 판단으로 남는다.

Lionel Salter는 1989년 Lorin Maazel의 DG 녹음을 평론하면서 목소리가 관현악에 묻히지 않는 균형, 좌우 공간감, 시계 안 인물의 원근, 말하듯 노래하는 성악 처리를 평가하고 Ansermet 녹음과 비교했다. 세 평론은 속도, 메트로놈과 관현악의 음향, 음성의 공간 배치를 서로 다른 초점으로 다루며, 각 평론가의 청취 판단으로 남는다.

### 주요 레코딩

1953년 Ernest Ansermet의 녹음은 Gramophone의 2017년과 1989년 평론에서 비교 대상으로 반복해 언급된다. 1963년 Lorin Maazel과 French Radio National Orchestra의 DG 녹음은 Lionel Salter의 공간감과 음성 균형 평가가 연결된 사례다. 2017년 Asher Fisch와 Munich Radio Orchestra의 BR Klassik 900317 음반은 메트로놈과 성악 처리에 관한 Tim Ashley의 논평을, 2023년 François-Xavier Roth와 Les Siècles의 Harmonia Mundi 음반은 Mark Pullinger의 시대 악기와 속도 평가를 남긴다. 이 네 녹음은 서로 다른 음향 선택을 보여 주며, Gramophone 평론이 확인하는 범위에서 소개된다.

### 주요 자료

- [IRCAM 작품 데이터베이스](https://ressources.ircam.fr/en/work/l'heure-espagnole), 작곡연도, 초연, 대본, 헌정, 소요 시간
- [Opéra-Comique 프로그램, Pulcinella & L'Heure espagnole](https://www.opera-comique.com/fr/spectacles/pulcinella-l-heure-espagnole), 원작 사용권, 작곡 과정, 초연과 초기 수용, 후대 공연 경로
- [Breitkopf & Härtel, L’Heure espagnole Urtext](https://www.breitkopf.com/en/work/20403/l-heure-espagnole), Jean-François Monnard 편집판, Introduction과 21개 장면, 역할과 성부, 판본 관계
- [Bibliothèques spécialisées de la Ville de Paris 악보 기록](https://bibliotheques-specialisees.paris.fr/ark:/73873/pf0000344490), 1908년 Durand 성악·피아노판의 서지
- [Opéra de Lyon 프로그램 PDF](https://api.opera-lyon.com/files/8b1082ff/prog_heure_espagnole.pdf), 대본 절단, 줄거리, 무대 조건, 메트로놈과 세부 편성
- [Opéra national de Lyon 공연 페이지](https://www.opera-lyon.com/en/programme/2020-2021/en-famille/lheure-espagnole-2), 현대 제작과 2020년 재공연 정보
- [Dezède 작품과 공연 기록](https://dezede.org/oeuvres/l-heure-espagnole-2/), 사적 오디션, Ravel의 피아노 참여, 자필과 악보 서지
- [Maurice-Ravel.net 작품 자료](https://maurice-ravel.net/heure.htm), Ravel 발언의 2차 전달과 대본과 성악 처리 설명
- [Mark Pullinger의 Gramophone 평론](https://www.gramophone.co.uk/reviews/ravel-lheure-espagnole-bolero-roth), Roth와 Les Siècles의 속도와 시대 악기 음색
- [Tim Ashley의 Gramophone 평론](https://www.gramophone.co.uk/reviews/ravel-lheure-espagnol), Fisch와 Munich Radio Orchestra의 메트로놈, 관현악, 성악 처리
- [Lionel Salter의 Gramophone 평론](https://www.gramophone.co.uk/reviews/ravel-lheure-espagnole-0), Maazel 녹음의 음성 균형과 공간감

