# Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) # Symphony No. 1 in G minor, Op. 13 "Winter Daydreams" # 정보 # Pyotr Ilyich Tchaikovsky: *Symphony No. 1 in G minor, Op. 13* ## 개요 - 작곡가: Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) - 작품명: *Symphony No. 1 in G minor, Op. 13*, “Winter Daydreams” (《교향곡 1번 사단조》, 《겨울날의 몽상》) - 장르: 관현악 교향곡 - 작곡: 1866–1868년의 원본 과정, 1874년 대폭 개정 - 원본 과정의 전곡 초연: 1868년 2월 3일(구력)·15일(신력), 모스크바, Nikolay Rubinstein 지휘 - 개정본 첫 전곡 연주: 1883년 11월 19일(구력)·12월 1일(신력), 모스크바, Max Erdmannsdörfer 지휘 - 초판: 1875년 P. Jurgenson, 모스크바 - 공식 구성: 네 악장 - 연주 시간: 판본과 연주에 따라 약 44–50분 ### 출판 정보 차이콥스키 연구 자료는 1866–1868년의 작곡 과정과 1874년 봄의 대폭 개정을 구분한다. 1874년 개정본은 1875년 모스크바의 P. Jurgenson이 출판했고, 1886년 차이콥스키가 인쇄 오류를 지적한 편지가 남아 있다. 현재의 연주 자료는 개정본을 기본으로 하지만, 1866–1868년 원본을 복원한 악보와 방송 연주도 별도 전승을 이룬다. 작품 식별자는 Op. 13, TH 24, ČW 21로 기록되며, Op. 13a라는 별도 번호는 확인되지 않는다. - [Tchaikovsky Research, Symphony No. 1](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Symphony_No._1) - [IMSLP: *Symphony No. 1, Op. 13*](https://imslp.org/wiki/Symphony_No.1%2C_Op.13_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr_Ilyich%29) 표트르 일리치 차이콥스키의 첫 교향곡은 네 악장으로 이루어지며, 처음 두 악장에 겨울 여행과 안개 낀 풍경을 암시하는 표제가 붙어 있다. *Dreams of a Winter Journey*, *Land of Gloom, Land of Mist*, *Scherzo*, *Finale*가 차례로 이어지고, 마지막 악장에서는 러시아 민요풍 재료가 큰 관현악 결말로 확장된다. 표제의 구체적인 의미를 작곡가가 설명한 문서는 확인되지 않으므로, 풍경의 이미지는 악보와 후대 프로그램의 해석을 구분해 읽어야 한다. ### 소요 시간 Tchaikovsky Research는 전곡을 약 45–50분으로 안내한다. 개정본을 녹음한 Chandos 음반은 43분 57초로, 제1악장부터 네 악장이 각각 11분 45초, 11분 41초, 7분 32초, 12분 41초다. 다른 지휘와 반복, 판본을 고려하면 약 44–50분을 실용적인 범위로 삼을 수 있다. 원본 복원판은 개정본과 마디 수가 달라 시간이 더 짧거나 길어질 수 있다. ### 편성 공식 악보 목록과 연구 자료가 제시하는 개정본의 기본 편성은 다음과 같다. - 목관악기: 피콜로, 플루트 2, 오보에 2, A와 B♭ 클라리넷 2, 바순 2 - 금관악기: E♭와 F호른 4, C와 D트럼펫 2, 트롬본 3, 튜바 - 타악기: 팀파니 2, 심벌즈, 큰북 - 현악기: 현악 5부 확인된 총보 목록에는 하프가 없으며, 트럼펫과 팀파니의 세부 표기는 판본에 따라 달라질 수 있다. 1874년 Jurgenson 판과 후대 판본은 악기 표기가 다를 수 있으므로, 사용한 판본에 따라 음향을 구분해 읽어야 한다. ## 네 악장과 겨울 표제 ### I. *Daydreams of a Winter Journey. Allegro tranquillo* 제1악장은 *Allegro tranquillo*의 차분한 운동과 긴 선율로 겨울 여행의 출발을 암시한다. 개정본은 723마디이며, 원본 과정에는 786마디가 있었다고 정리된다. 표제의 풍경은 관악의 서정적 선과 불안정한 진행이 만들어 내는 이동과 회상의 음악적 이미지로 읽을 수 있다. ### II. *Land of Gloom, Land of Mist. Adagio cantabile, ma non tanto* 느린 악장은 내림마장조의 *Adagio cantabile, ma non tanto*로, 개정본은 168마디다. 오보에와 현악의 긴 프레이즈가 밝은 장조의 표면 아래에 그늘을 남기며, 제목의 ‘황량함’과 ‘안개’는 후대 청취를 돕는 이미지가 된다. 이 악장의 도입부와 코다는 1864년 극음악 *The Storm*의 재료와 관련된다고 연구 자료가 설명하지만, 차이콥스키가 그 연관을 표제의 뜻으로 직접 밝혔다는 기록은 없다. ### III. *Scherzo. Allegro scherzando giocoso* 스케르초는 441마디로, 개정 과정에서도 같은 마디 수를 유지했다. 가볍게 튀는 리듬과 춤의 전환이 앞선 두 악장의 정적을 바꾸며, 이 재료는 1865년 C♯단조 피아노 소나타 제3악장에서 옮겨 온 것으로 정리된다. 멘델스존적인 가벼움이라는 평가는 후대 해설의 비교이며, 악장 표제 자체는 *Allegro scherzando giocoso*다. ### IV. *Finale. Andante lugubre – Allegro moderato* 피날레는 *Andante lugubre*에서 *Allegro moderato*로 넘어가며, 개정본은 610마디다. 어두운 느린 시작이 러시아 민요풍 선율과 결합해 넓은 결말로 나아가고, 종결은 사장조로 향한다. 연구 자료는 126마디부터 “Я посею ли, млада-младенька” 선율이 사용된다고 지적한다. 어떤 자료가 연결하는 “Цвели-цветики”는 동일성을 확정하기 어렵고, 민요의 출처와 변형은 분석의 영역에 남는다. ## 작곡 과정과 두 판본 차이콥스키는 1866년에 이 교향곡을 쓰기 시작했고, 1868년 초까지 관현악화와 수정 작업을 이어 갔다. 그가 Anatoly에게 보낸 편지에는 작곡이 더디고 신경이 불안하다는 고충이, Aleksandra Davydova에게 보낸 편지에는 관현악화를 시작했다는 기록이 남아 있다. 1866–1868년의 원본 과정과 1874년의 근본 개정은 같은 작품 안에서 서로 다른 텍스트를 이룬다. 두 판본의 마디 수는 제1악장 786마디에서 723마디로, 제2악장 176마디에서 168마디로 줄었고, 제3악장은 441마디로 남았다. 제4악장은 원본 608마디에서 개정본 610마디로 정리된다. 1874년 개정은 단순한 오탈자 수정이 아니라 구조와 관현악을 다시 검토한 작업이었다. 현재의 출판 총보가 개정본을 기본으로 하는 이유도 여기에 있다. ## 초연과 개정본의 첫 연주 전곡에 앞서 일부 악장이 먼저 연주되었다. 1866년 말 모스크바에서 스케르초가, 1867년 상트페테르부르크에서 아다지오와 스케르초가 각각 소개되었지만, 이는 전곡 초연이 아니다. 원본 과정의 첫 전곡 연주는 1868년 2월 3일 구력, 15일 신력에 모스크바 러시아 음악협회 제8회 연주회에서 Nikolay Rubinstein이 지휘한 것으로 Tchaikovsky Research와 여러 악보 목록이 기록한다. 초연을 둘러싼 평가는 하나로 정리되지 않는다. Modest 차이콥스키의 회고에는 Rubinstein과 Nikolay Zaremba의 혹평과 작곡가의 고통이 강조되지만, 러시아 국립예술연구소의 서술은 공연이 성공했고 Hermann Laroche가 작품의 러시아적 성격을 높이 평가했다고 전한다. 동시기 반응과 후대 회고가 서로 다르므로, 초연 실패라는 단일한 일화로 작품의 수용사를 덮지 않는다. 1874년 개정본의 첫 전곡 연주는 1883년 11월 19일 구력·12월 1일 신력 모스크바 러시아 음악협회 제5회 연주회에서 Max Erdmannsdörfer가 지휘했다. 차이콥스키는 1886년 Jurgenson에게 보낸 편지에서 1868년 연주 전 Rubinstein의 조언에 따른 수정, 1874년 개정, 1875년 인쇄 오류, 1883년 리허설 중의 교정을 차례로 설명했다. 이 편지는 개정본이 작곡가에게도 계속 살아 있는 텍스트였음을 보여 준다. ## 러시아적 재료와 표제의 한계 “Winter Daydreams”와 첫 두 악장의 표제는 작품 자료에 남아 있지만, 차이콥스키가 이 제목들이 구체적으로 무엇을 묘사하는지 설명한 직접 기록은 확인되지 않는다. 로스앤젤레스 필하모닉과 Philharmonia의 프로그램은 겨울 풍경, 여행과 안개를 음악의 이미지로 읽는다. 이 설명은 청취를 돕는 해석이며, 악장마다 정해진 줄거리를 뜻하지 않는다. 제2악장의 *The Storm* 관련 재료, 제3악장의 피아노 소나타 재사용, 제4악장의 민요 선율은 초기 차이콥스키가 자신의 재료와 러시아적 선율을 교향곡 구조에 배치한 방식을 보여 준다. 피날레 앞부분과 종결부가 1872년 Polytechnic Exhibition 개막 칸타타에 다시 쓰였다는 기록도 있다. 이후 자기 인용은 작품의 작곡 연대를 바꾸지 않으며, 원본과 개정본의 관계를 살필 때 별도의 연대 자료로 취급한다. ## 출판, 녹음과 현재의 수용 1874년 개정본은 1875년 P. Jurgenson 출판으로 널리 유통되었다. 1874년을 첫 판의 연도로 적는 음반 목록도 있어, 판권과 실제 발행 시점을 구분할 필요가 있다. Jurgenson 판의 인쇄 오류와 1888년 교정 또는 새 판에 관한 서지는 후대 판본의 차이를 설명하는 자료다. 러시아 국립음악박물관의 fond 88 no.55에는 1874년 변경이 들어간 허가 사본이 남아 있어, 자필 총보가 소실된 뒤에도 개정 흔적을 추적할 수 있다. 원본 과정의 형태는 상업 음반보다 방송과 복원 프로젝트에서 주로 다뤄졌다. Tchaikovsky Research는 Ilan Volkov와 BBC Scottish Symphony Orchestra가 2007년에 연주한 BBC Radio 3 방송을 1868년 이후 알려진 첫 원본 버전 녹음으로 소개한다. 이는 표준 개정본을 녹음한 음반과 다른 자료이며, 두 버전의 마디와 관현악을 비교하게 한다. 개정본 녹음 가운데 Gergiev와 London Symphony Orchestra의 2011년 녹음은 43분 29초로, 2012년 발매된 LSO Live 음반에 수록되었다. Jansons와 Oslo Philharmonic의 1985년 녹음, Doráti와 London Symphony Orchestra의 1965년 녹음 등도 널리 전해진다. 차이콥스키의 첫 교향곡은 George Balanchine의 *Le Palais de cristal*에도 사용되었다. 이 발레는 1947년 파리에서 초연되었고, 1948년 뉴욕 공연에서 *Symphony in C*라는 이름으로 불렸지만, 비제의 동명 교향곡이나 차이콥스키 작품의 개정판과 혼동해서는 안 된다. 오늘날의 수용은 초연 당시의 혹평과 다르다. 일부 평론은 초기 교향곡의 거친 전환과 긴 호흡을 지적하고, 다른 평론은 러시아적 선율과 겨울 표제가 만든 개성, 피날레의 확장을 높이 평가한다. 원본과 개정본, 판본별 편성, 지휘자별 반복과 템포를 함께 들을 때 이 작품은 단순한 청년기의 습작이 아니라 차이콥스키가 교향곡의 언어를 찾는 과정으로 드러난다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, Chronology](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Chronology) - [Tchaikovsky Research, First Thoughts](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/First_Thoughts) - [Tchaikovsky Research, Discography](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Discography) - [Tchaikovsky Discography 2022](https://www.tchaikovsky-research.net/files/tchaikovskydisc-2022-03.pdf) - [러시아 국립음악박물관, 허가 사본 기록](https://www.culture.ru/catalog/tchaikovsky/ru/item/archiv/simfoniya-no-1-zimnie-gryozy) - [러시아 국립예술연구소, 초연과 수용](https://sias.ru/institute/news/7963/) - [Los Angeles Philharmonic, *Symphony No. 1*](https://www.laphil.com/works/symphony-no-1-in-g-minor-op-13-winter-daydreams) - [Hyperion, Gergiev/LSO 녹음](https://www.hyperion-records.co.uk/dw.asp?dc=W15898_311710) - [Chandos, Jansons/Oslo 녹음](https://www.chandos.net/products/catalogue/CHAN%208672) - [Chandos, Tchaikovsky 녹음 booklet](https://www.chandos.net/chanimages/Booklets/CH10392.pdf) - [Philharmonia, 프로그램 자료](https://philharmonia-assets.s3.eu-west-1.amazonaws.com/uploads/2024/10/22121321/31.10.24_RFH_online.pdf) - [New West Symphony, 프로그램 자료](https://newwestsymphony.org/wp-content/uploads/2025/12/Program-Dec2025-NWS-Print-Final-paged-3.pdf) - [The Absolute Sound, Tchaikovsky 교향곡 비평](https://www.theabsolutesound.com/articles/tchaikovsky-symphonies-1-3/) # Symphony No. 2 in C minor, Op. 17 "Little Russian" # 정보 ## 개요 **곡명:** *Symphony No. 2 in C minor, Op. 17* “Little Russian” **작곡가:** Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **장르:** 관현악 교향곡, 네 악장 **작곡 시기:** 1872–73년 원작, 1879–80년 개정판 **초연:** 1873년 2월 7일 Moscow, Nikolay Rubinstein 지휘 **개정판 첫 연주:** 1881년 2월 12일 St Petersburg, Eduard Nápravník 지휘 **별칭:** “Little Russian”, 비공식 명칭 **초기 출판:** Bessel 피아노 연탄판 1873/74년, 개정 관현악 총보 1880/81년 **소요 시간:** 개정판 약 30–35분, 원작 약 39분 **IMSLP:** [Symphony No. 2, Op. 17](https://imslp.org/wiki/Symphony_No.2%2C_Op.17_(Tchaikovsky%2C_Pyotr)) **Wikipedia:** [Symphony No. 2 (Tchaikovsky)](https://en.wikipedia.org/wiki/Symphony_No._2_(Tchaikovsky)) Peter Ilyich Tchaikovsky의 *Symphony No. 2 in C minor, Op. 17*에는 1872–73년 원작과 1879–80년 개정판이 있다. 현재 공연과 녹음은 주로 개정판을 사용한다. 두 판본은 네 악장 틀과 민요 자료를 공유하면서도 첫 악장·셰르초·피날레의 길이와 관현악을 크게 달리한다. 개정판의 순서는 I. *Andante sostenuto–Allegro vivo*, II. *Andantino marziale, quasi Moderato*, III. *Scherzo. Allegro molto vivace*, IV. *Finale. Moderato assai–Allegro vivo*이며, 별칭 “Little Russian”은 작품의 공식 부제가 아닌 후대 명칭이다. ### 두 판본의 작곡과 공연 연대 Tchaikovsky는 1872년 여름 Kamenka와 Usovo에서 스케치를 만들고, 9월부터 Moscow에서 관현악화를 진행했다. 1872년 11월에는 형제 Modest에게 형식의 완성도에 자신감을 보였고, 12월 Rimsky-Korsakov의 집에서 피아노로 피날레를 연주했다. 이 원작은 1873년 2월 7일 Moscow Russian Musical Society 제7회 연주회에서 Nikolay Rubinstein의 지휘로 처음 완주되었다. 초연 직후 Tchaikovsky가 Vladimir Stasov와 Ilya에게 보낸 편지는 호출·박수와 재연 요구를 전한다. 작곡가는 첫 세 악장에는 만족하지 못했지만 피날레의 “The Crane”은 비교적 잘 되었다고 썼고, Rubinstein이 제10회 연주회 재연을 원한다고 알렸다. 1873년 3월 27일/4월 8일의 제10회 연주회와 5월의 특별 연주회는 최초 초연 뒤의 별도 공연으로 기록된다. 원작의 St Petersburg 첫 연주는 1874년 3월 7일 Eduard Nápravník가 지휘했다. 1879년 12월부터 1880년 1월까지 Tchaikovsky는 첫째·셋째 악장을 다시 쓰고, 둘째 악장을 손질하며, 피날레를 줄였다. Nadezhda von Meck에게 보낸 편지는 이 계획을 직접 보여 주며, 작곡가가 원작을 다시 판단한 계기도 남긴다. 개정판의 첫 연주는 1881년 2월 12일 St Petersburg Russian Musical Society 제10회 연주회에서 Nápravník가 지휘했다. 같은 해 12월 3일 Moscow 연주는 Karl Zike가 맡았으며, Nápravník는 St Petersburg 개정판 첫 연주, Zike는 Moscow 재연의 지휘자로 기록된다. ### 별칭과 민요 자료 “Little Russian Symphony” 또는 러시아어 Малороссийская симфония는 공식 작품번호에 포함되지 않은 별칭이다. Tchaikovsky Research는 Nikolay Kashkin의 1896년 회고록과 당시 우크라이나를 ‘Little Russia’로 부르던 제정 러시아의 용례를 이 이름의 배경으로 설명한다. Cambridge의 연구는 이 지역 명칭이 오늘날의 우크라이나 정체성과 다른 제국적 맥락을 지닌다고 분석한다. 별칭의 역사적 사용과 작품에 실제로 쓰인 선율의 출처는 서로 다른 사실로 구분된다. 첫 악장 서주의 호른 선율은 “Down by Mother Volga” 또는 Вниз по матушке по Волге의 변형이다. Tchaikovsky는 1872년 Mariya Mamontova가 모은 러시아·우크라이나 선율 어린이 노래집에서 이 재료를 다뤘다. 둘째 악장의 바깥 부분은 미출판 오페라 *Undina* 제3막의 Huldbrandt와 Berthalda 결혼 행진에서 왔고, 중앙부에는 “Keep on Spinning, My Spinner”가 놓인다. Tchaikovsky는 후자의 노래를 1868년 *Fifty Russian Folksongs*에서 편곡했다. 셋째 악장은 특정 민요를 그대로 인용한 악장으로 확인되지 않으며, 빠른 점음표 리듬과 음형의 민속적 성격이 분석 대상으로 남아 있다. 피날레의 주요 선율 “The Crane”은 Davydov 가문의 집사 Pyotr Gerasimovich에게서 들은 노래와 연결된다. 이 선율은 Mamontova 선집 제18번과 닮았지만 조화와 선율의 형태가 완전히 같지는 않다. BSO와 Indianapolis Symphony의 프로그램은 Glinka의 *Kamarinskaya*가 민요 선율을 교향곡의 발전 원리로 다루는 방식에 영향을 주었다고 설명한다. ### 출판 정보와 판본 Bessel은 원작 피아노 연탄판을 1873년 11월로 적은 기록과 1874년으로 적은 기록이 함께 남아 있다. 개정판 관현악 총보도 Tchaikovsky Research는 1881년, Cambridge 장은 1880년으로 제시한다. 판각번호와 발행 시점은 자료에 따라 다르게 기록된다. 개정 작업이 끝난 시기는 1880년 초이고 개정판 첫 연주는 1881년이다. Tchaikovsky는 1880년 옛 총보를 없앴다고 Nápravník에게 알렸고, 옛 연주 파트는 Russian Musical Society 도서관에 남았다고 썼다. 개정판 자필 총보와 개정 연탄판의 현재 소재는 알려지지 않았다. 원작 연탄판은 Moscow의 Russian National Museum of Music 소장으로 기록된다. 원작의 남은 관현악 파트는 Ivan Shorning이 복원했으며, Sergey Taneyev의 1896년 Moscow 연주와 Mikhail Terian의 1950년 Moscow Conservatory 연주가 그 복원 계보에 포함된다. 1954년 소비에트 전집 제15B권은 개정판 전곡과 원작 발췌를 함께 싣고, 1956년 제47권은 두 판본의 연탄 자료를 수록한다. IMSLP에는 Bessel 자료와 전집·재인쇄 악보가 함께 등록되어 있다. 현재의 표준 연주판은 1879–80년 개정판 계열이며, 원작 복원판은 소실된 총보와 파트·연탄판을 결합한 별도의 판본으로 다뤄진다. ### 악장별 구조와 판본 차이 #### 1879–80년 개정판 제1악장 *Andante sostenuto–Allegro vivo*는 C단조 368마디다. 서주의 민요 선율 뒤에 새 첫 주제가 놓이고, 원작보다 압축된 소나타 진행과 개정된 재현부가 이어진다. 제2악장 *Andantino marziale, quasi Moderato*는 E♭장조 179마디로, *Undina*의 결혼 행진과 “Spinner” 선율을 결합한다. 제3악장 *Scherzo. Allegro molto vivace*는 C단조 482마디이며, 셰르초와 트리오의 관현악·반복 처리가 원작과 다르다. 제4악장 *Finale. Moderato assai–Allegro vivo*는 C장조 847마디로, “The Crane”을 중심으로 변주적 관현악 전개와 코다가 이어진다. #### 1872–73년 원작 원작도 네 악장 구성을 유지하지만 제1악장은 486마디의 *Andante sostenuto–Allegro commodo*, 제2악장은 179마디의 *Andantino marciale*, 제3악장은 481마디의 *Scherzo. Allegro molto vivace*, 제4악장은 993마디의 *Finale. Moderato assai–Allegro vivo*였다. 개정판의 첫 악장은 서주와 코다를 제외한 본문 대부분이 새로 쓰였고, 셰르초의 관현악과 반복부도 크게 다듬어졌다. 둘째 악장은 기본 재료를 유지하면서 템포·프레이즈·관현악 세부가 바뀐 악장으로 기록된다. 피날레는 원작 509마디 뒤의 150마디 이상 확장부가 개정판에서 삭제되어 847마디로 줄었다. BSO 프로그램이 말하는 ‘24개 변주’는 그 기관의 설명으로 남으며, Tchaikovsky Research와 Chandos는 변주적 관현악 처리만을 공통으로 서술한다. ### 편성 1879–80년 개정판의 표준 편성은 피콜로, 플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 2(B♭·C), 바순 2, 호른 4(F), 트럼펫 2(C), 트롬본 3, 튜바, 팀파니 3, 심벌즈, 큰북, 탐탐, 현악 5부다. 편성표에서 확인되는 탐탐은 후반부 사용으로 안내되는 자료가 있으며, 기관 프로그램과 총보 목록은 기본 악기군에서 대체로 일치한다. 원작 복원판의 악기 배치는 남아 있는 파트와 보충 자료에 근거하며, 개정판과 다른 판본 근거를 지닌다. First Thoughts는 원작 피날레의 소실된 큰북·심벌즈 구간을 유사 구간에 근거해 보충했다고 설명한다. 원작의 역사적 연주와 오늘날 개정판 연주는 편성의 근거와 범위가 서로 다르다. ### 소요 시간 Tchaikovsky Research는 개정판을 약 30–35분, 원작을 그보다 약 5분 더 긴 작품으로 안내한다. Geoffrey Simon과 London Symphony Orchestra의 1982년 원작 전곡 녹음은 약 40분, Valery Gergiev와 London Symphony Orchestra의 2011년 개정판 녹음은 약 35분이다. 원작 보존 파트에 적힌 악장별 시간과 Chandos의 39분대 음반은 원작이 개정판보다 길다는 사실을 뒷받침한다. ### 작곡가 자료, 녹음과 연주 선택 Letter 287과 Letter 288은 1873년 초연 직후의 성공, Rubinstein의 재연 의사, 호출과 사례금을 작곡가의 말로 전한다. Letter 1366은 1879년 개정에서 첫째·셋째 악장을 다시 쓰고 둘째 악장을 손질하며 피날레를 줄이려는 계획을 직접 기록한다. 이 편지들은 원작과 개정판의 차이가 Tchaikovsky가 직접 계획하고 진행한 개정 작업에서 비롯했음을 보여 준다. 1982년 Simon과 London Symphony Orchestra의 녹음은 원작 전곡을 처음 녹음한 사례로 Tchaikovsky Research에 기록된다. Mikhail Pletnev와 Russian National Orchestra의 PentaTone 음반은 개정판과 원작 첫 악장을 함께 다루며 Daniel Jaffé가 두 판본의 첫 악장·셰르초·피날레 차이를 비교했다. MusicWeb의 Pletnev 평론은 금관의 절제, 절정의 힘, 루바토를 해당 녹음의 선택으로 평가한다. Fiona Maddocks의 2011년 Guardian/Observer 평론은 Kirill Karabits와 Bournemouth Symphony Orchestra의 연주에서 우크라이나 선율과 목관·금관의 음색 및 리듬이 맺는 관계를 비평가의 관점으로 다룬다. 이 평가는 해당 공연의 수용 기록으로 한정된다. Kurt Masur, Eugene Goossens, Markevitch, Ormandy 등 역사적 녹음의 계보는 개정판과 원작 복원판, 서로 다른 관현악 전통이 함께 이어져 왔음을 보여 준다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, Symphony No. 2](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Symphony_No._2): TH 25·ČW 22 식별, 1872–73 원작과 1879–80 개정, 악장·마디 수, 초연 연표, 민요·판본·자필 기록. - [Tchaikovsky Research, First Thoughts](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/First_Thoughts): 원작 복원 음원, 소실된 파트와 복원 조건, 1982년 Simon 녹음, 판본별 차이. - [Tchaikovsky Research, Letter 287](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_287): 1873년 초연 직후 Stasov에게 보낸 성공·재연·작곡가 자기평가. - [Tchaikovsky Research, Letter 288](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_288): 관객 호응, 재연, Moscow Russian Musical Society의 사례금. - [Tchaikovsky Research, Letter 1366](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_1366): 1879년 개정 계획과 원작에 대한 작곡가의 판단. - [Tchaikovsky Research, Letter 303](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_303): Bessel 악보와 1873년 특별 연주회 주석. - [Nick Strimple, Cambridge의 Tchaikovsky Symphony No. 2 장](https://www.cambridge.org/core/books/abs/orchestral-masterpieces-under-the-microscope/tchaikovsky-symphony-no2-in-c-minor-op17/5197C1D2DF0020BAD25FF486BA5EB578): 별칭의 제국적 지역 명칭 맥락, 초연·개정·출판 연도 차이와 구조 분석. - [Andrew Huth, Chandos CHAN 10041 booklet](https://www.chandos.net/chanimages/Booklets/CH10041.pdf): 원작 전곡 녹음, 악장별 시간, 민요·셰르초·피날레와 개정 비교. - [Andrew Huth, LSO Live booklet](https://eclassical.textalk.se/shop/17115/art96/4944196-d5af89-822231171027.pdf): Gergiev·London Symphony Orchestra 개정판 녹음과 시간. - [Boston Symphony Orchestra, Tchaikovsky Symphony No. 2 프로그램](https://cdn.bso.org/uploads/Program-Notes/20220120.pdf): 초연·개정, 편성, 별칭, 민요와 피날레 변주 설명. - [Indianapolis Symphony Orchestra, Tchaikovsky Symphony No. 2](https://www.indianapolissymphony.org/backstage/program-notes/tchaikovsky-symphony-no-2-in-c-minor/): Kamenka, 민요 출처, 별칭과 Glinka의 *Kamarinskaya* 맥락. - [Daniel Jaffé, Classical Music/BBC Music Magazine review](https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/tchaikovsky-symphony-2-xmas-12): Pletnev 음반과 원작·개정판의 첫 악장·셰르초·피날레 비교. - [MusicWeb, Mikhail Pletnev/Russian National Orchestra review](https://www.musicweb-international.com/classrev/2012/Oct12/Tchaikovsky_sy2_PTC5186382.htm): 2011년 녹음 정보와 금관·절정·루바토에 대한 비평. - [Fiona Maddocks, Guardian/Observer review](https://www.theguardian.com/music/2011/oct/30/tchaikovsky-mussorgsky-bournemouth-karabits-review): Karabits·Bournemouth 공연과 우크라이나 선율에 대한 독립 평론. - [MusicWeb, Kurt Masur/Dresden Philharmonic review](https://musicweb-international.com/classrev/2002/Aug02/Tchaikovsky_Prokofiev_Masur.htm): 1970년 녹음과 역사적 수용 자료. - [The Audio Beat, Tchaikovsky symphonies recording history](https://www.theaudiobeat.com/blog/tchaikovsky_symphonies.htm): Goossens, Markevitch, Ormandy 등 초기·역사적 녹음 비교. - [Tchaikovsky Research, Complete Collected Works](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Complete_Collected_Works): 1954년 제15B권과 1956년 제47권의 원작·개정판 수록 정보. - [Russian State Library catalogue](https://search.rsl.ru/ru/record/01002018524): 러시아 전집과 도서관 서지 경로. - [Russian National Library, Tchaikovsky manuscript exhibition](https://expositions.nlr.ru/ex_manus/Chaikovsky/index.php): 자필·소장 자료의 추가 경로. # Symphony No. 3 in D major, Op. 29 "Polish" # 정보 # Peter Ilyich Tchaikovsky: *Symphony No. 3 in D major, Op. 29* "Polish" - **작곡가:** Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) - **작품명:** Symphony No. 3 in D major, Op. 29 "Polish" - **장르:** 관현악 교향곡 - **작곡 시기:** 1875년 6월–8월 - **초연:** 1875년 11월 7일(구력)/19일(신력), 모스크바 러시아 음악협회 첫 교향곡 연주회, Nikolay Rubinstein 지휘 - **IMSLP:** [Symphony No. 3, Op. 29](https://imslp.org/wiki/Symphony_No.3,_Op.29_(Tchaikovsky,_Pyotr_Ilyich)) - **Wikipedia:** [Symphony No. 3 (Tchaikovsky)](https://en.wikipedia.org/wiki/Symphony_No._3_(Tchaikovsky)) 차이콥스키가 1875년에 작곡한 *Symphony No. 3 in D major, Op. 29*는 오케스트라를 위한 다섯 악장 교향곡이다. 작품은 *Introduzione e Allegro*, *Alla tedesca*, *Andante. Andante elegiaco*, *Scherzo*, *Finale* 순서로 이어진다. 차이콥스키의 번호 교향곡 가운데 유일한 장조 교향곡이다. 빠른 바깥 악장에는 행진 리듬이 두드러지고, 춤곡 성격의 제2·4악장 사이에는 느린 Andante가 놓인다. Boston Symphony Orchestra의 Harlow Robinson 해설은 음악학자 Boris Asafiev가 이 작품을 "모음곡 형식의 교향곡"이라고 불렀다고 소개한다. 이 말은 춤곡과 느린 악장을 나란히 둔 다섯 악장 구성을 요약한다. ### 출판 정보와 자료 1875년 6월 19일(구력)/7월 1일(신력)에 쓴 편지에서 차이콥스키는 새 교향곡을 조금씩 쓰고, 오래 앉아 있기보다 산책을 많이 한다고 알렸다. 자필 총보 표제에는 1875년 6월 5일(구력)/17일(신력) Usovo에서 시작해 8월 1일(구력)/13일(신력) Verbovka에서 마쳤다고 적혀 있다. 악장 끝의 날짜를 보면 관현악화 순서는 작품의 순서와 달랐다. 제5악장과 제4악장을 Nizy에서 먼저 마친 뒤 Verbovka에서 제1–3악장을 차례로 완성했다. [Tchaikovsky Research의 작품 기록](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Symphony_No._3)과 [Letter 405](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_405)는 작곡가가 남긴 일정과 설명을 함께 전한다. 1875년 8월 14일(구력)/26일(신력) 세르게이 타네예프에게 보낸 편지에서 차이콥스키는 작품이 D major이며 다섯 악장으로 이루어졌다고 썼다. 작곡은 탐보프 지방에서 했고, 관현악화는 Sumy와 편지를 쓸 당시 머물던 Verbovka에서 나누어 했다고 설명했다. 자필 총보에는 Usovo·Nizy·Verbovka에서 악장별 작업을 마친 날짜가 적혀 있다. 총보 표제에는 Vladimir Stepanovich Shilovsky를 가리키는 문구가 남아 있지만, 생전 인쇄본에는 헌정이 표시되지 않았다. P. Jurgenson은 1876–77년에 총보와 관현악 파트를 처음 출판했다. 이후 Pavel Berlinsky가 편집한 차이콥스키 전집 16A권에 전체 악보가 실렸다. 아래 악장명은 통용 인쇄 표기를 따르며, 자필 총보 표제에는 *Introduzione e Allegro brillante*, *Andante elegioso*, *Allegro con fuoco (Alla Pollaca)*처럼 인쇄본과 다른 표기가 나온다. 자필 피날레는 인쇄본보다 36마디 길다. Tchaikovsky Research는 차이콥스키가 출판 전에 일부를 덜어 낸 것으로 추정한다. ### 소요 시간 전곡은 대체로 45–50분이다. Mariss Jansons와 Oslo Philharmonic의 Chandos 음반 책자는 다섯 악장의 연주 시간을 각각 13분 46초, 6분 45초, 9분 41초, 5분 59초, 8분 39초로 기록하며, 전곡 시간은 45분 10초다. 실제 연주 시간은 해석과 판본에 따라 달라질 수 있다. [Chandos 음반 책자](https://www.chandos.net/chanimages/Booklets/CH10392.pdf)는 악장별 트랙 길이를 제시한다. ### 편성 | 악기군 | 편성 | | --- | --- | | 목관 | Piccolo, 2 flutes, 2 oboes, 2 clarinets (in A, B-flat), 2 bassoons | | 금관 | 4 horns (in F), 2 trumpets (in F), 3 trombones, tuba | | 타악기 | 3 timpani | | 현악기 | violins I, violins II, violas, cellos, double basses | ### 악장 구성 #### I. *Introduzione e Allegro*: Moderato assai (Tempo di marcia funebre); Allegro brillante 제1악장은 장례행진풍 서주가 길게 이어진 뒤 빠른 Allegro로 넘어가며, 다섯 악장 중 가장 길다. Tchaikovsky Research에 따르면 서주는 D minor, Allegro는 D major다. Boston Symphony Orchestra의 Harlow Robinson 해설은 빠른 본론을 소나타 형식으로 설명한다. 첫 주제는 행진 리듬을 타고 힘차게 나아가고, 뒤이어 오보에 독주가 하강하는 서정적 선율을 들려준다. 빠른 본론에 들어서면 서주의 장중함이 풀리고, 두 주제의 성격 차이가 선명해진다. #### II. *Alla tedesca*: Allegro moderato e semplice B-flat major 악장이다. 표제는 독일식 춤을 가리킨다. Harlow Robinson은 이를 렌틀러 계열의 소박한 왈츠로 설명한다. 첫째와 셋째 마디의 첫 박을 비워 둔 리듬은 춤에 작은 놀라움을 주고, 트리오에서는 16분음표 셋잇단음표가 빠르게 스치며 가벼운 장식을 더한다. 이 춤 악장 뒤에 작품의 느린 중심부가 놓인다. #### III. *Andante*: Andante elegiaco D minor의 느린 악장으로 다섯 악장의 가운데에 자리한다. Boston Symphony Orchestra의 해설은 이 안단테를 몽환적이고 향수를 불러일으키는 느린 악장으로 묘사한다. 선율에 새소리를 닮은 장식음이 얹혀 목가적인 분위기를 띠며, 그 안에 애잔함이 남는다. #### IV. *Scherzo*: Allegro vivo B minor 악장이다. Boston Symphony Orchestra의 해설은 약음기를 낀 현악기가 만드는 끊임없는 운동감과 악기 음색이 연이어 바뀌는 효과를 특징으로 꼽는다. 트리오의 한 동기는 1872년 *Cantata for the Opening of the Polytechnic Exhibition*의 서주 마지막 부분과 테너 독창에서 가져왔다고 Tchaikovsky Research가 기록한다. #### V. *Finale*: Allegro con fuoco (Tempo di polacca) D major 피날레는 *Tempo di polacca*라는 표기대로 폴로네즈 리듬을 내세운다. Harlow Robinson은 되풀이되는 주제와 푸가적 대목이 맞물리는 론도형 악장으로 설명한다. A음에서 위로 뻗는 제2주제가 나오고, 대위적 짜임이 두터워질수록 폴로네즈의 점음 리듬이 다시 또렷해진다. 반복되는 주제가 이어진 뒤 격렬한 코다가 교향곡을 끝맺는다. ### 초연과 후대의 수용 모스크바 초연 닷새 뒤인 1875년 11월 12일(구력)/24일(신력), 림스키코르사코프에게 보낸 편지에서 차이콥스키는 새 아이디어가 특별히 돋보이지는 않지만 작법은 한 걸음 나아갔다고 썼다. 첫 악장과 두 스케르초에는 만족했다. 다만 두 번째 스케르초, 곧 제4악장은 어려워 리허설이 더 있었다면 잘 연주됐을 것이라고 적었다. 실제 리허설은 두 시간씩 세 차례였고, 전체 연주에는 만족했다. 1876년 1월 24일(구력)/2월 5일(신력) Eduard Nápravník가 지휘한 상트페테르부르크 첫 공연 뒤에는 동생 모데스트에게 교향곡이 좋은 반응을 얻었고 자신이 불려 나와 박수를 받았다고 알렸다. 두 편지는 모스크바 초연에 대한 작곡가의 평가와 이듬해 상트페테르부르크 공연의 반응을 전한다. [Letter 417](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_417), [Letter 442](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_442) Richard Freed는 Albert Coates와 London Symphony Orchestra가 1932년 HMV를 위해 만든 녹음을 가장 이른 음반으로 소개한다. 미국에서는 Victor가 이 녹음을 발매했으며, Freed는 중앙의 *Andante elegiaco*가 원래 길이의 약 3분의 1로 줄었다고 지적했다. 그는 Hans Kindler와 Washington National Symphony가 1941년에 녹음한 판에도 작은 컷이 남았다고 쓰면서, *Alla tedesca*의 자연스러운 흐름과 느린 악장에 둔 무게를 그 연주의 특징으로 평가한다. 이 음반은 Guild GHCD 2422 재발매본에 실렸다. [The Audio Beat의 Richard Freed 평](https://www.theaudiobeat.com/blog/tchaikovsky_symphonies.htm) "Polish"는 차이콥스키가 붙인 공식 표제가 아니라 피날레의 *Tempo di polacca*에서 파생한 후대 별칭이다. Cambridge University Press의 Jonathan Del Mar와 BSO 해설은 이 이름을 August Manns가 1899년 Crystal Palace에서 영국 초연을 지휘한 일과 연결한다. Cambridge는 Manns가 대중의 관심을 끌려고 붙인 것으로 보인다고 쓰고, BSO도 이를 통설로 한정한다. 후대 무대에서는 다섯 악장 중 일부만 따로 쓰이기도 했다. George Balanchine의 발레 *Jewels* 중 *Diamonds*는 1967년 New York City Ballet 초연에서 이 교향곡의 제2–5악장을 사용했다. Kansas City Ballet의 레퍼토리 해설에 따르면 Balanchine은 제1악장이 춤에 맞지 않는다고 보아 뺐다. [George Balanchine Foundation 작품 목록](https://balanchine.org/balanchine-catalogue/catalogue-of-works/358-jewels-1967/), [Kansas City Ballet의 *Diamonds* 해설](https://kcballet.org/repertory/diamonds/) ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, *Symphony No. 3*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Symphony_No._3): 자필 총보, 작곡·출판 연혁, 편성, 악장 표기와 초연 자료. - [Tchaikovsky Research, Letter 405](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_405), [Letter 409](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_409), [Letter 417](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_417), [Letter 442](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_442): 작곡 당시의 서신, 초연 뒤 작곡가의 평가와 상트페테르부르크 공연 반응. - [Boston Symphony Orchestra, Harlow Robinson, *Tchaikovsky Symphony No. 3, Polish*](https://www.bso.org/works/tchaikovsky-symphony-no-3-polish): 악장 구조, 형식 설명, 초연 및 별칭에 관한 프로그램 해설. - [Cambridge University Press, Jonathan Del Mar, *Tchaikovsky: Symphony No. 3 in D, Op. 29*](https://www.cambridge.org/core/books/abs/orchestral-masterpieces-under-the-microscope/tchaikovsky-symphony-no3-in-d-op29): 초판 서지와 1899년 별칭 유래에 관한 장의 요약·서지 정보. - [Chandos Records, Mariss Jansons·Oslo Philharmonic 음반 책자](https://www.chandos.net/chanimages/Booklets/CH10392.pdf): 전곡 및 악장별 녹음 시간. - [The Audio Beat, Richard Freed, *American Recording Premieres of Tchaikovsky Symphonies*](https://www.theaudiobeat.com/blog/tchaikovsky_symphonies.htm): 1932년 Coates와 1941년 Kindler의 초기 녹음 및 해석에 관한 비평. - [George Balanchine Foundation, *Jewels* (1967) catalogue](https://balanchine.org/balanchine-catalogue/catalogue-of-works/358-jewels-1967/): *Diamonds* 초연과 교향곡 제1악장 제외 기록. - [Kansas City Ballet, *Diamonds*](https://kcballet.org/repertory/diamonds/): 발란신이 선택한 악장 범위에 대한 레퍼토리 해설. # Symphony No. 4 in F minor, Op. 36 # 정보 ## 개요 **곡명:** *Symphony No. 4 in F minor, Op. 36* **작곡가:** Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **작곡 시기:** 1877년에 스케치를 진행하고 1878년 1월 초 관현악 총보를 완성했다. **초연:** 1878년 2월 22일(러시아 구력 2월 10일), 모스크바 러시아음악협회 열 번째 연주회, Nikolay Rubinstein 지휘 **장르와 범위:** 관현악을 위한 네 악장 교향곡 전곡 **IMSLP:** [Symphony No.4, Op.36](https://imslp.org/wiki/Symphony_No.4,_Op.36_(Tchaikovsky,_Pyotr_Ilyich)) **Wikipedia:** [Symphony No. 4 (Tchaikovsky)](https://en.wikipedia.org/wiki/Symphony_No._4_(Tchaikovsky)) Peter Ilyich Tchaikovsky의 *Symphony No. 4 in F minor, Op. 36*은 네 악장으로 이루어진 관현악 교향곡이다. 첫 악장 *Andante sostenuto — Moderato con anima* 뒤에 노래풍의 *Andantino in modo di canzona*, 현악 피치카토를 앞세운 *Scherzo. Pizzicato ostinato. Allegro*, *Finale. Allegro con fuoco*가 차례로 놓인다. 작곡가는 1877년에 전곡의 윤곽을 잡고 이듬해 초 총보를 마쳤으며, 작품은 그해 2월 모스크바에서 초연됐다. 작곡가는 편지에서 첫 악장 도입부를 ‘운명’이라고 부르고 마지막 악장에서 그것이 돌아온다고 설명했다. 이 말은 출판된 표제나 악장마다 고정된 줄거리가 아니라, 초연 뒤 헌정 상대에게 보낸 사적인 해설에 담겨 있다. 둘째 악장의 독주 선율, 셋째 악장의 악기군 교대, 종악장의 민요는 그 해설을 따라가면서도 각각 고유한 음악적 진행을 이룬다. ## 스케치에서 첫 공연까지 Tchaikovsky는 1877년 5월 Nadezhda von Meck에게 겨울부터 새 교향곡을 쓰고 있다고 알렸다. 같은 달 중순에는 앞의 세 악장을 스케치했고, 6월 초에는 종악장까지 전곡의 윤곽을 마련했다고 전했다. 관현악화는 8월에 시작됐지만 첫 악장이 길고 복잡해 작업이 지연됐다. 남은 악장들은 연말 이탈리아에서 집중적으로 완성했다. 현존 총보의 첫 세 악장에는 Venice에서 적은 날짜가, 종악장 끝에는 San Remo의 1877년 12월 26일/1878년 1월 7일이라는 날짜가 남아 있다. 이 이중 날짜는 당시 러시아에서 쓰던 구력과 서유럽의 신력을 나란히 나타낸다. 작곡가는 완성한 총보를 모스크바로 보냈고, Nikolay Rubinstein은 1878년 2월 러시아음악협회의 열 번째 연주회에서 지휘했다. Tchaikovsky Research는 이 초연을 성공적인 공연으로 기록한다. 그해 12월 Eduard Nápravník이 지휘한 Saint Petersburg 공연에서는 동생 Modest가 셋째 악장의 앙코르와 종악장 뒤의 큰 박수를 전했다. 작곡가도 이 소식을 받은 편지에서 앙코르를 성공의 증거로 받아들였다. 작품이 다시 공연되는 과정에서 특히 스케르초가 관객의 즉각적인 반응을 끌어낸 셈이다. 초기 반응에는 찬사만 있지 않았다. 제자이자 작곡가인 Sergey Taneyev는 악장의 일부를 발레 음악처럼 들었다고 평하고 이 교향곡의 표제성을 문제 삼았다. Tchaikovsky는 1878년 4월 답장에서 표제적인 성격을 인정하면서도 그 내용을 말로 정확히 공식화할 수는 없다고 반박했다. Beethoven의 교향곡 5번을 언급한 까닭도 선율을 빌렸다는 뜻이 아니라 교향곡을 움직이는 ‘근본 발상’을 본떴다는 뜻이라고 명확히 했다. 이는 음악의 진행을 설명할 언어가 필요하되, 편지의 문장을 곧 악보의 모든 음에 대응시킬 수는 없다는 당대의 논쟁을 보여 준다. ## 헌정 편지가 그려 준 네 악장 초연 뒤인 1878년 3월, Tchaikovsky는 von Meck에게 긴 편지를 보내 도입부를 행복을 가로막는 운명의 힘이라고 설명했다. 첫 악장의 다른 대목에는 잠시 나타나는 행복의 꿈을, 둘째 악장에는 혼자 있는 저녁에 떠오르는 기억을 연결했다. 셋째 악장에는 분명한 감정보다 잠들기 전 스쳐 가는 불연속적인 장면들을 배치했고, 종악장에서는 다른 사람들의 축제에 들어갔을 때 다시 나타나는 운명을 이야기했다. 편지의 마지막에는 타인의 기쁨을 함께 기뻐하며 살아갈 수 있다는 문장이 나온다. 동시에 그는 자신이 적은 설명이 모호하고 불완전하다고 덧붙였다. ‘운명’은 작곡가가 도입부와 그 귀환에 부여한 이미지지만 작품의 공식 부제는 아니다. 편지 끝의 삶에 대한 긍정과 도입부의 위협적인 귀환도 한 문장으로 합쳐지지 않는다. ### 출판 정보와 자료 총보는 현재 모스크바의 Russian National Museum of Music에 보관되어 있다. 네 악장 92장으로 된 자필 자료의 소장 번호는 Fonds 88, No. 58이다. 작품의 출판 과정에서는 작곡가가 악보를 직접 교정하려 했다는 점이 중요하다. 그는 1878년 4월 출판업자 Pyotr Jurgenson에게 자신의 최종 교정을 거치기 전에는 교향곡을 내지 말라고 요청했고, 예비 교정에는 Taneyev를 추천했다. 같은 편지에서 제목면의 헌정 문구도 직접 정했다. *Dedicated to my best friend*는 이름을 적지 않은 von Meck 헌정이다. 출판 경로를 보면 Jurgenson의 관현악 총보는 1879년에 광고됐고, Taneyev가 편곡한 피아노 네 손 판도 그 무렵 발행됐다. 관현악 파트보는 1888년에 광고됐다. 총보와 파트보가 각각 언제 유통되었는지 구분하면 초기 공연과 출판의 순서를 분명히 볼 수 있다. 뒤에는 Pavel Berlinsky가 편집한 1949년 구전집 총보도 나왔다. ### 소요 시간 전곡은 대체로 약 40–45분이다. Benjamin Zander와 Boston Philharmonic Orchestra의 2018년 실황에서는 첫 악장이 약 18분, 둘째 약 9분, 셋째 약 7분, 종악장 약 9분으로 진행된다. 이는 한 공연의 악장별 규모를 보여 주는 수치다. Manfred Honeck과 Pittsburgh Symphony Orchestra의 2016년 실황은 둘째 악장이 약 10분, 셋째가 약 6분으로 달라진다. 특히 스케르초의 빠르기 선택이 악장별 시간에 영향을 준다. ### 편성 기준 총보 계통의 편성은 *Piccolo*, *Flutes* 2, *Oboes* 2, *Clarinets* 2(in A, B-flat), *Bassoons* 2, *Horns* 4(in F), *Trumpets* 2(in F), *Trombones* 3, *Tuba*, *Timpani* 3, *Triangle*, *Cymbals*, *Bass Drum*, *Violins I/II*, *Violas*, *Cellos*, *Double Basses*다. 관현악의 모든 악기가 네 악장에서 같은 방식으로 쓰이지는 않는다. 도입부의 관악은 교향곡의 출발을 규정하고, 셋째 악장에서는 현악·목관·금관을 서로 떼어 놓은 뒤 짧게 주고받게 한다. 종악장에는 앞 악장들에서 두드러지지 않던 *Triangle*, *Cymbals*, *Bass Drum*이 축제 장면의 움직임에 가세한다. 이런 차이는 악기 수의 변화가 아니라 동일한 편성을 악장마다 다르게 배치한 결과다. ## 네 악장의 진행 ### I. *Andante sostenuto — Moderato con anima* (F minor) 관악이 제시하는 도입부는 작곡가가 von Meck에게 ‘운명’이라고 설명한 바로 그 대목이다. 뒤이어 본부가 *Moderato con anima*로 움직이기 시작하면 왈츠의 움직임을 지닌 첫 주제가 나온다. Berliner Philharmoniker의 작품 해설은 이 하강하는 선율의 반복과 악센트가 안정된 춤의 느낌을 계속 흐트러뜨린다고 짚는다. 이어 나타나는 목관 선율과 현악의 여린 음향은 편지에서 말한 ‘꿈’의 장면과 연결된다. 도입부의 금관 신호가 다시 울릴 때 그 흐름은 중단된다. 첫 악장은 네 악장 가운데 가장 길다. Tchaikovsky는 관현악화 과정에서 이 악장이 유독 길고 복잡하다고 von Meck에게 알렸고, 음악도 도입부의 귀환과 서로 다른 빠르기의 구간을 거치며 크게 전개된다. 이 악장의 규모를 단순한 느린 서주와 빠른 본부의 대비로만 볼 수 없는 이유다. 훗날 지휘자 Honeck은 2020년 음반 해설에서 89마디의 강주를 잠깐 누그러뜨린 뒤 91마디의 다시 적힌 *fortissimo*를 새 충격으로 만들었다고 밝혔다. 악보에 없는 그 음량 변화는 같은 큰 소리를 유지하는 연주와 다른 긴장 곡선을 만든다. 그는 237마디에서 시작하는 긴 악구도 기보보다 여리게 출발시켜 차츰 밀어 나갔다고 설명한다. 악장의 맨 끝 *Allegro vivo*에서는 흔히 더하는 늦춤을 하지 않았다. ### II. *Andantino in modo di canzona* (B-flat minor) 둘째 악장은 오보에가 시작한 노래를 다른 악기들이 이어받으며 진행된다. 첫 악장에 비해 작은 규모로, 끝에서는 처음의 선율이 바순의 여린 소리로 돌아온다. von Meck에게 보낸 편지에서 작곡가는 이 악장을 저녁의 회상과 연결했지만, 어느 특정 사건을 지목하지는 않았다. 그 이미지보다 악보의 진행에 직접 닿는 것은 독주 악기의 교체와 중간부의 빠르기 변화다. Honeck은 자기 녹음의 해설에서 중간 *più mosso*가 시작하는 126마디부터 여덟분음표를 조금 짧게 연주하도록 요청했다고 썼다. 앞부분의 긴 선율과 다른 춤의 탄력을 만들기 위한 선택이다. 오보에에서 바순으로 이어지는 느린 악장을 줄곧 같은 무게로 유지하는 대신, 중간에 놓인 움직임을 분명히 하고 마지막의 귀환과 구별한 사례다. 또 다른 지휘자인 Mariss Jansons는 BR-KLASSIK이 2023년에 전한 인터뷰에서 이 악장의 외로움에 주목하면서, 아름다운 선율을 지나치게 달고 감상적으로 만들면 자신이 읽는 정서적 긴장이 약해진다고 말했다. 이는 작곡가가 남긴 빠르기 지시가 아니라 Jansons의 해석이다. ### III. *Scherzo. Pizzicato ostinato. Allegro* (F major) 셋째 악장의 악기군 배열은 작곡 당시의 편지에 이미 구체적으로 적혀 있다. Tchaikovsky는 현악만 계속 피치카토로 연주하다가 트리오에서 목관만 등장하고, 뒤이어 금관만 연주하며, 끝에는 세 악기군이 짧은 악구를 주고받는다고 1877년 8월 von Meck에게 설명했다. 그가 ‘새로운 관현악 효과’라고 부른 것은 개별 악기의 특이한 주법 하나가 아니라, 악기군을 분리했다가 다시 대화시키는 전체 구상이었다. 작곡가의 뒤이은 프로그램 편지는 이 악장을 잠들기 직전 떠오르는 불연속적인 이미지와 멀리 지나가는 군악에 비유했다. 지휘자 Benjamin Zander는 2018년 에세이에서 트리오 뒤 *Tempo primo*를 매우 빠르게 처리하면 클라리넷과 피콜로의 잘게 나뉜 음들이 흐려진다고 주장했다. 그는 금관의 행진풍 부분을 사분음표 약 120–126으로 잡아 음형의 윤곽을 살리고, 군악이 멀리 있다는 편지의 이미지에도 맞추려 했다. 반대로 Honeck은 2016년 실황에서 25–42마디의 여린 피치카토에 자신이 생각한 프레이징을 더하고, 133마디의 오보에 *subito forte*에는 매끈하지 않은 소리를 요구했다고 부클릿에 적었다. Zander는 속도를 통해 세분 음형을, Honeck은 피치카토의 프레이징과 오보에의 발음을 통해 악기군 사이의 대조를 드러냈다. ### IV. *Finale. Allegro con fuoco* (F major) 종악장은 관현악의 강한 도입으로 열리고, 그 뒤에 러시아어 가사의 자작나무 민요 *In the Field a Birch-Tree Stood*가 나타난다. Tchaikovsky는 1877년에 Mariya Mamontova의 어린이 노래 모음에 실을 같은 선율을 화성화한 적이 있다. 이 민요는 관악과 다른 악기군을 거치며 여러 번 돌아오고, 관현악의 음량과 타악기의 가세 속에서 첫 악장과는 다른 공적인 축제의 장면을 만든다. 종반부에 첫 악장의 관악 신호가 다시 나타나면서 축제의 흐름이 잠시 끊긴다. 작곡가의 편지는 바로 이 귀환을, 다른 사람들의 기쁨 속에 들어갔을 때 다시 자신을 일깨우는 운명의 이미지로 설명했다. 이 악장에 대한 실제 연주 선택은 도입부의 화려함만으로는 설명되지 않는다. Honeck은 153–155마디의 *pianissimo*를 계속 유지해 플루트 독주가 앞으로 들리도록 했다고 썼다. 또 239마디 이후 저현의 지속음을 한 옥타브 내려 색채를 바꾸고, 257마디와 277마디에서 두 단계로 빠르기를 높였다. 특히 저현의 옥타브 이동은 원래 총보의 지시가 아니라 그의 공연을 위한 변경이다. Zander는 이와 다른 각도에서 *Allegro con fuoco*라는 표기를 *Prestissimo*처럼 몰아가는 관행에 반대했다. Zander는 기본 빠르기의 선택을 문제 삼았고, Honeck은 빠르기를 단계적으로 높이면서 저현의 음역까지 바꾸었다. ## 무대와 녹음에 남은 해석 Saint Petersburg 공연에서 셋째 악장이 앙코르를 받은 일은 이 교향곡의 초기 수용을 보여 주는 구체적인 기록으로 남아 있다. 작곡가의 편지는 종악장 끝에서 타인의 기쁨과 삶의 가능성을 말한다. 그러나 Jansons는 자신의 인터뷰에서 앞 악장의 신호가 되돌아온 뒤에도 인물의 내면은 바뀌지 않았다고 보았고, 외부의 환희 아래 비극을 읽었다. 이는 작곡가의 사적인 프로그램을 대체하는 판정이 아니라, 연주자가 같은 귀환을 이해하는 다른 방식이다. Yevgeny Mravinsky와 Leningrad Philharmonic Orchestra가 1960년 런던에서 녹음한 교향곡 4번은 Deutsche Grammophon으로 발매됐다. MusicWeb International의 Rob Barnett은 이 역사적 스테레오 녹음의 빠른 종악장과 엄격한 통제, 그리고 둘째·셋째 악장에 남겨 둔 호흡을 함께 평가했다. Honeck과 Pittsburgh Symphony Orchestra의 2016년 실황은 Reference Recordings가 2020년에 발매했다. 같은 매체의 John Quinn은 좌우로 나뉜 바이올린 배치가 첫 악장의 안쪽 성부와 셋째 악장의 피치카토 교차를 분명하게 들려준다고 평했다. 그러나 Honeck이 악보에 없는 음량의 굴곡을 자주 넣은 점에는 이견을 보였고, Mravinsky의 종악장에서는 더 빠른 기본 속도와 관악 신호의 강한 귀환을 높이 샀다. 두 녹음의 대비는 속도만큼 악기 배치와 음량 조형도 교향곡의 진행을 바꾼다는 사실을 보여 준다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, “Symphony No. 4”](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/4th_Symphony): 자필 총보, 악장·편성, 초연, Jurgenson 출판 계통. - [Tchaikovsky Research, Letter 554](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_554), [Letter 595](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_595), [Letter 763](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_763): 작곡 착수, 스케르초 구상, 헌정 상대에게 준 프로그램 설명. - [Tchaikovsky Research, Letter 799](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_799), [Letter 800](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_800), [Letter 985](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_985): Taneyev와의 논쟁, 제목면 헌정과 교정, Saint Petersburg 공연 반응. - [Russian National Museum of Music 소장 자필 총보 항목](https://ar.culture.ru/en/subject/simfoniya-no-4). - [Berliner Philharmoniker, Malte Krasting의 작품 해설](https://www.berliner-philharmoniker.de/en/programme-notes/pyotr-tchaikovsky-symphony-no-4-in-f-minor-op-36/), [Breitkopf & Härtel 작품 정보](https://www.breitkopf.com/en/work/6778/symphony-no.-4-in-f-minor-op.-36), [Tchaikovsky Research, Mamontova 노래 모음 항목](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Children%27s_Songs_on_Russian_and_Ukrainian_Tunes_(Mamontova)). - [Benjamin Zander, “Tempo in Tchaikovsky’s 4th Symphony”](https://www.benjaminzander.org/library/tempo-in-tchaikovskys-4th-symphony/), [Zander/Boston Philharmonic Orchestra 2018 실황](https://www.benjaminzander.org/library/tchaikovsky-symphony-no-4/). - [Manfred Honeck의 Reference Recordings FR-738 음반 해설서](https://d1g6yxt6l24zkr.cloudfront.net/FR-738Booklet.pdf), [BR-KLASSIK, Mariss Jansons 인터뷰를 전한 해설](https://www.br-klassik.de/themen/klassik-entdecken/starke-stuecke-peter-tschaikowsky-symphonie-nr-4-100.html). - [MusicWeb International, Rob Barnett의 Mravinsky 비평](https://www.musicweb-international.com/classrev/2014/feb14/Tchaikovsky_sys456_PASC396.htm), [John Quinn의 Honeck·Mravinsky 비교](https://www.musicweb-international.com/classrev/2020/Jun/Tchaikovsky_sy4_FR738.htm). # Symphony No. 5 in E minor, Op. 64 # 정보 ## 개요 **곡명:** Symphony No. 5 in E minor, Op. 64 **작곡가:** Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **작곡 시기:** 1888년 5월–8월 26일 **초연:** 1888년 11월 17일, Saint Petersburg Philharmonic Society 연주회. 작곡가 지휘 **작품 유형:** 관현악을 위한 4악장 교향곡. 제1악장의 서주에 나온 선율이 네 악장에 걸쳐 되돌아온다. **IMSLP:** [Symphony No. 5, Op. 64](https://imslp.org/wiki/Symphony_No.5%2C_Op.64_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr_Ilyich%29) **Wikipedia:** [Symphony No. 5 (Tchaikovsky)](https://en.wikipedia.org/wiki/Symphony_No._5_%28Tchaikovsky%29) 《Symphony No. 5 in E minor, Op. 64》는 Peter Ilyich Tchaikovsky가 1888년에 완성한 네 악장 교향곡이다. `Andante—Allegro con anima`, `Andante cantabile con alcuna licenza`, `Valse. Allegro moderato`, `Finale. Andante maestoso—Allegro vivace`가 이어진다. 제1악장 서주의 선율은 제2악장의 흐름을 끊고, 왈츠의 끝에 스며들며, 피날레에서는 E major로 바뀌어 전면에 나온다. 흔히 `운명 동기`라고 부르는 선율이지만, 작곡가가 남긴 초기 메모와 완성 과정의 편지는 하나의 고정된 줄거리로 합쳐지지 않는다. 이 글은 1888년 관현악 총보 전곡을 다루고, Hamburg 공연을 위한 수정 전승은 별도로 구분한다. ### 작곡, 초연과 출판 Tchaikovsky는 1888년 봄 새 교향곡을 구상하고 5월에 본격적으로 쓰기 시작했다. 초고는 6월 29일, 관현악 총보는 8월 26일 완성했다. 초고는 Mikhail Ippolitov-Ivanov에게 보낸 뒤 행방이 확인되지 않는다. 현재 남은 초기 스케치에는 최종본에서 버린 음악도 많다. 자필 총보는 Russian National Museum of Music의 `КП 1200, фонд 88, № 59`에 보관되어 있으며, 118장에 적힌 네 악장과 작곡가의 리허설 기호·추가 빠르기 지시가 남아 있다. 첫 스케치 옆에는 `운명 또는 섭리 앞의 완전한 복종`, 의심과 탄식, 믿음에 관한 짧은 프로그램 문구가 적혀 있다. 반면 Tchaikovsky는 6월 23일 Grand Duke Konstantin에게 지금 쓰는 작품을 `프로그램 없는 교향곡`이라고 소개했다. 초기 스케치 상당수가 폐기된 사실까지 고려하면 그 문구를 완성본 전체의 줄거리로 확정할 수 없다. 첫 선율을 `운명 동기`라고 부르는 관습은 이 메모에서 유래하지만, 본문에서는 네 악장을 묶는 순환 동기라는 음악적 기능과 작곡가의 초기 발상을 나누어 다룬다. 첫 관현악 연주는 1888년 11월 17일 Saint Petersburg Philharmonic Society 연주회에서 열렸고 작곡가가 지휘했다. 초연 전 친구들은 작품을 높이 평가했고 공연에는 박수가 따랐지만, Tchaikovsky 자신은 Saint Petersburg와 Prague 연주 뒤 음악이 지나치게 다채롭고 길다며 실패작이라고 판단했다. 1889년 3월 15일 Hamburg에서 직접 지휘한 공연에는 만족했고, 훌륭하게 연주된 작품을 다시 좋아하게 됐다고 편지에 썼다. 이 변화 때문에 초기 수용을 `초연 실패` 한마디로 정리하기는 어렵다. 헌정도 제작 과정에서 바뀌었다. 처음에는 Edvard Grieg에게 헌정할 생각이었으나, 최종 헌정자는 Hamburg Philharmonic Society의 Theodor Avé-Lallemant였다. 자필 총보에는 헌정이 없고, Jurgenson 초판 표지에 `À Monsieur THEODORE AVE-LALLEMENT. à Hambourg`라고 인쇄되었다. Jurgenson은 1888년에 관현악 총보 plate 13991, 파트 13992, Sergey Taneyev가 만든 피아노 4손 편곡 13993을 출판했다. 현재 실연과 연구에 쓸 수 있는 판본은 서로 성격이 다르다. Georgy Kirkor가 편집한 1963년 Complete Collected Works Vol. 17A는 오랫동안 쓰인 소비에트 전집판이고, Viktor Ekimovsky의 Belaieff BEL 690은 편집 주석을 갖춘 실용 총보다. Christoph Flamm의 2018년 Breitkopf Urtext PB 5558은 자필, 초판 총보와 파트, 자필을 보고 만든 Taneyev의 4손 편곡을 대조한 비평판이다. 이 판은 셈여림과 아티큘레이션의 차이, 종결부 372마디의 트롬본 진입처럼 구판에서 이어진 오류를 다시 검토한다. ### 소요 시간 - **전곡:** 보통 약 43–50분 - **I. Andante—Allegro con anima:** 약 13–16분 - **II. Andante cantabile con alcuna licenza:** 약 12–15분 - **III. Valse. Allegro moderato:** 약 5–6분 - **IV. Finale. Andante maestoso—Allegro vivace:** 약 11–13분 Tchaikovsky Research는 약 45–50분, Breitkopf는 약 50분을 제시한다. Mariss Jansons와 Oslo Philharmonic의 Chandos 녹음은 약 43분이고, Manfred Honeck과 Pittsburgh Symphony Orchestra의 2022년 실황은 45분 20초다. 제1악장 서주와 노래하는 두 번째 주제의 빠르기 관계, 제2악장의 루바토, 종결부 컷의 채택 여부가 전체 시간에 영향을 준다. Hamburg 수정 전승을 적용한 녹음은 무삭제 연주보다 피날레가 눈에 띄게 짧을 수 있다. ### 편성 - **목관:** 3 flutes(3rd doubling piccolo), 2 oboes, 2 clarinets in A, 2 bassoons - **금관:** 4 horns in F, 2 trumpets in A, 3 trombones, tuba - **타악기:** 3 timpani - **현악:** violins I, violins II, violas, cellos, double basses Breitkopf 신판의 편성표에 덧붙은 심벌즈 ad libitum은 작품 전체의 기본 타악기 편성이 아니다. Arthur Nikisch와 Willem Mengelberg를 거쳐 전해진 피날레 502마디의 선택 사항이다. 따라서 기본 편성에는 팀파니만 두고, 심벌즈는 Hamburg 관련 연주 전승에서 따로 밝히는 편이 정확하다. ### 네 악장의 구성 #### I. Andante—Allegro con anima - **조성·규모:** E minor, 542마디 - **소요 시간:** 약 13–16분 느린 서주에서 두 클라리넷이 저음역에서 같은 선율로 순환 동기를 제시한다. 낮은 목관과 현악에 집중된 어두운 음색 뒤, `Allegro con anima`가 아주 여리게 출발해 행진풍의 첫 주제와 넓게 노래하는 두 번째 주제를 펼친다. 발전과 재현을 거친 코다에서는 하행 선율이 저음역으로 가라앉으며 악장을 닫는다. 네 악장에 돌아오는 서주 동기와 이 빠른 주제는 피날레 끝에서도 서로 다른 역할을 하므로 하나의 선율처럼 묶지 않는 편이 구조를 더 분명히 한다. Manfred Honeck은 2023년 음반 해설에서 서주 저음 현의 `Pesante e tenuto sempre`를 넓고 길게 유지한다고 밝혔다. `Allegro con anima`의 시작은 현악에 적힌 `ppp`가 먼 곳에서 깨어나는 듯 들리게 하고, 같은 리듬처럼 보이는 관악 음형도 16분쉼표가 있는 짧은 음과 점8분음표의 긴 음을 구별한다. 저음의 무게, 극단적으로 여린 출발, 음가의 차이를 함께 조절한 특정 지휘자의 실제 설계다. #### II. Andante cantabile con alcuna licenza - **조성·규모:** D major, 184마디 - **소요 시간:** 약 12–15분 낮은 현악의 화음 뒤 호른 독주가 긴 선율을 시작하고, 목관과 현악이 이를 이어받는다. `cantabile`와 `con alcuna licenza`가 가리키는 노래와 유연한 진행 속에서 순환 동기는 두 차례 강하게 끼어든다. 오래된 자료에 적힌 180마디는 1963년 전집판이 한 시스템의 네 마디를 번호에 넣지 않아 생긴 값이다. Jonathan Del Mar가 이 누락을 지적했고 최신 비평판의 실제 수는 184마디다. International Horn Society의 Jonas Thoms는 이 독주를 자유롭게 늘어뜨리는 선율로 보지 않는다. 긴 음의 값을 끝까지 유지하면서 `animando`에서 박의 움직임을 조금씩 빠르게 하고, `ritenuto`에서는 단계적으로 늦추며, `sostenuto`에 들어갈 때 새로운 안정된 빠르기를 세우도록 제안한다. Honeck도 악보에 잇따라 적힌 `animando`, `animato`, `poco più animato`를 루바토의 근거로 삼는다. 두 자료 모두 자유로운 노래와 박의 지속을 함께 다룬다. #### III. Valse. Allegro moderato - **조성·규모:** A major, 266마디 - **소요 시간:** 약 5–6분 전통적인 스케르초 자리에는 왈츠가 놓인다. 현악의 가벼운 회전과 목관의 짧은 선율이 교대하고, 가운데에서는 빠른 잔음형과 헤미올라가 박의 경계를 흔든다. 순환 동기는 끝이 가까워질 때 큰 선언 대신 낮아진 음량과 짧아진 모습으로 들어온다. 앞의 두 악장에서 독립된 사건처럼 들렸던 선율이 이번에는 춤의 맥박 안에 섞인다. Honeck은 241마디에 돌아오는 동기를 왈츠와 분리해 느리게 만들지 않는다. 248마디 부근 클라리넷과 바순의 하행 헤미올라가 현악의 세 박자와 엇갈리게 하고, 177마디에서는 클라리넷을 특히 여리게 연주한 뒤 `ritardando`를 둔다. 2022년 Pittsburgh 녹음에 대한 BBC Music Magazine의 비평은 약음기를 낀 호른의 고립된 음이 우아한 왈츠에 어두운 색을 더한다고 짚었다. 이 악장에서 긴장감은 음량을 키우는 방식보다 춤 속의 이질적인 음색과 박절에서 생긴다. #### IV. Finale. Andante maestoso—Allegro vivace - **조성·규모:** E major, 565마디 - **소요 시간:** 약 11–13분 피날레 서주는 순환 동기를 E major의 `Andante maestoso`로 바꾼다. 이어지는 `Allegro vivace`는 빠른 현악 반복과 목관의 응답으로 출발하며, 동기는 춤의 진행 안에서도 다시 나타난다. 긴 코다에서는 `Moderato assai e molto maestoso`, `largamente`, `marciale, energico, con tutta forza`, `Presto`가 차례로 성격을 바꾼다. 잠시 완결처럼 들리는 큰 종지 뒤 음악이 다시 움직이고, 마지막 스무 마디쯤에는 순환 동기뿐 아니라 제1악장 `Allegro con anima`의 주제도 돌아온다. Honeck은 70마디 부근에서 현악에 묻히기 쉬운 목관의 8분음표 음계를 드러내려고 현악 음량을 줄인다. 172마디의 순환 동기도 별도로 늦추지 않고 빠른 춤 안에 유지한다. 반면 472마디 이후 행진에서는 악보의 `Moderato assai e molto maestoso`와 `largamente`를 따라 폭을 넓히고, 마지막 `Presto`는 다시 한 단계 빠르게 만든다. 빠르기 변화가 많은 종결부를 한 번의 지속적인 가속이나 하나의 거대한 행진으로 처리하지 않은 사례다. ### 지휘자와 연주자들이 갈라진 지점 Christian Lindberg는 2016년 BIS 북클릿에서 교향곡 4–6번의 메트로놈 표시를 우선하며, 관습적으로 더한 루바토가 작곡가의 명시와 충돌해 왔다고 썼다. 그의 제5번 녹음은 44분 1초다. 반면 Gustavo Dudamel은 2009년 Simón Bolívar Youth Orchestra 녹음 인터뷰에서 제1·2악장에 이어지는 빠르기 표기를 숫자의 변경보다 감정 변화로 읽었다. 두 지휘자는 악보의 많은 빠르기 지시를 그대로 출발점으로 삼을지, 그 지시가 바꾸는 감정과 음색을 먼저 찾을지 서로 다른 우선순위를 보인다. Benjamin Zander가 Michael Bukhman과 Boston Philharmonic Orchestra를 지도한 제1악장 공개 수업은 서주의 시작을 호흡과 박으로 나누어 보여 준다. Zander는 두 클라리넷의 같은 음에서 한 대의 독주와는 다른 두꺼운 저음 색채를 찾고, 첫 박을 서둘러 내리기 전에 주자들과 함께 들이마셨다. 16분음표 둘에는 약간의 자유를 허용했지만 서주 전체가 계속 처지자 메트로놈 표시 80으로 돌아갔다. 첫 바순 pianissimo에서는 주자가 극약음을 준비하도록 시선을 주고, 이어지는 pianissimo–mezzo forte–forte가 단계적으로 커지게 했다. 2026년 PBS가 공개한 Gemma New와 New World Symphony의 리허설은 제1악장의 다른 구간에서 감속과 감쇠를 분리했다. New는 특정 화음의 각 음을 종처럼 앞에 세운 뒤 즉시 물러나 배경 화음이 들리게 했고, rehearsal T 부근에서는 빠르기를 늦추지 않은 채 음량만 누그러뜨려 뒤의 도착점이 드러나게 했다. Zander가 서주의 기본 박과 크레셴도 단계를 세웠다면 New는 주부에서 음량 변화가 빠르기 변화로 잘못 번지는 것을 막았다. 제2악장 호른 독주에 관한 Zander의 공개 수업은 시작에 54로 적힌 빠르기를 먼저 회복한 뒤 con alcuna licenza의 자유를 쓰는 방식이다. 비슷하게 돌아오는 세 구절을 같은 강도로 만들지 않고 목적지까지 차이를 두며, animando에서는 실제로 앞으로 나아가고 뒤의 ritenuto와 diminuendo를 따른다. 호른과 클라리넷이 함께할 때에는 호른이 혼자 늘이지 않고 상대의 박을 듣게 했다. Dudamel은 같은 악장에서 저현의 첫 화음이 전체 분위기를 정하므로 이 음색이 자리 잡아야 호른 독주로 넘어갈 수 있다고 설명했다. 하나는 독주의 박과 상대 파트를, 다른 하나는 독주가 나오기 전 관현악의 음색을 우선한 선택이다. Cleveland Orchestra의 바순 주자 Barry Stees는 2013년 Honeck 지휘 공연 직후 제2악장 합주 과정을 기록했다. 클라리넷에서 바순으로 넘어오는 선율은 틈 없이 음색과 프레이즈를 맞추고, 뒤쪽 바순 성부는 두꺼운 현에 묻히지 않도록 표기보다 존재감을 높였다. 바순의 아홉 음은 4+5 또는 3×3으로 정확히 세되 계산처럼 들리지 않게 했고, 바순 선율이 다시 나올 때 Honeck은 현의 음량을 낮췄다. 호른 독주 뒤에도 같은 악장에서는 목관끼리의 인계와 현악 균형이 계속 빠르기와 프레이징을 결정한다. 제3악장에서는 지휘자의 개입 정도가 갈린다. Stees는 약 ♩=152의 공연에서 rehearsal D의 바순 독주 첫 네 음을 자유롭게 늘이자 바순의 엇박이 현악의 정박과 겹쳤고, 다음에는 곧고 일정하게 연주해 맞았다고 기록했다. Dudamel은 현악이 팀파니와 관악을 들으며 실내악처럼 맞추자 거의 지휘를 멈췄다. Valery Gergiev는 2011년 WQXR에 게시된 인터뷰에서 반복적이고 각진 결과를 피하려 지휘자가 매 마디의 분위기에 개입해야 하지만, 리듬의 안전성을 흔드는 것은 피해야 한다고 설명했다. 세 기록은 왈츠의 유연성을 독주 음가의 통제, 파트 사이 자율적인 청취, 지휘자의 지속적인 개입으로 각각 다르게 확보한 사례다. ### Hamburg 수정과 연주 전승 Tchaikovsky는 1889년 Hamburg 공연을 준비하며 일기에 피날레를 줄였다고 적었고, 며칠 뒤에는 관현악 파트를 고쳤다고 기록했다. 그러나 이 공연에서 사용한 작곡가의 지휘용 총보는 사라졌다. 정확히 어느 마디를 빼고 무엇을 바꿨는지 모두 복원할 수 없으므로, 1888년 총보와 별개의 완성된 `Hamburg 판본`이 남아 있다고 쓰는 것은 정확하지 않다. Flamm의 Breitkopf Urtext는 Nikisch와 Mengelberg가 남긴 간접 자료를 바탕으로 재구성한 두 건너뛰기와 502마디 심벌즈를 선택 사항으로 싣는다. 그 전승을 따르면 피날레 전개부의 상당 부분이 줄어들고 종결부의 인상도 달라진다. 무삭제 텍스트, 간접 전승을 적용한 컷, 후대 지휘자의 빠르기와 악기 선택은 서로 다른 항목이다. 음반이나 공연을 비교할 때 피날레 시간만 보지 말고 어떤 텍스트를 사용했는지 확인해야 차이가 어디서 생기는지 분명해진다. ### 주요 레코딩 - **Yevgeny Mravinsky / Leningrad Philharmonic Orchestra (1960, Deutsche Grammophon):** 1960년 영국 순회 직후 녹음한 교향곡 4–6번 세트의 일부다. 팽팽한 빠르기와 높은 긴장, 날카로운 관현악 윤곽으로 오랫동안 비교 기준으로 자리 잡았다. BBC Music Magazine은 이 세트의 에너지와 현재까지 이어지는 영향력을 주요 선정 이유로 든다. - **George Szell / Cleveland Orchestra (1959년 녹음·1960년 초출, Sony):** Richard Freed는 감정을 부풀리지 않으면서 짜임과 관현악 세부를 또렷하게 드러낸 연주로 평가했다. Mravinsky의 강한 압력과는 다른 방식으로, 성부 균형과 정돈된 진행을 들을 수 있는 역사적 녹음이다. - **Mariss Jansons / Oslo Philharmonic Orchestra (1984, Chandos):** 약 43분의 긴축된 전곡으로, Jansons와 Oslo가 국제적으로 알려지는 데 중요한 역할을 한 초기 녹음이다. BBC Music Magazine은 Jansons의 Tchaikovsky 연주가 Mravinsky와 Leningrad의 전통을 잇되, 악보에 적힌 빠르기 변화와 선명한 아티큘레이션에 집중한다고 설명한다. - **Manfred Honeck / Pittsburgh Symphony Orchestra (2022년 녹음·2023년 발매, Reference Recordings):** 악장별 14:09, 13:22, 5:38, 12:11의 실황이다. Honeck이 마디 번호와 녹음 시각을 붙여 저음 현의 음가, 호른 독주의 루바토, 왈츠 속 순환 동기, 종결부의 목관 균형과 빠르기 변화를 직접 설명한다. 연주 결과와 지휘자의 판단을 함께 확인하기 좋다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, Symphony No. 5](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Fifth_Symphony) - [Tchaikovsky Research, Letter 3589 to Grand Duke Konstantin](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_3589) - [Tchaikovsky Research, Letter 3738 to Nadezhda von Meck](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_3738) - [Tchaikovsky Research, Letter 3814 to Vladimir Davydov](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_3814) - [Russian National Museum of Music, 자필 총보](https://www.culture.ru/catalog/tchaikovsky/ru/item/archiv/simfoniya-no-5) - [Breitkopf & Härtel, Christoph Flamm 편집 Urtext](https://www.breitkopf.com/work/9566/symphonie-nr-5-e-moll-op-64) - [Schott, Viktor Ekimovsky 편집판](https://www.schott-music.com/en/symphony-no-5-no226005.html) - [Jonathan Del Mar, Cambridge University Press, 판본 비평](https://www.cambridge.org/core/books/abs/orchestral-masterpieces-under-the-microscope/tchaikovsky-symphony-no5-in-e-minor-op64/E55DAE40114B05B1A9983147533076E7) - [Manfred Honeck, Reference Recordings FR-752SACD 해설 PDF](https://media.nativedsd.com/storage/nativedsd.com/wp-content/uploads/2023/07/25124016/FR752.pdf) - [Christian Lindberg, “Tchaikovsky: Symphonies Nos 4, 5 and 6” — BIS Records booklet](https://eclassical.textalk.se/shop/17115/art41/4995641-a985e4-BIS-2178_booklet.pdf) - [Benjamin Zander, “Tchaikovsky Symphony No. 5, 1st Movement” — Benjamin Zander Center](https://www.benjaminzander.org/library/tchaikovsky-symphony-no-5-1st-movement/) - [Benjamin Zander, “Tchaikovsky Symphony No. 5, 2nd Movement” — Benjamin Zander Center](https://www.benjaminzander.org/library/tchaikovsky-symphony-no-5-2nd-movement/) - [Gustavo Dudamel, “Tchaikovsky: Symphony No. 5” — Official website](https://www.gustavodudamel.com/album/tchaikovsky-symphony-no-5) - [“Conductor Gemma New: Chasing Crescendos” — PBS Great Performances](https://www.pbs.org/wnet/gperf/conductor-gemma-new-chasing-crescendos-about/17467/) - [Valery Gergiev, “Tchaikovsky’s Fifth Symphony” — WQXR](https://www.wqxr.org/story/116969-valery-gergiev) - [Barry Stees, “Tchaikovsky 5th First Movement” — Barry Blogs](https://steesbassoon.blogspot.com/2013/06/tchaikovsky-5th-first-movement.html) - [Barry Stees, “Tchaikovsky 5th Second Movement” — Barry Blogs](https://steesbassoon.blogspot.com/2013/06/tchaikovsky-5th-second-movement.html) - [Barry Stees, “Tchaikovsky 5th Third Movement” — Barry Blogs](https://steesbassoon.blogspot.com/2013/06/tchaikovsky-5th-third-movement.html) - [Jonas Thoms, International Horn Society, 제2악장 호른 독주 연주 안내](https://www.hornsociety.org/hornzone/1312-thoms-subdivision) - [BBC Music Magazine, Honeck/Pittsburgh 녹음 비평](https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/schulhoff-tchaikovsky-symphony-no-5-etc-pittsburgh-honeck) - [BBC Music Magazine, Jansons/Bavarian Radio Symphony 녹음 비평](https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/tchaikovsky-symphony-no-5-0) - [Chandos, Jansons/Oslo 녹음 정보](https://www.chandos.net/products/catalogue/CHAN%208351) - [SoundStage!, Szell/Cleveland 녹음 비평](https://www.soundstagenetwork.com/music/reviews/rev848.htm) - [BBC Music Magazine, Mravinsky/Leningrad 1960 세트](https://www.classical-music.com/features/works/tchaikovsky-pathetique-symphony) # Symphony No. 6 in B minor, Op. 74 "Pathétique" # 정보 ## 개요 **곡명:** Symphony No. 6 in B minor, Op. 74 "Pathétique" **작곡가:** Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **작곡 시기:** 1893년 2월–8월 31일 **초연:** 1893년 10월 28일, Saint Petersburg 귀족회관. 러시아음악협회 교향악 연주회, 작곡가 지휘 **작품 유형:** 관현악을 위한 4악장 교향곡. Tchaikovsky가 완성한 마지막 교향곡이며 느린 제4악장으로 끝난다. **IMSLP:** [Symphony No. 6, Op. 74](https://imslp.org/wiki/Symphony_No.6%2C_Op.74_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr%29) **Wikipedia:** [Symphony No. 6 (Tchaikovsky)](https://en.wikipedia.org/wiki/Symphony_No._6_%28Tchaikovsky%29) 《Symphony No. 6 in B minor, Op. 74 "Pathétique"》는 Peter Ilyich Tchaikovsky가 1893년에 완성한 마지막 교향곡이다. 작품은 `Adagio—Allegro non troppo`, `Allegro con grazia`, `Allegro molto vivace`, `Adagio lamentoso`의 네 악장으로 이루어진다. 빠른 행진이 제3악장의 끝에 놓이고, 교향곡 전체는 이어지는 느린 피날레에서 마무리된다. 이 글은 작곡가가 남긴 관현악 전곡을 다루며, 피아노 4손 편곡과 후대의 악기 대체는 원전과 구분해 설명한다. ### 출판 정보와 자료 Tchaikovsky는 1893년 2월과 3월에 네 악장의 스케치를 썼고, 7월과 8월에 관현악화를 진행했다. 8월 24일에는 음악을 모두 써 놓은 상태라고 Sergey Taneyev에게 알렸으며, 빠르기·표정·보잉을 검토한 자필 총보에는 8월 31일 완성일이 적혀 있다. 그는 2월 23일 헌정자 Vladimir Davydov에게 보낸 편지에서 새 교향곡에 공개하지 않을 프로그램이 있으며, 떠들썩한 Allegro 대신 길게 이어지는 Adagio를 피날레에 둘 것이라고 설명했다. 프로그램의 줄거리는 남기지 않았다. `Pathétique`라는 명칭은 작곡가가 직접 승인했다. 자필 총보에 러시아어 `Патетическая`와 프랑스어 `Symphonie Pathétique`가 적혀 있고, 초연 이틀 뒤에는 출판사 Pyotr Jurgenson에게 표제면 문구를 `Symphonie Pathétique (No. 6)`로 만들라고 지시했다. 동생 Modest가 초연 다음 날 이 이름을 처음 제안했다는 1902년 회고도 전하지만, 초연 전인 10월 2일 Jurgenson의 편지에 이미 `pathétique`가 나온다. 따라서 최초 제안자는 확정하기 어렵다. 러시아어와 프랑스어 제목은 격정과 강한 정서를 가리키며, 영어 `pathetic`의 일상적 의미와는 거리가 있다. 한국어권의 `비창`은 오래 굳어진 관용 표제다. 첫 공개 연주는 1893년 10월 28일 Saint Petersburg의 러시아음악협회 연주회에서 열렸고 Tchaikovsky가 지휘했다. 그는 Jurgenson에게 청중이 작품을 싫어했다기보다 당혹해한 듯하다고 썼으며, 자신은 어느 작품보다 이 교향곡을 자랑스럽게 여긴다고 덧붙였다. 작곡가는 초연 9일 뒤 세상을 떠났다. Eduard Nápravník이 같은 홀에서 지휘한 11월 18일의 두 번째 공연은 추모 연주회가 되었고, 그 뒤 작품과 작곡가의 죽음을 연결하는 수용이 빠르게 퍼졌다. 작곡 중 편지에 나타나는 자신감과 이후 계획을 고려하면 교향곡을 자살 유서나 죽음의 예언으로 확정할 근거는 없다. Tchaikovsky가 직접 만든 피아노 4손 편곡은 1893년 11월 Jurgenson에서 먼저 나왔다. 관현악 총보와 파트는 작곡가 사후인 1894년 2월에 출판되었다. 자필 총보는 Russian National Museum of Music의 `ф. 88, No. 60`에 보관되어 있다. 표지에는 파트의 표시를 총보와 정확히 맞추라는 메모가 있고, 초연 뒤 제2·3악장에 가한 수정을 파트에 반영하라는 지시도 덧붙어 있다. 별도로 버리거나 바꾼 대목 16장은 같은 소장처의 `No. 60a`에 남아 있다. 현재 이용할 수 있는 학술 비평 총보는 Thomas Kohlhase가 편집하고 Polina Vajdman이 협력한 Schott 《Petr Il’ič Čajkovskij: New Edition of Complete Works》 Vol. 39b다. 1993년에 나온 이 총보는 1999년의 자필 스케치 팩시밀리 Vol. 39a, 2003년의 비평 보고서 Vol. 39c와 한 묶음을 이룬다. Schott는 같은 판본의 대여용 연주 자료도 제공한다. Christoph Flamm이 편집한 Breitkopf Urtext PB 5690은 자필에 근거한 새 실용 비평판과 피날레 현악 성부를 위한 연주 지침을 예고했지만, 2026년 7월 31일 현재 총보와 파트가 모두 출판 준비 중이다. ### 소요 시간 - **전곡:** 보통 약 45–50분 - **I. Adagio—Allegro non troppo:** 약 18–20분 - **II. Allegro con grazia:** 약 7–9분 - **III. Allegro molto vivace:** 약 8–10분 - **IV. Adagio lamentoso:** 약 10–12분 Tchaikovsky Research는 전곡을 45–50분, Breitkopf의 새 판본 안내는 46분으로 제시한다. 녹음 표본의 차이는 더 넓다. Mariss Jansons와 Oslo Philharmonic의 전곡은 43분 53초이고, Valeri Polyansky와 Russian State Symphony Orchestra의 녹음은 50분 31초다. Philharmonie de Paris가 보관한 공연 영상·음원에는 약 44분 38초에서 55분 44초까지의 사례가 있다. 