# L'enfant et les sortilèges

# 정보

## 개요

| 항목 | 내용 |
| --- | --- |
| 작곡가 | Maurice Ravel (1875–1937) |
| 작품명 | *L'enfant et les sortilèges* |
| 장르 | Colette 대본의 `fantaisie lyrique en deux parties` |
| 작곡 | 1919~1925년. 대본의 첫 원안은 1916년에 작성됨 |
| 초연 | 1925년 3월 21일 Opéra de Monte-Carlo, Victor de Sabata 지휘 |
| 주요 제작진 | Raoul Gunsbourg 연출, George Balanchine 안무, Diaghilev의 Ballets Russes 무용 참여 |
| 범위 | 아이의 방을 다루는 1부와 정원을 다루는 2부의 전막 오페라 |

**IMSLP:** [L'enfant et les sortilèges, M. 71 (Ravel)](https://imslp.org/wiki/L%27enfant_et_les_sortil%C3%A8ges%2C_M.71_%28Ravel%2C_Maurice%29)  
**Wikipedia:** [L'enfant et les sortilèges](https://en.wikipedia.org/wiki/L%27enfant_et_les_sortil%C3%A8ges)

Ravel의 *L'enfant et les sortilèges*는 Colette의 프랑스어 대본에 붙인 두 부분의 `fantaisie lyrique`다. 1부에서는 숙제를 거부한 아이가 의자, 시계, 찻주전자, 불, 책과 산수 교과서의 목소리를 차례로 듣고, 2부에서는 정원의 나무와 곤충, 새와 동물이 아이가 남긴 상처를 드러낸다. 다친 다람쥐를 돌보는 행동 뒤에 동물들이 아이를 집으로 이끌면서 두 부분의 적대가 공감과 귀환으로 바뀐다.

### 대본의 기원과 초연

Jacques Rouché는 1914년에 Colette에게 동화 발레를 의뢰했고, Colette는 1916년에 `Ballet pour ma fille`라는 첫 원안을 만들었다. Philharmonie de Paris와 Opéra de Monte-Carlo 자료는 Ravel이 이 대본을 오페라로 확장하는 작업을 1919년부터 진행했으며, 1924년에 계약 기한이 다가오면서 작곡을 본격화했다고 설명한다. 작품의 작곡 기간을 1916년 원안과 1919~1925년 음악 작업으로 나누어 기록하는 이유가 여기에 있다.

1925년 3월 21일 Salle Garnier의 Opéra de Monte-Carlo에서 Victor de Sabata가 지휘해 초연했다. Raoul Gunsbourg가 연출을 맡고 George Balanchine이 안무를 담당했으며, Diaghilev의 Ballets Russes 무용수들이 춤 장면에 참여했다. Marie-Thérèse Gauley가 아이를 맡았다는 IRCAM 기록과 함께 보면, 이 작품은 처음부터 성악극과 발레적 움직임을 함께 전제로 한 제작이었다.

### 출판과 판본

Durand는 1925년에 작품을 출판했다. 현재 Breitkopf & Härtel은 Jean-François Monnard가 편집한 `Fantaisie lyrique en 2 parties` Urtext를 약 50분의 프랑스어 원전판으로 제시하며, Ravel Edition은 2025년 비평 개정판과 별도의 현대 초연을 안내한다. 역사적 Durand 판본과 2025년 개정판은 서로 다른 편집 단계이며, 어느 판본을 쓰는지에 따라 텍스트가 달라진다.

### 소요 시간

원작 전막은 대체로 약 45~50분이다. IRCAM과 Opéra national de Paris는 약 45분, Breitkopf & Härtel은 약 50분을 제시한다. Philharmonie de Paris의 한 프로그램에 75분이 적힌 사례는 별도 편곡이나 공연 구성의 시간과 연결되어 있어, 원작 관현악판의 대표 시간과 구분된다. 피아노·플루트·첼로를 위한 Didier Puntos의 실내 편곡도 원작과 다른 공연 시간과 인원을 갖는다.