특히 제1악장의 넓은 빠르기 관계와 제4악장의 진행이 총시간을 크게 바꾸며, Leonard Bernstein의 1986년 녹음처럼 피날레만 약 17분으로 늘린 예외도 있다. ### 편성 - **목관:** 3 flutes(3rd doubling piccolo), 2 oboes, 2 clarinets in A, 2 bassoons - **금관:** 4 horns in F, 2 trumpets in A/B-flat, 3 trombones, tuba - **타악기:** 3 timpani, cymbals, bass drum, tam-tam ad libitum - **현악:** violins I, violins II, violas, cellos, double basses 원전 편성에는 bass clarinet이 없다. 제1악장 제시부 끝에서 clarinet의 매우 여린 하강을 bassoon이 이어받는 몇 음을 bass clarinet으로 바꾸는 관행은 별도의 실연 선택이다. Manfred Honeck은 2015년 Pittsburgh Symphony Orchestra 녹음 해설에서 `pppppp`로 적힌 이 연결의 음량과 음색을 유지하기 위해 bass clarinet을 사용했다고 밝혔다. 악보대로 bassoon이 잇는 공연과 대체 악기를 쓰는 공연이 공존하므로, 편성표에는 작곡가가 적은 2 bassoons만 두고 악기 대체를 따로 밝히는 것이 정확하다. ### 네 악장의 구성 #### I. Adagio—Allegro non troppo - **조성·규모:** B minor, 354마디 - **소요 시간:** 약 18–20분 짧은 Adagio 서주에서 더블베이스 위로 바순의 네 음 동기가 나온다. Allegro non troppo는 이 동기에서 이어진 빠른 주제와 D major의 길게 노래하는 두 번째 주제를 차례로 제시한다. 제시부가 아주 여리게 가라앉은 뒤 바순이 `pppppp`로 마지막 음을 잇고, 발전부는 갑작스러운 전관현악의 강음으로 시작한다. Boston Symphony Orchestra 해설은 이 극단적인 전환과 함께, 발전부의 금관이 202–205마디에서 러시아 정교회 장례 전례의 `With thy saints` 선율을 인용한다고 설명한다. 재현부 뒤에는 금관 코랄과 하행하는 현악 피치카토가 놓인다. Iván Fischer와 Budapest Festival Orchestra의 2014년 1월 녹음 세션을 참관한 Alex Ross는 두 번째 주제로 들어가기 직전 Fischer가 현악에 적은 비브라토와 정확한 음정을 요구했다고 기록했다. 뜨거운 선율을 앞에서부터 같은 농도로 연주하기보다, 주제 직전의 차가운 음정과 음색이 대비를 만들게 한 선택이다. Honeck의 해설에는 긴 상승에서 중간의 `fff`를 최종점으로 삼지 않고 더 뒤의 `ffff`까지 음량 단계를 남긴 사례가 나온다. 두 기록은 같은 악장의 큰 폭을 서로 다른 지점에서 조직한 현대 지휘자들의 실제 작업이다. #### II. Allegro con grazia - **조성·규모:** D major, 178마디 - **소요 시간:** 약 7–9분 제2악장은 5/4박자의 춤으로, 밝은 주부와 `con dolcezza e flebile`로 표시된 중앙부를 거쳐 처음의 음악으로 돌아온다. 다섯 박은 균등한 왈츠 세 박으로 환원되지 않으며, 빠르기와 강세에 따라 2+3의 묶음이 드러나는 정도가 달라진다. 중앙부에서는 timpani와 저음 현악의 반복음이 지속되고, 주부가 돌아오면 처음의 춤 동작이 다시 이어진다. Fischer의 녹음 세션에서 바이올리니스트 Radu Hrib는 처음 주제를 2+3으로 느낄 수 있도록 셋째 박을 조금 드러내자고 제안했다. Fischer는 끊김 없이 흐르되 작은 굴곡이 들리는 새 프레이징을 받아들여 도입부를 다시 녹음했다. 반면 David Bernard는 2017년 자신의 녹음 인터뷰에서 속도가 지나치게 느리면 다섯 개의 4분음표 박이 무거워지고, 조금 빠른 흐름에서는 마디 끝의 가벼운 움직임이 살아나 발레의 왈츠와 가까워진다고 설명했다. 두 사례는 5/4를 기계적으로 세는 방식과 춤의 흐름 사이에서 실제 빠르기와 강세가 함께 정해진다는 점을 보여 준다. #### III. Allegro molto vivace - **조성·규모:** G major, 347마디 - **소요 시간:** 약 8–10분 빠른 현악의 잔움직임과 목관의 교대에서 출발한 음악은 진행할수록 행진을 전면에 내세운다. 후반에는 금관과 타악기가 가세하고, 바이올린의 넓은 하강 뒤 트롬본과 튜바가 같은 방향을 이어 G major 종지에 도달한다. 네 악장 가운데 가장 강한 외적 종결감을 지닌 대목이어서 공연 중 제3악장 뒤 박수가 나기도 한다. Honeck은 악보에 `fff`가 연속되는 두 구간을 같은 음량으로 고정하지 않고, 한 번 낮춘 뒤 다음 상승이 다시 들리게 했다고 자신의 해설에 적었다. David Bernard는 실제 공연에서 제3악장 뒤 박수가 나오면 곧바로 제4악장을 시작하지 않고, 객석이 가라앉아 다음 악장의 성격을 받아들일 때까지 기다린다고 말했다. 악보에 적힌 두 악장과 공연장의 반응 사이에서 피날레 진입 시간이 달라지는 구체적인 사례다. #### IV. Finale. Adagio lamentoso—Andante - **조성·규모:** B minor, 171마디 - **소요 시간:** 약 10–12분 피날레의 첫 주제는 제1·2바이올린 사이에 음이 교대로 배치된다. 두 파트가 각각 연주하는 선과 청중에게 합쳐져 들리는 하행 선율이 같지 않기 때문에, Philharmonie de Paris 해설과 Breitkopf의 새 Urtext 안내 모두 이 교차 배치를 실연상 중요한 사항으로 짚는다. 이어지는 두 번째 주제도 아래로 향하며, 악장은 발전부 없이 두 주제를 재현하는 소나타 구조로 설명된다. 후반에는 tam-tam 한 번과 낮은 금관 코랄이 전환을 만들고, 마지막에는 약음기를 단 더블베이스가 B의 피치카토 맥박을 반복하는 동안 나머지 현악이 사라진다. Fischer는 2014년 녹음에서 음악 자체의 감정 밀도가 이미 높다며 절제된 접근을 택했다. 첫 화음의 무거운 비브라토가 화성을 흐리자 객원 악장 Giovanni Guzzo가 음정을 더 분명히 들리게 하자고 제안했고, Fischer는 소리가 조금 더 거칠고 불협화적으로 들리는 결과를 받아들였다. Honeck은 tam-tam을 친 뒤 잔향이 사라질 시간을 더 두고, 마지막 더블베이스 피치카토를 점점 약해지는 맥박으로 처리했다고 마디별 해설에 썼다. 이 선택들은 느린 빠르기만으로 피날레의 성격을 정하지 않고 현악 성부의 교차, 음정, 비브라토, 타악기 잔향과 마지막 피치카토를 함께 조정한 두 녹음의 사례다. ### 리허설과 공연에서 갈린 선택 Christian Lindberg는 Arctic Philharmonic과 교향곡 4–6번을 녹음한 2016년 BIS 북클릿에서 Tchaikovsky의 메트로놈 표시를 해석의 출발점으로 삼았다. 그는 관습적 루바토가 작곡가의 명시와 충돌해 왔다고 지적했고, 실제 제6번 녹음을 41분 39초, 피날레를 8분 27초에 마쳤다. 이는 피날레만 약 17분인 Bernstein의 1986년 녹음과 양 끝을 이룬다. 빠르기 차이가 감정의 많고 적음보다 악장 비중과 선율의 진행 방식을 바꾸는 두 선택이다. NBC Symphony 단원 Josef Gingold가 1967년 책에서 회고한 Toscanini의 리허설은 제1악장 D major 두 번째 주제 첫 세 음을 둘러싼 관행을 보여 준다. 악단이 습관대로 리타르단도를 걸자 Toscanini는 악보에 그 지시가 없다며 같은 대목을 인 템포로 되풀이하게 했다. 같은 악장에서 클라리넷과 바순의 인계도 악기 사이의 합의에서 정해진다. 클라리네티스트 Sean Osborn은 큰 독주 끝의 목표 음량을 바순 주자와 미리 맞추며, 바순이 이어받을 수 있는 음량보다 먼저 낮아지지 않는다고 설명한다. 지휘자의 빠르기 선택과 두 주자의 음량 조율이 한 선율의 연속성을 함께 결정하는 대목이다. 바순 연주자 Brett Van Gansbeke는 첫 12마디 독주에서 셈여림 쐐기를 악보대로 둘째 박부터 시작하면 바순과 베이스의 불협화와 셋째 박의 해결이 들린다고 설명한다. 그는 긴 크레셴도와 디미누엔도 동안 음정이 흔들리지 않도록 내부 보이싱과 저음 반응이 좋은 리드를 조절하고, 두 박 동안 내쉰 뒤 마지막 한 박에 들이마셔 첫 음을 준비한다. 저음 B-flat 키를 이용하는 대체 운지는 입구를 더 감쌀 수 있지만 F-sharp 음정과 선율의 유연성에는 다른 부담을 준다. 같은 서두에서도 악보의 극약음은 호흡, 리드, 운지라는 연주자의 구체적인 선택으로 이어진다. Mark Pullinger가 참관한 2019년 Paavo Järvi–Philharmonia 리허설에서는 짧은 시간에 전곡을 먼저 통과한 뒤 피날레에서 제1악장 쪽으로 거슬러 올라가며 세부를 고쳤다. Järvi는 비올라의 음량 굴곡, 바순 테누토의 길이, 호른의 위협적인 색채, 제2악장 종결, 제3악장 행진의 짧은 음, 제1악장 두 번째 주제 첫 음의 길이와 금관 시작음을 차례로 조정했다. 연주자들이 작품 전체를 한 번 겪은 뒤에 세부로 들어가는 그의 순서가 악장마다 다른 지시를 하나의 진행 안에 묶었다. 제3악장 뒤 휴지는 지휘자마다 공연장의 반응을 다르게 처리하는 지점이다. Järvi는 제4악장을 attacca로 붙이면 음악적이지 않지만 박수가 이야기를 끊지 않도록 한 번의 숨에 가까운 간격으로 넘어간다고 말했다. Kirill Petrenko는 Berliner Philharmoniker의 2019년 공식 북클릿에서 이 침묵 동안 여러 겹의 시간이 흐르며 두 악장을 묶는다고 설명했다. 반면 David Bernard는 박수가 이미 시작된 공연에서는 객석이 가라앉아 피날레를 받아들일 때까지 기다린다고 했다. 세 선택은 악보에 초 단위로 적히지 않은 휴지를 짧게 통과하는 방식, 구조적 침묵으로 두는 방식, 실제 객석 반응 뒤에 다시 여는 방식을 구분한다. Semyon Bychkov는 2016년 Tchaikovsky Project 인터뷰에서 피날레 코다를 느린 체념으로 늘이지 않았다. 앞에서 D major로 나온 제2주제와 b minor 코다를 같은 빠르기로 연결하고, 저현의 스포르찬도 뒤 셋잇단음이 차례로 느려져 멎는 과정과 마지막 화음에 페르마타가 없다는 점을 근거로 들었다. 1984년 Vienna Philharmonic 리허설을 본 Richard Osborne의 기록에서 Karajan은 서두의 오스티나토와 침묵으로 들어가고 나오는 셈여림 단계를 오래 다듬었다. Bychkov가 피날레의 계속 움직이는 박과 중단을 선명히 했다면, Karajan은 시작부터 침묵 양쪽의 음량 변화를 세분한 사례다. ### 초연 이후의 수정과 연주 자료 자필 총보에는 초연 뒤 제2·3악장을 고쳐 파트에 반영하라는 작곡가의 메모가 있다. 총보, 초연 파트, 출판 준비 과정이 한 시점에 완전히 고정되지 않았다는 뜻이다. Schott NCE의 총보와 비평 보고서는 이러한 자료의 성립과 대체안을 함께 추적할 수 있는 현재의 기준이다. Breitkopf가 준비 중인 Urtext는 자필 총보에 다시 근거를 두고, 특히 피날레의 엇물린 현악을 실제 연주자가 읽는 문제까지 별도의 지침으로 다룰 예정이다. 악보 밖의 전통도 구분할 필요가 있다. 제1악장의 bass clarinet 대체는 여린 음량을 이어 가기 위한 선택이며, 작곡가의 편성 변경은 아니다. 3악장 뒤 박수에 대응하는 휴지, 긴 crescendo 안에서 음량을 다시 낮추는 Honeck의 방식, 피날레를 크게 늘리는 Bernstein의 빠르기도 각각 특정 공연과 녹음에 속한다. 서로 다른 판본과 해석을 비교할 때에는 원전의 음표·악기와 후대의 실행 방법을 같은 항목으로 섞지 않아야 차이가 분명해진다. ### 주요 레코딩 - **Yevgeny Mravinsky / Leningrad Philharmonic Orchestra (1960, Deutsche Grammophon):** 1960년 영국 순회 직후 London과 Vienna에서 녹음한 교향곡 4–6번 세트의 일부다. BBC Music Magazine은 팽팽한 구성과 높은 긴장, 지금도 생생한 에너지를 들어 이 세트를 반복해서 주요 녹음으로 선정한다. Dmitrij Kitajenko는 Mravinsky가 빠르기를 안정시켜 구조와 프레이징을 분명히 했다고 회고했다. - **Iván Fischer / Budapest Festival Orchestra (2014년 녹음·2016년 발매, Channel Classics):** 제1악장 두 번째 주제 앞의 적은 비브라토, 제2악장 도입의 2+3 프레이징, 제4악장의 절제와 음정 조정을 녹음 세션 현장에서 확인할 수 있다. 완성 음반과 연주자들의 결정 과정이 함께 기록된 사례라는 점에서 독립적인 가치가 있다. - **Leonard Bernstein / New York Philharmonic (1986, Deutsche Grammophon):** 피날레를 약 17분까지 늘린 후기 Bernstein의 녹음이다. Mravinsky의 긴축된 진행과 반대편에서, 느린 빠르기가 선율의 지속과 악장의 비중을 어디까지 바꾸는지 보여 주는 논쟁적인 비교 자료다. - **Manfred Honeck / Pittsburgh Symphony Orchestra (2015, Reference Recordings):** 2015년 Heinz Hall 공연을 바탕으로 2016년에 발매되었다. Honeck은 bass clarinet 대체, 현의 선택, 긴 crescendo의 음량 단계, 제2악장의 두 빠르기, tam-tam 잔향까지 마디 번호와 함께 공개했다. 지휘자의 구체적인 설계와 실제 녹음을 직접 대조할 수 있다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, Symphony No. 6](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Symphony_No._6) - [Tchaikovsky Research, Letter 4865 to Vladimir Davydov](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_4865) - [Tchaikovsky Research, Letter 5062 to Pyotr Jurgenson](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_5062) - [Russian National Museum of Music, 자필 총보](https://www.culture.ru/catalog/tchaikovsky/ru/item/archiv/simfoniya-no-6-pateticheskaya-2017-08-17) - [Russian National Museum of Music, 스케치와 폐기·대체 구절](https://www.culture.ru/catalog/tchaikovsky/ru/item/archiv/simfoniya-no-6-pateticheskaya) - [Schott, New Complete Edition Vol. 39b](https://www.schott-music.com/en/symphony-no-6-b-minor-pathetique-no80257.html) - [Schott, New Complete Edition Vol. 39c 비평 보고서](https://www.schott-music.com/en/symphony-no-6-b-minor-no80258.html) - [Breitkopf & Härtel, Christoph Flamm 편집 Urtext](https://www.breitkopf.com/en/work/20274/symphony-no.-6-in-b-minor-op.-74) - [Boston Symphony Orchestra, 작품 해설](https://www.bso.org/works/tchaikovsky-symphony-no-6) - [Philharmonie de Paris, 작품·공연 자료](https://collectionsdumusee.philharmoniedeparis.fr/collectionsdumusee/doc/CIMU/0789175/symphonie-no-6-pathetique) - [Alex Ross, “Notes of Dissent”, The New Yorker](https://www.newyorker.com/magazine/2014/06/02/notes-of-dissent) - [Josef Gingold, Toscanini의 Pathétique 리허설 회고](https://www.wfimc.org/news-media/joseph-gingold-toscanini-i-knew) - [Mark Pullinger, Paavo Järvi–Philharmonia 리허설 기록](https://bachtrack.com/feature-behind-the-scenes-orchestral-rehearsal-philharmonia-jarvi-july-2019) - [Semyon Bychkov, Tchaikovsky Project 인터뷰](https://bachtrack.com/interview-semyon-bychkov-tchaikovsky-september-2016) - [Berliner Philharmoniker Recordings, Kirill Petrenko Pathétique 북클릿](https://www.eclassical.com/shop/17115/art57/5038457-9e01b1-4260306182640_01.pdf) - [Christian Lindberg, BIS-2178 Tchaikovsky 교향곡 4–6번 북클릿](https://eclassical.textalk.se/shop/17115/art41/4995641-a985e4-BIS-2178_booklet.pdf) - [Brett Van Gansbeke, Tchaikovsky 6 바순 실전 해설](https://www.orchestralbassoon.com/tchaikovsky-6-pedagogy) - [Sean Osborn, Tchaikovsky 6 클라리넷 실전 해설](https://www.osbornmusic.com/Tchaikovsky6.html) - [Herbert von Karajan 공식 사이트, 1984년 Pathétique 리허설 회고](https://karajan.org/stories/spotlight-tchaikovsky-pathetique/) - [NativeDSD, Fischer/Budapest Festival Orchestra 녹음·발매 정보](https://www.nativedsd.com/product/37016-tchaikovsky-symphony-no-6-in-b-minor/) - [Manfred Honeck, Reference Recordings 음반 해설 PDF](https://d1g6yxt6l24zkr.cloudfront.net/FR-720Dbook.pdf) - [Reference Recordings, Honeck/Pittsburgh 발매 정보](https://referencerecordings.com/recording/pittsburgh-symphony-honeck-tchaikovsky-dvorak/) - [David Bernard, Pathétique 녹음 인터뷰](https://www.broadwayworld.com/bwwclassical/article/BWW-Interview-Conductor-David-Bernard-Chats-New-Recording-of-Tchaikovskys-PATHETIQUE-on-Recursive-Classics-20171113) - [Chandos, Jansons/Oslo 전곡·악장별 시간](https://www.chandos.net/chanimages/Booklets/CH10392.pdf) - [Chandos, Polyansky/Russian State Symphony 전곡·악장별 시간](https://www.chandos.net/products/catalogue/CHAN%209356) - [BBC Music Magazine, 작품과 주요 녹음](https://www.classical-music.com/features/works/tchaikovsky-pathetique-symphony) - [Hi-Fi News, Bernstein 1986년 녹음 비교](https://www.hifinews.com/content/tchaikovsky-symphony-no6-%E2%80%98path%C3%A9tique%E2%80%99) - [Deutsche Grammophon, Bernstein 1986년 녹음](https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/tchaikovsky-symphonie-no-6-bernstein-4755) # Manfred Symphony, Op. 58 # 정보 # Manfred Symphony, Op. 58 - **작품명**: *Manfred Symphony, Op. 58* (총보 표제: *Manfred, Symphony in four scenes after Byron’s dramatic poem*) - **작곡가**: Pyotr Ilyich Tchaikovsky(1840–1893) - **장르**: Byron의 극시를 바탕으로 한 네 장면 교향곡 - **작곡 시기**: 1885년, 주로 Maidanovo에서 작업 - **초연**: 1886년 3월 23일, Moscow Russian Musical Society 제11회 연주회, Max Erdmannsdörfer 지휘 - **헌정**: Nikolay Rubinstein - **IMSLP**: [Manfred Symphony, Op. 58](https://imslp.org/wiki/Manfred_Symphony%2C_Op.58_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr%29) - **Wikipedia**: [Manfred Symphony](https://en.wikipedia.org/wiki/Manfred_Symphony) Pyotr Ilyich Tchaikovsky의 *Manfred Symphony, Op. 58*은 Lord Byron의 극시 *Manfred*를 관현악으로 옮긴 네 장면 교향곡이다. 작품은 `Lento lugubre`, `Vivace con spirito`, `Andante con moto`, `Allegro con fuoco`의 순서로 진행되며, 각 장면에 독립적인 표제가 붙는다. 번호가 매겨진 교향곡 목록과 별도로 분류되는 표제 교향곡이며, Manfred와 Astarte의 음악적 재료가 네 장면을 하나의 인물 서사로 연결한다. ## 개요 Byron의 주인공 Manfred는 과거의 죄와 Astarte의 기억에 사로잡혀 알프스를 떠돌며 초자연적 존재를 불러낸다. Tchaikovsky는 극시의 대사를 성악으로 옮기는 대신, 주인공의 고립과 그가 만나는 환상·목가·지하 세계를 네 개의 관현악 장면으로 압축했다. 작품의 총보는 네 장면을 명시하며, 전통적인 네 악장 교향곡의 추상적 순서보다 문학적 사건의 진행을 앞세운다. ### 기획과 작곡 Tchaikovsky Research에 따르면 Vladimir Stasov는 1867년부터 Byron의 *Manfred*를 바탕으로 한 대규모 관현악 작품을 구상했다. Mily Balakirev는 1882년과 1884년에 이 아이디어를 Tchaikovsky에게 전달하면서 장면별 조성·빠르기·편성의 윤곽을 제안했다. 이 설계안은 작곡을 촉발한 프로그램으로 남았고, Tchaikovsky는 실제 악보에서 자신의 조성과 관현악 진행을 선택했다. Tchaikovsky는 1885년 4월부터 초안을 시작해 5월 말에 전체 구상을 세웠고, 6월 이후 작업을 재개했다. 작품 페이지와 공연 프로그램은 1885년 5–9월, 주로 Maidanovo에서 작곡·관현악화했다고 기록한다. Tchaikovsky Research는 총보 완성일을 9월 22일/10월 4일로 병기한다. 작곡 직후 편지와 일기에는 완성본에 대한 자부심이 나타나지만, 1888년 편지에서는 첫 장면을 제외한 나머지에 강한 거부감을 보였다는 기록도 있다. 이 두 문헌은 서로 다른 시기의 작곡가 자기평가로 남는다. ### 초연과 초기 수용 초연은 러시아력 1886년 3월 11일, 신력 3월 23일에 Moscow Russian Musical Society 제11회 연주회에서 Max Erdmannsdörfer의 지휘로 열렸다. 연주회는 Nikolay Rubinstein을 기리는 자리로 기록된다. Tchaikovsky Research와 Los Angeles Philharmonic은 두 달력 표기를 함께 제시하고, Chicago Symphony Orchestra의 프로그램은 신력 3월 23일을 사용한다. 초연 직후 1886년 Pavlovsk에서 Hlaváč가 후속 연주를 했고, 같은 해 12월 3일에는 Theodore Thomas와 Philharmonic Society of New York가 Metropolitan Opera House에서 미국 초연을 열었다. 1898년 Henry Wood의 London 연주는 영국 초기 수용의 사례다. Boston Symphony Orchestra는 1901년 Wilhelm Gericke 지휘 공연을 단체의 첫 연주로, Los Angeles Philharmonic은 1929년 Alfred Hertz 지휘 공연을 단체의 첫 연주로 기록한다. ### 출판 정보와 자료 Pyotr Jurgenson은 1886년 Moscow에서 관현악 총보와 파트를 출판했다. Tchaikovsky Research의 서지에는 총보 6762, 관현악 파트 6763, 네 손 피아노 편곡 6764가 기록되어 있다. Tchaikovsky와 Aleksandra Hubert가 협력한 네 손 편곡의 자필 자료와, V. Brullov·N. Lenz가 만든 1894년 두 대의 피아노 편곡도 별도 전승으로 남아 있다. 관현악 총보와 피아노 편곡은 같은 음악을 다른 매체로 검토한 자료이며 서로 다른 판본으로 다뤄진다. 1949년 Tchaikovsky 전집 제18권에는 총보가, 1964년 제48권에는 네 손 편곡이 수록되었다. 현대 연주에서는 원래 네 장면 전체를 유지하는 판과 일부 삭제·종결 대체를 포함하는 관행이 함께 보인다. Tchaikovsky Research의 디스코그래피는 제1장면의 종결을 다른 방식으로 바꾸거나, 작곡가가 지정한 하모늄 대신 오르간을 사용하는 녹음 사례를 기록한다. ### 소요 시간 기관 작품 페이지는 전곡을 대체로 약 50–60분으로 제시한다. Los Angeles Philharmonic은 약 55분, Chicago Symphony Orchestra는 약 56분으로 안내한다. Mariss Jansons와 Oslo Philharmonic의 1986년 녹음은 약 53분, Mikhail Pletnev의 2013년 Pentatone 녹음과 Vladimir Jurowski의 2004년 London 실황은 각각 약 59분이다. 삭제 여부와 템포, 하모늄·오르간 선택에 따라 차이가 생기므로 녹음별 시간은 해당 판본과 공연 조건에 귀속된다. ### 편성 목관은 플루트 3(제3주자는 피콜로 겸임), 오보에 2와 잉글리시 호른, 클라리넷 2와 베이스 클라리넷, 바순 3으로 구성된다. 금관은 호른 4, 트럼펫 2, 코넷 2, 트롬본 3, 튜바를 사용하며, 팀파니 3과 종·심벌즈·큰북·탬버린·트라이앵글·탐탐, 하프 2, 하모늄 또는 오르간, 현악기가 더해진다. 세 번째 장면의 A음 종은 작품의 특수한 공간 지시다. Tchaikovsky Research는 중간 크기의 종을 가능하면 공연장과 가까운 별도 방에 두도록 한 작곡가의 지시를 전한다. 실제 음반에서는 하모늄 대신 오르간을 사용하는 관행이 확인되므로, 건반 악기의 종류와 종의 위치는 연주 기록에서 따로 식별된다. Chicago Symphony 프로그램이 트럼펫 네 대로 편성을 세는 사례도 있지만, Tchaikovsky Research와 Los Angeles Philharmonic의 총괄 목록은 트럼펫 2와 코넷 2를 구분한다. ### 네 장면의 진행 #### I. `Lento lugubre` 첫 장면은 B단조, 338마디로 제시된다. Manfred가 알프스를 홀로 떠돌며 과거의 죄와 Astarte의 기억을 되새기는 장면이다. Boston Symphony Orchestra는 베이스 클라리넷과 바순의 다섯 마디 하강형, 낮은 현의 무거운 화음을 Manfred의 고립을 나타내는 idée fixe로 설명한다. 중간부의 약음기 현악에는 Astarte의 서정 주제가 나타나고, 장면의 끝에서는 다시 거친 관현악의 압력이 돌아온다. #### II. `Vivace con spirito` 두 번째 장면은 B단조, 555마디이며 폭포의 무지개에 Alpine fairy가 나타나는 환상적 사건을 다룬다. 빠른 현악 피치카토와 목관의 가벼운 움직임이 요정의 출현을 둘러싼 물보라와 빛을 표현하고, Boston Symphony Orchestra는 D장조 Trio에서 현과 하프가 다른 색채를 만든다고 해설한다. 첫 장면의 Manfred 주제가 완전히 사라지기보다 환상적인 음향 속에 다른 속도로 놓인다. #### III. `Andante con moto` 세 번째 장면은 G장조, 282마디의 `Pastorale`이다. Manfred는 산악의 목동과 사냥꾼이 살아가는 평온한 자연을 마주한다. 오보에의 목가적 선율과 따뜻한 현악이 인간적 공동체의 시간을 열지만, Boston Symphony Orchestra의 해설에서는 Manfred의 음형이 이 평온을 가로지르는 흔적으로 남는다. A음 종은 산악 장면을 공연장 바깥의 거리감과 연결하는 물리적 장치다. #### IV. `Allegro con fuoco` 마지막 장면은 B단조에서 B장조로 향하는 491마디의 대규모 결말이다. Arimanes의 지하 궁전과 악마적 축제가 펼쳐지고, Manfred가 등장한 뒤 Astarte의 출현과 용서, 주인공의 죽음으로 진행된다. Boston Symphony Orchestra는 Astarte의 주제와 하프 글리산도, 오르간과 `Dies irae` 단편을 이 장면의 주요 표지로 설명한다. 오르간 또는 하모늄의 저음과 금관·타악의 결합은 지하 세계의 장면을 넓힌 뒤, 마지막에는 에너지가 소진되는 방향으로 음악을 닫는다. ### 순환 주제와 프로그램의 관계 Manfred의 하강하는 idée fixe와 Astarte의 서정 주제는 네 장면을 묶는 반복 재료다. 첫 장면의 죄의식은 두 번째 장면의 환상, 세 번째 장면의 목가, 네 번째 장면의 지하 세계를 통과하면서 다른 음역과 관현악 색채로 돌아온다. 이 순환성은 Balakirev가 전달한 프로그램의 핵심 발상과 연결되며, Tchaikovsky가 최종 악보에서 조성과 장면의 속도를 조정한 결과와 함께 파악된다. 일부 프로그램과 비평은 작품의 큰 흐름을 소나타형으로 설명하기도 한다. 그러나 총보가 명시하는 공식 단위는 네 장면이며, 소나타형은 장면 사이의 주제 회귀와 긴장 배치를 해석하는 분석 틀이다. Byron의 극시와 음악의 관계도 대사나 장면을 일대일로 재현하는 방식보다, 인물의 심리와 초자연적 환경을 관현악의 장면으로 압축하는 방식으로 정리된다. ### 연주와 녹음 Mikhail Pletnev와 Russian National Orchestra의 2013년 Pentatone 녹음은 59분 29초에 네 장면을 담았고, 오르간 파트는 Berlin의 St. Ludwig Kirche에서 별도로 녹음되었다. MusicWeb의 Michael Cookson은 첫 장면의 어둡고 무거운 긴장, Astarte의 그리움, 두 번째 장면의 절제된 광채, 세 번째 장면의 목가적 투명도, 네 번째 장면의 높은 에너지를 이 연주의 청취 특징으로 제시한다. Vladimir Jurowski와 London Philharmonic Orchestra의 2004년 Royal Festival Hall 실황은 59분 2초로 발매되었다. Mstislav Rostropovich와 London Philharmonic Orchestra의 1976년 녹음은 MusicWeb 비평에서 삭제 없는 판으로 소개되며, 마지막 장면 약 17분 34초에 오르간이 들어오는 시점과 `Dies irae` 단편이 언급된다. 이 장면별 평가는 Marc Bridle의 비평적 청취이며, 악보의 유일한 연주 지시와는 성격이 다르다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research: Manfred](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Manfred) - [Boston Symphony Orchestra: Tchaikovsky, Manfred](https://www.bso.org/works/tchaikovsky-manfred) - [Los Angeles Philharmonic: Manfred Symphony](https://www.laphil.com/works/manfred-symphony) - [Chicago Symphony Orchestra 프로그램](https://static1.squarespace.com/static/591e0181d1758e2a47efdd88/t/63f3fbefbe07cb3324fa1d20/1676934130971/CSO%2Bprogram%2Bwebsite.pdf) - [Tchaikovsky Research: Tchaikovsky on Disc](https://www.tchaikovsky-research.net/files/tchaikovskydisc-2022-03.pdf) - [Tchaikovsky Research: Symphonies](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Symphonies) - [Tchaikovsky SIAS Encyclopedia: Manfred](https://tchaikovsky.sias.ru/articles/musical-compositions/symphonic-compositions/symphonies/manfred/) - [MusicWeb International: Pletnev/Pentatone](https://www.musicweb-international.com/classrev/2014/Sep14/Tchaikovsky_Manfred_PTC5186387.htm) - [MusicWeb International: Rostropovich/London Philharmonic](https://www.musicweb-international.com/classrev/2022/Feb/Tchaikovsky-Manfred-0852872.htm) - [London Philharmonic Orchestra: Jurowski recording](https://lpo.org.uk/recording/tchaikovsky-manfred-symphony/) - [Chandos Records: Jansons/Oslo Philharmonic](https://www.chandos.net/products/catalogue/CHAN%208535) # Piano Concerto No. 1 in B♭ minor, Op. 23 # 정보 ## 개요 **곡명:** Piano Concerto No. 1 in B♭ minor, Op. 23 **작곡가:** Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **장르:** 독주 피아노와 관현악을 위한 협주곡 **작곡 시기:** 1874년 11월–1875년 2월; 1879년과 1889년 개정 **초연:** 1875년 10월 25일, Boston Music Hall; Hans von Bülow 독주, Benjamin Johnson Lang 지휘 **헌정:** Hans von Bülow **IMSLP:** [Piano Concerto No. 1, Op. 23](https://imslp.org/wiki/Piano_Concerto_No.1%2C_Op.23_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr%29) **Wikipedia:** [Piano Concerto No. 1](https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._1_%28Tchaikovsky%29) Piano Concerto No. 1 in B♭ minor, Op. 23은 Tchaikovsky가 쓴 세 악장의 피아노 협주곡이다. 독주 피아노와 관현악이 함께 연주하는 전곡은 약 35분이며, 도입부를 갖춘 첫 악장, 느린 부분 사이에 빠른 중간부를 둔 둘째 악장, 빠른 피날레의 순서로 이어진다. 오늘날 널리 연주되는 1889년 제3판과 초기의 1875년판, 1879년판은 독주부와 일부 속도 지시, 피날레의 길이에서 차이가 난다. ### 작곡과 첫 공연 Tchaikovsky는 Moscow Conservatory에서 가르치던 1874년 말에 협주곡을 쓰기 시작했다. 그해 12월에는 두 대의 피아노로 연주할 수 있는 악보를 완성했고, 이듬해 2월에는 관현악화를 마쳤다. 독주부를 구상하는 동안에는 전문 피아니스트의 조언이 필요했다. 그는 1874년 12월 24일 구력, 신력으로는 1875년 1월 5일에 피아니스트이자 음악원 책임자였던 Nikolay Rubinstein과 동료 Nikolay Hubert에게 작품을 들려주었다. 그 자리에서 있었던 혹평은 Tchaikovsky가 1878년 Nadezhda von Meck에게 보낸 편지에 자세히 남아 있다. 작곡가는 손에 불편하거나 효과가 약한 피아노 구절을 지적받기를 기대했다. 그러나 편지에서 그는 Rubinstein이 작품 전체를 문제 삼으며 대부분을 다시 쓰라고 요구했다고 회고한다. Tchaikovsky가 당시 악보를 그대로 출판하겠다고 맞선 것도 이 편지에 나오는 이야기다. 이후 그는 실제 연주자들의 의견을 받아 독주부를 고쳤고, 협주곡은 여러 판본으로 출판되었다. 첫 공연을 맡은 사람은 독일의 피아니스트 Hans von Bülow였다. 작품을 받은 Bülow는 선율과 형식, 독주부를 높이 평가했으며 미국 순회 연주에 협주곡을 가져갔다. 1875년 10월 25일 Boston Music Hall에서 Benjamin Johnson Lang의 지휘로 세계 초연이 열렸고, 10월 30일에는 같은 연주진이 다시 공연했다. Bülow는 이어 New York에서도 Leopold Damrosch와 협주곡을 연주했다. 이 작품의 첫 공개와 초기 확산은 미국 순회 공연을 통해 이루어졌다. 러시아 첫 공연은 같은 해 11월 13일 St Petersburg에서 Gustav Kross의 독주와 Eduard Nápravník의 지휘로 열렸다. 12월 3일 Moscow 공연에서는 Sergey Taneyev가 독주했고, 지휘는 Rubinstein이 맡았다. Rubinstein은 1878년부터 독주자로도 이 곡을 연주했으며 St Petersburg와 Paris에 소개했다. 처음의 혹평 뒤에는 지휘와 독주를 통한 지지가 이어졌던 셈이다. Tchaikovsky도 이후 협주곡을 자신의 지휘 연주회에 자주 넣었고, 1893년 10월 28일 마지막 공개 지휘에서도 Adele aus der Ohe와 이 작품을 연주했다. ### 출판 정보와 자료 Jurgenson이 1875년에 먼저 출판한 악보는 두 피아노 편곡보와 관현악 파트보였다. 두 피아노 악보는 5월, 파트보는 10월에 나왔으며, 총보의 첫 출판은 1879년 8월이었다. 이 총보에는 첫 악장 피아노 성부의 수정이 반영되어 제2판의 본문이 실렸다. 따라서 1875년의 초판과 1879년의 첫 출판 총보는 서로 다른 상태의 작품을 전한다. 자필 총보와 작곡가의 두 피아노 편곡보는 Moscow의 Russian National Museum of Music에 보존되어 있다. 소장 번호는 각각 ф. 88, No. 89와 No. 90이다. 총보의 피아노 성부에는 필사자의 손이 들어갔고, 작곡가와 다른 사람들의 수정도 남아 있다. 이 총보의 헌정란에는 Taneyev의 이름이 지워지고 Bülow의 이름이 적혀 있다. 출판본에 남은 헌정자는 Bülow다. 통상 연주판은 1889년 말 Jurgenson과 Rahter가 출판한 제3판 계열이다. Jurgenson은 총보에 판번호 2590, 두 피아노 악보에 2592를 계속 사용했으므로 판번호만으로 초기판과 제3판을 구별할 수는 없다. 제3판의 대표적인 소형 총보로는 Eulenburg ETP 709가 있다. 초기판의 총보와 통상판의 총보는 독주부와 속도 지시, 피날레의 길이를 함께 비교할 수 있는 자료다. 1875년판과 1879년판은 2015년 Academic Edition of the Complete Works에서 각각 총보와 두 피아노 악보로 편집되었다. Polina Vaidman과 Ada Aynbinder가 편집한 Series III의 제1·2권은 1875년판, 제3·4권은 1879년판을 다룬다. Schott의 NCE 2087은 이 가운데 1879년판 총보와 비평 자료를 함께 실은 제3권이다. 통상 제3판과 비교할 수 있는 별도의 공연 본문을 제공한다. 1880년대 후반 개정에는 피아니스트 Aleksandr Ziloti도 참여했다. 1889년 1월 8일 신력으로 쓴 편지에서 Tchaikovsky는 피날레의 한 구절을 직접 줄이고, 앞선 수정에서 사라졌던 리듬 동기를 되살렸다고 설명했다. Ziloti에게는 피아노 성부와 악상 지시를 검토하도록 맡기면서 자신이 새로 적은 지시는 보존해 달라고 요청했다. 두 사람이 개정과 교정 작업을 주고받았던 관계가 이 편지에 드러난다. ### 소요 시간 전곡은 대략 35분이다. 악장별 비례를 볼 수 있는 한 사례로, Kirill Gerstein과 James Gaffigan, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin이 2014년에 녹음한 1879년판은 약 34분이며 첫 악장은 약 20분, 둘째 악장은 약 6분, 피날레는 약 7분이다. 각 시간은 같은 녹음의 트랙을 분 단위로 반올림한 값이다. 첫 악장이 뒤의 두 악장을 합한 것보다 길다. 판본과 속도 선택에 따라 실제 시간은 달라진다. 통상 제3판은 초기판보다 피날레가 12마디 짧고, 둘째 악장 중간부의 지시도 초기판의 `Allegro vivace assai`에서 `Prestissimo`로 달라진다. 이 차이들은 각 대목의 길이와 악장 사이의 비례에도 반영된다. ### 편성 | 구분 | 편성 | |---|---| | 독주 | Piano | | 목관 | 2 Flutes, 2 Oboes, 2 Clarinets in B-flat, 2 Bassoons | | 금관 | 4 Horns in F, 2 Trumpets in F, 3 Trombones | | 타악기 | 3 Timpani | | 현악 | Violins I, Violins II, Violas, Cellos, Double Basses | 첫 악장 도입부에서는 현악이 선율을 맡고 피아노가 화음으로 받친다. 본체에서는 피아노가 첫 주제를 제시한 뒤 클라리넷과 현악이 다른 선율을 소개하며, 둘째 악장은 플루트와 피아노, 첼로와 오보에의 독주가 두드러진다. 같은 편성 안에서 선율을 맡는 악기와 반주하는 악기가 바뀌면서 각 악장의 진행을 만든다. ### 악장별 구성 #### I. Allegro non troppo e molto maestoso — Allegro con spirito 호른의 짧은 신호 뒤에 현악이 D-flat major의 넓은 선율을 펼치고, 피아노는 화음 반주로 참여한다. 관현악이 선율을 노래하는 동안 독주자는 화음과 빠른 음형을 늘려 간다. 도입부 안에서는 선율이 두 차례 제시되고, 피아노의 카덴차와 짧은 발전을 거친 뒤 다시 크게 돌아온다. 이 선율은 도입부를 마친 뒤 같은 모습으로 재현되지 않는다. 첫 악장의 본체는 이어지는 `Allegro con spirito`에서 다른 주제로 시작한다. 피아노가 제시하는 본체의 첫 주제는 B-flat minor의 짧고 불규칙한 리듬을 지닌다. 그 바탕이 된 선율은 Tchaikovsky가 우크라이나의 시각장애인 거리 가수에게서 들은 노래였다. 작곡가는 1879년 von Meck에게 보낸 편지에서, 가수들이 현악기를 반주로 같은 선율을 되풀이하는 것을 들었으며 그 일부를 협주곡 첫 악장에 사용했다고 썼다. 도입부의 긴 선율과 이 짧은 주제는 등장 위치와 전개 방식이 다르다. 본체는 소나타 형식의 제시부, 발전부, 재현부로 이어진다. 첫 주제 뒤에는 클라리넷의 서정적인 선율과 현악이 제시하는 또 다른 선율이 나오며, 두 선율은 피아노의 응답과 장식 사이에서 번갈아 돌아온다. 발전부에서는 처음에 여리게 들렸던 현악 선율이 관현악의 점점 커지는 음량 속에 나타나고, 피아노는 목관에서 들었던 선율을 변형한다. 호른의 개입을 거쳐 앞선 재료가 돌아오면서 재현부로 이어진다. 첫 악장의 큰 카덴차도 이 주제들을 다룬다. 피아노와 관현악이 화음을 교환하다가 관현악이 멈추면, 독주자는 화음과 옥타브, 선율의 변형을 통해 전개를 이어 간다. Marina Frolova-Walker는 이 긴 카덴차가 두 번째 발전부처럼 작용한다고 설명했다. 카덴차의 끝에서 음형이 가늘어지면 관현악이 다시 들어오고, 본체의 서정 선율을 바탕으로 종결부가 만들어진다. 도입부와 본체는 각각 카덴차와 확대된 선율을 갖지만, 악장의 끝을 완성하는 재료는 본체에서 나온다. #### II. Andantino semplice — Prestissimo — Tempo I 현악의 피치카토 위에서 플루트가 D-flat major의 선율을 시작한다. 피아노가 이를 이어받고, 두 첼로와 오보에가 노래에 참여한다. 처음 플루트와 피아노가 들려주는 구절에는 한 음의 차이가 있다. 플루트 구절은 A-flat–E-flat–F–A-flat이며, 뒤따르는 피아노 구절에서는 F가 B-flat으로 바뀐다. 같은 선율을 이어받는 과정에 작은 변형이 들어 있다. 빠른 중간부에서는 독주 피아노의 음형과 비올라, 첼로의 선율이 결합한다. 현악 선율에 사용된 재료는 프랑스 노래 *Il faut s’amuser, danser et rire*의 후렴이다. 작곡가의 동생 Modest는 자신과 형제 Anatoly가 1870년대 초에 자주 부르던 노래였다고 회고했다. 이 노래는 1851년 Paris에서 초연된 희극 *La Corde sensible*에 나오며, 선율은 Jean-Baptiste-Édouard Montaubry의 곡으로 전한다. 협주곡에서는 빠른 피아노 음형과 함께 둘째 악장 가운데의 스케르초를 이룬다. 중간부가 끝나면 `Tempo I`로 돌아와 피아노가 처음의 느린 선율을 장식해 제시한다. 오보에가 그 선율을 이어받고, 악장은 여린 음량으로 닫힌다. 처음과 끝의 느린 노래 사이에 빠른 중간부를 넣은 세 부분의 구성이다. 초기판에서는 중간부가 `Allegro vivace assai`였으며, 통상판의 `Prestissimo`는 이 부분을 더 빠르게 연주하도록 지시한다. #### III. Allegro con fuoco 피날레는 주제가 되돌아오는 론도 구성을 바탕으로 한다. 우크라이나의 봄맞이 노래 *Vyidy, vyidy, Ivanku*를 바탕으로 한 주제가 피아노에 나오고, 짧은 음형과 엇박 악센트가 반복된다. 뒤이어 바이올린이 넓게 노래하는 두 번째 주제를 제시한다. 춤의 리듬을 지닌 첫 주제와 긴 선율의 두 번째 주제가 번갈아 돌아오며 악장을 이끈다. 두 번째 주제는 처음의 D-flat major에서 E-flat major를 거쳐 마지막에 B-flat major로 나타난다. 관현악의 점점 커지는 음량과 피아노의 옥타브 진행을 지나면, 이 선율이 독주와 관현악의 큰 합주로 확대된다. 첫 악장 도입 선율과 다른 이 피날레의 주제가 전곡의 마지막 큰 선율 제시를 맡는다. 이어지는 빠른 음형과 종결부가 B-flat major에서 협주곡을 마친다. ### 판본 선택이 바꾸는 연주 Kirill Gerstein은 1879년판을 녹음한 뒤, 2015년 해설과 2016년 WFMT 방송에서 통상판과의 차이를 구체적으로 설명했다. 첫머리에서 초기판의 피아노는 비교적 낮은 음량으로 화음을 펼쳐 연주한다. Gerstein은 이 반주가 현악 선율을 압도하지 않으면서 관현악이 박자 안에서 선율을 더 유연하게 노래하도록 한다고 보았다. 통상판의 동시에 치는 화음과 초기판의 펼침화음은 같은 관현악 선율을 받치는 방식부터 다르다. 둘째 악장 중간부에서 Gerstein은 초기판의 속도 지시를 살아 있는 왈츠의 박동과 연결했다. 피날레에서는 통상판에서 줄어든 구절을 연주함으로써 중간부의 다른 분위기가 더 오래 유지된다고 설명했다. 마지막 카덴차에서도 큰 옥타브 도약과 페르마타를 갖춘 통상판 대신, 옥타브로 배치된 트릴에서 마지막 선율로 계속 흐르는 초기판의 연결을 택했다. 그의 1879년판 연주는 도입부의 균형, 빠른 중간부의 박동, 피날레의 길이와 절정으로 들어가는 방식까지 함께 바꾸는 선택이다. Gerstein은 당시 이 판본을 작곡가의 마지막 의도에 가까운 본문으로 평가했다. 한편 Brett Langston의 2022년 서지 연구는 오늘날의 통상 제3판 역시 작곡가가 살아 있던 1889년 말에 출판되었음을 밝혔다. 초기판과 통상판은 서로 다른 출판·연주 전승을 갖고 있으며, Gerstein이 설명한 서정성과 유연함은 그가 선택한 판본에서 이끌어 낸 해석이다. 둘째 악장의 플루트 음을 둘러싼 논의도 연주자가 반복되는 선율을 어떻게 받아들이는지 보여 준다. Gerstein이 2013년에 쓴 글에 따르면 Stephen Hough는 처음의 F를 뒤따르는 피아노 선율과 같은 B-flat으로 바꾸는 편이 맞다고 제안했다. 그는 Bülow를 위해 만든 필사 총보에 남은 수정 흔적을 그 근거로 보았다. Gerstein은 연구자 Vaidman에게 문의한 뒤, 작곡가의 지휘용 악보와 알려진 원고들에 F가 남아 있다는 설명을 전했다. 그는 처음의 F와 뒤의 B-flat이 만드는 선율의 차이를 유지하는 쪽을 택했다. 두 견해의 차이는 첫 플루트와 피아노를 같은 선율의 정확한 반복으로 맞출 것인지, 변형된 두 구절로 연주할 것인지에 있다. ### 주요 레코딩 #### Vladimir Horowitz / NBC Symphony Orchestra / Arturo Toscanini, 1943년 실황 1943년 4월 25일 Carnegie Hall에서 열린 전시 국채 모금 공연의 기록이다. 독주자와 지휘자는 출연료를 받지 않았고, 공연은 천만 달러가 넘는 국채 판매를 이끌었다. 이 녹음은 미국 National Recording Registry의 2004년도 선정 목록에 포함되었다. Horowitz와 Toscanini의 기교적인 연주가 전쟁 중의 공공 행사와 결합한 역사적 기록이다. 지휘자 Cesare Civetta는 Library of Congress에 실린 해설에서 빠른 속도와 두 연주자의 결합을 주목했다. 특히 피날레에서 긴 크레셴도가 피아노의 옥타브 구절로 이어지는 과정과, 바이올린이 음 사이를 미끄러져 연결하는 포르타멘토를 구체적으로 설명했다. 동시에 그는 녹음에서 피아노가 너무 앞에 나와, 첫 악장의 약음기를 단 바이올린 선율이 상대적으로 가려진다고 지적했다. #### Van Cliburn / RCA Victor Symphony Orchestra / Kirill Kondrashin, 1958년, RCA Victor Cliburn이 제1회 International Tchaikovsky Competition에서 우승한 직후인 1958년 5월 30일 Carnegie Hall에서 녹음했다. 결선에서 이 협주곡을 연주한 미국의 스물세 살 피아니스트가 Moscow에서 우승한 사건은 냉전 중 양국의 문화 교류를 상징하게 되었다. 미국에서 만든 RCA 음반은 1961년 클래식 음반 최초로 골드 인증을 받았다. 결선 실황과 그 뒤의 상업 녹음은 서로 다른 기록이며, 널리 보급된 RCA 음반의 악단은 RCA Victor Symphony Orchestra다. BBC Music Magazine의 Claire Jackson은 2024년 비교평에서 첫 화음의 차분한 속도와 선율의 절제된 힘, 첫 악장 중간부의 명료한 음형을 평가했다. Jackson은 길게 노래하는 둘째 악장과 피날레의 빠른 상승 진행이 만드는 대조에도 주목했다. 대회의 상징성과 음반 판매 기록에 더해, 큰 선율을 넓게 유지하는 연주 방식으로 거론되는 녹음이다. #### Kirill Gerstein / Deutsches Symphonie-Orchester Berlin / James Gaffigan, 2014년 녹음·2015년 발매, Myrios Classics MYR016 Berlin의 Funkhaus에서 녹음한 1879년판이다. 2015년 학술판 출판에 앞서 새로 편집된 총보와 파트보를 사용했다. 펼침화음의 도입부, 초기 속도 지시를 따른 둘째 악장, 더 긴 피날레와 다른 마지막 카덴차가 하나의 공연으로 이어진다. MusicWeb International에서 Michael Cookson은 서정적인 연주와 극적 힘의 조화, 둘째 악장의 민감한 표현을 높이 평가했다. 같은 매체의 Simon Thompson은 도입부의 친밀한 선율과 가볍게 춤추는 중간부를 인정하면서도, 전반적으로 더 대담한 기교와 긴장감을 원했다고 썼다. 판본 차이를 실제 연주로 들려주는 녹음인 동시에, 그 차이를 실현한 Gerstein과 Gaffigan의 해석에 대한 평가도 나뉘는 사례다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, Piano Concerto No. 1](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Piano_Concerto_No._1): 작곡, 편성, 악장, 초연, 자필과 헌정, 사용한 노래의 출처. - [Tchaikovsky Research, Piano Concerto No. 1: Scores](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Piano_Concerto_No._1:_Scores): 초판과 개정판의 출판 매체, 판번호, 후대 총보의 계열. - [Tchaikovsky, Letter 736, 1878년](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_736): Rubinstein에게 작품을 들려준 일을 회고한 편지. - [Tchaikovsky, Letter 3751, 1889년 1월 8일 신력](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_3751): Ziloti와 주고받은 피날레 수정 및 교정 작업. - [Tchaikovsky, Letter 1174, 1879년](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_1174): 우크라이나 거리 가수의 선율을 첫 악장에 사용했다는 회고. - [Academic Edition of the Complete Works](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Academic_Edition_of_the_Complete_Works): 1875년판과 1879년판을 각각 다루는 학술판 목록. - [Schott, NCE 2087](https://www.schott-music.com/en/concerto-no-1-b-flat-minor-no385580.html): 1879년판 총보와 비평 자료의 출판 정보. - [Eulenburg ETP 709, Hal Leonard 공식 목록](https://www.halleonard.com/product/49010158/piano-concerto-no-1-op-23-in-b-flat-minor): 통상판 소형 총보의 식별 정보. - [Brett Langston, The Authenticity of the Third Version, 2022년](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Talk:Piano_Concerto_No._1): 통상 제3판의 생전 출판을 밝힌 서지 연구. - [Calvin Dotsey, Houston Symphony 작품 해설, 2019년](https://houstonsymphony.org/tchaikovsky-piano-concerto-1/): 악장별 주제의 등장과 교대, 카덴차와 종결부. - [Phillip Borg-Wheeler, Signum SIGCD441 해설, 2016년](https://www.hyperion-records.co.uk/dc.asp?dc=D_SIGCD441): 첫 악장 도입부의 구성과 뒤 악장들의 선율 배치. - [Marina Frolova-Walker, Hyperion 작품 해설, 2010년](https://www.hyperion-records.co.uk/dw.asp?dc=W10153_67711): 첫 악장의 전개와 카덴차, 악장 사이의 주제 관계. - [Kirill Gerstein, The Real Tchaikovsky, 2015년](https://www.nybooks.com/online/2015/03/09/real-tchaikovsky/): 1879년판의 화음, 속도, 피날레와 카덴차에 대한 연주자의 설명. - [WFMT, Gerstein의 판본 설명](https://www.wfmt.com/2017/11/15/hear-kirill-gerstein-play-tchaikovskys-piano-concerto-no-1-way-tchaikovsky-intended/): 2016년 방송에서 설명한 도입부의 균형과 피날레의 비례. - [Kirill Gerstein, Tchaikovsky’s Wrong Note, 2013년](https://www.nybooks.com/online/2013/08/13/tchaikovskys-wrong-note/): 둘째 악장의 플루트 음에 대한 Hough의 제안과 Vaidman의 설명을 전한 글. - [Library of Congress, National Recording Registry 2004년도 목록](https://www.loc.gov/programs/national-recording-preservation-board/recording-registry/registry-by-induction-years/2004/): 1943년 Horowitz와 Toscanini 공연의 역사적 맥락과 선정. - [Cesare Civetta, Library of Congress의 1943년 녹음 해설](https://www.loc.gov/static/programs/national-recording-preservation-board/documents/HorowitzPianoConcertoNo1.pdf): 속도, 크레셴도, 포르타멘토와 녹음 균형에 대한 분석. - [Cliburn 공식 연혁](https://cliburn.org/about/van-cliburns-legacy): 1958년 우승과 RCA 녹음, 1961년 골드 인증. - [Pianist Discography, Cliburn의 RCA 녹음](https://pianistdiscography.com/discography/pianistLabel.php?cdnum=11300): 1958년 5월 30일 녹음과 연주진. - [NPR, Van Cliburn: Treasuring Moscow After 50 Years, 2008년](https://www.npr.org/2008/03/01/87771963/van-cliburn-treasuring-moscow-after-50-years): Cliburn의 회고와 1958년 상업 녹음의 날짜. - [Claire Jackson, BBC Music Magazine 비교평, 2024년](https://www.classical-music.com/features/recordings/tchaikovsky-piano-concerto-no-1): Cliburn 음반의 속도와 선율 표현에 대한 평가. - [Myrios Classics, Gerstein 음반](https://myriosmusic.com/products/tchaikovsky-prokofiev-piano-concertos-kirill-gerstein-dso-berlin-james-gaffigan): 1879년판 녹음의 연주진, 녹음 시기와 발매 정보. - [AllMusic, Gerstein 음반의 트랙 목록](https://www.allmusic.com/album/tchaikovsky-1-prokofiev-2-mw0002815304): 악장별 소요 시간. - [Michael Cookson과 Simon Thompson, MusicWeb International, 2015년](https://www.musicweb-international.com/classrev/2015/Mar/Tchaikovsky_PC1_MYR016.htm): Gerstein과 Gaffigan의 연주에 대한 두 비평. # Piano Concerto No. 2 in G major, Op. 44 # 정보 ## 개요 **곡명:** *Piano Concerto No. 2 in G major, Op. 44* (TH 60, ČW 55) **작곡가:** Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) **작곡 시기:** 1879년 10월-1880년 4월 **헌정:** Nikolai Rubinstein **초연:** 1881년 11월 12일, New York Academy of Music의 Philharmonic Society 콘서트, Madeline Schiller 독주, Theodore Thomas 지휘 **장르:** 피아노와 관현악을 위한 3악장 협주곡 **구성:** I. Allegro brillante, II. Andante non troppo, III. Allegro con fuoco **IMSLP:** [Piano Concerto No. 2, Op. 44](https://imslp.org/wiki/Piano_Concerto_No.2,_Op.44_(Tchaikovsky,_Pyotr)) **Wikipedia:** [Piano Concerto No. 2](https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._2_(Tchaikovsky)) Pyotr Ilyich Tchaikovsky의 *Piano Concerto No. 2 in G major, Op. 44*는 1879-1880년에 완성한 피아노와 관현악을 위한 3악장 협주곡 전곡이다. G장조의 `Allegro brillante`, D장조의 `Andante non troppo`, G장조의 `Allegro con fuoco`가 차례로 이어진다. 원전판에서는 제2악장에 독주 바이올린과 독주 첼로가 피아노와 함께 참여하며, 1897년 Alexander Siloti 개정판은 원전판의 긴 악절과 독주 현악을 크게 줄였다. ### 출판 정보 - **P. Jurgenson 초판:** 두 대 피아노판은 1880년 10월, 총보와 관현악 파트는 1881년 2월에 발행되었다. 원전 총보의 plate는 4053, 두 대 피아노판은 4055다. - **Siloti 개정판:** Alexander Siloti가 편집한 판본은 1897년 P. Jurgenson에서 출판되었으며, 총보 plate는 20899, 두 대 피아노판 plate는 20901이다. - **판본 자료:** Tchaikovsky Research와 IMSLP는 1879/80년 원전판과 1897년 Siloti판을 별도 악보 묶음으로 제공한다. ### 소요 시간 원전판 전곡은 보통 약 40-45분이다. Siloti판은 컷과 조정을 포함해 더 짧게 연주되며, Hyperion의 Stephen Hough·Minnesota Orchestra·Osmo Vänskä 녹음은 원전판을 약 40분으로 제시한다. 반복, 템포, 판본에 따라 실제 시간은 달라진다. ### 편성 - **독주:** 피아노 - **목관:** 플루트 2, 오보에 2, A 또는 B-flat 클라리넷 2, 바순 2 - **금관:** F 호른 4, D 트럼펫 2 - **타악기:** 팀파니 3개 - **현악:** 제1바이올린, 제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스 제2악장에는 관현악 파트와 별도로 독주 바이올린과 독주 첼로가 더해진다. 두 현악 독주자는 피아노와 대화하는 독주군을 형성해, 피아노 협주곡 안에 실내악적 삼중주 장면을 만든다. Tchaikovsky Research와 Los Angeles Philharmonic의 편성에는 트롬본과 튜바가 포함되지 않는다. ### 작곡과 헌정 Tchaikovsky는 1879년 가을 Kamenka와 Paris에서 협주곡을 스케치하고, 1880년 4월 말 Kamenka에서 관현악화를 마쳤다. 이 일정은 제목의 1879-1880년이 초기 작곡과 관현악화로 나뉜다는 점을 보여 준다. Nikolai Rubinstein은 제1번 협주곡에 대한 초기의 혹독한 반응 뒤 Tchaikovsky와 관계를 회복했고, 새 협주곡의 헌정자가 되었다. Rubinstein은 1881년에 세상을 떠났으므로 초연에서 피아노를 맡지 못했다. 실제 뉴욕 초연의 독주자는 Madeline Schiller였고, Theodore Thomas가 지휘한 Philharmonic Society 콘서트에서 작품을 처음 연주했다. 첫 러시아 공연은 1882년 5월 21일(신력 6월 2일) Moscow의 Arts and Industrial Exhibition에서 Sergey Taneyev 독주와 Anton Rubinstein 지휘로 열렸다. 1888년 Moscow 공연에서는 Vasily Sapelnikov가 독주하고 Tchaikovsky가 지휘했으며, 이후 St Petersburg, Prague, London 등지로 연주가 이어졌다. ### 악장별 구성 #### I. Allegro brillante 원전판 668마디의 G장조 개막 악장이다. 관현악이 행진적인 첫 인상을 열고 피아노가 화려한 패시지와 긴 독주 단락으로 응답한다. Los Angeles Philharmonic은 개막부를 Liszt의 헝가리 랩소디를 연상시키는 전투적 색채로 설명하고, Hyperion은 행진과 러시아적 색채가 교차한다고 해설한다. 이 비교들은 공연기관과 음반 해설의 청취 관점이며, Tchaikovsky의 직접 설명은 아니다. 피아노와 관현악은 항상 섞여 있기보다 큰 관현악 단락과 피아노의 독주 구간을 교대하며 형식을 확장한다. 원전판의 긴 호흡은 이 교대와 독주부의 규모에서 드러나고, Siloti판에서는 컷과 조정이 이 흐름을 압축한다. #### II. Andante non troppo 원전판 332마디의 D장조 느린 악장이다. 독주 바이올린이 긴 선율을 시작하고 독주 첼로와 피아노가 차례로 합류해, 세 독주 악기가 한동안 피아노 삼중주처럼 대화한다. IMSLP에 별도 바이올린·첼로 파트가 올라 있어 이 독주군의 악보적 위치를 확인할 수 있다. Alexander Siloti가 1888년부터 제안한 컷은 이 악장을 특히 크게 줄였다. Tchaikovsky의 서신에는 긴 바이올린 독주와 형식 변경에 대한 이견이 남아 있으며, 1897년 사후 출판된 Siloti판은 원전판의 332마디를 141마디로 축약한 자료로 제시된다. 따라서 제2악장은 판본에 따라 피아노 협주곡 안의 실내악적 장면이 넓게 들리거나 짧게 지나가는 지점이다. #### III. Allegro con fuoco 원전판 560마디의 G장조 피날레다. 빠른 추진력과 춤곡적 리듬이 피아노의 공개적인 비르투오소 역할을 다시 전면에 세운다. Los Angeles Philharmonic은 Saint-Saëns를 연상시키는 밝은 운동감을 언급하며, 트럼펫과 팀파니가 결말의 색채를 강화한다고 설명한다. 관현악의 응답과 피아노의 기교가 연속해서 겹치면서 협주곡은 활기찬 종결로 닫힌다. ### 원전판과 Siloti판 Siloti는 1888년부터 연주를 위한 컷을 제안했고, Tchaikovsky는 편지에서 제1악장과 제2악장의 삭제, 형식 변경, 카덴차 위치에 이의를 표했다. 1893년 새 판본 준비 과정에서 작곡가의 동의가 언급되지만, Siloti판은 Tchaikovsky 사후인 1897년에 출판되었다. Tchaikovsky가 Siloti판 전체를 최종 형태로 승인했다고 단순화하기 어려운 까닭이 여기에 있다. Los Angeles Philharmonic은 Siloti판이 원곡에서 약 8분을 줄였다고 설명한다. 가장 큰 변화는 제2악장의 독주 바이올린과 첼로 대목, 그리고 제1악장과 제2악장의 긴 독주부에 생긴다. 원전판은 피아노와 독주 현악이 함께 만드는 넓은 호흡을 보존하고, Siloti판은 피아노 중심의 진행을 더 간결하게 만든다. 두 판본은 같은 작품번호 아래 서로 다른 연주 경험을 제공한다. ### 공연과 녹음 Hyperion은 Stephen Hough, Minnesota Orchestra, Osmo Vänskä가 2009년에 녹음하고 2010년에 발매한 원전판과 Siloti판을 한 음반에 함께 담았다. 원전판 녹음은 약 40분이며, 같은 음반에서 Siloti판의 축약된 제2악장을 비교할 수 있다. 이 구성은 컷이 단순한 시간 단축에 그치지 않고 독주 현악과 피아노의 관계를 바꾼다는 점을 들려 준다. Tchaikovsky Research는 1886년 Manchester에서 제2악장과 제3악장만 연주된 사례, 1888년 Moscow 공연, 1890년 London 공연을 연보에 기록한다. 작품은 제1번 협주곡만큼 자주 연주되지는 않았지만, 원전판과 Siloti판이 함께 유통되면서 서로 다른 공연 전통을 만들었다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, *Piano Concerto No. 2*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Piano_Concerto_No._2) - [Tchaikovsky Research, *Second Piano Concerto*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Second_Piano_Concerto) - [Tchaikovsky Research, *Piano Concerto No. 2: Scores*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Piano_Concerto_No._2:_Scores) - [Los Angeles Philharmonic, *Piano Concerto No. 2*](https://www.laphil.com/works/piano-concerto-no-2) - [Hyperion, *Piano Concerto No. 2*](https://www.hyperion-records.co.uk/dw.asp?dc=W12883_67711) - [New York Philharmonic, *Musical Milestones*](https://res.cloudinary.com/nyphil/image/upload/v1648130952/pdfs/history/musical-milestones.pdf) # Violin Concerto in D major, Op. 35 # 정보 ## 개요 **곡명:** Violin Concerto in D major, Op. 35 **작곡가:** Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **작품목록:** TH 59; ČW 54 **작곡 시기:** 1878년 3–4월, Clarens **첫 관현악 연주:** 1880년 3월 13일, Hannover; Georg Hänflein, Hannover Hofkapelle, Ernst Frank **국제적 수용을 시작한 초기 공연:** 1881년 12월 4일, Vienna Philharmonic Society; Adolph Brodsky, Hans Richter **최종 헌정:** Adolph Brodsky **IMSLP:** [Violin Concerto, Op. 35](https://imslp.org/wiki/Violin_Concerto%2C_Op.35_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr%29) **Wikipedia:** [Violin Concerto (Tchaikovsky)](https://en.wikipedia.org/wiki/Violin_Concerto_%28Tchaikovsky%29) Tchaikovsky의 Violin Concerto in D major, Op. 35는 대규모 첫 악장, G minor의 짧은 `Canzonetta`, 춤곡 refrain이 돌아오는 D major finale로 이루어진 세 악장 협주곡이다. 첫 악장은 서정적 주제를 독주 기교와 작곡된 Cadenza까지 확장하며 전곡의 절반가량을 차지한다. 목관과 Solo Violin의 노래로 압축된 두 번째 악장은 끝을 완전히 닫지 않고 attacca subito로 finale에 이어지고, 마지막 악장은 빠른 refrain과 선율적인 episode를 번갈아 놓은 뒤 가속하는 coda로 향한다. 작품은 넓게 펼쳐지는 첫 악장에서 내밀한 중간악장을 거쳐 빠른 춤과 D major의 종결로 속도를 회복한다. 협주곡은 Tchaikovsky가 Iosif Kotek과 함께 Lalo의 `Symphonie espagnole`를 비롯한 바이올린 음악을 연주하던 중 빠르게 쓰였다. Kotek은 독주부의 운지, bowing, phrasing과 dynamics를 점검하고 출판 준비에도 참여했다. 함께 전곡을 연주해 본 뒤 Tchaikovsky는 원래의 느린 악장을 빼고 현재의 `Canzonetta`를 새로 썼다. 이 과정은 독주 기교를 더하는 수정이 아니라, 긴 첫 악장과 빠른 finale 사이에 놓일 중간악장의 길이와 성격을 다시 결정한 일이었다. ### 소요 시간 전곡은 보통 약 30–35분이며, 최근의 대표적인 무삭제 녹음들은 약 33–35분이다. - **I. Allegro moderato – Moderato assai:** 약 18분 - **II. Canzonetta. Andante:** 약 6–7분 - **III. Finale. Allegro vivacissimo:** 약 9–10분 2악장과 3악장은 attacca subito로 이어져 약 16분의 연속된 후반부를 만든다. Auer 전통의 cuts를 사용하는 공연은 1악장과 finale가 더 짧아진다. ### 편성 **Solo:** Violin. **Orchestra:** 2 Flutes, 2 Oboes, 2 Clarinets in A/B-flat, 2 Bassoons; 4 Horns in F, 2 Trumpets in D; 2 Timpani; Strings. Trombones, Tuba, Harp와 별도 타악기가 없는 편성이다. 짧은 관현악 도입과 목관 응답은 Solo Violin에게 선율의 중심을 빠르게 넘기며, 2악장에서는 목관이 `Canzonetta`의 입구와 귀환을 표시한다. Horns, Trumpets와 Timpani는 두 외부 악장의 tutti와 종결부에서 D major의 넓은 음향을 형성한다. ### 작곡 과정과 교체된 느린 악장 Tchaikovsky는 1878년 3월 17일 무렵 Clarens에서 협주곡을 시작했다. 3월 28일에는 초고를 마쳤고, Kotek과 연주해 본 뒤 외부 악장은 유지하면서 느린 악장을 새로 쓰기로 했다. 4월 5일 완성한 새 Andante가 현재의 `Canzonetta`이며, Tchaikovsky는 이 악장이 양쪽 악장에 더 잘 어울린다고 설명했다. 총보는 4월 11일 완성되었다. 제외된 Andante는 폐기되지 않았다. Tchaikovsky는 이를 고쳐 `Méditation`이라는 제목을 붙이고 Violin과 Piano를 위한 *Souvenir d’un lieu cher*, Op. 42의 첫 곡으로 옮겼다. 두 음악은 같은 협주곡의 서로 다른 판본이 아니라, 하나는 현행 협주곡에서 빠져 독립 작품이 되었고 다른 하나는 새로 작곡되어 2악장 자리를 차지한 관계다. ### Hannover의 첫 연주와 Vienna의 결정적 공연 오랫동안 1881년 Vienna 공연이 세계초연으로 알려졌으나, 최신 연구는 Hannover Hofkapelle의 여섯 번째 정기연주회에서 Georg Hänflein이 1880년 3월 13일 Ernst Frank의 지휘로 전곡을 연주한 기록을 확인했다. Tchaikovsky와 Brodsky는 이 공연을 알지 못했고 Hannover 밖의 반향도 거의 남기지 못했다. 시간상 첫 관현악 연주는 Hannover였지만 작품의 연주 전통과 국제적 수용을 시작한 사건은 이듬해 Vienna 공연이었다. Brodsky는 Vienna Philharmonic의 신작 예비심사에서 작품이 거부될 위기를 Hans Richter와 함께 넘겨 1881년 12월 4일 정기연주회에 올렸다. 그는 Tchaikovsky에게 보낸 편지에서 악보를 처음 본 때부터 공개 연주를 꿈꾸었고, 기술적 어려움을 극복하는 데 큰 노력이 들었지만 작품의 아름다움이 그 부담을 잊게 했다고 썼다. 청중의 반응은 갈렸고 Eduard Hanslick의 혹평도 나왔지만, Brodsky는 이어 London과 러시아 여러 도시에서 작품을 연주했다. Tchaikovsky는 처음 Leopold Auer에게 붙였던 헌정을 철회하고 최종 헌정을 Brodsky에게 옮겼다. ### 출판 정보와 기준 판본 Jurgenson은 ViolinㆍPiano reduction을 1878년 11월, 관현악 파트를 1879년 8월에 출판했다. 총보는 1888년에 나왔다. 자필 총보는 Moscow의 Russian National Museum of Music에 보존되어 있다. 현재 기준은 Polina Vaidman이 편집한 *Tchaikovsky Academic Edition*과 그 자료를 반영한 Urtext 계열이다. Auer는 예정되었던 1879년 Saint Petersburg 공연을 맡지 않았다. 1923년 회고에서 그는 작품 전체를 연주 불가능하다고 선언한 것이 아니라, 일부 대목이 바이올린의 성격에 맞지 않아 작곡가가 상상한 효과를 내기 어렵다고 판단했다고 설명했다. 그러나 Tchaikovsky는 1881년 편지에서 Auer와 Karl Davydov가 난도를 이유로 작품의 길을 막았다고 이해했다. 두 자료는 서로 다른 시점과 당사자의 관점을 전하므로 하나의 확정된 대화처럼 합치기 어렵다. Tchaikovsky 사후인 1899년에 출판된 Auer arrangement는 Solo Violin의 register와 passage를 바꾸고 1악장과 finale에 cuts를 둔다. 작곡가의 승인 개정판이 아니라 Auer와 그 제자들이 형성한 연주용 편집이다. Heifetz, Milstein와 Stern을 비롯한 20세기 연주 전통이 이 판본을 널리 전했고, 오늘날에는 무삭제 원전으로 돌아가는 공연과 나란히 남아 있다. ### I. Allegro moderato – Moderato assai 관현악은 짧은 D major 도입을 연주한 뒤 Solo Violin에게 자리를 넘긴다. 도입의 선율은 뒤에 주요 주제로 돌아오지 않으며, 독주가 짧은 Cadenza풍 진입을 거쳐 넓은 첫 주제를 제시한다. 이어지는 두 번째 주제는 더 부드러운 선율과 목관 응답으로 대비를 만든다. 독주 기교는 선율 사이에 별도로 붙기보다 주제의 장식과 전개 속에 계속 들어 있다. 전개부는 음역과 리듬을 넓히며 악장 중앙의 작곡된 Cadenza로 향한다. 이 Cadenza는 연주자가 선택하는 별도 판본이 아니라 Tchaikovsky가 악장의 형식 안에 쓴 부분이다. 끝의 trill 뒤 Flute가 첫 주제를 받아 재현을 시작하고, Solo Violin과 Orchestra는 앞선 주제들을 다시 배치한다. Coda는 tempo를 단계적으로 높여 D major의 tutti와 독주의 빠른 움직임을 함께 종결한다. ### II. Canzonetta. Andante 목관의 짧은 chorale성 도입이 G minor를 열면 Solo Violin이 절제된 첫 선율을 이어받는다. 중간부에서는 조성과 음색이 밝아지고 선율의 움직임도 넓어지지만, 악장은 다시 첫 노래와 목관 도입으로 돌아온다. 긴 첫 악장 뒤 119마디로 압축된 ABA 진행이므로, 전곡의 중심을 또 하나의 대규모 느린 악장으로 확장하기보다 짧은 내면적 전환으로 만든다. 마지막 목관 구절은 종지를 완전히 닫지 않고 finale의 움직임을 예고한다. `attacca subito`에 따라 3악장이 바로 시작되며, G minor의 노래가 D major의 빠른 관현악 도입에 의해 끊겨 나가는 효과가 생긴다. 원래 Andante를 현재의 짧은 `Canzonetta`로 교체한 선택은 이 급격한 전환과 후반부의 비례를 만들었다. ### III. Finale. Allegro vivacissimo 강한 관현악 도입 뒤 Solo Violin이 빠른 춤곡 refrain을 제시한다. 이 refrain은 보다 느리고 선율적인 episode와 교대하며 rondo의 큰 틀을 만든다. Episode에서는 drone bass와 목관의 색채가 두드러지고, 매번 가속을 거쳐 refrain의 빠른 활놀림과 강한 악센트로 돌아온다. 원전은 이러한 회귀와 반복을 충분히 남겨 두고 마지막 coda에서 속도를 밀어 올린다. Auer판은 일부 반복과 passage를 줄여 더 압축된 흐름을 만든다. BBC Music Magazine의 비교 안내는 Isaac Stern과 Eugene Ormandy의 1959년 녹음이 1악장 9마디와 finale 44마디를 줄인 Auer 전통을 보여 준다고 설명한다. 반대로 Hilary Hahn은 Auer의 register 변경과 cuts를 하나씩 원전으로 되돌리면서, 낮은 G string의 반복과 뒤늦게 도달하는 최고음이 각 episode와 귀환의 긴장을 더 오래 축적한다는 점을 발견했다고 말했다. ### Kotek, Auer와 현대 원전 연주의 관계 Kotek의 역할은 헌정자가 아니라 작곡 과정의 협력자였다. Tchaikovsky는 Jurgenson에게 보낸 동시대 편지에서 Kotek과 여러 차례 작품을 연주했고, Kotek가 독주부를 연주 가능하다고 보았으며, Solo Violin의 교정은 그의 판단에 맡겨야 한다고 썼다. 자필의 독주부와 metronome markings 일부도 Kotek의 필사로 확인된다. 현악기 기술에 대한 그의 관여와 Tchaikovsky의 작곡 결정이 함께 현행 독주부를 만들었다. Hilary Hahn은 Auer판에서 원전으로 돌아가며 1악장의 `poco più mosso–poco più lento` 대비, 2악장의 octave 이동과 finale의 register 변경이 구조적 절정의 위치를 바꾼다고 설명했다. Philippe Quint는 Auer판과 원전을 모두 녹음하면서, Auer판의 cuts가 빠른 흐름을 만드는 전통과 Tchaikovsky가 쓴 반복을 복원하는 현대 경향을 비교했다. 두 연주자의 자료는 원전 선택이 ‘더 정확하다’는 선언으로 끝나지 않고, 실제로 어느 음역과 반복에서 긴장이 쌓이고 풀리는지를 바꾼다는 점을 보여 준다. ### 주요 레코딩 - **Jascha Heifetz / Chicago Symphony Orchestra / Fritz Reiner (1957, RCA)** — Auer의 제자 계보, 빠른 tempo와 편집된 독주부를 기록한 역사적 기준이다. - **Isaac Stern / Philadelphia Orchestra / Eugene Ormandy (1959, Columbia)** — Auer판의 1악장 9마디, finale 44마디 cuts를 들을 수 있다. BBC Music Magazine은 이 축약이 직접적인 구조와 강한 추진력을 만든다고 설명한다. - **David Oistrakh / Philadelphia Orchestra / Eugene Ormandy (1959, Sony 계열)** — BBC Music Magazine은 Oistrakh의 넓은 독주 음향과 Philadelphia Strings의 결합을 구체적으로 평가하며 5점을 부여했다. - **Hilary Hahn / Royal Liverpool Philharmonic Orchestra / Vasily Petrenko (2010, Deutsche Grammophon)** — 원전 복원의 이유를 Hahn 자신이 register, tempo와 반복의 구조적 효과로 설명한 녹음이다. - **Julia Fischer / Russian National Orchestra / Yakov Kreizberg (2006, Pentatone)** — BBC Music Magazine의 비교 안내가 최우선 선택으로 꼽았으며, 기교적 압력 속의 음색과 Solo ViolinㆍOrchestra의 상호작용을 평가했다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Museum Encyclopedia](https://tchaikovsky.sias.ru/articles/musical-compositions/symphonic-compositions/compositions-for-solo-instruments-with-orchestra/concertos/violin-concerto/): 작곡 일정, Kotek, Hannover 공연, 출판과 편성을 정리한다. - [Tchaikovsky Research](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Violin_Concerto): 편지에 근거한 작곡 과정, 악장 구조, 초기 공연과 헌정을 다룬다. - [Henle Urtext 서문](https://www.henle.de/media/75/da/1a/1690886069/0685-1690886069-sync.pdf): 자필, Jurgenson 초판과 Auer arrangement의 관계를 설명한다. - [Adolph Brodsky의 편지 자료](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_1924): Vienna 공연 준비와 초기 청중 반응을 초연 독주자의 시점에서 전한다. - [Tchaikovsky의 Letter 800](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_800): Kotek와 독주부를 검토한 과정과 작곡가의 신뢰를 보여 준다. - [Hilary Hahn 인터뷰](https://www.violinist.com/blog/laurie/20109/11645/): 원전과 Auer판의 tempo, register와 구조 차이를 연주자의 경험으로 설명한다. - [BBC Music Magazine 녹음 비교](https://www.classical-music.com/features/recordings/best-recordings-tchaikovskys-violin-concerto): Fischer, Stern과 여러 현대 녹음을 판본ㆍ연주 특성과 함께 비교한다. # Variations on a Rococo Theme for cello, Op. 33 # 정보 ## 개요 **곡명:** `Variations on a Rococo Theme`, Op. 33, TH 57 / ČW 59 **작곡가:** Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **장르:** 독주 첼로와 관현악을 위한 콘체르탄테 주제와 변주곡 **작곡 시기:** 1876년 12월~1877년 1월(구력) **초연:** 1877년 11월 18일(구력) / 11월 30일(신력), 모스크바 러시아 음악협회 제3회 심포니 콘서트, Wilhelm Fitzenhagen 독주, Nikolay Rubinstein 지휘 **헌정:** Wilhelm Fitzenhagen **판본 범위:** Tchaikovsky의 원안(주제와 8변주)과 Fitzenhagen이 편집해 출판한 판본(주제와 7변주)을 함께 다룬다. **IMSLP:** [Variations on a Rococo Theme, Op.33 (Tchaikovsky, Pyotr)](https://imslp.org/wiki/Variations_on_a_Rococo_Theme%2C_Op.33_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr%29) **Wikipedia:** [Variations on a Rococo Theme](https://en.wikipedia.org/wiki/Variations_on_a_Rococo_Theme) `Variations on a Rococo Theme`은 Pyotr Ilyich Tchaikovsky가 1876년 말부터 1877년 초까지 쓴 독주 첼로와 관현악을 위한 연속 변주곡이다. Tchaikovsky가 남긴 원안은 도입과 주제 뒤에 여덟 변주가 이어지며, 초연자이자 헌정자인 Wilhelm Fitzenhagen의 편집을 거친 출판판은 한 변주를 삭제하고 순서를 바꾸어 일곱 변주로 정리했다. ‘Rococo’는 18세기 작품에서 빌린 주제가 아니라 Tchaikovsky가 고전시대의 문체를 본떠 만든 독창적 선율을 가리킨다. ### 출판 정보와 판본 Tchaikovsky는 먼저 첼로와 피아노를 위한 형태로 작품을 구상한 뒤 관현악 총보를 완성했다. 모스크바 음악원의 동료 교수이자 첼리스트였던 Fitzenhagen에게 첼로 파트를 점검받으면서 자필 원고에 연필 수정과 덧붙인 부분이 생겼고, 변주의 순서와 연결부도 바뀌었다. 현존 총보 대부분은 Tchaikovsky의 필체지만, 제1변주 여섯째 마디부터 제4변주 끝까지와 제5변주 일곱째 마디부터 작품 끝까지의 첼로 파트는 Fitzenhagen이 썼다. 러시아 국립 음악박물관(모스크바)에는 Tchaikovsky의 관현악 자필 총보(기금 88, 제96호), 작곡가가 만든 첼로·피아노 자필(기금 88, 제342호), Fitzenhagen의 첼로 파트가 들어간 사본(기금 88, 제97호)이 보존되어 있다. 이 자료군은 작곡가의 원안과 연주자의 수정이 한 작업 과정 안에서 겹쳐 있음을 보여 주므로, 1889년에 출판된 판본을 단순한 외부 편곡으로만 설명하기 어렵게 한다. Fitzenhagen판 첼로·피아노 악보는 Pyotr Jurgenson이 1878년 11월에, 관현악 총보와 파트는 1889년 11월에 출판했다. 1889년 총보는 45쪽, 관현악 파트는 별도 판번호로 발행되었으며, 이 판본이 20세기 전반까지 공연의 표준으로 유통되었다. Tchaikovsky Research와 Sergei Istomin의 판본사 연구는 Fitzenhagen의 개입을 자필, 서신, 초판을 함께 대조하는 편집·출판 과정으로 설명한다. Tchaikovsky의 원안은 20세기 중반에 복원되었다. Aleksandr Stogorsky가 편집한 1954년 Muzgiz판이 초기 복원 계열을 이루고, Viktor Kubatsky가 편집한 Tchaikovsky 전집판이 1956년에 총보와 첼로·피아노판으로 출판되었다. Edition Peters의 2009년 원안판과 Thomas Kohlhase 편집의 2007~2010년 관현악판처럼 후대 출판도 별도의 편집 계보를 가지므로, 프로그램이나 음반의 `original version`, `Tchaikovsky version`, `Fitzenhagen version` 표기로 텍스트를 구별할 수 있다. ### 초연과 초기 연주 첫 관현악 연주는 1877년 11월 18일(구력) 모스크바 러시아 음악협회 제3회 심포니 콘서트에서 열렸다. Fitzenhagen이 첼로를 연주했고 Nikolay Rubinstein이 지휘했다. 당시 해외에 있던 Tchaikovsky는 이 공연을 직접 듣지 못했으며, Nadezhda von Meck은 공연 당일 편지에서 Fitzenhagen이 그의 변주곡을 연주하고 있다고 알렸다. 러시아 밖 첫 연주는 1879년 5월 27일(구력) / 6월 8일(신력) Wiesbaden Music Festival에서 Fitzenhagen이 맡았다. Fitzenhagen은 같은 해 6월의 편지에서 D단조 Andante 뒤에 청중의 박수가 터졌고 자신이 세 번 불려 나왔다고 Tchaikovsky에게 보고했다. 이 기록은 현재의 Fitzenhagen판에서 D단조 Andante가 여섯 번째 변주에 놓인다는 사실과 함께 읽을 때, 특정 느린 변주가 초기 공연의 수용에서 두드러졌음을 보여 준다. Tchaikovsky의 원안이 공연된 첫 사례는 1941년 4월 24일 모스크바 연주로 기록된다. Danyl Shafran이 첼로를 맡고 Aleksandr Melik-Pashayev가 지휘했으며, 이후 Sergey Shirinsky도 원안판을 연주했다. 따라서 오늘날 같은 작품번호로 연주되는 두 텍스트는 작곡 시기의 순서와 19세기 출판판의 순서가 서로 다를 수 있다. ### 소요 시간 두 판본 모두 반복과 카덴차 처리에 따라 대략 18~22분이 걸리며, 작품 자료와 공연 데이터베이스는 보통 약 20분으로 안내한다. Fitzenhagen판의 추가 반복, 원안의 여덟 번째 변주, 독주 카덴차의 선택이 실제 시간에 영향을 준다. 녹음 시간은 판본 표기와 함께 해석할 때 두 텍스트의 빠르기 차이를 설명하는 자료가 된다. ### 편성 독주 첼로와 다음의 소편성 관현악으로 구성된다. - **목관:** 플루트 2, 오보에 2, A조 클라리넷 2, 바순 2 - **금관:** F조 호른 2 - **현악:** 제1바이올린, 제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스 트럼펫, 트롬본, 튜바, 팀파니와 일반 타악기는 기본 편성에 들어가지 않는다. 네 종류의 목관을 두 대씩 쓰고 호른 두 대와 현악을 결합한 배치는 18세기 후반 관현악을 연상시키는 음향적 틀을 제공하며, 독주 첼로가 관현악 총주에 묻히지 않도록 악기 수를 제한한다. 다른 악기를 보강한 공연은 이 원곡 편성과 구별해 기록된다. ### 원안의 구조 Tchaikovsky의 원안은 도입과 주제에 이어 여덟 변주와 코다가 이어지는 연속 구조다. Tchaikovsky Research가 제시한 악보 표기와 마디 수는 다음과 같다. 마디 수는 해당 목록의 기준이며, 반복과 카덴차를 포함하는 후대 판본의 실제 연주 길이와는 별개다. | 순서 | 악보 표기 | 마디 수 | 구조에서의 위치 | |---|---|---:|---| | 도입·주제 | `Moderato assai quasi Andante – Moderato semplice` | 45 | A장조의 독창적 고전풍 주제를 제시한다. | | 변주 I | `Tempo della Thema` | 24 | 주제의 윤곽을 첫 번째로 변형한다. | | 변주 II | `Tempo della Thema` | 37 | 같은 표기 안에서 더 촘촘한 독주 음형을 전개한다. | | 변주 III | `Andante` | 34 | 원안에서 명시적으로 D단조를 쓰는 느린 변주다. | | 변주 IV | `Allegro vivo` | 46 | 빠른 기교와 추진력을 앞세운다. | | 변주 V | `Andante grazioso` | 58 | 부드러운 속도와 장식적 문구를 배치한다. | | 변주 VI | `Allegro moderato` | 46 | 중간 속도의 운동성과 독주 장식을 결합한다. | | 변주 VII | `Andante sostenuto` | 70 | 후반부의 긴 호흡을 담당하는 서정적 변주다. | | 변주 VIII와 코다 | `Allegro moderato con anima` | 67 | 마지막 변주가 코다와 함께 원안의 결말을 이룬다. | 원안에는 서로 다른 성격의 느린 변주가 둘 있다. D단조 `Andante`는 세 번째에 놓이고, `Andante sostenuto`는 일곱 번째에 놓인다. 두 구간을 하나의 느린 악장으로 합치면 원안이 밝은 A장조 주제에서 단조 대비를 거쳐 후반의 긴 호흡과 마지막 추진력으로 이동하는 배열을 설명할 수 없게 된다. ### Fitzenhagen판의 재배열 Fitzenhagen은 원안의 여덟 번째 변주를 삭제하고 나머지 재료를 다시 배치했다. 그는 원안의 일곱 번째 변주를 세 번째로 옮겼고, D단조 `Andante`를 여섯 번째로 미뤘다. 원안의 네 번째 변주 `Allegro vivo`에서 가져온 재료와 코다를 결말에 결합했으며, 첼로 파트·연결부·카덴차·반복 표기도 손질했다. | Fitzenhagen판 순서 | 악보 표기 | 원안과의 대응 | |---|---|---| | 도입·주제 | `Moderato assai quasi Andante – Moderato semplice` | 원안의 주제. 반복과 연결 표기가 다르다. | | 변주 I | `Tempo della Thema` | 원안 변주 I | | 변주 II | `Tempo della Thema` | 원안 변주 II의 개정형 | | 변주 III | `Andante sostenuto` | 원안 변주 VII를 앞으로 이동 | | 변주 IV | `Andante grazioso` | 원안 변주 V | | 변주 V | `Allegro moderato` | 원안 변주 VI의 개정형 | | 변주 VI | `Andante` | 원안 변주 III(D단조)를 뒤로 이동 | | 변주 VII와 코다 | `Allegro vivo` | 원안 변주 IV의 재료와 결말부를 결합 | 이 배열에서는 긴 `Andante sostenuto`가 작품의 앞쪽에서 서정적 중심을 이루고, D단조 `Andante`가 결말에 가까운 위치에서 다시 색채를 바꾼다. 원안에서는 마지막 `Allegro moderato con anima`가 독립된 여덟 번째 변주로 남지만, Fitzenhagen판에서는 `Allegro vivo`가 일곱 번째 변주와 코다의 종결 표지가 된다. 두 판본의 번호와 템포 표기는 각각의 배열에 맞추어 읽어야 한다. ### 연주와 녹음의 판본 단서 초연자 Fitzenhagen은 작곡가의 첼로 파트를 실제 연주에 맞추어 손질하고, 그 수정이 반영된 악보를 출판하는 역할까지 맡았다. 1878년 Jurgenson의 첼로·피아노판과 1889년 관현악 총보가 이 경로를 고정했기 때문에, 20세기 전반의 첼리스트들은 대부분 Fitzenhagen판을 연주했다. 1941년 Shafran의 원안 초연과 1954·1956년 복원판의 출판은 이와 다른 텍스트를 다시 무대에 올릴 수 있게 한 전환점이었다. 