### 편성과 배역

성악은 아이, 어머니, 방 안의 사물, 정원의 동물과 식물을 맡는 여러 독창자와 성인 혼성합창, 어린이 또는 추가 합창으로 구성된다. 아이는 대개 메조소프라노가 맡고, 어머니는 알토 또는 콘트랄토가 맡는다. 안락의자는 베이스, 시계는 바리톤, 찻주전자는 테너, 불·공주·나이팅게일은 고음 소프라노 계열이 맡는 식으로 배역별 성부가 나뉘지만, 한 성악가가 여러 역을 겹쳐 맡는 공연도 있다.

오케스트라는 피콜로(제3플루트 겸함), 플루트 2, 슬라이드 휘슬, 오보에 2와 잉글리시 호른, E-flat·일반·베이스 클라리넷, 바순 2와 콘트라바순, 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 3, 튜바, 팀파니와 타악기, 첼레스타, 하프, 피아노 또는 `luthéal`, 현악기로 편성된다. 타악기에는 실로폰, 베이스드럼, 트라이앵글, 탬버린, 채찍, 심벌즈, 탐탐, 래칫, 치즈 강판, 우드블록, 윈드 머신, 크로탈과 스네어드럼이 포함된다. `luthéal`을 구할 수 없는 공연에서는 준비된 피아노가 대체 악기로 쓰인다.

LA Philharmonic과 Philharmonie de Paris의 편성 자료는 이 특수 악기들이 사물과 동물의 정체를 구별하는 장치라고 설명한다. Ravel은 독창자의 성악 기교와 벨칸토적 선율을 바탕으로 많은 색채를 가진 관현악을 사용해 짧은 장면을 잇는다.

### 1부: `La Maison`

아이의 방에서 시작하는 1부는 하나의 큰 사건을 여러 사물의 등장으로 나눈다. 아이가 숙제를 거부하고 어머니에게 반항한 뒤 의자, 시계, 찻주전자와 중국 찻잔, 불, 찢어진 벽지, 동화책의 공주, 산수 교과서가 차례로 살아난다. 각 대상은 아이가 자신에게 한 행동을 자기 목소리로 돌려준다.

찻주전자와 찻잔은 말장난과 폭스트롯의 몸짓으로 방의 희극을 만들고, 시계는 기계적인 반복으로 시간의 압박을 나타낸다. 불은 콜로라투라 성악으로 위협을 노래하며, 책 속 공주와 목동들은 오페라와 발레의 인용을 통해 아이의 상상과 현실 사이를 흔든다. 검은 고양이와 흰 고양이의 이중창, 숫자들의 합창이 이어지면서 방은 물건들이 재판하는 작은 극장으로 변한다.

### 2부: `Le Jardin`

정원에 나온 아이는 나무와 잠자리, 박쥐, 개구리, 부엉이, 나이팅게일과 다람쥐를 만난다. 동물과 식물은 칼에 베인 나무, 짝을 잃은 잠자리와 박쥐처럼 아이가 남긴 상처를 말하고, 여러 생명이 함께 부르는 합창은 1부의 사물 반격을 공동체의 고통으로 넓힌다.

싸움 중 다람쥐가 다치자 아이는 그 상처를 감싸 준다. LA Philharmonic의 작품 해설은 이 짧은 돌봄을 결말의 방향을 바꾸는 행동으로 설명한다. 동물들은 아이의 상처도 알아차리고 그를 집으로 데려가며, 아이가 마지막에 부르는 `Maman`은 공포 속의 호출에서 관계를 회복하는 말로 바뀐다.

### 장면을 잇는 양식과 음색

Ravel은 장면마다 다른 음악 양식을 부여한다. 미뉴에트와 사라방드, 왈츠, 폭스트롯, 래그타임, 기계적 행진, 고양이 이중창, 정원의 합창이 이어지면서 아이가 망가뜨린 세계가 각자의 말투를 얻는다. 이 빠른 전환은 번호가 서로 무관하게 나열된다는 뜻이 아니라, 사물과 동물이 아이의 기억에 반응하는 속도를 무대와 관현악에 동시에 부여한다.