녹음 목록에서는 Mstislav Rostropovich가 Seiji Ozawa와 Boston Symphony Orchestra를 지휘해 1960년 9월 런던 Wembley Brent Town Hall에서 녹음한 사례를 확인할 수 있다. Eloquence Classics의 카탈로그는 연주자·지휘자·단체와 녹음 장소 및 월을 확인해 주며, 재발매에 따라 판본명 표기가 달라질 수 있음을 함께 보여 준다. 이 사례를 Fitzenhagen판 또는 원안판의 연주로 분류하려면 카탈로그 정보와 실제 총보·해설지에 적힌 판본 표기를 따로 대조할 필요가 있다. ### 제목과 양식 Edition Peters와 Boston Symphony Orchestra의 작품 해설은 `Rococo`가 선율의 역사적 출처가 아니라 양식적 상상을 뜻한다고 설명한다. Tchaikovsky는 A장조의 대칭적인 주제, 장식적 음형, 트럼펫과 타악기를 덜어 낸 관현악을 통해 18세기적 문체를 새로 만들었고, 높은 음역과 긴 호흡의 첼로 선율로 자신의 낭만주의적 악기 쓰기를 결합했다. `Rococo`는 실제 로코코 작품의 인용이 아니라, 고전풍 주제와 첼로를 위한 콘체르탄테 형식을 함께 설계한 결과를 가리킨다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research: `Variations on a Rococo Theme`](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Variations_on_a_Rococo_Theme) - [Music & Practice: The history of Tchaikovsky’s *Variations on a Rococo theme* and the collaboration with Fitzenhagen](https://www.musicandpractice.org/volume-4/the-history-of-tchaikovskys-variations-on-a-rococo-theme-and-the-collaboration-with-fitzenhagen/) - [Boston Symphony Orchestra: Tchaikovsky, `Variations on a Rococo Theme`](https://www.bso.org/works/tchaikovsky-variations-on-a-rococo-theme) - [Edition Peters: Tchaikovsky, `Variations on a Rococo Theme`, Op. 33](https://www.editionpeterspublications.us/products/tchaikovsky-variations-on-a-rococo-theme-op-33) - [Hyperion: Tchaikovsky, `Variations on a Rococo Theme`](https://www.hyperion-records.co.uk/dc.asp?dc=D_CDA68063) - [Eloquence Classics: Rostropovich/Ozawa/Boston Symphony Orchestra catalog](https://www.eloquenceclassics.com/releases-archive/shostakovich-cello-concerto-no-2-tchaikovsky-rococo-variations-andante-cantabile-glazunov-chant-du-menestrel/) # Swan Lake, Op. 20 # 정보 ## 개요 **곡명:** *Swan Lake*, Op. 20 **작곡가:** Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **장르:** 발레 **작곡:** 1875년 8월–1876년 4월, 1877년 2월·4월 보완 **초연:** 1877년 3월 4일(구력 2월 20일), Moscow Bolshoi Theatre, Julius Reisinger 안무, Stepan Ryabov 지휘 **초기 출판:** 1877년 Jurgenson의 Nikolay Kashkin 피아노 축약판, 1895년 전곡 관현악 총보 **1895년 마린스키 공연판:** Marius Petipa·Lev Ivanov 안무, Riccardo Drigo 음악 편집, Modest Tchaikovsky 대본 개정 **범위:** 1877년 원작 총보의 4막 전곡을 중심으로, 1895년 마린스키 공연 텍스트와 1900년 오케스트라 모음곡 Op.20a를 구분해 설명한다. **IMSLP:** https://imslp.org/wiki/Swan_Lake_%28ballet%29%2C_Op.20_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr%29 **Wikipedia:** https://en.wikipedia.org/wiki/Swan_Lake Pyotr Ilyich Tchaikovsky의 *Swan Lake*, Op. 20은 1875–77년에 완성된 4막 발레 전곡이다. 원작 총보는 `Introduction`과 29개 번호, 보충 번호 19a·20a로 이루어지며, 제1막 1–9번, 제2막 10–14번, 제3막 15–24번, 제4막 25–29번이 기본 축을 이룬다. 오늘날 무대에서 널리 쓰이는 1895년 마린스키 텍스트는 이 원작에 대본 수정, 번호의 컷과 이동, Riccardo Drigo의 편곡을 더한 사후 공연판이다. 이 글은 두 판본의 관계와 각 막의 장면·춤을 확인한 뒤, 전곡 녹음과 콘서트 모음곡 Op.20a를 별도 범위로 다룬다. ### 출판 정보와 자료 Tchaikovsky는 Moscow Bolshoi Theatre의 의뢰를 받아 1875년 여름부터 발레를 작곡했고, 1876년 4월까지 관현악화를 마쳤다. 1877년 2월과 4월에도 추가와 수정이 이어졌다. 초연은 1877년 3월 4일 신력으로 열렸으며, 구력 날짜는 2월 20일이다. Julius Reisinger가 안무하고 Stepan Ryabov가 지휘했으며, Pelageya Karpakova가 Odette와 Odile을 맡았다. 초연에 맞추어 1877년 Jurgenson이 Nikolay Kashkin의 피아노 축약판을 먼저 냈다. 전곡 관현악 총보는 1895년에 출판되었고, 러시아 춤 20a와 Drigo 편곡 자료가 원작 총보와 함께 별도 부록으로 취급되었다. 초연 대본의 정리자는 자료마다 Vladimir Begichev와 Vasily Geltser를 다르게 거론하며, 1895년 공연을 위해 Modest Tchaikovsky가 대본을 다시 손봤다. Tchaikovsky 사후인 1895년 1월 27일(구력 1월 15일) Mariinsky Theatre에서 전막 부활 공연이 열렸다. Marius Petipa와 Lev Ivanov가 안무를 설계하고 Riccardo Drigo가 지휘와 음악 편집을 맡았으며, Pierina Legnani와 Pavel Gerdt가 Odette·Odile과 Siegfried를 연기했다. 이 공연 텍스트는 후대 발레단의 관행에 큰 영향을 주었으며, Tchaikovsky 사후 제작된 문헌으로 구분된다. ### 소요 시간 전막 공연은 인터벌과 무대 전환을 포함하는 방식에 따라 약 2시간 20분에서 2시간 40분까지 걸린다. Tchaikovsky Research는 일반적인 전곡 공연을 약 140분으로 안내하고, Vladimir Jurowski의 Pentatone PTC 5186640은 1877년 원작 계열을 51개 트랙, 약 2시간 30분으로 수록한다. 1900년 Op.20a는 여섯 곡을 묶은 콘서트 모음곡으로 전막과 별도의 시간 체계를 가진다. ### 편성 원작 총보의 관현악 편성은 다음과 같다. - 목관: 피콜로, 플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 2(A·B♭·C), 바순 2 - 금관: 호른 4(F), 코넷 2(A·B♭), 트럼펫 2(D·E·F), 트롬본 3, 튜바 - 타악기: 팀파니 3, 트라이앵글, 탬버린, 캐스터네츠, 군악용 북, 심벌즈, 큰북, 탐탐, 글로켄슈필 - 기타: 하프 - 현악: 바이올린 I·II, 비올라, 첼로, 더블베이스 호숫가 장면에서는 하프와 현악, 목관 독주가 주제와 반주를 나누고, 궁정과 성격춤에서는 금관과 타악기의 리듬이 전면에 놓인다. 독주 바이올린과 독주 첼로는 특정 pas de deux와 장면의 춤 기능을 위해 사용된다. ### 원작 총보의 네 막과 번호 체계 1877년 원작 총보는 서주와 29개 번호를 4막에 배치하고, 제3막의 19a·20a를 보충 번호로 덧붙인다. 13번 `Danse des cygnes`는 여러 변주와 `Pas d’action`, 코다를 포함하는 큰 춤 묶음이며, 번호의 세부 순서는 1895년 무대판에서 달라질 수 있다. | 막 | 원작 번호 | 장면과 주요 춤 | | --- | --- | --- | | I | `Introduction`, 1–9 | 궁정 정원, Siegfried의 성년 축하와 사냥 출발 | | II | 10–14 | 호숫가, Odette와의 만남과 백조들의 춤 | | III | 15–24, 19a·20a | 궁정 무도회, Odile의 등장과 각국의 성격춤 | | IV | 25–29 | 호숫가의 마지막 장면과 결말 | #### 제1막: 궁정 정원 `Introduction`(Moderato assai)와 1번 장면은 궁정의 하루를 열고, 2번 `Valse`는 Siegfried의 성년 축하를 위한 사회적 공간을 만든다. 4번 `Pas de trois`, 5번 `Pas de deux`, 8번 춤이 축하의 순서를 이어 간다. 왕비가 결혼 상대를 선택하라고 요구한 뒤 Siegfried가 사냥을 떠나는 9번 `Finale`가 다음 막의 호숫가를 예비한다. #### 제2막: 호숫가와 Odette의 맹세 10–14번은 밤의 호숫가에서 전개된다. Rothbart의 저주를 받은 Odette는 낮에는 백조로, 밤에만 인간으로 돌아오며, Siegfried는 그녀를 사랑하고 구원을 맹세한다. 13번 `Danse des cygnes`는 백조들의 군무와 Odette의 독무, `Pas d’action`, 전체 춤과 코다를 한데 묶고, 14번 장면이 두 인물의 맹세를 다음 막으로 넘긴다. #### 제3막: 궁정 무도회와 Odile의 기만 15–24번은 왕궁의 무도회에 각국 춤을 배열한다. 19번 `Pas de six`, 20번 `Czardas – Danse hongroise`, 보충 20a `Danse russe`, 그리고 스페인·나폴리·마주르카 춤이 사교적 장면의 순서를 이룬다. Rothbart가 Odette와 닮은 Odile을 데려오고, Siegfried가 그녀를 Odette로 착각해 맹세하면서 무대의 갈등이 절정에 이른다. #### 제4막: 마지막 호숫가 25–29번은 다시 호숫가로 돌아가 배신의 결과와 두 주인공의 마지막 선택을 다룬다. 27번 작은 백조의 춤과 28번 장면은 앞선 호수 세계를 되살리고, 29번 최종 장면에서 백조 주제가 결말을 이끈다. 비극적 죽음, 화해와 구원, 초월적 결합 가운데 어느 결말을 택하는지는 1895년 이후의 무대판과 발레단에 따라 달라진다. ### 1895년 마린스키 공연 텍스트 1894년 3월 1일(구력 2월 17일) 상트페테르부르크의 Tchaikovsky 추모 공연에서 Lev Ivanov가 제2막을 올린 일이 전막 부활의 직접적인 계기가 되었다. 이듬해 Mariinsky 제작에서 Petipa와 Ivanov는 춤의 길이와 순서를 무대에 맞게 재설계했고, Modest Tchaikovsky는 대본의 장면 연결을 고쳤다. Drigo는 원작 번호를 컷하고 이동했으며, *Eighteen Pieces*, Op.72 가운데 세 곡을 관현악화해 삽입했다. 1895년 텍스트는 4막 틀을 유지하면서 원작 번호와 춤의 순서를 재배열한다. 후대 공연에서 익숙해진 Odile의 흑조 장면과 각국 춤의 배치는 이 제작 계열에서 정착한 무대 관행이다. 따라서 ‘1895년판’은 한 권의 고정된 악보보다 Petipa·Ivanov·Drigo·Modest가 함께 만든 공연 텍스트와 이후 발레단의 변형을 가리킨다. ### Op.20a 오케스트라 모음곡 Jurgenson이 1900년 11월에 낸 Op.20a 초판은 전막의 번호를 여섯 곡으로 다시 배열한 콘서트용 모음곡이다. | 순서 | 모음곡 제목 | 원작 위치 | | ---: | --- | --- | | 1 | `Scène` | 제2막 10번 | | 2 | `Valse` | 제1막 2번 | | 3 | `Danse des cygnes` | 제2막 13번 변주 IV | | 4 | `Scène` / `Pas d’action` | 제2막 13번 변주 V 축약 | | 5 | `Czardas – Danse hongroise` | 제3막 20번 | | 6 | `Scène` | 제4막 28번과 29번 피날레 첫 26마디 | 1954년 소련판은 스페인·나폴리·마주르카 춤을 보태 8곡으로 재편집했다. 두 모음곡판은 막 사이의 서사와 무대 동선을 생략하므로, Op.20a라는 제목이 붙은 녹음은 전막 발레의 번호·순서와 별도로 분류한다. ### 초연 수용과 전곡 녹음 1877년 초연은 엇갈린 반응을 받았고, 작품은 1882/83 시즌 이후 Bolshoi 레퍼토리에서 사라졌다. 1894년 추모 공연과 1895년 Mariinsky 전막 부활이 새로운 무대 전통을 만들면서 *Swan Lake*가 장기 레퍼토리로 자리 잡았다. 이 수용사는 Tchaikovsky의 원작 총보와 후대 공연 텍스트가 서로 다른 경로로 전승된 이유를 보여 준다. Vladimir Jurowski와 State Academic Symphony Orchestra of Russia “Evgeny Svetlanov”의 Pentatone PTC 5186640(2018)은 1877년 초연판을 재현한다는 목표를 내세우며, 원작 번호와 13번 내부 변주를 51개 트랙으로 나눈다. 이 표기는 음반이 원작 총보에 가까운 음악 텍스트를 선택했다는 편집 원칙을 가리킨다. Ondrej Lenárd와 Slovak Radio Symphony Orchestra의 Naxos 8.550246-47(1990)은 4막과 번호 범위를 장면 단위로 나눈 전곡 녹음이다. André Previn과 London Symphony Orchestra의 1976년 Kingsway Hall 녹음은 Drigo 계열의 4막·29번 표기를 보여 주는 발매 기록으로 남아 있다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, *The Lake of Swans*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/The_Lake_of_Swans) - [Pentatone PTC 5186640, Vladimir Jurowski·State Academic Symphony Orchestra of Russia](https://www.pentatonemusic.com/product/tchaikovsky-swan-lake/) - [Naxos 8.550246-47, Ondrej Lenárd·Slovak Radio Symphony Orchestra](https://www.naxos.com/CatalogueDetail/?id=8.550246-47) - [Alfred, *Swan Lake Suite* 편집 노트](https://content.alfred.com/catpages/36-A218502.pdf) - [MusicBrainz, André Previn·London Symphony Orchestra 전곡 발매 메타데이터](https://musicbrainz.org/release/506a0fdc-fc84-43a5-9946-1ec3084fde29) # Sleeping Beauty, Op. 66 # 정보 # Pyotr Ilyich Tchaikovsky — *The Sleeping Beauty*, Op. 66 - **작곡가:** Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) - **작품명:** *The Sleeping Beauty*, Op. 66, TH 13, ČW 13 - **장르:** `ballet-féerie`, Introduction과 프롤로그 및 3막으로 이루어진 전막 발레 - **대본:** Ivan Vsevolozhsky가 Charles Perrault의 1697년 동화를 바탕으로 구상했으며, Marius Petipa가 무대용 장면과 춤의 순서를 구체화했다. - **작곡 시기:** 1888년 10월부터 1889년 8월까지 - **초연:** 1890년 1월 15일, Saint Petersburg의 Imperial Mariinsky Theatre, Marius Petipa 안무, Riccardo Drigo 지휘 - **헌정:** Ivan Vsevolozhsky ## 개요 Pyotr Ilyich Tchaikovsky의 *The Sleeping Beauty*, Op. 66은 Perrault의 `La belle au bois dormant`를 러시아 제국극장의 대형 무대에 맞게 확장한 전막 `ballet-féerie`다. Introduction 뒤에 프롤로그가 오고, 이어서 1막·2막·3막이 차례로 진행된다. Aurora의 탄생과 저주, 생일날의 물레 사건, Désiré 왕자의 탐색과 각성, 결혼식의 동화 인물 디베르티스망이 전체 줄거리를 이룬다. Vsevolozhsky는 1888년 위촉 때 Perrault의 이야기와 Louis XIV 시대의 궁정 양식을 함께 제안했다. Petipa의 계획 자료는 인물 목록과 장면별 춤 형식을 구체화했고, Tchaikovsky는 그 순서에 맞춰 행진곡·왈츠·파드되·변주·판노라마를 하나의 긴 악보로 엮었다. 따라서 전막의 음악은 독립적인 관현악 장면과 무대의 동작을 동시에 지시하는 번호 체계를 갖는다. ### 제작의 출발점과 초연 Tchaikovsky Research가 정리한 편지에 따르면 Vsevolozhsky는 1888년 5월 Tchaikovsky에게 작품을 제안했고, Tchaikovsky는 같은 해 9월 대본의 규모와 방향을 긍정적으로 받아들였다. 1888년 10월부터 작곡과 오케스트레이션이 진행되었으며, 1889년 후반 리허설에서 무대 시간에 맞춘 수정과 추가가 이어졌다. 1889년 10월에는 Cinderella와 Prince Fortuné를 위한 No. 26b가 더해졌다. 초연은 1890년 1월 15일 Saint Petersburg의 Imperial Mariinsky Theatre에서 열렸다. Petipa가 안무를 맡고 Drigo가 지휘했으며, Carlotta Brianza가 Aurora, Pavel Gerdt가 Prince Désiré, Marie Petipa가 Lilac Fairy, Enrico Cecchetti가 Carabosse를 맡았다. Auer의 바이올린 독주와 Albert Zabel의 하프 독주도 초연 제작 자료에 기록되어 있다. Vsevolozhsky의 의상·무대 구상은 Louis XIV 시대의 궁정 축제라는 외형을 발레의 틀로 끌어들였다. ### 출판 정보와 자료 1890년 말 Tchaikovsky는 Hamburg의 Daniel Rahter가 총보를 필사하도록 허가했다. Tchaikovsky Research는 Rahter의 판을 제한적인 석판 인쇄본으로 설명하며, No. 18 `Entr'acte`가 빠진 상태였다고 기록한다. 1898년 Boris Jurgenson의 목록에는 전막 총보가 실렸지만, 그 목록에 대응하는 실물 판과 plate는 확인되지 않는다. 현재 전막 악보에 접근하는 대표적인 경로는 Anatoly Dmitriyev가 편집한 1952년 Moscow Muzgiz 전집 제12권이다. Tchaikovsky는 1890년 2월 전막에서 콘서트용 모음곡을 만들 가능성을 Jurgenson에게 문의했지만, 생전에 확정된 모음곡을 내놓지는 못했다. 1899년 Jurgenson이 발행한 다섯 번호 발췌판은 IMSLP에서 `Op. 66a, TH 234`로 정리되고, Tchaikovsky Research의 서술에서는 `Op. 67-bis`라는 표기도 나타난다. 두 자료가 공통으로 가리키는 것은 Introduction, Adagio, Puss-in-Boots와 White Cat, Panorama, Waltz를 묶은 별도 관현악 모음곡이라는 점이다. 이 모음곡의 순서와 약 20분이라는 시간은 전막 Op. 66의 서사와 길이를 대신하지 않는다. ### 소요 시간 전막의 시간은 공연 조건과 판본에 따라 달라진다. IMSLP의 작품 메타데이터는 평균 160분을 제시하고, John Steane이 다룬 1999년 Mikhail Pletnev·Russian National Orchestra 녹음은 159분으로 표기된다. 반면 Mariinsky Theatre는 Sergei Vikharev의 1999년 복원 공연을 세 번의 휴식을 포함한 4시간으로 안내한다. 따라서 전곡 녹음의 약 159–160분과 무대 공연의 약 4시간을 같은 종류의 수치로 합치지 않는다. ### 편성 Tchaikovsky Research가 제시하는 관현악은 다음과 같다. - **목관:** piccolo, flutes 2, oboes 2, English horn, clarinets 2 in A and B-flat, bassoons 2 - **금관:** horns 4 in F, cornets 2 in A and B-flat, trumpets 2 in A and B-flat, trombones 3, tuba - **타악:** timpani 4, triangle, tambourine, military drum, cymbals, bass drum, tam-tam, glockenspiel - **건반·발현:** piano, harp - **현악:** violin I·II, viola, cello, double bass 피아노는 독주 악기가 아니라 관현악 편성 안에 포함된다. 네 대의 팀파니와 군악용 작은북, 글로켄슈필, 하프는 궁정 행진과 동화 인물의 춤을 서로 다른 색채로 구분하는 데 쓰이며, English horn과 bassoon은 프롤로그의 요정 대조를 만드는 독주 성부로 자주 드러난다. ### 인물과 무대의 전제 프롤로그에서 King Florestan XIV와 Queen은 Aurora의 탄생을 축하하고 여섯 요정에게 축복을 부탁한다. 초대받지 못한 Carabosse는 물레에 손가락을 찔러 공주가 죽을 것이라고 저주하지만, Lilac Fairy가 그 결과를 백 년의 잠으로 바꾼다. 1막에서는 성장한 Aurora가 궁정의 시선 속에서 네 구혼자를 맞이하고, 2막에서는 숲에서 사냥하던 Désiré가 Lilac Fairy의 환영을 통해 잠든 공주를 알게 된다. 3막의 결혼식은 Perrault 동화의 Puss-in-Boots, White Cat, Blue Bird, Princess Florine, Little Red Riding-Hood와 Wolf, Tom Thumb과 Ogre를 차례로 불러들인다. 원작 설정에서 Aurora는 스무 살로 제시되지만, 1921년 Ballets Russes 제작에서는 열여섯 살로 바뀌었다고 Doug Fullington이 설명한다. 이 차이는 후대 제작의 인물 설정이 1890년 대본과 달라질 수 있음을 보여 주며, 특정 현대 공연의 나이를 원작의 고정값으로 취급하지 않게 한다. ### 공식 번호 구조 Tchaikovsky Research는 Introduction과 30개 번호를 원작 총보의 순서로 제시한다. 제목과 주요 tempo 표기는 다음과 같다. | 구간 | 공식 번호와 표제 | 무대 기능 | | --- | --- | --- | | Introduction | `Introduction` — `Allegro vivo` | 궁정 축제의 시작을 연다. | | Prologue | No. 1 `March` — `Moderato`; No. 2 `Scène dansante: Entrée des Fées` — `Moderato con moto–Tempo di Valse` | 탄생 축하와 요정들의 입장을 배치한다. | | Prologue | No. 3a `Pas de six: Adagio`와 No. 3b–3g 여섯 요정 변주, No. 3h `Coda` | 각 요정의 축복을 개별 변주로 보여 준다. No. 3g는 `La Fée des Lilas`다. | | Prologue | No. 4 `Finale` — `Andante–Allegro vivo` | Carabosse의 저주와 Lilac Fairy의 개입으로 프롤로그를 닫는다. | | Act I | No. 5 `Scène`; No. 6 `Valse` — `Allegro. Tempo di Valse`; No. 7 `Scène` | Aurora의 생일 궁정과 구혼자들의 입장을 진행한다. | | Act I | No. 8 `Pas d'action`: `Rose Adagio`, 시녀와 시동의 춤, Aurora 변주와 Coda | 네 구혼자와의 균형, 공주의 변주, 물레 사건 직전의 궁정 의식을 묶는다. | | Act I | No. 9 `Finale` — `Allegro giusto` | Aurora가 쓰러지고 성 전체가 잠에 든다. | | Act II | Nos. 10–14: `Entr'acte et Scène`, `Colin-maillard`, 네 귀족 부인의 춤, `Farandole`, `Scène` | 사냥터의 놀이와 궁정의 춤을 거쳐 왕자와 요정의 만남으로 옮긴다. | | Act II | No. 15 `Pas d'action: Scène d'Aurore et de Désiré`, Aurora 변주와 Coda; No. 16 `Scène` | Lilac Fairy가 Aurora의 환영을 보여 주고 Désiré가 잠든 공주를 찾게 한다. | | Act II | No. 17 `Panorama` — `Andantino`; No. 18 `Entr'acte` — `Andante sostenuto`; No. 19 `Entr'acte symphonique: Le sommeil`과 이어지는 `Scène`; No. 20 `Finale` | 왕자의 이동, 잠든 성의 정지된 시간, 입맞춤과 각성을 연결한다. | | Act III | Nos. 21–23: `March`, `Polonaise`, 네 요정의 `Pas de quatre`와 네 변주 | 결혼식 손님과 요정들의 입장을 형식적으로 정돈한다. | | Act III | No. 24 `Pas de caractère: Puss-in-Boots and the White Cat`; No. 25 `Pas de quatre` 중 Cinderella·Prince Fortuné와 Blue Bird·Princess Florine | 동화 속 인물의 성격춤과 파드되를 이어 간다. | | Act III | No. 26a `Little Red Riding-Hood and the Wolf`, No. 26b `Cinderella and Prince Fortuné`; No. 27 `Pas berrichon` | 후대에 추가된 춤을 포함해 디베르티스망의 폭을 넓힌다. | | Act III | No. 28 `Pas de deux: Aurora and Prince Désiré`, No. 29 `Sarabande` | 결혼식의 중심 파드되와 궁정 춤을 놓는다. | | Act III | No. 30 `Finale` — `Allegro brillante. Tempo di Mazurka`와 `Apotheosis` — `Andante molto maestoso` | 마주르카와 아포테오시스로 전막을 끝맺는다. | ### 프롤로그와 1막: 축복, 저주, 공주의 성년식 프롤로그의 March와 `Entrée des Fées`는 Florestan XIV의 궁정에 축제의 규칙을 세운다. No. 3의 `Pas de six`는 Adagio 뒤에 여섯 변주를 두어 각 요정의 축복을 분리한다. Candide, Fleur de Farine, Miettes qui tombent, Canari qui chante, Violante, Lilac Fairy가 서로 다른 춤의 성격을 갖고, Coda가 이를 한 장면으로 묶는다. Carabosse의 등장은 이 질서에 돌발적인 동작과 위협을 끼워 넣으며, Lilac Fairy는 No. 4 Finale에서 죽음 대신 잠이라는 해결을 제시한다. 1막의 생일 축제는 No. 6 `Valse`와 네 구혼자의 입장으로 시작된다. No. 8의 `Rose Adagio`에서 Aurora는 네 구혼자와 차례로 손을 잡고 균형을 유지한다. `Pas d'action`은 공주의 공개적인 성숙을 춤의 절차로 보여 주며, 이어지는 시녀와 시동의 춤, Aurora 변주, Coda가 궁정 의식을 확장한다. 변장한 Carabosse가 건넨 물레에 Aurora가 손가락을 찌르면 No. 9 Finale가 왕과 손님, 숲을 함께 잠재운다. ### 2막: 환영과 잠든 성으로의 이동 2막 초반의 `Colin-maillard`와 네 귀족 부인의 춤은 Désiré가 있는 사냥터와 궁정의 놀이를 보여 준다. Lilac Fairy가 나타난 뒤 No. 15의 `Scène d'Aurore et de Désiré`는 왕자에게 Aurora의 환영을 보이고, 왕자는 잠든 성을 찾아 나선다. `Panorama`는 이 이동에 놓인 관현악 번호이며, No. 18의 Entr'acte와 No. 19 `Le sommeil`은 성의 정적과 각성 직전의 장면을 잇는다. No. 20 Finale에서 왕자가 Aurora에게 입맞춤하면 백 년 동안 잠들었던 궁정이 다시 움직이기 시작한다. ### 3막: 결혼식과 동화 인물의 디베르티스망 3막의 March와 Polonaise는 결혼식의 입장 순서를 세운다. 네 요정의 `Pas de quatre` 뒤에 Puss-in-Boots와 White Cat, Cinderella와 Prince Fortuné, Blue Bird와 Princess Florine, Little Red Riding-Hood와 Wolf, Tom Thumb과 형제들 및 Ogre가 각각의 성격춤으로 등장한다. No. 28의 Aurora와 Désiré 파드되가 결혼한 두 인물의 중심 장면을 만들고, No. 29 `Sarabande`와 No. 30 Finale의 Mazurka 및 Apotheosis가 궁정 축하를 마무리한다. ### 판본, 컷, 후대 복원 공식 번호가 모든 시대의 공연 순서와 같은 것은 아니다. Tchaikovsky Research는 No. 18 `Entr'acte`가 1890년 첫 공연에서 빠졌다고 기록한다. Petipa Society가 정리한 초기 공연 변경에는 2막의 Baronesses·Countesses·Marchionesses 춤과 2막 Aurora 변주, 3막 Sapphire Fairy 변주의 삭제가 포함된다. 3막 Blue Bird 파드되, Wedding 파드되, Coda generale와 Apotheosis도 짧아졌다는 기록이 있다. 공연본에 따라 3막 Gold Fairy 변주를 2막 Aurora 변주 자리에 옮겨 쓰기도 했다. 이때 Drigo가 두 조성을 잇는 네 마디를 보탰다는 설명이 있어, 현재 무대에서 들리는 Aurora 변주를 총보의 No. 15b와 자동으로 동일시할 수 없다. No. 26b의 Cinderella와 Prince Fortuné 춤은 1889년 10월 리허설 기간에 추가되었고, Petipa가 무대 길이에 맞춘 축약을 요청했다는 편지가 남아 있다. 1999년 Mariinsky Theatre의 복원 공연은 Sergei Vikharev가 안무를 맡고 Nikolai Sergeyev의 Harvard Theatre Collection 기보를 사용한 제작이다. 세트와 의상은 Vsevolozhsky 및 원작 장식가의 스케치와 Saint Petersburg의 박물관·도서관 자료를 참고했다. Fullington과 Marc Haegeman은 Sergeyev의 Stepanov 방식 기보가 프롤로그와 1막에는 비교적 많이 남아 있지만 2·3막은 덜 완전하다고 설명한다. 이 복원은 남은 악보·기보·사진을 연결해 1890년 제작을 재구성한 결과이며, 초연 당일보다 후대에 보존된 자료와 연결 자료의 범위를 반영한다. Roland John Wiley는 자필 총보, 남아 있는 한 개의 répétiteur, Sergeyev가 사용한 두 개의 인쇄 피아노 축약본을 1890년 공연본 연구의 핵심 자료로 제시한다. 초연 리허설에 쓰인 두 바이올린 répétiteur는 1980년대 초부터 소재가 기록에 나타나지 않는다. 이 자료 환경은 음악의 길이와 안무의 길이를 함께 비교해야 한다는 점을 보여 주며, 복원판마다 서로 다른 자료 범위와 안무 조건을 제시하게 한다. ### 지휘와 녹음으로 듣는 전막 Royal Ballet 음악감독 Koen Kessels는 2017년 Gramophone 인터뷰에서 프롤로그의 Lilac Fairy와 Carabosse를 flute·cor anglais·bassoon의 음색 대비로 설명했다. 그는 `Scène dansante`가 첫 박을 비운 syncopation으로 시작해 무용수가 소리를 정확히 받아야 하는 대목이라고 말했고, 여러 단계의 fortissimo가 뒤의 절정을 위해 동적 여백을 남긴다고 자신의 지휘 경험을 소개했다. 이 관찰은 Kessels의 실제 무대 경험에서 나온 해석이다. - **Antal Doráti, Minneapolis Symphony Orchestra, 1955:** David Barker는 1955년 4월 10–11일 Northrop Auditorium 녹음을 초기 LP 전막 기록으로 소개한다. Barker의 비평에서 Doráti는 2막 No. 20의 어둠에서 빛으로 넘어가는 과정과 마지막 tam-tam을 강하게 만들지만, `Rose Adagio`에서는 음악을 빠르게 진행해 여유가 적다는 평가를 받는다. - **Richard Bonynge, National Philharmonic, 1977:** Tim Ashley는 Bonynge의 Tchaikovsky 발레 전집을 후대 극장판의 수정과 재안무를 19세기 자료와 비교하려는 관심 속에서 설명한다. 1977년 *Sleeping Beauty*는 풍성한 전막 연주로 기록되며, 음반 자료에는 1890년 초연판의 컷을 특정하는 정보가 따로 제시되지 않는다. - **Mikhail Pletnev, Russian National Orchestra, 1999:** John Steane이 검토한 Deutsche Grammophon 457 634-2 음반은 159분이다. Steane은 각 독주 악기의 성격화와 tutti의 균형을 높이 평가하고, 2막 마지막 10분에서 잠과 각성의 tempo·dynamics 전환이 정교하다고 보았다. - **Vladimir Jurowski, State Academic Symphony Orchestra of Russia, 2013:** 2017년 ICA Classics ICAC 5144로 발매된 2시간 40분 전곡 녹음이다. Colin Anderson은 무용수의 무대 필요보다 콘서트의 음악적 진행에 초점을 둔 연주로 듣고, 선명한 articulation과 Act I `Waltz`, 마지막 Apotheosis의 세부를 장점으로 꼽았다. - **Anatole Fistoulari, London Symphony Orchestra, 1962:** 이 녹음은 약 50분의 선택본이다. Antony Hodgson은 Fistoulari의 Ballets Russes 경력이 춤에 맞는 전진하는 리듬과 연결된다고 평가하며, Rose Adagio와 Panorama를 포함한 발췌의 성격을 전막 녹음과 구분한다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research — The Sleeping Beauty](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/The_Sleeping_Beauty) - [Tchaikovsky Research — Ivan Vsevolozhsky](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/I._A._Vsevolozhsky) - [Tchaikovsky Research — The Sleeping Beauty (suite)](http://en.tchaikovsky-research.net/pages/The_Sleeping_Beauty_(suite)) - [Tchaikovsky Research — Letter 4257](http://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_4257) - [IMSLP — The Sleeping Beauty, Op. 66](https://imslp.org/wiki/The_Sleeping_Beauty_(ballet),_Op.66_(Tchaikovsky,_Pyotr)) - [IMSLP — The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a](https://imslp.org/wiki/The_Sleeping_Beauty_(suite)%2C_Op.66a_(Tchaikovsky,_Pyotr)) - [Marius Petipa Society — The Sleeping Beauty](https://petipasociety.com/the-sleeping-beauty/) - [Mariinsky Theatre — The Sleeping Beauty](https://www.mariinsky.ru/en/playbill/repertoire/ballet/spkras1/) - [Roland John Wiley — Sleeping Beauty: The First Production](https://doi.org/10.1093/oso/9780198162490.003.0006) - [Doug Fullington and Marc Haegeman — The Kirov's Reconstructed Sleeping Beauty](https://for-ballet-lovers-only.com/Beauty1.html) - [Doug Fullington — Petipa's Original Choreography for Aurora](https://pointemagazine.com/petipa-choreography-sleeping-beauty-aurora-notations/) - [Gramophone — Exploring the genius of The Sleeping Beauty](https://www.gramophone.co.uk/content/features/exploring-the-genius-of-the-sleeping-beauty) - [Gramophone — Tchaikovsky: Sleeping Beauty, Pletnev](https://www.gramophone.co.uk/reviews/tchaikovsky-sleeping-beauty) - [MusicWeb International — Tchaikovsky: Ballets (Doráti Edition)](https://musicwebinternational.com/2023/01/tchaikovsky-ballets-the-dorati-edition/) - [Classical Source — Vladimir Jurowski conducts The Sleeping Beauty](https://www.classicalsource.com/cd/vladimir-jurowski-conducts-tchaikovskys-the-sleeping-beauty-state-academic-symphony-orchestra-of-russia-ica-classics/) - [Classical Source — Anatole Fistoulari ballet music](https://www.classicalsource.com/cd/anatole-fistoulari-conducts-tchaikovskys-seranade-and-ballet-music-eloquence/) # The Nutcracker, Op. 71 # 정보 # 표트르 일리치 차이콥스키, 《호두까기 인형》 Op. 71 ## 개요 - 작곡가: Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) - 작품명: *The Nutcracker*, Op. 71 - 장르: 2막 3장면의 발레 - 작곡: 1891–1892년 - 초연: 1892년 12월 18일, 상트페테르부르크 마린스키 극장 - 초연 지휘: Riccardo Drigo - 초연 무대: Marius Petipa의 장면 계획을 바탕으로 Lev Ivanov가 안무 - **IMSLP:** [*Nutcracker*, Op. 71 (Complete Ballet)](https://imslp.org/wiki/Nutcracker,_Op._71_%28Complete_Ballet%29_%28Tchaikovsky,_Pyotr_Ilyich%29) - **Wikipedia:** [*The Nutcracker*](https://en.wikipedia.org/wiki/The_Nutcracker) 차이콥스키의 《호두까기 인형》은 크리스마스이브 실버하우스 집안의 파티에서 시작하는 2막 3장면의 발레다. 클라라는 선물로 받은 호두까기 인형을 구하고, 인형은 쥐들과의 싸움 뒤 왕자로 변한다. 두 사람은 눈 덮인 숲을 지나 과자의 나라에 도착한다. 전막의 악보는 서곡과 제1번부터 제15번까지로 이루어져 있으며, 작곡가가 그중 여덟 곡을 골라 만든 연주회용 모음곡 Op. 71a와는 구별된다. ### 출판 정보와 자료 대본을 마련한 이반 프세볼로시스키와 프티파는 알렉상드르 뒤마가 각색한 E. T. A. 호프만의 이야기를 토대로 삼았다. 호프만의 원작, 뒤마의 각색, 1892년 발레 대본은 같은 이야기를 서로 다른 방식으로 전한다. 따라서 오늘날 널리 알려진 줄거리를 원래 무대의 세부 사항으로 곧바로 돌려놓을 수는 없다. 1892년 대본에서 가족의 이름은 실버하우스이며, 중심이 되는 소녀는 클라라 또는 클레르로 적힌다. ‘마리’나 ‘마샤’, ‘슈탈바움’이라는 이름은 다른 이야기와 후대 무대판을 살펴볼 때 따로 구별해야 한다. 프티파는 장면의 순서와 길이, 등장인물의 동선과 춤의 성격을 상세히 계획했다. 그러나 그가 공연 전체의 안무를 완성한 것은 아니다. 초연 무대는 레프 이바노프가 맡았고, 리카르도 드리고가 지휘했다. 차이콥스키의 오페라 《이올란타》와 같은 날 마린스키 극장에서 처음 공연되었다. 원래의 기획과 실제 초연 무대가 두 사람의 작업을 거쳐 성립했다는 점은, 훗날의 안무를 어느 한 사람에게 온전히 귀속시키기 어려운 이유이기도 하다. P. Jurgenson은 1892년 모스크바에서 전막 총보를 출판했다. 작곡가의 자필 총보도 전해지지만, 모음곡을 만들 때 떼어낸 일부 잎은 사본으로 보충되어 있다. 악보에서 전막과 모음곡의 관계를 확인할 때에는 여덟 곡의 이름만 대조할 것이 아니라, 발췌와 재배열이 이루어진 별도의 악보라는 사실도 염두에 두어야 한다. ### 소요 시간 전막의 음악은 대략 90분이다. 실제 공연 시간에는 막간과 무대 전환이 더해지고, 제작에 따라 장면의 길이나 악곡의 사용 방식도 달라진다. Op. 71a 모음곡은 약 20~25분으로, 전막의 축약 공연이 아니라 연주회에서 독립적으로 연주하도록 고른 여덟 곡의 순서다. ### 편성 전막의 악기 편성은 다음과 같다. - 목관: 3 flutes (2nd and 3rd doubling piccolos), 2 oboes, English horn, 2 clarinets (in A, B-flat), bass clarinet (in A, B-flat), 2 bassoons. - 금관: 4 horns (in F), 2 trumpets (in A, B-flat), 3 trombones, tuba. - 타악기와 건반악기: 4 timpani, triangle, tambourine, cymbals, bass drum, tam tam, glockenspiel, castanets, celesta (or piano). - 그 밖의 악기: 2 harps, violins I, violins II, violas, cellos, double basses. 제1막 제5번에는 toy instruments로 지정된 rattle, trumpets (in C), drums, 2 rabbit drummers, cuckoos, quails, cymbals가 쓰인다. - 성악: 제1막 제9번 「Valse des flocons de neige」(눈송이의 왈츠)에 무대 밖의 가사 없는 합창이 참여한다. 장난감 악기는 전투곡 제7번이 아니라 파티가 끝나기 전 제5번에 놓인다. 실버하우스의 집 안에서 아이들이 만지고 소리를 내는 물건이 관현악의 일부가 되는 셈이다. 반면 제14번 파드되의 사탕 요정 변주에서 들리는 첼레스타는 과자의 나라에 속한다. 악보는 이 악기를 마련할 수 없을 때 피아노로 대신하도록 허용한다. 눈의 숲에 이르러서는 무대 밖 합창이 소리의 거리를 넓힌다. 세 음색은 모두 특이하지만, 각각 다른 장소와 사건을 맡기 때문에 서로 바꾸어 쓸 수 있는 장식은 아니다. ### 제1막 제1장: 집 안의 축제와 전투 서곡(「Ouverture」, Allegro giusto)은 제1막의 파티보다 먼저 연주된다. 현악기와 목관이 만들어 내는 가벼운 음향은 거대한 서곡이 공연 전체의 갈등을 요약하는 관례와 다르다. 어린이들의 세계를 정면에서 바라보려는 작품의 규모가 여기서 처음 제시된다. 제1막 제1장에는 제1번부터 제7번까지가 놓인다. 제1번 「크리스마스트리 장식과 점등」(「L'ornement et l'illumination de l'arbre de Noël」)에서 실버하우스의 집과 트리가 드러나고, 제2번 「행진」(「Marche」)과 제3번 「어린이들의 작은 갤럽과 부모의 등장」(「Petit galop des enfants et entrée des parents」)이 손님과 아이들의 움직임을 차례로 나눈다. 제4번 「춤 장면」(「Scène dansante」)에서는 드로셀마이어가 가져온 선물이 파티의 중심으로 들어온다. 이 첫 네 번호는 하나의 크리스마스 풍경을 오래 붙들기보다, 누가 방에 들어오고 무엇을 보며 어떤 물건을 갖게 되는지를 음악의 순서로 또렷하게 구분한다. 클라라는 드로셀마이어에게서 호두까기 인형을 받는다. 프리츠가 이를 망가뜨린 뒤에도 클라라는 인형을 놓지 않는다. 제5번 「장면과 할아버지 춤」(「Scène et danse Großvater」)에는 장난감 악기와 어른들의 춤이 함께 등장한다. 아이들의 소리와 어른들의 사교 춤이 겹치는 동안, 집 안의 물건들은 아직 놀이의 도구다. 제6번 「손님들의 퇴장과 밤」(「Le départ des invités. La nuit」)을 지나면 손님들이 사라지고 클라라가 인형을 찾아 돌아온다. 낮의 익숙한 거실을 밤의 낯선 장소로 바꾸는 데 긴 설명이 필요하지 않다. 같은 방에 남은 사물의 크기와 움직임이 달라지기 때문이다. 제7번 「전투」(「La bataille」)에서는 호두까기와 장난감 병정들이 쥐들의 군대에 맞선다. 행진의 박동은 앞서 파티에서 들었던 질서 있는 걸음과 이어지지만, 이제 그 반복은 공격과 후퇴의 시간을 잰다. 클라라가 쥐의 왕에게 슬리퍼를 던져 호두까기를 돕고, 싸움이 끝난 뒤 인형은 왕자로 변한다. 이 장면을 단순히 기괴한 꿈의 삽화로 넘기기 어려운 것은 클라라가 관객처럼 지켜보기만 하지 않기 때문이다. 그가 던진 물건 하나가 전투의 결말과 다음 장면으로 가는 길을 바꾼다. ### 제1막 제2장: 숲을 건너는 시간 제8번 「겨울의 전나무 숲」(「Une forêt de sapins en hiver」)에서 두 사람은 집을 벗어나 숲으로 들어간다. 제9번 「눈송이의 왈츠」(「Valse des flocons de neige」)가 이어지면 전투의 급박한 동작은 넓게 회전하는 군무로 바뀐다. 목관과 현악기가 눈송이들의 움직임을 나누어 주고, 무대 밖에서 들리는 가사 없는 합창은 그들이 지나가는 공간을 객석 너머까지 확장한다. 합창을 어디에 배치하고 무대의 움직임과 얼마나 거리를 둘지는 공연마다 달라질 수 있지만, 악보가 소리의 출처를 무대 밖으로 정한 것은 우연이 아니다. 전막에서 숲은 짧은 연결 장면이 아니다. 클라라와 왕자는 여기서 집의 사물들이 갖던 크기와 질서를 완전히 뒤로한다. 널리 연주되는 모음곡에는 이 두 번호가 들어 있지 않으므로, 모음곡에 익숙한 청자가 전막을 만났을 때 가장 크게 새로 듣는 구간도 이 겨울 숲일 수 있다. 환상의 나라로 곧장 뛰어들지 않고 먼저 눈 속에서 걸음을 늦추는 일은, 다음 막의 환영이 도착지에서 베푸는 행사처럼 보이게 한다. ### 제2막: 과자의 나라에서 펼쳐지는 환영 제2막은 제10번 「콩피튀랑부르의 마법 궁전」(「Le palais enchanté de Confiturenbourg」)으로 열린다. 제11번 「호두까기와 클레르의 도착」(「L'arrivée de Casse-Noisette et Claire」)에서 왕자는 자신을 구한 클라라를 소개한다. 제1막의 줄거리를 이 자리에서 다시 들려주는 이유는 이제 그 모험을 축하하는 춤들이 이어지기 때문이다. 극적 사건을 따라가던 발레는 궁전 사람들이 손님을 맞는 발레로 성격을 바꾼다. 제12번 「디베르티스망」(「Divertissement」)에는 여섯 춤이 있다. (a) 「초콜릿: 스페인 춤」, (b) 「커피: 아라비아 춤」, (c) 「차: 중국 춤」, (d) 「트레팍: 러시아 춤」, (e) 「미를리통의 춤」, (f) 「지공녀와 폴리시넬」이 원래의 순서다. 초콜릿·커피·차처럼 과자의 나라에 어울리는 이름과 당대 유럽 발레가 이국적인 춤에 붙이던 명칭이 한 묶음 안에 있다. 오늘날의 무대가 의상과 동작을 새로 검토하는 까닭을 그 역사적 표기에서 읽을 수 있지만, 악보 자체의 번호와 이름을 지워서는 작품이 어떤 시대의 극장에 만들어졌는지도 알기 어렵다. 서로 다른 빠르기와 악기 색깔로 구분되는 여섯 춤 뒤에는 제13번 「꽃의 왈츠」(「Valse des fleurs」)가 온다. 하프의 도입에 이어 길게 펼쳐지는 왈츠는 개별 방문객의 차례를 넘어 궁전 전체의 군무로 시야를 넓힌다. 여기서 음악은 앞선 춤들을 한 가지 리듬으로 뭉개지 않는다. 짧은 춤들이 각각의 개성을 다 보인 뒤, 더 긴 호흡의 군무가 이를 받아들이는 순서를 만든다. 제14번 「파드되」(「Pas de deux」)는 네 부분으로 구성된다. (a) 안단테 마에스토소, (b) 제1변주 「타란텔라」, (c) 제2변주 「사탕 요정의 춤」(「Danse de la Fée Dragée」), (d) 코다다. 사탕 요정의 첼레스타 선율은 이 파드되의 두 번째 변주에 있으며, 제12번의 여러 나라 춤 가운데 하나가 아니다. 널리 알려진 짧은 곡만 떼어 들으면 사탕 요정이 제2막에 막 등장하는 것처럼 느끼기 쉽지만, 전막에서는 궁전의 환영과 꽃의 왈츠가 끝난 뒤 무용의 중심으로 나선다. 특히 파드되 첫 부분이 길고 느리게 펼쳐지는 까닭에 작은 첼레스타 음향은 더욱 선명한 대비를 이룬다. 제15번 「마지막 왈츠와 아포테오시스」(「Valse finale et Apothéose」)가 잔치를 끝맺는다. 이 결말을 반드시 클라라가 잠에서 깨어나는 장면으로 기억한다면 서로 다른 무대판이 겹쳐진 것이다. 원래 전막의 결말은 과자의 나라에서 클라라를 기리는 축하와 환영의 완성에 놓인다. 후대 제작은 그 이후의 귀환이나 각성을 덧붙이거나 강조하기도 한다. ### 먼저 연주된 Op. 71a, 나중에 만나는 전막 차이콥스키는 전막 초연보다 앞선 1892년 3월 19일 직접 지휘하여 Op. 71a 모음곡을 선보였다. 그해 5월에는 모음곡 총보가 출판되었다. 여덟 곡은 서곡, 제1막 제2번 「행진」, 제2막 제14번의 「사탕 요정의 춤」, 제12번의 「트레팍」·「아라비아 춤」·「중국 춤」·「미를리통의 춤」, 제13번 「꽃의 왈츠」 순서로 놓인다. 따라서 모음곡은 발레의 주요 장면을 사건의 순서대로 줄인 것이 아니다. 클라라가 인형을 구하는 전투도, 숲을 건너는 눈송이의 왈츠도 빠져 있다. 대신 관현악회에서 하나의 곡으로 들을 수 있도록 음색과 박자의 대비를 배열했다. 모음곡 연주회가 취소된 《보예보다》의 자리를 채웠다는 사실은 두 작품의 음악을 혼동하게 만들기도 한다. 《호두까기 인형》 모음곡이 《보예보다》의 악보를 재활용했다는 뜻은 아니다. 또한 전막과 모음곡은 공통된 곡을 연주하더라도 편성까지 언제나 같지는 않다. 전막의 두 대 하프와 네 대 팀파니에 비해 모음곡의 악보에는 하프 한 대와 팀파니 세 대가 지정되어 있다. 모음곡을 들으며 장난감 악기나 무대 밖 눈송이 합창을 기대할 수 없는 까닭은 그 번호들이 애초에 여덟 곡에 포함되지 않았기 때문이다. 모음곡이 먼저 성공하고 전막이 후대에 연말 공연으로 널리 정착한 시간차도 이 작품의 인상에 영향을 주었다. 사탕 요정의 춤이나 꽃의 왈츠는 독립적인 관현악 소품으로도 충분히 생생하다. 그러나 전막에서는 그 곡들이 파티, 전투, 숲을 거쳐 도착한 손님에게 베푸는 환영의 일부다. 같은 음악이 어느 사건 뒤에 놓이는지를 아는 것만으로도 익숙한 선율의 역할이 달라진다. ### 다시 쓰인 무대와 살아 있는 박자 한 편의 발레는 악보가 남아 있다고 해서 1892년의 동작까지 그대로 보존되는 것이 아니다. 초연 안무의 온전한 기록이 전하지 않기 때문에, 지금 공연되는 《호두까기 인형》은 대부분 후대 제작자가 전막의 인물 관계와 춤을 다시 구성한 무대다. 미국에서 전막이 처음 올려진 해는 1944년이고, 윌럼 크리스텐슨이 샌프란시스코 발레에서 제작했다. 조지 밸런신의 1954년 뉴욕시티발레 제작은 이보다 뒤에 나왔으며, 북미의 연말 레퍼토리로 작품을 널리 알리는 데 큰 몫을 했다. 밸런신의 무대에는 뒤에 다른 차이콥스키 작품의 음악이 삽입되기도 했으므로, 그것을 1892년 전막의 고정된 형태로 생각해서는 안 된다. 피터 라이트가 만든 영국 로열 발레와 버밍엄 로열 발레의 판본도 서로 같지 않다. 그는 호프만 이야기의 긴장감을 살리려고 드로셀마이어, 클라라, 왕자의 관계를 새로 엮었다고 설명했다. 버밍엄 판본에서 사탕 요정을 맡았던 무용수 셀린 기튼스는 꽃의 왈츠 뒤 드로셀마이어의 망토를 이용한 변화가 클라라와 요정의 관계를 암시한다고 회상한다. 두 배역을 본래부터 동일한 인물로 정한 1892년 악보의 지시가 아니라, 특정 무대가 만든 해석이다. 기튼스가 말한 파드되의 조용한 걸음과 점차 커지는 움직임은 악보의 느린 첫 부분이 어떻게 무용의 시간을 요구하는지도 보여 준다. 그 시간은 지휘자가 혼자 정할 수 없다. 노스캐롤라이나 예술학교의 2023년 공연 준비 사례에서 무용수는 먼저 녹음에 맞춰 연습한 뒤 생연주에 적응했고, 지휘자는 무대의 움직임을 보며 박자와 악구의 호흡을 조정했다. 이 사례가 모든 공연의 방식을 대표하지는 않는다. 다만 제5번의 놀이, 제9번의 눈송이 군무, 제14번의 느린 파드되처럼 몸의 움직임과 소리가 긴밀히 맞물리는 장면에서, 같은 악보의 시간은 공연마다 조금씩 달라질 수 있음을 구체적으로 설명한다. ### 전막 녹음으로 듣기 무대 없이 음악만 들을 때에는 전막 녹음과 모음곡 음반부터 구별하는 편이 좋다. 안탈 도라티가 미니애폴리스 교향악단과 남긴 1953년 녹음은 이 발레의 초기 전곡 음반 가운데 중요한 사례다. 도라티는 1962년 런던 심포니 오케스트라와 스테레오로 다시 녹음했다. 서로 다른 오케스트라와 녹음 시기의 두 음반을 같은 연주로 취급해서는 안 된다. 특히 뒤의 녹음에서는 「눈송이의 왈츠」 합창과 제1막의 장면 전환까지 포함한 긴 흐름을 들을 수 있다. 전막 음반에서는 익숙한 모음곡의 여덟 곡 사이에 무엇이 놓이는지를 따라가는 것이 유익하다. 제6번의 손님 퇴장 뒤 제7번 전투로 거실이 변하고, 제9번의 숲이 제10번 궁전과 이어지며, 제14번의 긴 파드되가 짧은 사탕 요정 변주를 감싼다. 무대 장치와 안무를 볼 수 없다는 한계는 남지만, 악보가 실제로 어느 사건에 얼마나 많은 시간을 쓰는지는 음반에서 오히려 분명히 들린다. 모음곡의 정교한 한 폭과 전막의 긴 여정은 둘 중 하나를 대신하는 관계가 아니다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, *The Nutcracker*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/The_Nutcracker) - [Tchaikovsky Research, *The Nutcracker (suite)*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/The_Nutcracker_(suite)) - [University of North Carolina School of the Arts, “The Nutcracker: Orchestra and Ballet Collaboration”](https://www.uncsa.edu/news/20231206-nutcracker-orchestra-ballet-collaboration.aspx) - [Peter Wright, interview on the original *Nutcracker* material](https://www.ismeneb.com/ewExternalFiles/Wright%20on%20orig%20Nutcracker%20material%2000%20copy.pdf) - [Pointe, Céline Gittens on the Sugar Plum Fairy](https://pointemagazine.com/celine-gittens-ballet/) - [George Balanchine Foundation, *The Nutcracker* (1954)](https://balanchine.org/balanchine-catalogue/catalogue-of-works/302-the-nutcracker-1954/) - [San Francisco Ballet, History](https://www.sfballet.org/about/history/) - [MusicWeb International, Doráti's ballet recordings](https://www.musicweb-international.com/classrev/2015/June/Tchaikovsky_ballets_ADE019.htm) - [MusicWeb International, Doráti's 1962 recording](https://www.musicweb-international.com/classrev/2022/Jun/Tchaikovsky-nutcracker-4327502.htm) # Romeo and Juliet Fantasy Overture # 정보 # Romeo and Juliet Fantasy Overture ## 개요 - **작품명:** *Romeo and Juliet Fantasy Overture* - **작곡가:** Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) - **작품 성격:** 윌리엄 셰익스피어의 비극에 따른 단악장 환상서곡 - **조성:** B단조 - **판본:** 1869년 제1판, 1870년 제2판, 1880년 제3판. 오늘날에는 제3판을 주로 연주합니다. - **작품 목록 번호:** TH 42 - **악보:** [IMSLP](https://imslp.org/wiki/Romeo_and_Juliet_(overture-fantasia),_TH_42_(Tchaikovsky,_Pyotr)) - **기본 정보:** [Wikipedia](https://en.wikipedia.org/wiki/Romeo_and_Juliet_(Tchaikovsky)) 차이콥스키의 《로미오와 줄리엣 환상서곡》은 셰익스피어의 희곡을 장면 순서대로 들려주는 줄거리 음악이 아니다. 로렌스 신부와 연결된 성가풍 서주, 두 집안의 충돌을 나타내는 빠른 음악, 연인들의 사랑을 담은 두 선율을 단악장 안에서 맞세우고 변형하여 비극의 핵심을 압축한다. 조용한 목관 화음에서 시작한 음악은 난폭한 운동과 넓게 노래하는 선율 사이를 오가다가, 사랑의 음악마저 파국에 휩쓸린 뒤 장송 행진과 단호한 종지에 이른다. 널리 알려진 사랑 주제만 떼어 들으면 감미로운 명곡처럼 느껴지지만, 전곡의 설계는 그 선율이 얼마나 불안정한 세계에 놓여 있는지를 끊임없이 드러낸다. 이 작품을 제대로 이해하려면 세 판본을 구분해야 한다. 차이콥스키는 1869년에 첫 총보를 완성했고, 1870년에는 서주와 발전부를 비롯한 상당 부분을 다시 썼으며, 1880년에는 종결부를 압축하여 오늘날 통용되는 제3판을 만들었다. 제1판에서 제2판으로 넘어갈 때에는 작품의 중심 구조가 바뀌었고, 제3판에서는 이미 확립된 재료가 더 짧고 필연적인 결말을 향하도록 다듬어졌다. 따라서 이 작품은 한 번의 영감으로 완성된 초기 성공작이라기보다, 외부의 날카로운 비평을 받아들이면서도 자기 판단을 잃지 않은 작곡가가 십여 년 동안 완성도를 높인 기록에 가깝다. ## 발라키레프의 제안에서 출발한 작품 1869년 여름 밀리 발라키레프는 차이콥스키에게 셰익스피어의 *로미오와 줄리엣*을 관현악곡의 소재로 권했다. 그의 역할은 제목 하나를 건네는 데 그치지 않았다. 차이콥스키는 그해 10월 28일/11월 9일 편지에서 로렌스 신부를 나타내는 서주, 싸움의 알레그로, 사랑의 제2주제라는 전체 배치가 발라키레프의 계획이라고 밝혔다. E장조의 서주, B단조의 빠른 주부, D♭장조의 사랑 음악이라는 첫 조성 구상도 발라키레프에게서 왔다. 작품을 차이콥스키가 썼다는 사실에는 의문의 여지가 없지만, 그 출발점에는 두 음악가 사이의 구체적인 설계와 비평이 있었다. 차이콥스키는 1869년 10월과 11월에 빠른 속도로 제1판을 완성했다. 그러나 발라키레프는 보내온 주제들을 보고 서슴없이 결점을 지적했다. 그는 첫 서주가 로렌스 신부의 종교적 성격을 충분히 드러내지 못한다고 보았고, 오래된 가톨릭 코랄과 같은 엄숙함을 요구했다. 반면 D♭장조의 사랑 선율은 높이 평가했다. 이 반응은 차이콥스키가 발라키레프의 지시를 그대로 받아 적었다는 뜻이 아니다. 1870년 제2판의 새 서주를 설명하면서 차이콥스키는 리스트풍의 종교 음악을 그대로 만들기보다 ‘정신으로 하늘을 향해 나아가는 고독한 영혼’을 표현하려 했다고 밝혔다. 조언은 개작을 촉발했지만, 최종적인 음악의 성격은 작곡가 자신의 판단으로 정해졌다. 제1판은 1870년 3월 4일/16일 모스크바에서 니콜라이 루빈시테인의 지휘로 초연되었다. 앞의 날짜는 당시 러시아에서 쓰던 구력, 뒤의 날짜는 현재 일반적으로 사용하는 서력이다. 초연 직후 차이콥스키는 이 곡을 자신이 쓴 작품 가운데 가장 낫다고 여겼지만, 두 달 뒤에는 아무런 성공도 얻지 못하고 완전히 주목받지 못했다고 회고했다. 발라키레프와 상트페테르부르크의 동료들은 사랑 음악을 특히 좋아하면서도 시작과 끝, 구조상의 빈틈을 계속 문제 삼았다. 미온적인 초연 반응만이 개작의 원인은 아니었으며, 작곡가 자신도 작품의 좋은 재료와 미흡한 조직 사이의 간격을 알고 있었다. ## 세 판본과 십여 년의 개작 ### 1869년 제1판 제1판은 `Andante non troppo–Allegro giusto`, 448마디로 이루어지며 대개 15–17분이 걸린다. 오늘날의 서주와 다른 E장조 도입부를 사용하고, 발전부에는 긴 푸가토와 여러 주제가 함께 등장하며, 종결부도 최종판과 크게 다르다. 이 총보는 작곡가 생전에 출판되지 않았고, 1950년 차이콥스키 작품전집 제23권에서야 처음 인쇄되었다. 그러므로 ‘1869년 초판’이라는 표현은 작곡 과정의 첫 판본을 뜻할 때에는 가능하지만, 출판된 첫 총보를 뜻하는 말로 쓰면 틀린다. ### 1870년 제2판 차이콥스키는 1870년 여름 스위스에서 대규모 개작을 구상하고, 모스크바로 돌아와 9월에 관현악화를 마쳤다. 그가 발라키레프에게 보낸 9월 6일/18일 편지는 변화의 범위를 명료하게 전한다. 서주는 새로 썼고, 중간부는 거의 전부 새로 만들었으며, D장조로 돌아오는 사랑 주제는 완전히 다시 관현악했다. 현대 출판사의 재료 비교에 따르면 제2판 539마디 가운데 제1판에서 유지한 부분은 197마디이고, 342마디가 새로 쓰였다. 단순한 손질이라기보다 작품의 논리를 다시 세운 재작성이다. 새 서주는 F♯단조의 성가풍 음악으로 바뀌었고, 발전부에서는 사랑 주제를 비워 둔 채 서주의 코랄과 투쟁 재료가 맞부딪치게 되었다. 그 결과 사랑 선율은 재현부에 돌아왔을 때 훨씬 큰 의미를 얻는다. 제2판은 1871년 베를린의 보테 운트 보크에서 처음 출판되었고, 1872년 2월 5일/17일 상트페테르부르크에서 에두아르드 나프라브니크가 처음 연주했다. 간혹 이 판을 ‘1872년판’이라고 부르지만, 1872년은 초연 연도일 뿐이다. 작곡과 개정이 끝난 해를 기준으로 하면 1870년판이 정확하다. ### 1880년 제3판 차이콥스키는 한동안 제2판을 완성작으로 여겼으나, 1880년 8월 카멘카에서 마지막 약 80마디를 다시 검토했다. 전면 개작은 아니었다. 34마디를 새로 쓰고 제2판의 E♭장조 삽화를 없애면서 `Moderato assai`와 코다를 압축해, 539마디였던 작품을 522마디로 줄였다. 이전 결말이 비극 뒤에 오래 머물렀다면, 새 결말은 사랑의 잔향과 장송 리듬을 짧게 응축하고 강한 마지막 화음으로 단절한다. 발라키레프는 일찍부터 그 강한 화음에 반대했지만 차이콥스키는 이를 남겼다. 제3판을 발라키레프의 요구에 뒤늦게 완전히 굴복한 결과로 설명할 수 없는 이유다. 1880년 8월 29일/9월 10일 편지에서 차이콥스키는 출판자 표트르 유르겐손에게 교정한 총보와 네 손 피아노 편곡을 보테 운트 보크로 보내 달라고 부탁했다. 그는 오자를 바로잡고 제목을 ‘서곡’에서 ‘환상서곡’으로 바꾸었으며, 앞선 인쇄본에서 빠진 발라키레프 헌정을 복구했다. 최종판 총보는 1881년에 출판되었다. 현재 확인되는 최초 공연은 1886년 4월 19일/5월 1일 티플리스에서 미하일 이폴리토프이바노프가 지휘한 연주다. 인쇄본이 이미 다섯 해 동안 유통된 뒤였으므로, 더 이른 공연이 전혀 없었다고 단정하기보다 ‘확인되는 최초 공연’이라고 부르는 편이 정확하다. ## 자료와 악보의 전승 ### 출판 정보와 자료 보테 운트 보크는 처음에 1869년 원판을 넘겨받아 출판을 준비했지만, 차이콥스키는 교정 단계에서 개정판으로 교체하지 않으면 출판을 허락하지 않겠다고 했다. 그 결과 1871년에 나온 첫 인쇄 총보는 음악적으로 제2판이다. IMSLP가 이 인쇄본을 ‘1st Version’으로 분류한 것은 첫 출판물이라는 뜻과 음악의 첫 판본을 혼동하기 쉬운 사례다. 1881년 보테 운트 보크의 최종판에는 *Roméo et Juliette: Ouverture-Fantaisie d’après Shakespeare*라는 새 제목과 발라키레프 헌정이 실렸다. 1950년 모스크바에서 나온 차이콥스키 작품전집 제23권은 판본 비교의 중요한 출발점이다. 아나톨리 드로즈도프와 이고리 벨자가 편집한 이 권에는 제1판과 제3판의 전곡이 들어 있지만, 제2판은 460마디 이후의 종결부만 수록한다. 따라서 이 전집 한 권만으로 제2판 전곡을 온전히 비교할 수는 없다. 러시아 국립음악박물관에는 제1판의 자필 총보와 제2판 개작 때 생긴 자필 단편들이 남아 있다. 최신 기관 목록에서 제1판은 `ф. 88, № 62, КП 554`, 제2판의 1–101마디와 273–353마디는 `ф. 88, № 66, КП 555`, 346마디부터 끝까지는 `ф. 88, № 67, КП 555`로 정리되어 있다. 오래된 영문 자료가 제1판 자필 총보를 `№ 65`로 적는 경우가 있으나, 현행 기관 목록 두 곳이 일치하는 `№ 62`를 따르는 것이 안전하다. 1880년 최종 개정 자체를 담은 자필 총보나 교정 원고는 현재 공개된 소장 목록에서 확인되지 않는다. 현행 공연 자료로는 빅토르 예키몹스키가 편집한 벨라예프 총보 BEL 667이 있다. 출판사는 앞선 인쇄본에 남은 인쇄 오류와 작곡가의 표기상 오류를 검토하고 수정 보고서를 덧붙였다고 설명한다. 인쇄 총보는 144쪽이고 공연용 파트는 대여한다. 다만 출판사가 자필 자료 전체에 근거한 원전비평판이라고 표방하지는 않으므로, ‘완전한 우르텍스트’보다 ‘현대 교정 공연판’이라고 부르는 편이 알맞다. ### 소요 시간 오늘날 주로 연주하는 1880년 제3판은 지휘와 음반에 따라 약 18–22분이 걸린다. 제2판도 대체로 20분 안팎이며, 448마디인 제1판은 보통 15–17분으로 더 짧다. 이 차이는 단순히 템포에서 생기지 않는다. 제1판과 제2판의 발전부와 종결부가 서로 다르고, 제3판은 제2판의 마지막 부분을 압축했기 때문이다. ### 편성 - **목관악기:** 피콜로, 플루트 2, 오보에 2, 잉글리시 호른, A조 클라리넷 2, 바순 2 - **금관악기:** F조 호른 4, E조 트럼펫 2, 트롬본 3, 튜바 - **타악기:** 팀파니 3, 심벌즈, 큰북 - **기타:** 하프, 현악 5부 세 판의 기본 편성은 같다. 타악기를 많이 쓰지 않는데도 충돌 장면이 날카롭게 들리는 까닭은 심벌즈를 계속 두껍게 겹치기보다 불규칙한 악센트로 배치하고, 빠른 현악 음형과 금관의 압력을 정면으로 부딪치게 했기 때문이다. 반대로 사랑 음악에서는 잉글리시 호른과 약음 비올라처럼 쉽게 섞이지 않을 듯한 음색을 결합하여, 온기와 거리감이 동시에 느껴지는 소리를 만든다. ## 단악장 안에 압축한 비극 최종판의 빠르기 표시는 `Andante non tanto quasi Moderato–Allegro giusto`다. 전체는 멈추지 않고 이어지며, 악보에 별도의 악장이나 표제 장면이 나뉘어 있지 않다. 다만 음악의 큰 흐름은 느린 서주, 소나타 형식에 가까운 빠른 주부, 비극적 종결부로 들을 수 있다. 러시아 국립예술학연구소의 작품 분석은 서주를 1–111마디, 제시부를 112–272마디, 발전부를 273–352마디, 재현부와 종결부를 353마디 이후로 설명한다. 이 숫자는 공식 구획의 이름이 아니라, 서로 다른 재료가 언제 등장하고 충돌하는지를 추적하는 좌표다. 낮은 클라리넷과 바순이 여는 F♯단조 서주는 정교회의 성가처럼 단선율로 흐르기보다, 서양 교회음악을 떠올리게 하는 화음식 코랄에 가깝다. 발라키레프의 최초 설계에서는 로렌스 신부를 나타내지만, 차이콥스키가 새 서주를 ‘하늘을 향해 나아가는 고독한 영혼’이라고 설명한 만큼 한 인물의 초상으로만 좁힐 필요는 없다. 목관 화음 사이로 높은 선율이 떠오르고, 하프와 현악의 움직임이 조금씩 공간을 넓힌다. 고요한 시작 안에 불안정한 화성과 긴 호흡이 들어 있어, 뒤의 비극은 갑자기 침입하기보다 처음부터 예고된다. 빠른 주부가 시작되면 B단조의 투쟁 재료가 휴식 없이 몰아친다. 날카로운 당김음, 짧게 끊기는 악센트, 급히 달리는 현악과 심벌즈의 충돌이 두 가문의 적대를 만든다. 이 음악은 영웅적인 행진이라기보다 방향을 자주 틀고 서로의 말을 가로막는 집단적 폭력에 가깝다. 이어지는 사랑의 영역은 D♭장조로 멀리 이동한다. 먼저 잉글리시 호른과 약음 비올라가 같은 선율을 겹쳐 부르고, 뒤이어 약음 현악의 화성 위에서 플루트와 오보에가 더 밝은 색으로 이어받는다. 처음부터 현악 전합주로 크게 노래하지 않기 때문에, 사랑은 공적인 선언보다 주변의 폭력에서 잠시 떨어져 나온 사적인 목소리처럼 들린다. 발전부에서는 사랑 주제가 거의 물러나고 서주의 코랄과 투쟁 재료가 서로를 압박한다. 종교적 중재가 싸움을 멈추는 안정된 해답으로 제시되지 않는다는 점이 중요하다. 금관이 코랄을 크게 내놓아도 빠른 리듬은 그 아래와 사이를 파고들며, 두 재료는 하나로 화해하지 못한다. 제1판의 발전부가 여러 주제를 푸가토로 엮었다면, 제2판 이후의 발전부는 사랑을 잠시 침묵시킨 채 중재와 폭력의 대립을 선명하게 했다. 이러한 공백 덕분에 재현부에서 사랑 음악이 돌아올 때에는 단순한 반복이 아니라 잃을 것이 생긴 사람들의 절박한 확장으로 들린다. 재현부의 사랑 주제는 A장조의 넓은 울림 속에서 관현악 전체로 커진다. 그러나 이 절정은 승리가 아니다. 투쟁 재료가 다시 밀려들어 선율의 진행을 끊고, 고조된 감정은 붕괴한다. 이어지는 `Moderato assai`에서는 팀파니가 장송의 걸음을 만들고, 목관이 사랑 주제의 단편을 조용히 회상한다. 1880년판은 이 애도를 길게 설명하지 않는다. 하프와 현의 섬세한 울림이 사라진 뒤, 전곡을 닫는 강한 화음이 죽음의 사실을 돌이킬 수 없게 확정한다. ## 셰익스피어를 옮기는 방식 이 곡의 표제적 근거는 분명하지만, 모든 소리를 희곡의 한 장면과 연결하는 해석은 경계해야 한다. 작곡가의 편지가 직접 확인해 주는 대응은 로렌스 신부의 서주, 두 집안의 싸움, 연인들의 사랑이라는 세 축이다. 특정 심벌즈를 티볼트와 머큐쇼의 결투로, 사랑 주제의 첫 등장을 발코니 장면이나 첫 입맞춤으로 정해 놓은 설명은 음악을 이해하기 쉽게 만들 수 있으나 차이콥스키가 남긴 설계와 동일하지는 않다. 이 작품은 사건의 순서를 재현하기보다, 화해를 바라는 힘과 반복되는 폭력, 그 사이에서 커졌다가 파괴되는 사랑의 관계를 소나타적 충돌로 조직한다. 사랑 선율의 의미는 다른 자료에서도 확인된다. 차이콥스키는 1881년 무렵 같은 비극을 오페라로 만들 생각을 하면서 제3막 5장의 정원 장면을 스케치했고, 앞서 쓴 환상서곡의 사랑 주제를 다시 사용했다. 이 사실은 선율의 사랑 표상이 후대의 관습적인 별칭이 아니라 작곡가 자신의 생각에 뿌리를 두었음을 보여준다. 그렇더라도 환상서곡에서 그 선율이 오직 한 장면만을 묘사한다고 단정할 수는 없다. 오페라가 대화와 행동을 따라갈 수 있는 장르라면, 환상서곡은 몇 개의 음악적 성격을 충돌시켜 희곡 전체의 비극적 압력을 응축하는 장르이기 때문이다. ## 연주에서 드러나는 쟁점 느린 서주는 정지된 종교 음악과 긴 비극의 출발점이라는 두 성격을 함께 지닌다. 지휘자 엘림 챈은 첫머리의 아름답고 갈망하는 높은 선율에도 이미 고뇌가 있으며, 결말의 비극을 처음부터 알고 있는 음악이라고 설명했다. 목관의 화음을 낱낱이 분리하면 문장이 인위적으로 끊기기 쉽지만, 부드러운 한 덩어리로만 만들면 화성의 불안과 높은 선율의 간절함이 사라질 수 있다. 중요한 것은 느린 템포 자체보다 각 화음이 다음 화음을 향하도록 호흡을 유지하는 일이다. 빠른 주부에서는 현의 촘촘한 음형, 금관의 코랄, 심벌즈의 악센트가 한꺼번에 들린다. 음량만 키우면 대립하는 층위가 하나의 소음으로 뭉친다. 심벌즈는 계속 울리는 배경이 아니라 예측하기 어려운 충격으로 남아야 하고, 금관이 코랄을 내놓을 때에도 현의 운동이 멈추지 않아야 한다. 이 두 층을 분리해 들려주어야 발전부의 충돌이 단순한 격렬함을 넘어 구조로 인식된다. 첫 사랑 주제는 뒤의 절정을 미리 소모하지 않는 절제가 필요하다. 잉글리시 호른과 약음 비올라의 결합이 충분히 들리도록 하되, 지나친 늘임과 무거운 진동으로 선율을 멈추지 않는 편이 좋다. 루바토도 한 구절을 아름답게 만드는 데서 끝나지 않는다. 사랑 음악 뒤에 투쟁 재료가 돌아올 때 원래의 추진력을 회복해야 두 세계의 충돌이 선명해진다. 재현부에서는 넓어진 현악의 음향 속에서도 목관의 윗성부와 하프가 묻히지 않아야 하며, 코다는 장송의 침착함과 마지막 화음의 단호함을 모두 지켜야 한다. 판본을 나란히 연주하면 이러한 선택의 배경이 더 잘 들린다. 블라디미르 유롭스키는 2008년 계몽시대 오케스트라와 1869년판 및 1880년판을 한 공연에서 비교했다. 당시 평자는 투명하고 따뜻한 시대악기 음향이 제1판의 고전주의적 골격을 드러냈다고 보았다. 제1판을 최종판보다 못한 미완성품으로만 취급하지 않고, 긴 푸가토와 별도 결말을 지닌 창작 단계로 들으면 차이콥스키가 무엇을 버리고 무엇을 보존했는지가 선명해진다. ## 녹음으로 듣는 판본과 해석 ### 1880년 표준판: 이반 피셔와 부다페스트 페스티벌 오케스트라 이반 피셔가 부다페스트 페스티벌 오케스트라와 2004년에 녹음한 Channel Classics CCSSA 21704는 표준판을 처음 들을 때 균형 잡힌 선택이다. 18분 57초의 연주로, BBC Radio 3의 *Building a Library*에서 2017년 First Choice, 2025년 Recommended Recording으로 선정되었다. 비교 평가는 불길한 서주의 긴 호흡, 싸움 음악의 투명하고 정밀한 움직임, 시를 낭송하듯 유연한 사랑 주제를 강점으로 꼽았다. 모든 대목을 과장하지 않으면서 세 영역의 성격과 전환을 분명히 들려준다는 점에서 작품의 설계를 따라가기 좋다. ### 극적 전통: 레너드 번스타인과 뉴욕 필하모닉 레너드 번스타인이 뉴욕 필하모닉과 1957년 1월 28일에 녹음한 연주는 역사적인 극적 해석을 보여준다. 싸움 음악은 거칠게 전진하고, 사랑 주제에는 유연한 루바토와 포르타멘토가 들어가며, 다시 투쟁으로 넘어갈 때 에너지를 즉시 회복한다. 1957년의 모노 음향과 완전히 매끈하지 않은 합주는 현대 녹음과 비교하면 제약이지만, 사랑의 노래와 집단적 폭력이 번갈아 전면에 나서며 긴장을 높이는 과정을 강렬하게 전달한다. 같은 지휘자의 후대 녹음들과 구분하여 이 첫 세션을 찾는 편이 좋다. ### 1869년 원판: 블라디미르 유롭스키와 러시아 내셔널 오케스트라 제1판은 유롭스키와 러시아 내셔널 오케스트라가 2007년에 녹음한 Pentatone PTC 5186 330으로 비교할 수 있다. 2008년에 발매된 이 음반은 1869년 원판임을 명시하며, 현대적인 음질로 다른 서주와 긴 푸가토, 폐기된 결말을 들려준다. 다만 현재 상업화된 제1판 녹음들은 1950년 소련 작품전집을 바탕으로 하며 자필 총보의 지시를 모두 반영하지 못했다는 지적이 있다. 따라서 이 연주를 ‘자필보를 완전히 복원한 결정판’이라고 소개해서는 안 된다. 알려진 최초의 제1판 상업 녹음은 제프리 사이먼과 런던 심포니가 1981년에 남긴 16분 27초의 연주다. 1870년 제2판은 접근하기가 훨씬 어렵다. 현재 확인된 실제 관현악 녹음은 발두르 브뢰니만과 BBC 스코티시 심포니 오케스트라가 2007년 2월 14일 BBC Radio 3을 위해 제작한 방송물뿐이며, 상업 발매는 확인되지 않는다. Tchaikovsky Research에 공개된 제2판 비교 음원은 악보 프로그램과 가상 악기로 만든 재현이므로 이 BBC 연주나 상업 음반으로 오인하지 않아야 한다. ## 자료 ### 주요 자료 - [러시아 국립예술학연구소 차이콥스키 백과사전: 《로미오와 줄리엣》](https://tchaikovsky.sias.ru/articles/musical-compositions/symphonic-compositions/overtures-fantasies-and-other-compositions-for-orchestra/romeo-i-dzhuletta-uvertyura-po-odnoimennoy-tragedii-u-shekspira/) - [Tchaikovsky Research: *Romeo and Juliet*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Romeo_and_Juliet) - [Tchaikovsky Research: 1870년 9월 6일/18일 편지 205](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_205) - [Tchaikovsky Research: 1880년 8월 29일/9월 10일 편지 1573](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_1573) - [Tchaikovsky Research: 미완성 오페라 *Romeo and Juliet*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Romeo_and_Juliet_(projected_opera)) - [Schott MusicㆍBelaieff: 빅토르 예키몹스키 편집 제3판](https://www.schott-music.com/de/romeo-und-julia-noc228326.html) - [Boston Symphony Orchestra: Harlow Robinson 작품 해설](https://www.bso.org/works/romeo-and-juliet-overture-fantasy-after-shakespeare) - [Los Angeles Philharmonic: Hugh Macdonald 작품 해설](https://www.laphil.com/works/romeo-and-juliet-fantasy-overture-complete) - [Indianapolis Symphony Orchestra: Marianne Williams Tobias 작품 해설](https://www.indianapolissymphony.org/backstage/program-notes/tchaikovsky-romeo-and-juliet/) - [Tchaikovsky Research: *Tchaikovsky on Disc*, 2025년 9월판](https://www.tchaikovsky-research.net/files/tchaikovskydisc-2025-09.pdf) - [BBC Music Magazine: 주요 녹음 비교](https://www.classical-music.com/features/recordings/tchaikovsky-romeo-and-juliet) - [Pentatone: Vladimir JurowskiㆍRussian National Orchestra](https://www.pentatonemusic.com/product/tchaikovsky-hamlet-romeo-and-juliet/) - [Presto Music: Iván FischerㆍBudapest Festival Orchestra](https://www.prestomusic.com/classical/products/7934304--tchaikovsky-symphony-no-4) # Francesca da Rimini, Op. 32 # 정보 ## 개요 **곡명:** *Francesca da Rimini*, Op. 32 (TH 46; ČW 43; IPT 39) **작곡가:** Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **작곡 시기:** 1876년 10–11월, Moscow **초연:** 1877년 2월 25일(구력, 신력 3월 9일) Moscow의 Russian Musical Society 제10회 교향악 콘서트에서 Nikolay Rubinstein이 지휘했다. **장르:** Dante의 *Divine Comedy* 중 *Inferno* 제5곡을 바탕으로 한 관현악 환상곡 **범위:** E단조, 한 악장, 698마디 **헌정:** Sergey Taneyev [IMSLP 작품 정보](https://imslp.org/wiki/Francesca_da_Rimini%2C_Op.32_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr_Ilyich%29) [Wikipedia 작품 개요](https://en.wikipedia.org/wiki/Francesca_da_Rimini_%28Tchaikovsky%29) Pyotr Ilyich Tchaikovsky의 *Francesca da Rimini*, Op. 32는 Dante의 지옥 제2원에서 영원한 폭풍에 휩쓸리는 두 연인의 이야기를 그린 E단조 관현악 환상곡이다. 한 악장 안에서 *Andante lugubre*가 Dante와 Virgil의 진입과 지옥의 기운을 열고, *Allegro vivo*의 폭풍과 *Andante cantabile*의 Francesca 회상이 교차한 뒤 폭풍이 돌아온다. 이 흐름은 698마디의 연속 구조로 진행되며, 악장 수는 하나로 유지된다. ### 출판 정보와 자료 - Tchaikovsky Research는 자필 총보와 작품의 초판을 Op. 32, TH 46, ČW 43으로 식별한다. 자필 총보는 Russian National Museum of Music, Moscow의 소장 기록으로 정리되어 있다. - Pyotr Jurgenson은 1877–78년에 피아노 4손판, 두 손 피아노판, 관현악 파트, 총보를 차례로 출판했다. IMSLP는 총보와 30개 파트, Klindworth 편곡을 서로 다른 항목으로 구분한다. - Schott의 현대 판매판 BEL 668은 과거 판본과 인쇄 오류에 관한 편집 주석을 포함한다. 이 판은 Jurgenson 초판과 구분되는 후대 출판물이다. ### 소요 시간 전곡은 약 24–25분이다. IMSLP는 평균 24분, Tchaikovsky Research와 Los Angeles Philharmonic은 약 25분으로 제시한다. 녹음의 템포와 구간 표기에 따라 24분대 후반까지 차이가 난다. ### 편성 - **목관:** 피콜로, 플루트 3(제3주자는 피콜로 겸용), 오보에 2, 잉글리시 호른, 클라리넷 2, 바순 2 - **금관:** 호른 4, 코넷 2, 트럼펫 2, 트롬본 3, 튜바 - **타악:** 팀파니, 심벌즈, 큰북, 탐탐 - **건반·하프:** 하프 - **현악:** 제1·제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스 IMSLP는 팀파니를 세 대로 적지만, Boston Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Schott의 편성표는 대수를 특정하지 않는다. 기관 편성표가 공통으로 제시하는 기본 목록에는 팀파니만 적히며, 세 대라는 수치는 IMSLP의 별도 표기다. ### Dante의 제2원과 자필 프로그램 Dante의 *Inferno* 제5곡에서 Dante와 Virgil은 육욕의 죄를 지은 영혼들이 폭풍에 떠밀리는 지옥의 제2원에 들어간다. 그곳에서 Francesca는 Paolo와의 사랑, 강제로 맺어진 결혼, 두 사람이 Lancelot 이야기를 함께 읽다가 입맞춤에 이른 순간, 남편에게 살해된 뒤 다시 폭풍으로 돌아간 과정을 말한다. Dante는 이 이야기에 압도되어 마지막에 쓰러진다. Tchaikovsky가 자필 총보 첫머리에 적은 프로그램은 이 장면을 관현악의 진행과 연결한다. 초연 프로그램에는 상세한 서사가 실렸지만, 출판된 총보에는 전문 대신 몇 줄과 Dante 시의 짧은 인용만 남았다. 따라서 문학적 줄거리와 실제 악보에 인쇄된 텍스트의 범위는 서로 구분된다. ### 기차에서 떠오른 구상과 작곡 1876년 7월 27일/8월 8일 Paris에서 Modest Tchaikovsky에게 보낸 편지에서 Tchaikovsky는 기차에서 Francesca의 이야기를 읽고 교향시를 쓰고 싶어졌다고 적었다. 편지에는 *Inferno* 제4곡이라고 적혔지만, 해당 장면은 제5곡이며 Tchaikovsky Research의 주석이 이 번호를 바로잡는다. 같은 해 여름 Bayreuth에서 Wagner의 *Ring* 전곡을 경험한 뒤, Tchaikovsky는 10–11월 Moscow에서 작품을 완성하고 관현악화했다. English Symphony Orchestra와 New Jersey Symphony의 프로그램은 Tchaikovsky가 Wagner의 영향이 작품에 남았다는 사실을 스스로 인정한 편지를 인용한다. 이 자료는 시대적 경험과 작곡가의 자기 인식을 보여 주지만, 특정 주제나 화음을 Wagner에게서 직접 빌렸다는 증거로 확대되지는 않는다. 1876년 10월 14일/26일 Moscow에서 Modest에게 보낸 편지에서 Tchaikovsky는 새 환상을 막 끝냈고 사랑을 담아 썼다고 알렸다. 동시에 폭풍 부분은 Gustave Doré의 그림에 어울리게 만들고 싶었지만 뜻대로 되지 않았으며, 관현악화와 실제 연주 전에는 작품을 정확히 판단할 수 없다고 덧붙였다. 이 편지는 초고 완성과 전체 총보 완성이 서로 다른 시점이었음을 보여 주는 작곡가 자신의 기록이다. ### 초연과 Jurgenson 출판 Tchaikovsky Research와 IMSLP는 초연을 1877년 2월 25일 구력, 3월 9일 신력으로 병기한다. Moscow Russian Musical Society 제10회 교향악 콘서트에서 Nikolay Rubinstein이 지휘했으며, 초기 기록은 공연이 큰 성공을 거두었다고 전한다. 1878년 Saint Petersburg 공연과 Warsaw, Berlin, New York의 초기 연주가 뒤따르면서 작품의 초기 공연 범위가 넓어졌다. Jurgenson의 출판은 연주 매체에 따라 순서가 달랐다. 1877년 10월에는 Karl Klindworth의 피아노 4손판, 11월에는 두 손 피아노판이 나왔고, 1878년 1월에 관현악 파트, 2월에 총보가 출판되었다. 자필 총보의 소장처는 Russian National Museum of Music, Moscow로 Tchaikovsky Research가 기록하며, 해당 문화유산 카탈로그는 소장 번호를 ф. 88, No. 72로 제시한다. ### 단악장 안의 프로그램 흐름 작품은 한 악장이지만, NJSO 프로그램은 세 중심부로, Chandos 녹음은 네 트랙 구간으로 나누어 설명한다. 아래 구분은 *Andante lugubre*와 *Allegro vivo*의 연속 진행, 중앙의 *Andante cantabile*, 마지막 폭풍의 귀환을 따라가는 내부 흐름의 설명이다. #### 도입과 지옥의 입구 · *Andante lugubre* 어두운 도입은 Dante와 Virgil이 제2원으로 내려가는 장면과 저주받은 영혼들의 울음을 관현악으로 제시한다. LA Phil의 John Henken은 하강하는 한숨 모양 선율과 어두운 행진을 이 부분의 핵심 재료로 설명한다. 도입은 곧 빠른 폭풍으로 넘어갈 음향적 긴장을 마련한다. #### 폭풍 속의 영혼 · *Allegro vivo* 빠른 구간에서 현악의 지속적인 움직임과 금관·타악의 충격이 영혼들을 휩쓰는 바람을 만든다. New Jersey Symphony 프로그램은 삼전음과 감7화음이 지하세계의 불안을 강조한다고 해설하면서, 이 화음들을 작품 전체의 단일 원리로 규정하지 않고 폭풍 장면의 불안정성을 설명하는 요소로 제시한다. #### Francesca의 이야기 · *Andante cantabile* 폭풍이 가라앉으면 클라리넷이 Francesca의 선율을 시작하고, 현악이 긴 선율로 그 기억을 확장한다. Paolo와 Lancelot 이야기를 함께 읽던 순간은 사랑의 서정으로 나타나며, NJSO 프로그램은 이 부분을 Francesca의 심리적 초상으로 부른다. LA Phil 해설은 현악이 단조에서 장조로 이동하며 사랑의 절정을 높인다고 설명한다. #### 살해와 폭풍의 귀환 · *Allegro vivo* 사랑의 절정은 갑작스러운 타격으로 끊기고, 폭풍이 처음의 속도로 돌아온다. LA Phil은 살해 장면 뒤에 반복 화음이 이어지고 마지막에 열 번의 망치질 같은 화음이 남는다고 설명한다. 이 종결은 자필 프로그램에 적힌 영원한 폭풍의 형벌로 돌아간다. ### 작곡가의 후기 자기평가 1882년 11월 12일/24일 Kamenka에서 Mily Balakirev에게 보낸 편지에서 Tchaikovsky는 *Francesca*와 *The Tempest*를 자신의 정점으로 보지 않는다고 밝혔다. 그는 첫 부분의 관현악 소란이 Dante가 묘사한 폭풍의 장엄함에 미치지 못하고, 중간부의 지나치게 세련된 화음이 텍스트의 단순성과 힘에 맞지 않는다고 스스로 비평했다. 이 자기평가는 1877년 초연의 성공과 작품이 생전에 유명해졌다는 기록과 나란히 놓인다. Tchaikovsky Research는 *Francesca*가 *The Tempest*와 함께 러시아 고전음악의 널리 알려진 작품이 되었고 Belyayev 상을 받았다고 정리한다. 작곡가의 후기 자기비평과 동시대·후대의 수용은 서로 다른 자료 범주로 남아 있다. ### 녹음과 레퍼토리 기록 - Neeme Järvi와 Detroit Symphony Orchestra의 Chandos CHAN 9419는 1995년 Detroit에서 녹음되어 1996년 발매되었고, 작품 시간은 24분 58초다. 녹음 트랙은 *Andante lugubre*, *Allegro vivo*, *Andante cantabile non troppo*, 마지막 *Allegro vivo*의 네 구간으로 나뉜다. - Maurice Abravanel과 Utah Symphony의 Vox 녹음은 원래 1974년에 발매되었으며, Naxos/Vox VOX-NX-3021CD의 2023년 재발매 항목에서 24분 52초로 제시된다. - Semyon Bychkov와 Czech Philharmonic의 Decca *The Tchaikovsky Project*는 2019년 발매된 7CD 기획으로, *Francesca da Rimini*를 *Romeo & Juliet*와 다른 관현악 작품들과 함께 수록한다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, Francesca da Rimini 작품 페이지](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Francesca_da_Rimini) - [Tchaikovsky Research, Letter 488](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_488) - [Tchaikovsky Research, Letter 505](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_505) - [Tchaikovsky Research, Letter 2158](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_2158) - [Boston Symphony Orchestra, Tchaikovsky, Francesca da Rimini](https://production.bso.org/works/tchaikovsky-francesca-da-rimini) - [Los Angeles Philharmonic, Francesca da Rimini, Op. 32](https://www.laphil.com/works/francesca-da-rimini-op-32) - [Schott Music, Francesca da Rimini BEL 668](https://www.schott-music.com/en/francesca-da-rimini-no228327.html) - [New Jersey Symphony, Laurie Shulman 프로그램 PDF](https://www.njsymphony.org/assets/doc/S9-Zhang-Conducts-Tchaikovsky-online-extended-notes-b0b93bdb93.pdf) - [English Symphony Orchestra, Francesca da Rimini 프로그램 PDF](https://static1.squarespace.com/static/6056f97aac8d20295122d1db/t/6283e8490908b712ef67f3d4/1652811851573/ESO20220326_Programme_R2.pdf) - [Chandos CHAN 9419, Neeme Järvi·Detroit Symphony Orchestra](https://www.chandos.net/products/catalogue/CHAN%209419) - [Naxos/Vox VOX-NX-3021CD, Maurice Abravanel·Utah Symphony](https://www.naxos.com/CatalogueDetail/?id=VOX-NX-3021CD) - [Decca, The Tchaikovsky Project](https://www.deccaclassics.com/en/catalogue/products/the-tchaikovsky-project-semyon-bychkov-10992) - [Tchaikovsky Research, Tchaikovsky on Disc](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Discography) # 1812 Overture, Op. 49 # 정보 # 1812 Overture, Op. 49 ## 개요 **곡명:** *1812 Overture* (공식 표제 계열 *The Year 1812*, *The Year 1812, Festival Overture*), Op. 49 **작곡가:** Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **작곡:** 1880년 9월–11월 19일 **초연:** 1882년 8월 20일, 모스크바 전러시아 예술·산업 박람회 홀, Ippolit Altani 지휘 **장르:** 단악장 축전 서곡 **작품 범위:** E♭장조 `Largo–Allegro giusto` 전곡(선택적 군악대·종·포성 파트 포함) **기준판:** 1882년 Pyotr Jurgenson 초판과 Tchaikovsky Research·IMSLP의 원고·판본 주석을 대조한다. **전곡 소요 시간:** 약 15–20분(템포와 종·포성 처리에 따라 달라짐) **주요 자료:** [Tchaikovsky Research 작품 기록](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/1812_Overture), [LA Phil 작품 안내](https://www.laphil.com/works/1812-overture) Pyotr Ilyich Tchaikovsky의 *1812 Overture*는 나폴레옹의 1812년 러시아 원정과 패배를 기념하는 단악장 축전 서곡이다. 이 글은 428마디 전곡을 다루며, 러시아 승전 기도에서 출발해 `La Marseillaise`, 차이콥스키 자신의 오페라 선율, 러시아 민요를 거쳐 `God Save the Tsar`와 종·포성의 코다로 나아가는 흐름을 살핀다. 이 선율들은 전투의 시간표를 그대로 복사하기보다 1880년대의 국가 의례와 역사 기억을 한 번에 울리는 표지로 기능한다. ### 의뢰와 작곡 Nikolay Rubinstein은 1881년 모스크바 전러시아 예술·산업 박람회 개막을 위한 작품을 차이콥스키에게 의뢰했다. 