성악의 배역 겹침과 특수 악기의 조합은 두 부분을 연결한다. 아이의 방에서 들리던 피아노·첼레스타·시계의 건조한 색이 정원에서 하프, 목관과 합창의 넓은 호흡으로 바뀌고, `Maman`이라는 한 단어가 이 변화를 인간 관계의 귀환으로 묶는다. Ravel이 “선율, 벨칸토, 보칼리즈, 성악 기교”를 출발점으로 삼았다는 LA Philharmonic의 해설은, 이 결말이 관현악 효과만이 아니라 아이의 노래와 발음에 의해 성립한다는 점을 짚는다.

### 무대판과 편곡판의 범위

1925년 초연은 오페라, 발레와 판토마임이 결합한 제작이었다. 오늘날 전막 관현악판은 두 부분과 모든 배역, 합창, 특수 악기를 유지하지만, Didier Puntos의 1980년대 실내 편곡처럼 연주 인원과 악기를 줄인 판본도 존재한다. 실내 편곡의 피아노 네 손·플루트·첼로와 8인 성악 앙상블은 원작의 대규모 오케스트라와 다른 텍스트다.

### 주요 자료

- [Philharmonie de Paris, *L'enfant et les sortilèges* 국가 데이터베이스](https://basenationale.philharmoniedeparis.fr/0764491-l-enfant-et-les-sortileges-de-maurice-ravel.aspx?_lg=fr-FR)
- [IRCAM, *L'enfant et les sortilèges*](https://ressources.ircam.fr/fr/work/l'enfant-et-les-sortileges)
- [Opéra de Monte-Carlo, 1925년 초연·2025년 기념 자료](https://www.opera.mc/en/seasons/24-25/l-heure-espagnole-l-enfant-et-les-sortileges)
- [Los Angeles Philharmonic, *L'enfant et les sortilèges*](https://www.laphil.com/works/l-enfant-et-les-sortileges)
- [Opéra national de Paris, *Ma mère l'Oye / L'enfant et les sortilèges*](https://www.operadeparis.fr/saison-23-24/opera/ma-mere-loye-lenfant-et-les-sortileges)
- [Breitkopf & Härtel, *L'enfant et les sortilèges* Urtext](https://www.breitkopf.com/en/work/20503/l-enfant-et-les-sortileges)
- [George Balanchine Foundation, 1925년 작품 목록](https://balanchine.org/balanchine-catalogue/catalogue-of-works/48-lenfant-et-les-sortileges-1925/)
- [Ravel Edition, 2025년 비평 개정판](https://www.raveledition.com/l-enfant-et-les-sortileges)

# Tzigane for violin and orchestra

# 정보

## 개요

**곡명:** *Tzigane, M. 76 / Rapsodie de concert* (바이올린과 관현악판)

**작곡가:** Maurice Ravel (1875–1937)

**작곡 시기:** 1922년 구상, 1924년 완성 및 관현악화

**원곡 최초 연주:** 1924년 4월 26일, 런던 Aeolian Hall, Jelly d'Arányi 바이올린, Henri Gil-Marcheix 피아노

**관현악판 초연:** 1924년 11월 30일, 파리, Jelly d'Arányi 바이올린, Gabriel Pierné 지휘 Les Concerts Colonne로 기록됨. 10월 19일 암스테르담의 Samuel Dushkin·Pierre Monteux·Concertgebouw 공연을 먼저 기록하는 자료도 있다.

**헌정:** Jelly d'Arányi

**장르:** 독주 바이올린과 관현악을 위한 한 악장 콘서트 랩소디

**소요 규모:** 한 악장, 약 9–12분

**IMSLP:** [Tzigane, M. 76 (Ravel, Maurice)](https://imslp.org/wiki/Tzigane%2C_M.76_%28Ravel%2C_Maurice%29)

**Wikipedia:** [Tzigane](https://en.wikipedia.org/wiki/Tzigane)

Maurice Ravel의 *Tzigane, M. 76*은 독주 바이올린과 관현악을 위한 한 악장 콘서트 랩소디다. 작품은 긴 무반주 `Quasi Cadenza`로 시작해 관현악이 들어오는 중간부와 빠른 종결로 이어진다. 이 글은 1924년 관현악판을 중심에 두면서, 그 바탕이 된 바이올린·피아노판과 luthéal판의 제작·초연 순서를 함께 설명한다.

### 출판 정보와 세 판본

Ravel은 1922년 런던에서 Jelly d'Arányi의 연주를 들은 뒤 헝가리풍 선율을 더 요청했고, 1924년 봄 바이올린·피아노판을 완성했다. Durand의 작곡가 카탈로그는 바이올린·피아노판, luthéal을 부착한 피아노판, 바이올린·관현악판을 별도 버전으로 구분하고, 모두 `Rapsodie de concert`라는 부제를 붙인다. d'Arányi는 이 작품을 헌정받았으며 원곡 초연에도 참여했다.

바이올린·피아노판은 1924년 4월 26일 런던에서 처음 연주되었고, luthéal판은 Durand 기록에 따라 10월 15일 파리 Salle Gaveau에서 Samuel Dushkin과 Beveridge Webster가 초연했다. 관현악판은 1924년 7월 Ravel이 자필 총보를 마쳤고, Durand와 Boston Symphony Orchestra는 11월 30일 파리 공연을 첫 관현악판 연주로 기록한다. 암스테르담의 10월 19일 공연을 관현악판 최초로 보는 기록과 날짜가 갈리므로, 두 공연은 서로 다른 출처의 초연 기록으로 남는다.

IMSLP에는 1924년 Durand의 피아노판과 luthéal 지시가 포함된 판, Ravel의 관현악 편곡 총보와 파트가 따로 올라 있다. Morgan Library가 소장한 1924년 7월 자필 관현악 총보에는 바이올린 독주 도입 58마디가 총보에 쉼표로 표시되어 있다. 따라서 관현악판의 독주 도입은 피아노판의 한 마디를 그대로 옮긴 것이 아니라, 별도 독주부를 지닌 관현악 편곡으로 읽어야 한다.

### 소요 시간

Durand 카탈로그는 세 버전을 약 12분으로 제시하고, Los Angeles Philharmonic은 관현악판을 약 9분으로 제시한다. 템포와 판본에 따른 차이를 고려하면 전곡은 약 9–12분이다. 한 악장 작품이므로 악장별 시간은 따로 나누지 않는다.

### 편성

관현악판은 다음과 같은 독주 바이올린과 관현악을 사용한다.

- 목관: 플루트 2(제2플루트는 피콜로 겸함), 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2
- 금관: F조 호른 2, C조 트럼펫 1
- 타악기와 건반: 타악기 1명(글로켄슈필, 충돌 심벌즈, 서스펜디드 심벌즈, 트라이앵글), 첼레스타, 하프 1
- 현악: 제1·제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스

원곡의 luthéal은 피아노에 부착해 침발롬이나 하프시코드에 가까운 금속성 음색을 만드는 장치다. 관현악판에서는 하프와 첼레스타, 글로켄슈필, 목관과 현악이 그 색채를 나누어 맡으며, 특수 건반 장치의 효과를 관현악으로 다시 배치한다.

### 한 악장 랩소디의 진행

#### `Quasi Cadenza`

독주 바이올린은 낮은 G현에서 출발해 겹음, 하모닉스, 빠른 장식, 글리산도, 왼손 피치카토와 화음을 차례로 펼친다. 이 도입은 뒤의 춤곡적 질주에서 되돌아올 리듬과 음형을 먼저 제시하며, 독주자의 기교와 형식적 출발점을 한데 놓는다. Ravel Edition은 자필 관현악 총보에서 이 독주가 58마디에 걸쳐 진행되며, 오케스트라 첫 진입 앞에 한 마디로 압축되어 기보된다고 설명한다.