예수 구세주 대성당 봉헌과 1812년 승전 기념이라는 두 의례적 맥락이 겹쳤고, 박람회는 1881년 알렉산드르 2세 암살 뒤 1882년으로 연기되었다. 따라서 대성당은 작품의 기념 배경이고, 초연 장소는 박람회장 안의 연주홀이다. 차이콥스키는 1880년 9월부터 11월까지 작곡과 관현악을 진행했으며, 자필 총보에 11월 19일의 완성 날짜를 남겼다. 작품은 `Largo–Allegro giusto`로 이어지는 한 악장이고, 초판의 긴 부제는 구세주 성당 봉헌을 위한 대규모 관현악 축전 서곡이라는 목적을 드러낸다. ### 초연과 초기 연주 공식 초연은 1882년 8월 20일 모스크바 전러시아 예술·산업 박람회 홀의 제6회 교향악 연주회에서 Ippolit Altani 지휘로 열렸다. Ozerki(7월 20일)와 Pavlovsk(8월 12일)에서 선행 연주가 있었으므로, 최초 공개 연주와 공식 박람회 초연을 구분한다. 베를린·상트페테르부르크·프라하·런던 등으로 곧 레퍼토리가 확장되었고, 차이콥스키는 생전에 이 작품을 적어도 13회 직접 지휘했다. ### 한 악장의 선율 지도 #### 1. 기도와 정적 — 마디 1–36 낮은 현과 목관이 러시아 정교회 기도 `Lord, preserve thy people`을 제시한다. 이 선율은 마디 358–379에서 다시 돌아오며, 처음에는 위기 앞의 공동체적 호흡으로, 후반에는 금관·종·타악이 더해진 승전 의식의 틀로 들린다. #### 2. 프랑스 표지와 추진 — 마디 37–149 리듬과 금관의 밀도가 커지고 `La Marseillaise`가 마디 119와 149에 나타난다. 프랑스 국가가 단순한 적군의 배경음이 아니라 러시아 쪽 기도·행진과 맞부딪히는 음향 표지로 들어온다. #### 3. 충돌과 중앙 서정 — 마디 150–229 차이콥스키 자신의 오페라 *The Voyevoda*에서 온 선율이 마디 164에, 러시아 민요 `By the Gates`가 마디 207에 등장하고 `La Marseillaise`가 229에서 돌아온다. 서로 다른 출처의 선율이 한 공간에서 밀고 당기며, 전투의 세부보다 역사적 기억의 층을 만든다. #### 4. 재점화와 코다 — 마디 230–428 프랑스 국가는 마디 267과 307에서 다시 나타나고, 러시아 쪽 선율과 행진 리듬이 응답한다. 마디 358 이후 도입 기도가 돌아온 뒤 388–398마디에 1833년 러시아 제국 국가 `God Save the Tsar`가 놓인다. 1812년 당시에는 이 국가가 존재하지 않았으므로, 코다는 전장의 실제 음향이 아니라 1880년대 국가 의례의 표지다. ### 인용 선율의 시간 차이 | 선율 | 작품의 출처·기능 | 주요 마디 | |---|---|---:| | `Lord, preserve thy people` | 러시아 승전 기도. 도입과 후반 재현을 연결한다. | 1–36, 358–379 | | `La Marseillaise` | 프랑스 국가. 반복되는 침입·충돌의 표지다. | 119, 149, 229, 267, 307 | | *The Voyevoda*의 마리아·올료나 이중창 | 차이콥스키 자신의 오페라에서 온 중앙 서정 주제다. | 164, 278 | | `By the Gates` | 차이콥스키가 1868년 편곡한 러시아 민요다. | 207, 299 | | `God Save the Tsar` | 1833년 Aleksey Lvov가 작곡한 러시아 제국 국가다. | 388–398 | ### 편성 | 악기군 | 원전 편성·주석 | |---|---| | 목관 | 피콜로, 플루트 2, 오보에 2, 잉글리시 호른, B♭ 클라리넷 2, 바순 2 | | 금관 | F 호른 4, B♭ 코넷 2, E♭ 트럼펫 2, 트롬본 3, 튜바 | | 타악 | 팀파니 3, 트라이앵글, 탬버린, 작은북, 심벌즈, 큰북, 종, `Bombardone`/포성 역할 | | 현악 | 제1·제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스 | | 선택 파트 | 코다의 군악대(`military band ad libitum`) | 원고는 큰 종을 같은 음으로 축하 방식으로 치라고 적고, 1882년 Jurgenson에게 보낸 편지는 `Bombardone`을 큰 매단북을 `gran cassa`처럼 치는 극장용 모사 악기로 설명한다. 실제 대포와 교회 종을 사용하는 후대 공연·녹음은 강한 공간 효과를 만들지만, 작곡가의 원래 지시와 동일한 필수 악기는 아니다. ### 출판과 판본 Pyotr Jurgenson은 1882년 5월 모스크바에서 총보·관현악 파트와 피아노 2손·4손 편곡을 출판했다. IMSLP는 관현악 총보 초판을 75쪽, 판번호 4592로 기록한다. 피아노 편곡의 작성자가 자필·서신으로 확인되지 않으므로 차이콥스키가 직접 편곡했다고 단정하지 않는다. 1961년 소비에트 전집(편집 Aleksandr Nikolayev)은 코다의 `God Save the Tsar`를 다른 음악으로 바꾸고 원래 국가를 부록에 두었다. 이 판본은 정치적 맥락에 따른 편집 선택이며, 1882년 Jurgenson 초판과 같은 텍스트가 아니다. 공연이나 음반을 인용할 때 사용할 총보와 코다의 선율을 먼저 확인한다. ### 소요 시간 Tchaikovsky Research는 작품을 약 15–20분, IMSLP는 평균 15분으로 안내한다. Antal Doráti와 Detroit Symphony Orchestra의 1978년 Decca 녹음은 16분 19초로 표시된다. 실제 대포·군악대·종의 사용, 템포와 잔향이 시간과 인상을 바꾸므로 15–20분을 작품의 범위로 제시한다. ### 주요 레코딩 - **Antal Doráti · Minneapolis Symphony:** Mercury의 1954년 모노와 1958년 스테레오. 두 버전 모두 제작 노트에 실제 대포·종·군악대가 언급되며, 후대 ‘대포 녹음’ 전통의 대표 사례다. - **Antal Doráti · Detroit Symphony Orchestra:** 1978년 4월 10일 Detroit United Artists Auditorium 녹음, 16:19. 효과음의 유무보다 도입 기도와 코다 국가·금관의 타이밍을 비교하기 좋은 자료다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research — *The Year 1812*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/1812_Overture) 및 [작곡·초연 기록](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/1812_Overture): 작곡 날짜, 마디별 선율, `Bombardone`, 초연. - [LA Philharmonic 작품 해설](https://www.laphil.com/works/1812-overture) 및 [러시아 차이콥스키 백과사전](https://tchaikovsky.sias.ru/articles/musical-compositions/symphonic-compositions/overtures-fantasies-and-other-compositions-for-orchestra/1812-god/): 박람회장 초연과 기념 맥락. - [IMSLP 판본·악보](https://imslp.org/wiki/1812_Overture%2C_Op.49_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr%29): Jurgenson 초판과 편성. - [Deutsche Grammophon Doráti](https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/tchaikovsky-1812-dorati-3498), [Universal Music Japan](https://www.universal-music.co.jp/p/478-9757/), [Presto Music Doráti 1978](https://www.prestomusic.com/classical/products/8050177--tchaikovsky-1812): 대표 녹음과 실제 포성·트랙 시간. # Capriccio italien, Op. 45 # 정보 # 표트르 일리치 차이콥스키, 《Capriccio italien》 ## 개요 - 작곡가: 표트르 일리치 차이콥스키(Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840–1893) - 작품명: 《Capriccio italien》, Op. 45 (TH 47, ČW 44) - 장르: 관현악 카프리치오 - 조성·구성: A장조, 633마디의 단악장 - 작곡: 1880년 1–2월 로마에서 스케치, 5월 카멘카에서 관현악화 - 내부 템포: `Andante un poco rubato` – `Pochissimo più mosso` – `Allegro moderato` - 초연: 1880년 12월 18일, 모스크바 러시아 음악협회 제7회 연주회, 니콜라이 루빈스타인 지휘 - 헌정: `À Monsieur Charles Davidoff` (카를 다비도프) IMSLP: Wikipedia: 《Capriccio italien》은 여러 악장을 가진 모음곡이 아니라, 로마 체류에서 얻은 민요·거리 음악의 인상과 관현악적 색채를 한 호흡으로 묶은 A장조 단악장 카프리치오다. `Andante un poco rubato`의 신호와 느린 선율에서 출발해 `Pochissimo più mosso`의 노래풍 에피소드를 거치고, `Allegro moderato`의 타란텔라로 질주한다. 템포와 소재가 바뀌어도 모두 하나의 633마디 악장 안에서 이어진다. ### 작곡 과정과 제목 차이콥스키는 1880년 1–2월 로마에서 작품의 스케치를 시작하고, 5월 카멘카에서 관현악화를 진행했다. 1월의 편지에서 세르게이 타네예프에게 이탈리아 민요를 바탕으로 한 작품을 구상한다고 알렸고, 나데즈다 폰 메크에게는 민요집에서 고른 곡과 거리에서 들은 선율을 함께 쓰겠다고 설명했다. 그는 미하일 글린카의 스페인 환상곡처럼 민속적 재료를 화려한 관현악으로 확장하는 모델도 염두에 두었다. 초기 구상에서 제목은 `Italian Fantasia`로 불렸다. 5월 16/28일 차이콥스키가 출판업자 표트르 유르겐손에게 보낸 편지에서 `Capriccio`라는 명칭이 처음 나타나며, 이후 이 제목이 정착했다. 따라서 로마에서 작품 전체를 완성했다기보다, 로마에서 스케치한 재료를 귀국 뒤 카멘카에서 관현악 총보로 다듬었다고 정리하는 편이 정확하다. ### 출판 정보와 자료 차이콥스키는 1880년 6월 3일 유르겐손에게 총보와 편곡을 보냈다. 피아노 네 손판은 9월에, 총보와 관현악 파트는 11월에 나왔으며, IMSLP는 모스크바 P. 유르겐손의 초판 총보를 97쪽, 판번호 4056으로 식별한다. 이후의 피아노 편곡과 1961년 알렉산드르 니콜라예프 편집 《차이콥스키 전집》 제25권은 이 초판과 구별되는 자료 계보에 속한다. 총보 자필과 피아노 네 손 편곡 자필은 모스크바 러시아 국립 음악박물관에 보존되어 있다. 자필 자료의 소장 정보와 현대 편집판의 서지는 작품의 작곡·출판 경로를 보완하지만, 서로 다른 판본의 마디 표기를 하나의 판본처럼 합치지는 않는다. ### 헌정 초판의 헌정 문구 `À Monsieur Charles Davidoff`가 가리키는 인물은 첼리스트·작곡가·지휘자이자 상트페테르부르크 음악원장이었던 카를 다비도프(Karl Davydov)다. 그는 모스크바 초연을 지휘한 니콜라이 루빈스타인과 다른 인물이며, 헌정과 초연의 역할을 혼동해서는 안 된다. ### 소요 시간 Tchaikovsky Research는 실제 공연 시간을 약 15–20분으로 제시한다. Nashville Symphony와 New Jersey Symphony는 약 15분, IMSLP는 평균 16분으로 안내하며, MusicBrainz의 16:00 표기는 특정 녹음의 메타데이터다. 도입부의 폭과 중간 주제의 반복, 마지막 타란텔라의 속도에 따라 차이가 생기므로 작품의 예상 시간은 약 15–20분으로 보는 것이 안전하다. ### 편성 - 목관: 플루트 3(제3주자는 피콜로 겸함), 오보에 2, 잉글리시 호른, A 클라리넷 2, 바순 2 - 금관: F 호른 4, A 코넷 2, E 트럼펫 2, 트롬본 3, 튜바 - 타악기: 팀파니 3, 트라이앵글, 탬버린, 심벌즈, 큰북, 글로켄슈필 - 하프: 1대 - 현악: 제1·제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스 위 목록은 Tchaikovsky Research와 IMSLP의 세부 악보 목록을 따른다. 기관 프로그램 노트에 따라 글로켄슈필을 `chimes`로, 트럼펫과 코넷의 조성을 생략해 적는 경우도 있지만, 여기서는 원자료가 식별한 악기와 조성을 우선한다. ### 단악장 내부 구성 #### `Andante un poco rubato` 곡은 금관의 짧고 강한 신호로 시작한 뒤 현악의 느리고 넓은 선율로 물러난다. 시작 팡파르를 로마 숙소 근처에서 들은 기병대 병영의 신호와 연결하는 이야기는 모데스트 차이콥스키의 전기와 후대 프로그램 노트에서 전해진다. 작곡가가 남긴 직접 주석이라기보다 가족 전기와 수용의 설명이므로, 작품의 확정된 표제라기보다 도입부의 배경으로 다루는 것이 적절하다. #### `Pochissimo più mosso` 오보에와 다른 목관이 노래하듯 움직이는 선율을 내놓으면 바이올린과 플루트가 더 빠른 윤곽으로 응답한다. Houston Symphony의 청취 안내는 이 흐름을 탬버린을 동반한 춤과 느린 주제의 회귀까지 이어지는 연속된 장면으로 설명한다. New Jersey Symphony는 팡파르 뒤에 나타난 주요 주제들이 되돌아올 때 관현악 배경이 달라진다고 해설한다. 이는 각각의 악장이 따로 놓였다는 뜻이 아니라, 한 악장 안에서 음색과 속도가 재배치되는 방식이다. #### `Allegro moderato` 291마디부터의 타란텔라는 Tchaikovsky Research가 이탈리아 민요 `Ciccuzza`에 바탕을 둔 부분으로 특정한다. 탬버린·트라이앵글·심벌즈·큰북이 춤의 박동을 두껍게 하고, 글로켄슈필과 하프가 밝은 윤곽을 보태며, 금관과 현악이 빠른 움직임을 함께 밀어붙인다. 앞서 제시된 선율들이 종결부의 속도와 새로운 음향 배경 속에서 다시 결합한다는 해석은 프로그램 노트에 근거한다. `Ciccuzza`는 확인된 구체적 출처이지만, 차이콥스키가 언급한 모든 민요와 거리 선율의 이름이 밝혀졌다는 뜻은 아니다. ### 민요와 로마의 거리 이미지 차이콥스키의 편지는 민요집의 곡과 거리에서 들은 음악을 함께 사용하겠다는 창작 계획을 보여 준다. Houston Symphony와 Nashville Symphony는 이를 1879–80년 겨울 로마 카니발, Via del Corso의 군중과 연결해 읽는다. 이러한 카니발 장면은 공연 해설이 제공하는 수용의 틀이며, 작품이 특정 행렬의 소리를 그대로 채록한 민속 자료라는 의미는 아니다. 군악 신호, 현악의 노래풍 선율, 목관의 가벼운 에피소드, 타란텔라의 타악 리듬은 서로 다른 거리감을 가진 재료처럼 들리지만, 차이콥스키는 이를 단악장 안의 템포 전환과 관현악 배치로 묶는다. 이 곡의 이탈리아성은 특정 선율 목록만이 아니라, 외부의 금관 신호에서 노래와 춤으로 이동하는 음향의 설계에도 놓여 있다. ### 초연과 초기 공연 1880년 12월 18일 모스크바 러시아 음악협회 제7회 연주회에서 니콜라이 루빈스타인이 초연을 지휘했다. 자료에 따라 러시아 구력으로 `6/18 December`라고 병기하지만, 신력 날짜인 12월 18일과 모스크바·루빈스타인이라는 핵심 정보는 일치한다. Houston Symphony는 초연 뒤 같은 달 요청에 따른 재연주가 있었다고 전하지만, 그 재연의 정확한 날짜와 규모까지 확정하지는 않는다. 상트페테르부르크에서는 1880년 12월 26일(신력 1881년 1월 7일) 마리인스키 극장에서 에두아르트 나프라브니크가 지휘했다. 이어 1882년 리가의 율리우스 루타르트, 1885년 런던 크리스털 팰리스의 오거스트 만스, 1886년 뉴욕의 월터 담로시, 1888년 함부르크 공연이 기록되어 있다. 1892년 바르샤바에서는 차이콥스키 자신이 지휘했다. 이 목록은 초기 확산의 주요 사례이지 이후 모든 연주를 망라한 통계는 아니다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, *Italian Capriccio*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Italian_Capriccio) - [IMSLP, *Italian Capriccio, Op.45*](https://imslp.org/wiki/Italian_Capriccio,_Op.45_(Tchaikovsky,_Pyotr)) - [Houston Symphony, *Roman Holiday: Tchaikovsky’s Capriccio Italien*](https://houstonsymphony.org/tchaikovsky-capriccio-italien/) - [Nashville Symphony, *Capriccio italien* 프로그램 노트](https://www.nashvillesymphony.org/classical-program-notes/piotr-ilyich-tchaikovsky-capriccio-italien/) - [New Jersey Symphony, *Capriccio italien* 프로그램 노트](https://www.njsymphony.org/program_notes/detail/program-notes-trifonov-is-back) - [Wikipedia, *Capriccio italien*](https://en.wikipedia.org/wiki/Capriccio_Italien) - [MusicBrainz, *Capriccio italien* 작품 메타데이터](https://musicbrainz.org/work/854f7f28-f202-3d7a-a424-abc659e7f70e) # Serenade for Strings in C major, Op. 48 # 정보 ## 개요 **곡명:** *Serenade for Strings in C major, Op. 48* (TH 48, ČW 45) **작곡가:** Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **장르·범위:** 현악 오케스트라를 위한 네 악장 세레나데 전곡. 작곡가의 피아노 4손 편곡은 별도 자료로 다룬다. **작곡:** 1880년 9–10월, Kamenka **첫 연주:** 1880년 12월 3일, Moscow Conservatory의 비공개 공연 **공개 초연:** 1881년 10월 30일, St. Petersburg의 Russian Musical Society 연주회, Eduard Nápravník 지휘 **IMSLP:** [*Serenade for String Orchestra*, Op. 48](https://imslp.org/wiki/Serenade_for_String_Orchestra%2C_Op.48_%28Tchaikovsky%2C_Pyotr%29) **Wikipedia:** [*Serenade for Strings* (Tchaikovsky)](https://en.wikipedia.org/wiki/Serenade_for_Strings_%28Tchaikovsky%29) Peter Ilyich Tchaikovsky의 *Serenade for Strings in C major*, Op. 48은 제1·제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스를 위한 네 악장 작품이다. *Pezzo in forma di sonatina*, *Valse*, *Elegia*, *Finale (Tema russo)*가 그 순서로 이어진다. 여기서 다루는 것은 현악 오케스트라 원곡 전곡이며, 작곡가가 별도로 마련한 피아노 4손판은 원곡과 출판 과정을 함께 살피는 자료다. ### 현악 모음곡에서 세레나데로 1880년 가을 Kamenka에서 Tchaikovsky는 처음부터 세레나데라는 이름을 정해 놓고 쓰지 않았다. 10월 7일 신력 날짜의 편지에서 그는 이미 세 악장을 썼고 이를 현악 오케스트라를 위한 모음곡이라 부를 예정이라고 Nadezhda von Meck에게 알렸다. 곧이어 장르명을 세레나데로 정했고, 같은 달 말에는 네 악장의 총보와 피아노 4손 편곡을 출판사 P. Jurgenson에 보내겠다고 썼다. 출판사에 쓴 편지에서 그는 현악 다섯 성부만 있으면 되는 작품의 실용성을 말하면서도, 현악 인원이 두 배로 늘어나는 자선 연주회에서 곡이 울리기를 희망했다. 간명한 성부 구성과 넉넉한 합주 인원을 함께 염두에 둔 셈이다. 완성 직후 Tchaikovsky는 출판을 재촉할 만큼 이 곡을 아꼈다. 같은 해 10월 von Meck에게는 세레나데를 내적 충동에서 썼다고 설명했고, 12월 첫 연주를 들은 뒤에는 당시 자신이 쓴 곡 가운데 가장 좋게 여긴다고 전했다. 1881년 von Meck가 피아노 4손판을 듣고 유보적인 반응을 보이자, 그는 편지에서 편곡판이 현악의 효과를 충분히 전하지 못하며 특히 두 가운데 악장을 현악으로 들어 보아야 한다고 강조했다. 작곡가의 자기평가는 시점과 연주 매체에 따라 달라졌으며, 그 편지는 원곡의 현악 소리를 중시한 직접 자료이기도 하다. ### 네 악장의 진행 #### I. Pezzo in forma di sonatina. Andante non troppo—Allegro moderato C major의 *Andante non troppo*는 현악 전체의 화음으로 시작한다. 이 도입은 *Allegro moderato*의 전후에 놓여 첫 악장을 감싸고, 피날레 끝에서도 다시 나타난다. David Fick의 LA Phil 해설은 가운데 빠른 부분을 짧은 소나타형 진행으로 설명한다. Tchaikovsky 백과사전은 도입과 빠른 부분의 두 주제가 서로 다른 양식의 재료를 엮는다고 분석한다. 도입을 ‘Mozart풍’이라는 말 하나로 환원하면 느린 화음의 무게와 빠른 주제들의 대비가 흐려진다. Tchaikovsky는 1881년 von Meck에게 제1악장을 Mozart 양식에 대한 의도적인 경의라고 밝혔다. 그가 당시 *Die Zauberflöte*를 공부하고 있었다는 편지 자료는 이 설명의 배경을 이룬다. 다만 편지의 경의는 작품 전체가 18세기 양식을 그대로 재현한다는 뜻은 아니다. 첫 악장 끝에 느린 도입이 돌아오는 구성은 이 악장 자체의 종결이면서, 마지막 악장에서 같은 재료가 다시 들릴 때의 연결점이 된다. #### II. Valse. Moderato. Tempo di Valse 두 번째 악장은 G major의 왈츠다. *Moderato*의 시작을 지나 *Tempo di Valse*가 자리 잡으면 첫 악장의 화음 중심 소리에서 선율과 춤의 박으로 중심이 옮겨 간다. Henle 비평판 서문은 왈츠의 주요 주제가 나폴리 노래 *Voca, voca*를 바탕으로 한다고 밝힌다. 피날레의 러시아 민요와 달리 이 선율에는 이탈리아 노래가 놓여 있어, 작품의 민요 재료를 한 나라의 색채로 뭉뚱그릴 수 없다. 왈츠는 전곡의 두 번째 악장이면서 따로 연주되기도 했다. 1881년 St. Petersburg 공개 초연에서는 청중의 요청으로 이 악장을 다시 연주했다는 Eduard Nápravník의 편지가 남아 있다. Tchaikovsky가 지휘한 1889년 Berlin 공연에서도 왈츠는 앙코르되었다. 이러한 초기 수용은 왈츠의 독립적인 인기를 보여 주지만, 작곡가는 뒤에 두 가운데 악장을 함께 발췌하여 지휘하기도 했다. #### III. Elegia. Larghetto elegiaco D major의 *Elegia*는 네 악장 가운데 가장 느린 음악이다. LA Phil 해설이 지적하듯 찬가와 닮은 첫 구절에서는 현악의 음역이 점차 올라가고, 이어지는 선율 아래에는 낮은 현의 아르페지오와 피치카토가 가볍게 놓인다. 첫 악장의 합주 화음과 같은 현악기들을 쓰면서도, 선율과 반주를 분리하는 방식이 달라진다. 악장 안에서 선율이 돌아올 때에는 다른 성부가 그 위에 겹쳐져 시작과 다른 밀도를 만든다. 조성도 악장의 위치를 분명히 한다. C major에서 출발한 세레나데는 G major의 왈츠를 거쳐 D major의 *Elegia*에 이른다. David Fick은 이 배열을 으뜸조에서 딸림조, 다시 그 딸림조로 나아가며 가운데 악장에 무게를 싣는 설계로 읽는다. *Elegia*가 정서적 중심이라는 평가는 이 조성 관계와 악장에 주어진 시간, 느린 현악 선율의 전개에 기대고 있다. #### IV. Finale (Tema russo). Andante—Allegro con spirito 피날레의 *Andante* 도입은 G major에서 시작하며 러시아 민요 *On the Green Meadow*를 사용한다. 이어 C major의 *Allegro con spirito*에는 다른 민요인 *Under the Green Apple Tree*가 주요 주제로 들어온다. Tchaikovsky는 두 선율을 이미 자신의 피아노 4손 편곡집 *Fifty Russian Folksongs*의 서로 다른 번호에 실었다. 따라서 ‘러시아 주제’라는 악장 표제 아래에도 느린 시작과 빠른 본론을 담당하는 두 출처가 있다. 빠른 부분이 진행한 뒤 제1악장의 느린 도입 화음이 끝부분에 돌아온다. 처음에는 소나티나 형식의 빠른 부분을 열던 음악이 여기서는 민요를 쓴 피날레와 전곡의 종결을 잇는다. G major에서 C major로 옮겨 오는 마지막 악장의 조성도 네 악장의 C–G–D–C 배열을 마무리한다. 제목의 ‘세레나데’와 원곡의 네 악장 구조는 이처럼 춤, 느린 악장, 민요 주제를 한 연속된 전곡으로 묶는다. ### 출판 정보와 자료 총보 자필은 Moscow의 Russian National Museum of Music이 소장한다. 자필의 표제와 Karl Albrecht에 대한 헌정은 확인되지만, 악보 자체에는 작성 날짜와 장소가 적혀 있지 않다. Kamenka와 1880년 10월이라는 정보는 편지와 피아노 4손 편곡 자필의 날짜를 대조해 정한다. 편곡 자필에는 1880년 11월 4일 신력의 완성일이 남아 있다. Jurgenson은 1881년 1월 관현악 총보와 파트를 먼저 발행했고, 작곡가의 피아노 4손 편곡은 그해 4월 출판했다. 2024년 Henle 비평판의 Alexander Komarov 서문은 출판사 카탈로그를 근거로 초판 수량까지 구분한다. 총보와 편곡판이 모두 ‘1881년 출판’인 것은 맞지만, 처음 인쇄된 매체와 그 순서를 구별해야 한다. 피아노판은 같은 곡을 다른 매체에 옮긴 작곡가 자신의 편곡이지, 현악 원곡의 대체 편성이 아니다. 1888년에는 Hamburg의 Daniel Rahter가 작곡가 개정판이라는 표기로 새 판을 냈다. 그 판에서는 1881년 초판에 있던 제1악장 마지막 두 마디가 빠진다. Komarov는 Rahter의 개정 요청을 Tchaikovsky가 받아들였다는 편지 자료를 소개하지만, 실제로 고친 자필 악보는 남아 있지 않다고 밝힌다. 따라서 두 마디가 있는 초판과 없는 1888년판의 차이는 확실하지만, 그 삭제를 작곡가가 직접 기입했는지는 확인되지 않는다. 합주가 어떤 판을 쓰느냐에 따라 첫 악장 끝의 길이가 달라지는 지점이다. ### 소요 시간 전곡은 약 30분이다. 1980년 Herbert von Karajan과 Berliner Philharmoniker의 녹음은 약 30분이며, 악장별로는 첫 악장 약 10분, *Valse* 약 4분, *Elegia* 약 8분, 피날레 약 8분이다. 이는 한 녹음의 실연 시간을 분 단위로 나타낸 값이다. 빠르기와 악장 사이의 간격, 제1악장 말미의 판본 차이에 따라 실제 공연 시간은 달라질 수 있다. ### 편성 원곡의 악기 표기는 Violini I, Violini II, Viole, Violoncelli, Contrabassi이다. 관악기나 타악기는 없으며, 다섯 현악 성부의 연주 인원은 악보에서 숫자로 고정하지 않았다. 작곡가는 자필과 초판에 현악 오케스트라의 연주자가 많을수록 자신의 뜻에 부합한다는 주석을 남겼다. 앞서 Jurgenson에게 보낸 편지에서 현악이 두 배로 늘어난 공연을 기대한 것도, 많은 인원을 선호했다는 직접적인 맥락이다. 이 주석이 소편성 공연을 금지하는 것은 아니다. Levon Ambartsumian은 2021년 *Fanfare* 인터뷰에서 약 15명의 ARCO Chamber Orchestra와 녹음할 때 프레이징과 강약을 유연하게 다루고 정제된 소리를 얻으려고 작은 편성을 택했다고 설명했다. 그 선택은 작곡가가 바랐던 큰 합주와 다른 결과를 겨냥한다. 합주의 규모가 달라져도 연주하는 악기 종류와 다섯 성부라는 원곡의 기본 편성은 같다. ### 전곡과 발췌곡으로 이어진 공연 1880년 12월 Moscow Conservatory의 교수와 학생들은 Tchaikovsky 방문을 기념해 새 세레나데를 비공개로 처음 연주했다. 지휘자는 확인되지 않는다. 1881년 10월 St. Petersburg에서는 Eduard Nápravník의 지휘로 공개 초연되었다. 작품은 처음부터 네 악장 전곡으로 알려졌지만, 왈츠의 앙코르와 별도 공연도 곧 이어졌다. Tchaikovsky 자신은 전곡을 지휘하는 한편, 일부 연주회에서는 가운데 두 악장만 *Elegia* 다음 *Valse*의 순서로 골라 연주했다. 이는 출판된 네 악장의 차례를 바꾼 전곡 개정이 아니라 공연을 위한 발췌다. 원곡의 악장 순서와 그가 선택한 공연용 순서를 구분하면, 이 작품이 전곡과 개별 악장 양쪽으로 확산된 경로가 드러난다. ### 현악 합주의 규모를 달리한 녹음 대편성과 소편성의 선택은 녹음에서도 확인된다. *MusicWeb International*의 Stephen Francis Vasta는 1950–1960년대 Ormandy·Munch·Dorati·Karajan의 큰 현악 합주 녹음과 뒤이은 작은 앙상블의 연주를 대비했다. 그가 평한 Yuri Zhislin과 Russian Virtuosi of Europe의 2015년 Orchid Classics 음반은 현악 18명으로 녹음되었다. David Nice는 *BBC Music Magazine*에서 이 연주의 가벼운 움직임과 풍성한 소리가 함께 들린다며 특히 *Elegia*를 높게 평가했다. Vasta는 같은 녹음의 일부 균형과 *Elegia*의 온기에는 아쉬움을 남겼다. 두 평은 편성이 작아졌다는 사실만으로 연주의 효과가 한 가지로 정해지지 않음을 보여 준다. 또 다른 실내악적 접근은 Daniel Hope가 이끄는 Zürich Chamber Orchestra의 2021년 Deutsche Grammophon 음반에서 찾을 수 있다. *BBC Music Magazine*의 Julian Haylock은 이 녹음에서 흐름을 끊지 않는 빠르기와 실내악에 가까운 질감을 들었고, Karajan의 1980년대 Berliner Philharmoniker 녹음에 비해 강한 합주 효과는 덜하다고 평가했다. 그의 비교에서는 현악 인원과 프레이징의 선택이 만드는 차이가 평가의 중심에 놓인다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, *Serenade for String Orchestra*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Serenade_for_String_Orchestra): 악장명·조성·편성·소요 시간, 첫 연주와 공개 초연, 편곡·초판·초기 공연. - [Henle, Alexander Komarov의 비평판 서문](https://www.henle.de/media/2c/95/0f/1707988838/7550.pdf), [HN 7550 판 안내](https://www.henle.de/en/Serenade-C-major-op.-48-for-String-Orchestra/HN-7550): 1881년 인쇄 순서와 1888년 Rahter판, 왈츠와 피날레의 노래 출처, 공연과 판본의 차이. - [Culture.ru, 관현악 총보 자필 목록](https://www.culture.ru/catalog/tchaikovsky/ru/item/archiv/serenada-dlya-strunnogo-orkestra-2017-08-17), [피아노 4손 편곡 자필 목록](https://www.culture.ru/catalog/tchaikovsky/ru/item/archiv/serenada-dlya-strunnogo-orkestra): 두 자필의 표제·헌정·소장처와 날짜 기재 여부. - [Tchaikovsky Research, 1880년 von Meck 편지 1601](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_1601), [편지 1609](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_1609), [Jurgenson 편지 1619](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_1619), [첫 연주 후 편지 1632](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_1632), [1881년 von Meck 편지 1840](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_1840): 초기 장르명, 작곡가의 자기평가·출판·현악 인원과 피아노 편곡의 차이에 관한 직접 자료. - [Tchaikovsky 백과사전, A. I. Klimovitsky 작품 항목](https://tchaikovsky.sias.ru/articles/musical-compositions/symphonic-compositions/overtures-fantasies-and-other-compositions-for-orchestra/serenada-dlya-strunnogo-orkestra/), [LA Phil, David Fick 해설](https://www.laphil.com/works/serenade-in-c-major-for-strings-op-48): 악장 구성과 조성 배열, 1881년 Mozart 발언, 초연·발췌 공연의 수용. - [Breitkopf & Härtel, Tanja Geschwind 편집판 안내](https://www.breitkopf.us/products/tchaikovsky-serenade-in-c-major-op-48-breitkopf), [*Fanfare*, Levon Ambartsumian 인터뷰](https://musi.franklin.uga.edu/sites/default/files/inline-files/Fanfare%20interview%20and%20reviews%202021.pdf): 현악 인원 주석과 소편성 녹음의 직접 설명. - [Stephen Francis Vasta, *MusicWeb International* 음반평](https://www.musicweb-international.com/classrev/2016/Apr/Tchaikovsky_serenade_ORC100052.htm), [David Nice, *BBC Music Magazine* 음반평](https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/yuri-zhislin-conducts-tchaikovskys-serenade-strings), [Julian Haylock, *BBC Music Magazine* 음반평](https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/serenades-daniel-hope): 큰·작은 현악 합주의 녹음과 각 비평가의 구체적 평가. - [Presto Music, Karajan·Berliner Philharmoniker 녹음](https://www.prestomusic.com/classical/products/7941495--tchaikovsky-dvorak-serenades-for-strings): 전곡·악장별 분 단위 소요 시간. # Eugene Onegin, Op. 24 # 정보 ## 개요 **곡명:** *Eugene Onegin*, Op.24 **작곡가:** Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **장르:** 러시아어 오페라, 3막 7장 **작곡:** 1877–78년 **대본:** Tchaikovsky와 Konstantin Shilovsky, Alexander Pushkin의 소설에 의거 **초연:** 1879년 3월 29일(구력 3월 17일), Moscow Maly Theatre, Moscow Conservatory 학생 공연 **구성:** 서곡과 22개 번호를 3막 7장에 배치한 ‘lyrical scenes’ **기준 판본:** 1891년 제2 완전판 **소요 시간:** 약 140분 **IMSLP:** [Eugene Onegin, Op.24 (Tchaikovsky)](https://imslp.org/wiki/Eugene_Onegin,_Op.24_(Tchaikovsky,_Pyotr)) **Wikipedia:** [Eugene Onegin (opera)](https://en.wikipedia.org/wiki/Eugene_Onegin_(opera)) Pyotr Ilyich Tchaikovsky의 *Eugene Onegin*은 Alexander Pushkin의 장편소설 전체를 무대에 옮긴 작품이 아니라, Tchaikovsky와 Konstantin Shilovsky가 주인공들의 감정이 드러나는 장면을 골라 엮은 러시아어 오페라다. 1877–78년에 완성된 전곡은 서곡 뒤에 22개 번호를 놓고 3막 7장으로 진행한다. 시골 영지에서 사랑을 처음 자각하는 Tatyana, 감정을 늦게 알아차리는 Onegin, 우정과 질투 사이에서 무너지는 Lensky가 사건의 중심에 있으며, 현재의 구조와 번호는 1891년 제2 완전판을 기준으로 읽을 수 있다. ### 출판 정보와 판본 P. Jurgenson은 1878년에 피아노·성악보의 개별 번호를 내고, 1880년에 전곡 총보를 출판했다. 1881년에는 피아노·성악보 제2판이 나왔고, 1891년 제2 완전판이 번호와 템포 표시를 정리한 기준 자료가 되었다. IMSLP에는 1880년 초판 총보와 이후 편집본이 함께 실려 있어 판본의 시점을 구분해 볼 수 있다. 작품의 무대 형태도 초연 이후 조정되었다. Tchaikovsky는 1879년 학생 초연 전후와 1880년에 마지막 장면의 음악과 무대 지시를 손질했다. 1885년 Mariinsky Theatre의 재공연을 준비하면서 Ivan Vsevolozhsky의 요청으로 제3막 무도회에 `Ecossaise`가 들어갔고, 이 추가와 일부 삭제·템포 수정이 1891년 판본에 반영되었다. 따라서 `Ecossaise`를 1877년 원작에 포함된 번호로 다루기보다, 후기 공연판에서 정착한 제3막 무도회 춤곡으로 이해하는 편이 정확하다. Pushkin의 소설은 서술과 운문이 교차하는 장편이지만, 이 오페라의 대본은 Tatyana의 편지, Lensky의 마지막 아리아, 결말의 대면처럼 직접적인 감정의 장면에 초점을 맞춘다. Tchaikovsky가 작품을 `lyrical scenes`라고 부른 까닭도 이 선택과 연결된다. 사건을 촘촘한 연속극으로 밀어붙이기보다, 한 인물이 감정을 깨닫고 말하는 순간을 독립된 음악 장면으로 확대하는 방식이다. ### 소요 시간 Tchaikovsky Research와 IMSLP는 전곡을 약 140분으로 제시한다. Met Opera의 교육 자료는 제1막 제2장 `Letter Scene`을 거의 15분으로 설명한다. 실제 극장 상연은 두 번의 막간과 무대 전환이 더해져 작품 자체의 연주 시간보다 길어진다. 공연판에서 번호를 삭제하거나 반복하는 관행도 전체 시간에 영향을 준다. ### 편성 **성악** | 배역 | 성부 | 장면상 기능 | |---|---|---| | Larina | mezzo-soprano | Tatyana와 Olga의 어머니, 시골 영지의 주인 | | Tatyana | soprano | 편지로 사랑을 고백하고 마지막에 자신의 결혼을 선택하는 주인공 | | Olga | contralto | Lensky의 약혼자. 현대 공연에서는 mezzo-soprano가 맡기도 한다 | | Filippyevna | mezzo-soprano | Tatyana의 유모 | | Onegin | baritone | Tatyana의 고백을 거절한 뒤 뒤늦게 사랑을 깨닫는 인물 | | Lensky | tenor | Olga를 사랑하는 시인, 결투의 희생자 | | Prince Gremin | bass | Tatyana의 남편 | | Zaretsky, Captain | bass | 결투의 절차와 무도회 장면을 맡는 주변 인물 | | Triquet | tenor | 명명일 무도회에서 프랑스어 커플릿을 부르는 손님 | | 혼성 합창 | mixed chorus | 농민, 시골 손님, Petersburg 무도회의 군중 | **관현악** piccolo, flute 2, oboe 2, clarinet 2( A와 B♭ 악기), bassoon 2, horn 4 in F, trumpet 2 in F, trombone 3, timpani 4, harp, strings로 편성한다. 독창과 혼성 합창이 이 관현악 위에서 노래하며, Act I의 농민 합창과 Act II·III의 무도회 합창이 무대의 사회적 공간을 구별한다. 표의 성부는 작품의 전통적인 배역 분류를 따르며, Olga처럼 현대 극장에서 성부를 바꾸어 배치하는 경우에는 공연의 캐스팅 관행이 판본의 변경과 구별된다. ### 3막 7장의 진행 1891년 제2 완전판의 번호 체계는 서곡(`Introduction`) 뒤에 제1막 1–12번, 제2막 13–18번, 제3막 19–22번을 배치한다. 번호 하나가 독창만을 가리키지 않고 대화·중창·합창·춤을 묶는 경우가 많으므로, 장면의 사건과 번호의 경계를 함께 보아야 한다. #### 제1막, 세 장: 사랑의 발견과 거절 제1장 무대는 Larina 영지의 정원이다. `No.1 Duet and Quartet`에서 Larina, Filippyevna, Tatyana, Olga의 가족적 대화가 시작되고, `No.2 Chorus and Peasants’ Dance`가 수확을 마친 농민들의 노래와 춤을 불러들인다. `No.3 Scene and Olga’s Arioso`와 뒤의 장면·4중창·Lensky의 아리오소(`No.4–No.6`)가 Olga와 Lensky의 약혼, Petersburg에서 온 Onegin의 등장, Tatyana가 그에게 느끼는 첫 관심을 차례로 제시한다. `No.7 Closing Scene`은 손님들이 물러난 뒤 남는 감정의 여운으로 다음 장면을 준비한다. 제2장에서는 Tatyana의 방으로 시선이 좁혀진다. Tatyana는 Filippyevna에게 젊은 시절의 사랑과 결혼을 묻고, 유모가 나간 뒤 Onegin에게 보내는 편지를 밤새 쓴다. 1891년 판본의 `No.8 Introduction and Scene with Nurse`가 이 대화를 열고, `No.9 Letter Scene`은 사랑을 깨닫는 순간, 실제로 문장을 적는 행위, 다 쓴 편지를 다시 바라보는 시간을 하나의 연속 장면으로 묶는다. Met Opera는 이 번호를 거의 15분으로 보며, 독립 아리아보다 무대 위 행동과 내면의 독백이 결합한 장면으로 설명한다. 다음 날의 `No.10 Scene and Duet`에서 Onegin은 편지를 돌려주고 Tatyana에게 결혼에 맞지 않는 자신의 성향을 말하며 우정만을 제안한다. 제3장은 다시 영지의 정원으로 옮겨 간다. `No.11 Chorus of Maidens`가 젊은 여성들의 작업 노래를 놓고, `No.12 Scene and Onegin’s Aria`에서 Onegin은 전날의 거절을 자신의 생활 방식과 연결해 설명한다. 제1막은 Tatyana의 고백이 받아들여지지 않은 채 끝나지만, 그 감정은 사라지지 않고 다음 막의 사교적 표면 아래에서 새로운 갈등을 만든다. #### 제2막, 두 장: 무도회와 결투 몇 달 뒤 제1장은 Tatyana의 명명일을 맞은 Larin 집의 무도회다. `No.13 Entr’acte, Waltz with Scene and Chorus`가 손님들의 춤과 소문을 펼치고, `No.14 Scene and Triquet’s Couplets`에서는 Triquet이 프랑스어로 축하 노래를 부른다. 이어지는 `No.15 Mazurka and Scene`은 지방 사교계의 격식을 유지하지만, Onegin이 주변의 험담에 화가 나 Lensky를 자극하려고 Olga와 일부러 춤추면서 같은 춤이 질투의 계기가 된다. `No.16 Finale`에서 중창과 합창으로 유지되던 파티의 질서가 Lensky의 결투 신청으로 깨진다. 제2장은 새벽의 물방앗간이다. `No.17 Introduction, Scene and Lensky’s Aria`에서 Lensky는 Olga와 함께했던 시간, 시인의 미래, 죽음의 가능성을 돌아본다. Met Opera는 이 아리아를 젊은 삶에 대한 작별의 노래로 소개한다. Onegin과 Lensky는 전날의 일을 후회하지만 결투 절차를 멈추지 못하고, `No.18 Duel Scene`에서 Onegin의 총에 Lensky가 쓰러진다. 제2막의 춤곡은 오페라 밖의 관현악 발췌곡으로도 알려져 있지만, 이 장면 안에서는 사회적 놀이가 실제 폭력으로 바뀌는 과정을 이어 주는 번호다. #### 제3막, 두 장: 공적 질서와 뒤늦은 선택 시간이 흐른 뒤 제1장은 Petersburg의 귀족 무도회다. `No.19 Polonaise`가 격식 있는 입장을 열고, `No.20 Scene and Ecossaise`가 무도회의 움직임을 이어 간다. Onegin은 Gremin 공작의 아내가 된 Tatyana를 알아본다. 시골에서 편지를 쓰던 소녀는 현재의 사교계에서 자기 생활을 선택한 인물로 서 있으며, Gremin의 `No.20a Prince Gremin’s Aria`는 그가 Tatyana를 사랑하고 있음을 현재형으로 말한다. Onegin은 그녀에게 편지를 보내고 뒤늦게 열정을 드러낸다. 판본과 목록에 따라 `Ecossaise`와 `No.20a`의 번호 배열이 다르게 보일 수 있지만, 1885년 추가된 무도회 춤곡이라는 작품사적 위치는 동일하다. `No.21 Scene, Onegin’s Arioso and Ecossaise`는 공적인 춤의 공간에 Onegin의 사적인 요구가 끼어드는 장면이다. 제2장은 Gremin 궁의 방에서 펼쳐지는 마지막 대면이다. `No.22 Closing Scene`에서 Onegin은 Tatyana에게 함께 떠나자고 청한다. Tatyana는 아직 그를 사랑한다는 사실을 인정하면서도 Gremin과의 결혼, 그리고 자신이 내린 선택을 버리지 않겠다고 말한다. 1880년 개정 과정은 이 결말을 감정적인 재결합보다 명시적인 이별로 정리했으며, 후기 판본의 무대 지시는 Tatyana의 행동을 공연마다 다르게 해석할 여지를 남긴다. 오페라는 Lensky의 죽음처럼 외부에서 일어난 파국으로 끝나지 않고, 서로 다른 시간에 도착한 두 사람의 결정을 Tatyana의 말로 닫는다. ### 초연과 공연 전통 Tchaikovsky는 1877년부터 1878년 초까지 Glebovo에서 초고와 관현악을 완성했다. 1878년 12월 16일(구력) 공개 드레스 리허설을 거친 뒤, 1879년 3월 29일(신력) Moscow Maly Theatre에서 Moscow Conservatory 학생들이 Nikolay Rubinstein의 지휘와 Ivan Samarin의 연출로 처음 공연했다. 학생 공연은 작곡가가 선택한 친밀한 장면 중심의 형식을 시험한 무대였고, 1881년 1월 23일(신력) Moscow Bolshoi Theatre에서 Enrico Bevignani가 지휘한 전문 초연이 이어졌다. 1884년 Mariinsky Theatre 공연과 1885년 `Ecossaise` 추가는 이후의 무대판이 1891년 제2 완전판으로 정착하는 과정에 포함된다. 초기 해외 수용에서는 1888년 Prague 공연, 1892년 Hamburg에서 Gustav Mahler가 지휘한 공연이 기록되어 있다. 이 작품은 러시아 시골의 생활, Petersburg의 귀족 사회, 개인의 감정과 사회적 의무를 한 무대에 놓으며, 합창과 춤이 중심 인물의 대화와 교차하는 장면을 만든다. ### 주요 레코딩 1993년 Semyon Bychkov가 Orchestre de Paris를 지휘하고 Vladimir Hvorostovsky(Onegin), Galina Gorchakova(Tatyana), Neil Shicoff(Lensky) 등이 참여한 DG·Decca 녹음은 19세기 후반 러시아 오페라의 전곡을 현대 스튜디오 음향으로 남긴 사례다. Decca의 발매 자료는 출연진과 녹음 정보를 제시하며, Bychkov의 음반은 후기 판본의 3막 구조와 주요 번호를 전곡으로 담고 있다. 1996년 Glyndebourne 공연을 기록한 Andrew Davis 지휘 London Philharmonic Orchestra의 DVD는 무대 연출과 음악을 함께 살필 수 있는 자료다. Warner Classics의 발매 정보는 Tatyana와 Onegin의 장면을 중심으로 한 공연 영상의 제작진과 출연진을 제시한다. 