#### 관현악의 진입과 색채 전환

독주부 뒤에 플루트, 오보에, 클라리넷, 현악과 하프·첼레스타가 들어오면서 음악의 매체가 바뀐다. luthéal판에서 피아노가 만들던 탄현성·금속성 울림은 관현악판에서 여러 악기의 짧은 응답과 반짝이는 타격으로 분산된다. 독주 바이올린의 장식은 관현악의 음색 변화와 맞물려, 카덴차에서 예고된 재료를 실제 리듬 운동으로 전환한다.

#### 기교적 확장과 질주

중간 이후에는 빠른 패시지, 이중음, 하모닉스, 글리산도와 왼손 피치카토가 다시 확장된다. 관현악은 하프와 첼레스타의 짧은 색채, 목관의 응답, 트라이앵글과 심벌즈의 타격으로 바이올린의 선을 둘러싼다. 첫 무반주 부분과 뒤의 합주가 같은 음형을 서로 다른 매체로 되돌려 주기 때문에, 작품의 짧은 길이 안에서도 도입과 종결이 하나의 랩소디 곡선을 이룬다.

#### 종결

마지막 구간은 템포와 음량을 밀어 올리며 한 악장 전체를 닫는다. Ravel이 이 작품을 헝가리 랩소디풍의 비르투오소 곡으로 설명했다는 공연기관 해설은, 종결의 속도와 독주 기교를 19세기 유럽의 바이올린 쇼피스 전통과 연결한다. 작품에서 확인되는 ‘집시풍’은 특정 민요의 직접 인용이라기보다, 당시 콘서트홀에서 통용된 헝가리풍 랩소디 어법을 Ravel의 음색 설계로 재구성한 결과다.

### d'Arányi를 위한 쇼피스와 판본의 관계

d'Arányi는 Joseph Joachim의 조카손녀인 헝가리계 바이올리니스트였고, Ravel은 그녀가 지닌 비르투오소 기교를 염두에 두고 작품을 썼다. Boston Symphony Orchestra의 해설은 1922년 런던의 사적 음악회에서 d'Arányi가 연주한 뒤 Ravel이 헝가리풍 선율을 더 청한 사건을 작품의 출발점으로 전한다. 이 배경은 무반주 카덴차가 곡의 입구에 놓인 이유와 독주자의 기술이 관현악판에서도 보존되는 방식을 설명한다.

피아노판, luthéal판, 관현악판은 같은 한 악장 랩소디의 세 공연 매체이지만 동일한 편성으로 취급되지 않는다. luthéal은 오래 살아남지 못해 일반 피아노판과 관현악판이 오늘날의 주요 연주 형태가 되었고, 관현악판은 Ravel이 1924년 여름에 별도로 완성한 색채적 재설계다. Morgan Library의 자필 총보와 Ravel Edition의 편집 해설은 그 재설계 과정에서 독주 카덴차의 기보와 프레이징이 피아노 초판과 달라졌음을 보여 준다.

### 주요 자료

- [Ravel 작곡가 카탈로그, *Tzigane* (Durand-Salabert-Eschig)](https://www.durand-salabert-eschig.com/-/media/Images/DSE/PDFs/Brochures/R/ravel_maurice.ashx?hash=2D702BF54BE26B00EBB49CE364B3FF9D6F94E461&la=en-GB)
- [Tzigane 자필 관현악 총보 (Morgan Library & Museum)](https://www.themorgan.org/music-manuscripts-and-printed-music/115540)
- [Tzigane 편집 해설 (Ravel Edition)](https://english-raveledition.format.com/tzigane)
- [Ravel: Tzigane (Boston Symphony Orchestra)](https://www.bso.org/works/ravel-tzigane-for-violin-and-orchestra)
- [Tzigane, Rapsodie de concert (Los Angeles Philharmonic)](https://www.laphil.com/works/tzigane-rapsodie-de-concert)
- [Tzigane 관현악 총보 (University of Rochester Eastman/Sibley Music Library)](https://urresearch.rochester.edu/institutionalPublicationPublicView.action?institutionalItemId=32188)