두 기록은 하나는 스튜디오 전곡, 다른 하나는 무대 공연이라는 서로 다른 조건에서 작품의 장면 연결과 성악 배역을 확인하게 한다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, *Yevgeny Onegin*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Yevgeny_Onegin) — 작곡·출판 연혁, 1891년 판본, 초연과 번호 체계 - [Met Opera, *The Opera’s Plot and Creation*](https://www.metopera.org/discover/education/educator-guides/eugene-onegin/the-operas-plot-and-creation/) — Pushkin 원작과 Tchaikovsky·Shilovsky의 장면 선택, 막별 줄거리 - [Met Opera, *Signed, Sealed, Delivered*](https://www.metopera.org/discover/education/educator-guides/eugene-onegin/signed-sealed-delivered/) — `Letter Scene`의 장면 구조와 대략적인 시간 - [Met Opera 2025–26 프로그램](https://www.metopera.org/globalassets/season/2025-26/eugene-onegin/programs/042026-onegin.pdf) — 배역, 줄거리, 공연 형태에 관한 기관 해설 - [Royal Opera House Collections, *Eugene Onegin*](https://www.rohcollections.org.uk/work.aspx?work=520) — 작품과 공연 기록 - [Mariinsky Theatre, *Eugene Onegin*](https://www.mariinsky.ru/en/playbill/playbill/2018/1/19/2_1900/) — Mariinsky의 공연·레퍼토리 맥락 - [Decca Classics, Tchaikovsky: *Eugene Onegin* (Solti)](https://www.deccaclassics.com/en/catalogue/products/tchaikovsky-eugene-onegin-solti-3467) — 전곡 음반 발매 정보 - [Deutsche Grammophon, Tchaikovsky: *Eugene Onegin* (Bychkov)](https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/tchaikovsky-eugene-onegin-252) — 1993년 Bychkov 녹음의 출연진과 발매 정보 - [Warner Classics, *Yevgeny Onegin* (Glyndebourne)](https://www.warnerclassics.com/release/yevgeny-onyegin) — 1996년 Glyndebourne 공연 영상 정보 # The Queen of Spades, Op. 68 # 정보 ## 개요 **곡명:** The Queen of Spades, Op. 68 (TH 10) **작곡가:** Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **대본:** Modest Tchaikovsky와 Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Alexander Pushkin의 단편을 바탕으로 구성 **작곡 시기:** 1890년 **초연:** 1890년 12월 19일, St Petersburg Mariinsky Theatre, Eduard Nápravník 지휘 **장르:** 3막 7장 오페라 **IMSLP:** [The Queen of Spades, Op. 68](https://imslp.org/wiki/The_Queen_of_Spades%2C_Op.68_(Tchaikovsky%2C_Pyotr)) **Wikipedia:** [The Queen of Spades (opera)](https://en.wikipedia.org/wiki/The_Queen_of_Spades_(opera)) Pyotr Ilyich Tchaikovsky의 *The Queen of Spades*는 카드의 비밀을 좇는 장교 Herman과 그를 사랑하는 Liza, 비밀을 알고 있다고 전해지는 Countess의 비극을 그린 오페라다. 이 글은 오페라 전곡을 다루며, 작품은 서주와 24개 번호를 포함한 3막 7장으로 구성된다. 무대의 시간은 18세기 말 St Petersburg이고, 1막의 사랑과 카드 전설은 2막의 무도회와 Countess의 죽음, 3막의 유령·운하·도박장으로 이어진다. ### 출판 정보와 자료 Tchaikovsky Research의 작품 연혁에 따르면 작곡과 관현악화는 1890년에 진행되었다. 피아노 축약보는 1890년 6월 말 초판과 같은 해 11월 제2판, 1891년 초 제3판이 나왔고, 총보는 1891년 8월 P. Jurgenson의 석판 인쇄로 기록된다. IMSLP의 판 목록은 성악보 초판을 1890년으로 표시하고 1891년의 재판과 총보를 함께 싣기 때문에, 출판 연도를 한 줄의 단일 연도로 줄이지 않는 편이 안전하다. 작품의 자필 총보는 Mariinsky Central Music Library에, 피아노-성악보는 Russian National Museum에 소장된 것으로 Tchaikovsky Research가 식별자를 제시한다. 현존 원고의 이미지나 악보 전문은 이 글에 포함하지 않는다. 대본은 Modest가 시작한 작업에 Pyotr가 참여하여 Pushkin의 이야기를 무대용으로 확장한 결과이며, Imperial Theatres의 기획자 Ivan Vsevolozhsky가 1885년에 프로젝트를 제안한 연혁도 작품의 성립 배경에 포함된다. ### 소요 시간 자료에 따라 작품의 전곡 시간은 약 155분에서 약 170분으로 제시된다. 이 수치는 판본, 컷, 템포와 휴식 포함 여부에 따라 달라지는 대표값이다. Mariinsky의 현행 제작이 표시하는 3시간 55분은 두 번의 인터미션과 제작 운영을 포함한 특정 공연 시간으로, 작품 자체의 연주 시간과 구분해야 한다. ### 편성 독창과 혼성 합창을 위해 Herman(테너), Liza(소프라노), Countess(메조소프라노), Tomsky와 Yeletsky(바리톤), Polina(콘트랄토) 등이 배치된다. Chekalinsky, Surin, Chaplitsky, Narumov, Governess, Masha, Prilepa, Milovzor, Zlatogor와 무대 진행자도 장면에 참여하며, 일부 배역은 공연 관행에 따라 겸임한다. 관현악은 플루트 3(제3주자는 피콜로 겸함), 오보에 2(제1주자는 잉글리시 호른 겸함), 클라리넷 2와 B♭ 베이스 클라리넷, 바순 2, F 호른 4, 트럼펫 2, 트롬본 3, 튜바, 팀파니 3, 군용 드럼, 큰북, 장난감 악기, 피아노, 하프, 현악 5부로 구성된다. 무대 밖에는 어린이용 트럼펫과 드럼이 따로 놓이는 판본 표기도 있다. ### 원작에서 오페라로 Pushkin의 원작은 카드의 비밀과 도박을 중심에 둔 간결한 이야기다. 오페라는 그 줄거리를 유지하면서 Herman과 Liza의 사랑을 확대하고, 여름 정원, Liza의 방, 2막의 대무도회와 목가극, 3막의 Winter Canal을 추가했다. Met의 프로그램 노트는 이러한 확장이 Liza의 선택과 Herman의 파국을 무대 위에서 단계적으로 드러내도록 만든다고 설명한다. 따라서 Liza는 주변 인물이 아니라 Herman의 욕망이 사랑에서 카드로 기울어지는 과정을 함께 겪는 중심 인물이 된다. ### 막과 장면의 흐름 #### 제1막: 전설과 사랑의 시작 첫 장면은 여름 정원이다. Herman은 이름도 모르는 여인을 사랑하고 있다고 말하고, Tomsky는 Countess가 젊은 시절 파리에서 세 장의 카드 비밀을 배웠다는 이야기를 들려준다. Herman이 사랑과 카드 전설을 동시에 붙잡는 출발점이다. 두 번째 장면인 Liza의 방과 발코니에서는 그 여인이 Prince Yeletsky의 약혼녀라는 사실이 드러나고, Liza와 Herman이 서로의 사랑을 확인한다. #### 제2막: 사교 세계와 Countess의 죽음 무도회에서 Yeletsky는 Liza를 향한 사랑을 노래한다. 이어지는 18세기풍 목가극과 무도회 음악은 귀족 사회의 장식적인 질서를 보여 주는 장면으로 기능한다. Polina의 노래와 Tomsky의 독창도 이 막의 음악적 흐름을 이루며, Herman의 관심은 점점 Countess의 방으로 좁혀진다. 두 번째 장면에서 Herman은 Countess의 방에 들어가 카드의 비밀을 요구한다. Countess는 젊은 시절의 프랑스 궁정을 떠올리며 Grétry의 *Richard Coeur-de-Lion*에서 온 노래를 부른 뒤 공포 속에서 죽는다. 이 장면은 과거의 귀족적 기억이 현재의 도박 집착과 충돌하는 지점이며, Liza는 Countess의 죽음과 Herman의 행동을 목격한다. #### 제3막: 유령, Winter Canal, 도박장 병영에서 Herman은 Liza의 편지를 읽는다. Countess의 유령이 나타나 세 장의 순서를 three, seven, ace라고 알려 주고 Liza와 결혼하라고 말하지만, Herman에게 남은 관심은 카드의 계시다. Winter Canal에서 Liza는 Herman이 사랑보다 비밀을 좇고 있음을 확인하고 물에 빠져 죽는다. 마지막 도박장 장면에서 Herman은 세 장과 일곱 장으로 이긴 뒤 마지막 판에 ace를 건다. 뒤집힌 카드는 Queen of Spades이고, Countess의 환영이 나타난다. Herman은 스스로 목숨을 끊으며 Liza에게 용서를 구하고, 오페라는 그의 파국 뒤에 남은 사람들의 기도로 끝난다. ### 카드와 여러 시간의 충돌 세 장의 카드는 줄거리를 움직이는 도박의 규칙인 동시에 Herman의 판단을 잠식하는 표지다. Met의 프로그램 노트는 서주의 짧은 음형과 Liza·Herman의 사랑 음악을 카드 전설 및 초자연적 사건과 연결되는 청취 단서로 제시한다. Yeletsky의 사랑 노래가 사회적 안정의 목소리를 마련하고, Countess가 부르는 18세기 프랑스 선율이 과거의 시간을 무대에 불러오면서, 19세기 러시아의 현재와 Countess가 기억하는 옛 유럽이 한 작품 안에서 겹친다. Gasparov는 이 오페라를 Petersburg라는 도시가 소리와 극적 세계를 조직하는 Symbolist·expressionist 텍스트로 읽는다. Ponomareva는 서로 다른 양식과 인용이 결합하는 상호텍스트적 문체를 분석하고, Sadokova는 죽음과 이동의 장면을 장례 의례와 경계 통과의 구조로 해석한다. 이 세 관점은 작품을 이해하는 학술적 독법이며, Tchaikovsky가 특정 상징 체계를 직접 의도했다는 진술로 바꾸어 쓸 수는 없다. ### 주요 자료 - Tchaikovsky Research, [“The Queen of Spades”](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Queen_of_Spades) — 작곡·관현악화 연혁, 초연 배역, 자필 자료 소장처, 3막 7장과 24개 번호, 상세 편성. - Mariinsky Theatre, [“The Queen of Spades”](https://www.mariinsky.ru/en/playbill/repertoire/opera/qween_m2/) — 초연 정보와 막별 장면·사건의 공식 시놉시스. - Metropolitan Opera, [“The Queen of Spades — Synopsis”](https://www.metopera.org/discover/synopses/the-queen-of-spades/) — 인물 관계와 세 막의 사건 순서. - Boosey & Hawkes, [“The Queen of Spades: Original edition”](https://www.boosey.com/cr/music/Pyotr-Tchaikovsky-The-Queen-of-Spades-Original-edition/27706) — 대본 주체, 원작, 출판·초연 메타데이터와 약식 편성. - Metropolitan Opera, [2024–25 Playbill, “The Queen of Spades”](https://www.metopera.org/globalassets/season/2024-25/the-queen-of-spades/programs/060425-queen-of-spades.pdf) — 작품의 각색 방향, 주요 음악적 사례, 특정 제작의 공연 시간. - Boris Gasparov, [“The Queen of Spades: The Petersburg Text”](https://doi.org/10.12987/yale/9780300106503.003.0006) — Petersburg와 상징주의·표현주의적 음향 세계에 관한 학술적 해석. - Ponomareva, [“The Queen of Spades: intertextual and rhetorical analysis”](https://www.gramota.net/en/article/hss20170942/fulltext) — 상호텍스트와 문체적 이질성에 관한 분석. - Vera V. Sadokova, [“Tchaikovsky’s opera The Queen of Spades in the light of the poetics of the funeral rite”](http://uz.gnesin-academy.ru/wp-content/uploads/2023/01/91-eng.pdf) — 죽음·이동·경계 통과를 장례 의례의 시학으로 읽는 연구. # Marche slave, Op. 31 # 정보 ## 개요 **곡명:** 《슬라브 행진곡》(Slavonic March / Marche slave), Op. 31, TH 45 **작곡가:** 표트르 일리치 차이콥스키(Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840–1893) **작곡 시기:** 1876년 9월 말–10월 초, 모스크바 **초연:** 1876년 11월 5/17일(구력/신력), 모스크바 러시아 음악협회 첫 교향악 연주회. 니콜라이 루빈스타인이 지휘했다. **장르:** 단악장 관현악 행진곡 **소요 시간:** 약 10–12분 [Tchaikovsky Research 작품 해설](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Slavonic_March) · [IMSLP 악보·판본 정보](https://imslp.org/wiki/Slavonic_March,_Op.31_(Tchaikovsky,_Pyotr)) · [Britannica 작품 항목](https://www.britannica.com/topic/Marche-Slave-Op-31) 차이콥스키가 자필에 적은 표제는 ‘슬라브 민요 주제에 의한 세르보-러시아 행진곡’에 가깝다. 세르비아-오스만 전쟁을 둘러싼 러시아의 자선·범슬라브 연대 분위기에서 출발한 이 곡은, B♭단조의 장송 행진곡풍 시작과 세르비아 민요를 거쳐 B♭장조의 빠른 종결로 나아간다. 알렉세이 르보프의 러시아 제국 국가 *God Save the Tsar*가 중간과 코다에 인용되면서, 애도와 군사적 동원, 제국의 공적 상징이 한 악장 안에서 충돌한다. ### 위촉과 짧은 작곡 기간 러시아 음악협회의 니콜라이 루빈스타인은 세르비아와 오스만 제국 사이의 전쟁 피해자를 돕는 자선 연주회를 위해 새 행진곡을 요청했다. 차이콥스키는 1878년 나데즈다 폰 메크에게 보낸 편지에서 음악협회 이사회가 적십자 자선 콘서트를 위해 세르보-러시아 행진곡을 주문했다고 회고했다. 초연 행사의 명칭은 자료에 따라 적십자 또는 슬라브 자선협회로 달리 전해지므로, 특정 모금 기구를 하나의 공식 명칭으로 고정하지 않는 편이 안전하다. 작곡과 관현악화는 1876년 9월 말부터 10월 초까지 모스크바에서 진행되었다. 완성 총보에는 9월 25일/10월 7일 날짜가 적혀 있다. 날짜 차이에서 ‘닷새 만에 작곡했다’는 후대 요약이 생겼지만, 실제 작업 순서까지 보여 주는 작곡 일지로 확대할 수는 없다. 핵심은 자선 연주회를 앞두고 매우 짧은 기간에 초고와 관현악화가 함께 마무리되었다는 점이다. ### 초연과 출판 전문 연혁이 확인하는 초연은 모스크바 러시아 음악협회의 첫 교향악 연주회에서 니콜라이 루빈스타인이 지휘한 공연이다. 정확한 건물명은 자료마다 볼쇼이 극장, 모스크바 음악원 등으로 엇갈리므로 여기서는 기관과 도시까지만 적는다. 차이콥스키는 초연 직후 여동생에게 작품이 ‘애국적 열광의 폭풍’을 일으켰다고 썼고, Tchaikovsky Research는 청중의 요구로 반복 연주되었다고 정리한다. 이 표현은 작곡가가 느낀 당시의 반응을 보여 주는 기록이지, 음악적 우열을 판정하는 문장은 아니다. 표트르 유르겐손은 1876년 10월 피아노 독주 편곡을 먼저 냈고, 피아노 네 손 편곡은 1879년, 총보는 1880년, 관현악 파트는 1887년에 뒤따랐다. 따라서 ‘초연과 동시에 완전한 관현악판이 출판되었다’고 쓰기보다, 피아노판에서 총보·파트로 출판 범위가 넓어졌다고 보는 것이 정확하다. ### 편성과 기본 설계 편성은 피콜로 2, 플루트 2, 오보에 2, B♭ 클라리넷 2, 바순 2, F 호른 4, B♭ 코넷 2, B♭ 트럼펫 2, 트롬본 3, 튜바, 팀파니 3, 군대북, 심벌즈, 큰북, 탐탐, 현악 5부다. 코넷과 트럼펫을 ‘금관 4대’로 합치지 않아야 19세기 악보가 의도한 음색 층을 보존할 수 있다. 군대북과 다른 타악기는 행진의 공적 표정을 강화하지만, 그 사실만으로 곡을 선전 음악으로 규정할 수는 없다. Tchaikovsky Research가 제시하는 직접 구조는 240마디의 한 악장, *Moderato in modo di Marcia funebre*(B♭단조)에서 *Più mosso. Allegro*(B♭장조)로의 이동이다. 느린 장송 행진곡풍 도입을 ‘처음부터 빠른 행진’으로 오해하지 않는 것이 첫 청취의 열쇠다. ### 민요 세 곡의 배치 자필 피아노 편곡에 표시된 세르비아 민요는 특정 마디에서 곡의 정체성을 드러낸다. - *Sunce jarko, ne sijaš jednako*는 5마디부터 나타난다. 번역하면 ‘밝은 태양도 어디서나 똑같이 빛나지는 않는다’는 뜻에 가깝다. - *Prag je ovo milog Srba*는 86마디에서 시작한다. 제목 번역은 ‘사랑하는 세르비아의 경계’ 또는 ‘문턱’처럼 다르게 옮겨진다. - *Jer puščani prah ne zadaje njemu strah*는 104마디에서 식별되며, *Rado ide Srbin u vojnike*의 한 절과 연결된다. ‘세르비아인은 기꺼이 전쟁터로 간다’라는 번역은 가사의 의미를 옮긴 것이다. 코르넬리예 스탄코비치의 빈 출판 선집이 세르비아 민요의 러시아 전파에 중요한 매개였다는 학술적 맥락은 이 인용들이 당시 청중에게 낯설지 않았을 가능성을 보여 준다. 다만 차이콥스키가 어느 선집의 어느 쪽을 직접 필사했는지는 이번 자료로 확정하지 않는다. ### 국가 인용과 청취의 방향 알렉세이 르보프의 *God Save the Tsar*는 123–134마디와 205–219마디에 인용된다. 첫 등장은 아직 세르비아 선율과 장송풍의 긴장이 남아 있는 가운데 공적 표지를 내보내고, 코다의 재등장은 B♭장조의 빠른 흐름 속에서 그 표지를 크게 확대한다. Tokyo Philharmonic과 Hollywood Bowl의 프로그램 노트는 이를 세르비아의 고난에서 러시아의 원조와 승리로 나아가는 이야기로 읽지만, ‘고난→구원→승리’라는 네 단계가 차이콥스키가 남긴 공식 대본은 아니다. 오늘날 이 국가 인용은 19세기 러시아 제국과 범슬라브 정치의 맥락을 피할 수 없게 한다. 동시에 세르비아 민요의 선율과 군악적 음색이 만들어 내는 음악적 운동도 사라지지 않는다. 역사적 상징을 설명하되, 후대의 정치적 평가를 차이콥스키의 자필 프로그램처럼 대신 말하지 않는 것이 균형 잡힌 접근이다. ### 소비에트 판본의 주의점 1961년 전집 총보와 1965년 피아노판 일부는 *God Save the Tsar*를 다른 음악으로 대체하고 원래 인용을 각주나 부록에 남겼다. 이는 소비에트 편집 정책에 따른 판본 차이지, 1876년 작곡가가 원곡을 고쳤다는 뜻이 아니다. 국가 인용이 들리지 않는 연주를 만났다면 먼저 사용한 총보나 편곡판을 확인해야 한다. ### 연주와 녹음 차이콥스키가 편지에서 말한 ‘애국적 열광’과 오늘날의 연주는 서로 다른 청취 조건을 가진다. 낮은 현과 목관의 장송풍을 충분히 가라앉혀야 세르비아 민요의 상처가 드러나고, 그 뒤의 *Più mosso*에서는 코넷·트럼펫·트롬본과 타악기의 겹침이 군중적 추진력으로 이어진다. Portobello Orchestra와 Tokyo Philharmonic의 프로그램 해설은 이런 대비를 애도에서 결집과 승리로 읽는 해석 사례를 제공한다. 녹음 카탈로그에는 레너드 번스타인·뉴욕 필하모닉의 1963년 컬럼비아 녹음과 여러 8분대 후반–10분대 후반 연주가 보인다. 시간과 템포가 다르므로 특정 음반을 정답으로 서열화하기보다, 장송풍 도입의 무게와 국가 재현의 공적 성격이 연주마다 어떻게 달라지는지 비교하는 것이 유익하다. 같은 이유로 초연 때 건물명이 불명확하다는 사실과, 후대 음반의 해석 선택을 서로 섞지 않는다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, Slavonic March](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Slavonic_March) - [Tchaikovsky Research, Letter 862](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_862) - [Tchaikovsky Research, Letter 513](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_513) - [IMSLP, Slavonic March, Op. 31](https://imslp.org/wiki/Slavonic_March,_Op.31_(Tchaikovsky,_Pyotr)) - [Tokyo Philharmonic 프로그램 노트](https://www.tpo.or.jp/en/concert/pdf/201903program-eng.pdf) - [Hollywood Bowl/Los Angeles Philharmonic 작품 정보](https://www.hollywoodbowl.com/musicdb/pieces/4954/marche-slave) - [Marija Koren, 세르비아 주제와 러시아 음악 연구](https://journals.uni-lj.si/MuzikoloskiZbornik/article/view/4684) - [Portobello Orchestra 프로그램 노트](https://www.theportobelloorchestra.co.uk/ProgrammeNotes/TchaikovskySlavonicMarch.php) - [Burgess Hill Symphony Orchestra 분석 노트](https://www.bhso.org.uk/work/tchaikovsky-march-slave/) - [Encyclopaedia Britannica, Marche Slave](https://www.britannica.com/topic/Marche-Slave-Op-31) # The Tempest, Op. 18 # 정보 # Peter Ilyich Tchaikovsky: *The Tempest, Op. 18* - **작곡가:** Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) - **작품:** *The Tempest* (*Буря*), Op. 18 - **형식:** 관현악을 위한 단악장 교향적 환상곡 - **작곡:** 1873년 8월부터 10월까지 - **초연:** 1873년 12월 7일(구력)/19일(신력), 모스크바 러시아 음악협회, 니콜라이 루빈스타인 지휘 - **IMSLP:** [The Tempest, Op. 18](https://imslp.org/wiki/The_Tempest,_Op.18_(Tchaikovsky,_Pyotr)) - **Wikipedia:** [The Tempest (Tchaikovsky)](https://en.wikipedia.org/wiki/The_Tempest_(Tchaikovsky)) 차이콥스키의 *The Tempest*는 셰익스피어의 희곡을 무대에서 재현하는 음악이 아니다. 이 곡은 성악이나 대사 없이 관현악 한 악장 안에 폭풍과 마법, 미란다와 페르디난드의 사랑, 프로스페로가 마법을 포기하고 섬을 떠나는 결말을 압축한다. 바다에서 출발해 다시 바다로 돌아오는 구상은 인물별 장면을 늘어놓기보다, 섬 전체가 흔들렸다가 제자리로 돌아오는 큰 호흡을 만든다. ## 폭풍을 어디에 둘 것인가 1873년 초, 비평가 블라디미르 스타소프는 차이콥스키에게 작품의 소재가 될 만한 세 가지 구상을 보냈다. 차이콥스키는 그중 *The Tempest*를 택했지만, 답장에서 폭풍을 꼭 그려야 하는지, 넣는다면 어디에 둘지를 되물었다. 스타소프는 바다가 작품의 처음과 끝을 감싸고 초자연적인 힘이 갑자기 폭풍을 일으키는 구상을 제안했다. 두 사람의 서신을 보면 폭풍은 단순히 극적인 효과를 더하는 장면이 아니라, 음악의 큰 흐름 안에서 자리를 찾아야 할 사건이었다. 이 작품은 스타소프에게 헌정되었지만, 차이콥스키가 프로그램을 그대로 받아쓰기보다 폭풍의 위치를 함께 검토했다는 점도 서신에서 확인된다. 완성본에 붙은 프로그램은 바다와 프로스페로의 마법에서 출발한다. 아리엘이 명령을 수행하고 폭풍이 일어난 뒤, 난파된 페르디난드가 미란다를 만나 사랑에 빠진다. 이어 아리엘과 칼리반이 등장하고, 미란다와 페르디난드의 사랑은 더 큰 열정으로 자라난다. 끝에서는 프로스페로가 마법을 버리고 섬을 떠나며 바다가 다시 모습을 드러낸다. 이 순서는 희곡을 대사와 사건 그대로 옮긴 것이 아니라, 바다와 마법, 사랑, 결별을 음악으로 엮기 위한 압축된 안내다. 작품은 F단조, 631마디의 한 악장이며, 악보에는 `Andante con moto`에서 `Allegro moderato`로 이어지는 빠르기 표기가 놓여 있다. 프로그램의 사건마다 별도 악장이나 공식 장면명이 있는 것은 아니다. ## 한 악장 안의 음향 이 곡의 인물과 풍경은 목관·금관·현악의 대비를 통해 들을 수 있다. 다만 특정 악기가 한 인물을 고정적으로 맡는다고 단정하기보다는, 공연 해설과 연주 비평이 제시하는 청취의 실마리로 보는 편이 정확하다. 로스앤젤레스 필하모닉의 안내문은 낮은 현악과 호른의 도입부, 폭풍을 부르는 듯한 금관, 점차 넓어지는 사랑의 선율을 차례로 짚는다. 톰 매노프는 구스타보 두다멜의 녹음을 악보와 함께 들으며 호른을 프로스페로와, 높은 음역을 아리엘과, 낮은 현악을 칼리반과 연결했다. 이런 해석은 악보에 적힌 배역표가 아니라, 음색과 음역에서 프로그램을 읽어 내는 한 가지 방법이다. 폭풍의 규모만으로 곡 전체를 이해할 수는 없다. 큰북과 심벌즈, 금관의 강한 울림이 폭풍의 음량을 키운 뒤에도 현악과 목관은 부드러운 선율을 이어 간다. 사랑의 음악은 폭풍과 대조되는 정서적 중심이 되며, 다시 등장할 때는 시작과 끝을 잇는 바다의 구상 속에 놓인다. 그래서 연주자는 강한 절정뿐 아니라 폭풍 전후의 음량과 속도, 음색의 변화를 어떻게 이어 갈지도 결정해야 한다. 이는 악보의 프로그램을 실제 소리로 설득력 있게 만드는 연주상의 과제다. ## 편성과 연주 시간 차이콥스키는 넓은 관현악 편성을 사용했다. - **목관:** 피콜로, 플루트 2, 오보에 2, B♭ 클라리넷 2, 바순 2 - **금관:** F 호른 4, F 트럼펫 2, 트롬본 3, 튜바 - **타악기:** 팀파니 3, 심벌즈, 큰북 - **현악:** 제1·제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스 연주 시간은 해설과 녹음에 따라 조금씩 다르다. 로스앤젤레스 필하모닉은 약 20분, Tchaikovsky Research는 약 25분으로 안내한다. 따라서 실제 연주 시간은 대략 20–25분으로 보면 된다. 템포와 연주 방식에 따라 길이는 달라진다. ## 사라진 자필 총보와 출판 완성 총보의 자필은 1870년대에 분실되었다. 러시아 국립음악박물관(옛 글린카 박물관)에는 총보 사본이 남아 있는데, 그 가운데 마지막 쪽만 차이콥스키가 직접 썼다. 러시아 국립도서관에는 이 사본과 별개로 작곡 과정의 거친 초고가 보존되어 있다. 따라서 초고와 총보 사본을 하나의 문서처럼 설명하거나, 박물관 소장 사본 전체를 작곡가의 자필로 부르는 것은 정확하지 않다. 에두아르트 랑거가 편곡한 피아노 네 손용 악보는 1875년 3월 먼저 출판되었다. 관현악 파트는 1877년 4월, 총보는 같은 해 7월에 나왔다. 1891년 제2판에는 차이콥스키가 프레이징과 빠르기, 셈여림을 고친 내용이 반영되었다. 작곡가는 초판 출판 뒤에도 연주자가 참고할 표현 지시를 다시 다듬었다. ## 초연 이후의 호평과 자기비판 초연은 모스크바 러시아 음악협회의 1873년 12월 연주회에서 니콜라이 루빈스타인의 지휘로 열렸다. 1874년 11월 상트페테르부르크에서는 에두아르트 나프라브니크가 지휘한 두 번째 공연이 이어졌다. 스타소프는 이 공연을 앞둔 리허설 뒤 아리엘과 칼리반, 사랑 장면, 관현악을 높이 평가했다. 그러나 1879년 파리 공연 뒤 차이콥스키는 나데즈다 폰 메크에게 작품이 너무 길고 삽화가 많으며 균형과 연결성이 부족하다고 썼다. 며칠 뒤 다른 편지에서는 실제 야유가 한 사람에게서 나왔다고 덧붙였다. 비평가 스타소프의 호평과 작곡가 자신의 불만은 서로 다른 판단으로 함께 남아 있다. 2011년 두다멜 음반을 둘러싼 평론에서도 관점은 갈렸다. 매노프는 녹음에서 인물 묘사와 관현악 색채를 생생하게 들었지만, 앤드루 클레먼츠는 같은 음반에서 작품의 고르지 않은 짜임과 느슨한 연결을 지적했다. 두 평론을 나란히 읽으면 장면의 매력과 전체 구성의 응집력을 모두 살펴볼 필요가 있음을 알 수 있다. 개별 장면을 살리면서도 한 악장의 흐름으로 잇는 일은 이 작품을 해석할 때 남는 중요한 질문이다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, *The Tempest*](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/The_Tempest): 작곡 시기, 조성, 악장·빠르기 표기, 편성, 프로그램, 공연과 출판 연혁. - [Tchaikovsky Research, Letter 286](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_286): 스타소프의 소재 제안에 답하며 차이콥스키가 폭풍의 필요와 위치를 묻는 서신. - [National Library of Russia, *The Tempest* manuscript exhibition](https://expositions.nlr.ru/eng/ex_manus/Chaikovsky/burya.php): 작곡가의 자필, 총보 사본과 별도 초고의 관계. - [Los Angeles Philharmonic, *The Tempest*](https://www.laphil.com/works/the-tempest): 작품 길이와 인물·악기 음색에 관한 청취 안내. - [Blue Ridge Public Radio/NPR, Tom Manoff, “Tchaikovsky: Meet the Bard”](https://www.bpr.org/2011-03-23/tchaikovsky-meet-the-bard-gustavo-dudamels-new-cd): 두다멜 녹음을 악보와 함께 들은 평론가의 청취와 평가. - [The Guardian, Andrew Clements, “Tchaikovsky: Shakespeare – review”](https://www.theguardian.com/music/2011/mar/17/tchaikovsky-shakespeare-dudamel-review): 같은 음반에 대한 다른 평가. # Hamlet, Op. 67a # 정보 # Peter Ilyich Tchaikovsky: *Hamlet*, Op. 67a ## 개요 **곡명:** *Hamlet*, Op. 67a (카탈로그에 따라 Op. 67b 또는 Op. 67-bis) **작곡가:** Peter Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) **문학적 원천:** William Shakespeare, *The Tragedy of Hamlet, Prince of Denmark*; 1891년 공연은 Alexandre Dumas père와 Paul Meurice의 프랑스어 번역을 사용했다. **작곡 시기:** 1891년 1월, Frolovskoye에서 집중적으로 작업 **초연:** 1891년 2월 9일(구력) / 21일(신력), Saint Petersburg Mikhaylovsky Theatre, Lucien Guitry의 고별 자선 공연 **작품 범위:** 1891년 연극을 위한 프랑스어 부수음악, 서곡과 17개 번호(1–16번 및 리허설 중 추가된 5a) **성악:** Ophelia 소프라노, Fossoyeur 바리톤, 프랑스어 텍스트 **장르:** Shakespeare 비극을 위한 부수음악 **전곡 콘서트 소요 시간:** 약 50분. 2007년 상업 녹음의 발췌판은 약 43분이다. **IMSLP:** [*Hamlet* (incidental music), Op. 67a]() **Wikipedia:** [*Hamlet* (Tchaikovsky)]() Peter Ilyich Tchaikovsky의 *Hamlet*, Op. 67a는 1891년 Saint Petersburg Mikhaylovsky Theatre에서 프랑스어로 공연한 Shakespeare 비극을 위해 쓴 부수음악이다. 서곡과 17개 번호가 5막에 배치되고, 1888년 Op. 67 환상서곡을 축약·재편성한 서곡, 멜로드라마, 팡파르, Ophelia와 Fossoyeur의 성악 번호가 이어진다. 1891년 무대음악 전곡을 다루며, 1888년 독립 연주회용 Op. 67 환상서곡과 구분한다. ### 작품 범위와 작곡 배경 문학적 원천은 William Shakespeare의 *The Tragedy of Hamlet, Prince of Denmark*다. 1891년 제작은 Alexandre Dumas père와 Paul Meurice가 옮긴 프랑스어 번역을 사용했으므로, Saint Petersburg에서 열린 공연이라는 지리적 사실과 무대의 공연 언어를 따로 보아야 한다. 악보의 성악 번호도 프랑스어 표제를 사용한다. Lucien Guitry와의 구상은 1885년으로 거슬러 올라간다. Tchaikovsky는 Guitry가 Hamlet 또는 Romeo를 연기한다면 Mikhaylovsky Theatre 오케스트라의 자원에 맞춘 서곡과 간주곡을 쓰겠다고 편지에 적었다. 1888년에는 Grand Duchess Mariya Pavlovna가 계획한 자선 갈라에서 *Hamlet* 장면과 Tchaikovsky의 간주곡을 결합하려 했으나, Guitry의 요청은 공연으로 이어지지 않았다. 이때의 2월 6일은 초연일이 아니라 요청 편지의 날짜다. 별도 작품인 *Hamlet* Op. 67 환상서곡은 1888년 6월부터 10월까지 작곡되었다. F단조 단일 악장으로 1888년 11월 12일(구력) / 24일(신력) Saint Petersburg Russian Music Society 연주회에서 Tchaikovsky 자신의 지휘로 초연되었고, Edvard Grieg에게 헌정되었다. 1891년 무대음악의 서곡은 이 환상서곡을 축약하고 다시 구성한 판이다. Guitry가 1890년 가을 전체 연극을 위한 음악을 요청하자 Tchaikovsky는 1891년 1월 Frolovskoye에서 작업을 시작했다. Modest에게 보낸 1월 23일(구력) / 2월 4일(신력) 편지에는 작업을 불쾌한 일로 느낀다는 말이 남아 있다. 초연은 1891년 2월 9일(구력) / 21일(신력) Mikhaylovsky Theatre에서 열린 Guitry의 고별 자선 공연이었다. Guitry가 Hamlet, A. Laine이 Ophelia, H. Lorther가 Fossoyeur를 맡았으며, 보존 자료는 이 공연의 지휘자를 특정하지 않는다. 첫 Moscow 공연은 같은 해 11월 21일(구력) / 12월 3일(신력) Maly Theatre에서 열렸다. ### 출판 정보와 자료 1891년 부수음악의 완전한 작곡가 자필 총보는 소실되었다. 현재 남은 중요한 자필 자료는 1980년 음악학자 Anatoly Dmitriev의 유족이 Russian National Library에 넘긴 연필 원고 조각이다. 네 마디의 오보에 2, 클라리넷 2, 바순, 드럼 선율과 Tchaikovsky가 적은 *Hamlet*, 1891년 2월 8일이라는 날짜가 보인다. 뒷면에는 제4 tableau를 위한 팬페어와 대포를 가리키는 프랑스어 메모가 있지만, 이 5a 자료가 실제 공연에 사용되었는지는 기록이 남아 있지 않다. 소장 표기는 Saint Petersburg Russian National Library, f.384 No.54다. P. Jurgenson은 완전한 총보와 관현악 파트를 1892년 6월에 출판했고, 성악·피아노 축약판을 1896년 2월에 다시 냈다. Jurgenson 카탈로그는 이 작품을 Op. 67-bis로 부른다. 1962년 *Tchaikovsky Complete Collected Works* 제14권은 Irina Iordan이 편집했으며, 현재 Alfred/Kalmus 판매판도 Iordan 편집본으로 안내된다. IMSLP에는 1892년 Jurgenson 판의 plate 17523과 1962년 전집판, Eduard Langer의 독주 피아노 편곡이 서로 다른 자료로 정리되어 있다. 작품 번호는 판본과 카탈로그에 따라 Op. 67a, Op. 67b, Op. 67-bis로 갈린다. 표제와 파일명은 Op. 67a를 기본으로 하며, Op. 67b와 Op. 67-bis도 함께 제시해 동일한 1891년 부수음악임을 분명히 한다. 반면 Moscow Russian National Museum of Music에 남은 f.88 No.64 자필 총보는 1888년 독립 작품 Op. 67의 자료다. 두 작품의 원고와 출판 계보는 별도로 다뤄야 한다. ### 소요 시간 Tchaikovsky Research는 서곡과 17개 번호를 포함한 완전한 콘서트 공연을 약 50분으로 추정한다. Vladimir Jurowski와 Russian National Orchestra가 2007년에 녹음한 Pentatone 음반의 *Hamlet* 부분은 약 43분이며, 서곡과 각 막의 전주, 멜로드라마, 팡파르, 성악 장면을 묶은 선곡판이다. 책자는 5a를 포함하지만 원래 번호의 11b와 14번을 생략하거나 다른 방식으로 합친다. 따라서 43분은 해당 음반의 발췌 시간이고, 완전한 무대 공연의 고정 시간은 아니다. 실제 극장 공연은 대사와 장면 전환에 따라 달라진다. ### 편성 1891년 무대음악의 주 오케스트라와 성악은 다음과 같다. | 구분 | 편성 | |---|---| | 독창 | Ophelia 소프라노, Fossoyeur 바리톤 | | 목관 | 플루트 2, 오보에 2, B-flat 클라리넷 2, 바순 2 | | 금관 | F 호른 2, B-flat 트럼펫 2, 베이스 트롬본 | | 타악기 | 팀파니 3, 탬버린, 탐탐, C의 종 | | 현악 | 제1바이올린과 제2바이올린, 비올라, 첼로, 콘트라베이스 | 악보 목록에는 무대 밖 밴다가 별도로 나타난다. 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 베이스 트롬본과 타악기로 적힌 목록이며, 실제 배치와 사용 방식은 제작과 판본에 따라 달라질 수 있다. 1891년 부수음악의 편성은 1888년 Op. 67 환상서곡의 대편성과 다르다. 후자의 제3플루트, 잉글리시 호른, 호른 4대, 코넷과 튜바는 1891년 무대음악의 편성에 포함되지 않는다. ### 5막과 17개 번호 원래 총보는 서곡과 1–16번을 기본으로 하며, 리허설 중 추가된 5a를 포함해 17개 번호를 이룬다. 다음 표의 빠르기와 마디 수는 작품 연구 자료의 번호표를 따르며, 무대 기능은 장면 설명과 악보 안내를 대조한 것이다. | 구역 | 번호와 제목 | 빠르기 | 마디 | 무대 기능 | |---|---|---|---:|---| | 서곡 | Ouverture | Lento lugubre, Allegro vivacissimo | 256 | 1888년 Op. 67 환상서곡의 축약·재편성 | | 제1막 | 1 Mélodrame | Moderato assai | 23 | 유령의 첫 등장 | | 제1막 | 2 Fanfare | Allegro vivo | 9 | 트럼펫 팡파르 | | 제1막 | 3 Mélodrame | Moderato assai | 10 | Hamlet 앞 유령의 등장 | | 제1막 | 4 Mélodrame | Allegro giusto ed agitato | 112 | 유령이 부친의 살해를 말하는 장면 | | 제2막 | 5 Entr’acte | Allegro semplice | 138 | 제2막 첫 장면의 전주와 Ophelia의 첫 등장 | | 제2막 | 5a Fanfare | 미표기 | 4 | 리허설 중 추가된 미출판 팬페어 | | 제2막 | 6 Fanfare | Allegro | 8 | 극중극 장면의 팡파르 | | 제3막 | 7 Entr’acte | Andante quasi Allegretto | 28 | 독백 장면의 전주 | | 제3막 | 8 Mélodrame | Allegro giusto ed agitato | 73 | 극중극의 독살 장면 | | 제4막 | 9 Entr’acte | Andante non troppo | 103 | 성 안 방 장면의 전주 | | 제4막 | 10 Scène d’Ophélie | Andantino | 44 | Ophelia의 광란 장면 | | 제4막 | 11a Deuxième scène d’Ophélie | Moderato | 15 | Ophelia의 두 번째 장면 시작 | | 제4막 | 11b Fin de la deuxième scène d’Ophélie | Allegro vivo | 73 | 두 번째 Ophelia 장면의 종결 | | 제5막 | 12 Entr’acte | Marcia Moderato assai | 72 | 교회 묘지 장면의 전주 | | 제5막 | 13 Chant du Fossoyeur | Andantino | 14 | Fossoyeur의 노래 | | 제5막 | 14 Marche funèbre | Marcia Moderato assai | 72 | 장례 행진, 12번의 정확한 반복 | | 제5막 | 15 Fanfare | Allegro giusto | 8 | 트럼펫 신호 | | 제5막 | 16 Marche finale | Allegro risoluto ma non troppo | 19 | 마지막 행진 | 제1막은 유령의 반복되는 등장과 부친의 살해 고백을 멜로드라마와 팡파르로 묶는다. 제2막에서는 간주곡 뒤 Ophelia가 처음 등장하고, 극중극을 알리는 팬페어가 이어진다. 제3막의 전주와 멜로드라마는 독백과 극중극의 독살 장면을 받치며, 제4막의 세 번호는 성 안 장면과 Ophelia의 두 광란 장면에 집중한다. 제5막은 묘지의 전주와 Fossoyeur의 노래에서 장례 행진, 트럼펫 신호, 마지막 행진으로 진행한다. 1번은 유령 장면에서 두 번 연주되고, 8번은 4번의 축약형이며, 14번은 12번의 정확한 반복이다. 10번, 11a번, 11b번, 13번은 Tchaikovsky가 성악과 피아노용으로 편곡했고, 나머지 번호는 Eduard Langer가 독주 피아노용으로 정리했다. Op. 67의 주제는 1번, 3번, 16번에 나타나며, 5번은 1875년 제3교향곡의 Alla tedesca, 7번은 1873년 *The Snow Maiden* 부수음악, 9번은 1884년 현악을 위한 *Elegy*와 관련된다. 이러한 재사용은 작품의 계보와 장면 연결을 보여 주지만, 인물별 고정 주제로 단정할 근거는 없다. ### 공연 전승과 작곡가의 발언 Tchaikovsky는 1891년 2월 12일(구력) / 24일(신력) Anatoly에게 보낸 편지에서 음악이 잘 받아들여졌고 Guitry가 훌륭했다고 알렸다. 보존 자료는 초연의 배우와 장소를 밝히지만, 지휘자와 각 번호가 대사 사이에 놓인 정확한 순서는 특정하지 않는다. 1893년 8월 23일(구력) / 9월 4일(신력) Michał Hertz에게 보낸 편지에서 Tchaikovsky는 이 음악을 친구의 자선 공연을 위해 매우 빠르게 쓴 작은 관현악용 작업으로 평가했다. Warsaw 공연에 사용하지 말고 큰 Op. 67 환상서곡과 George Henschel의 음악을 고려하라고 권하면서, 큰 제국극장에는 맞지 않는다고도 했다. 이는 작품의 악보 구조를 판정하는 자료가 아니라, 2년 뒤 작곡가가 남긴 상황적 자기평가다. 1891년 초연 직후의 긍정적 편지와 1893년의 유보적 평가를 함께 두면, 초기 수용과 후대의 자기 인식이 갈라지는 지점을 볼 수 있다. ### 주요 레코딩 Vladimir Jurowski가 지휘한 Russian National Orchestra의 Pentatone 녹음은 2007년 9월 25–27일 Moscow DZZ Studio 5에서 제작되었다. Tatiana Monogarova가 Ophelia 장면을, Maxim Mikhailov가 Fossoyeur의 노래를 맡았다. 책자의 *Hamlet* 선곡은 약 43분이며, 서곡과 5막의 전주, 멜로드라마, 팬페어, 성악 번호를 한 콘서트용 흐름으로 묶는다. 5a를 포함하면서 11b와 14번을 원래 총보와 다르게 생략하거나 통합한 선곡이므로, 1891년 번호 전체를 그대로 재현한 무대 공연 기록은 아니다. 직접 확인 가능한 연주 자료는 이 선곡판과 그 책자의 녹음 정보에 집중된다. 따라서 녹음이 제공하는 역할 배치와 번호 배열을 연주 전승으로 기록하며, 독립 전문 평론의 평가는 작품 전체의 수용을 판단하는 근거로 삼지 않는다. ### 주요 자료 - [Tchaikovsky Research, *Hamlet* (incidental music)](): 1891년 작곡·초연, 5막 번호, 편성, 출판, 원고와 공연 시간. - [National Library of Russia, *Hamlet* manuscript](https://expositions.nlr.ru/eng/ex_manus/Chaikovsky/hamlet.php): 5a 팬페어 원고 조각과 소실된 총보의 전승. - [Tchaikovsky Research, *Hamlet* (overture-fantasia)](): 1888년 Op. 67 환상서곡의 별도 연대, 초연, 편성. - [Tchaikovsky Research, Letter 2677a](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_2677a): 1885년 Guitry에게 보낸 극장 오케스트라용 구상. - [Tchaikovsky Research, Letter 5020](https://en.tchaikovsky-research.net/pages/Letter_5020): 1893년 작품에 대한 작곡가의 자기평가. - [P. Jurgenson catalogue, *Hamlet* Op. 67-bis](): 출판사 카탈로그의 번호 표기. - [Alfred/Kalmus, *Hamlet* incidental music complete](https://www.alfred.com/hamlet-incidental-music-op-67a-complete/p/36-A217801/): Iordan 편집판과 주 오케스트라, 무대 밖 밴다 안내. - [Pentatone booklet, RNO/Vladimir Jurowski](https://eclassical.textalk.se/shop/17115/art5/4609605-932551-Ptc5186_330booklet.pdf): 2007년 녹음, 선곡 시간, 성악 배역과 번호 배열. - [Tchaikovsky Research, Thematic and Bibliographical Catalogue](): 작품별 연대, 초연, 편성, 원자료와 판본을 정리하는 카탈로그의 성격.