Richard Wagner (1813–1883)

Der fliegende Holländer

Der fliegende Holländer

정보

개요

곡명: Der fliegende Holländer, WWV 63
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
장르: 독일어 낭만 오페라
대본: Richard Wagner, Heinrich Heine의 전설 수용
작곡 시기: 1840–1841년
초연: 1843년 1월 2일, Dresden의 Königlich Sächsisches Hoftheater. Wagner 지휘
기준 판본: Schott가 구분한 1842–1880년 Fassung을 본문 기준으로 삼고, 1841년 Urfassung과 후대 one-act 상연을 비교한다.
IMSLP: Der fliegende Holländer, WWV 63 (Wagner, Richard)
Wikipedia: Der fliegende Holländer

Richard Wagner의 Der fliegende Holländer는 Wagner가 대본과 음악을 모두 쓴 전곡 독일어 오페라다. 현재 널리 연주되는 1842–1880년 Fassung은 서곡과 세 막으로 구성되며, 1841년 Urfassung은 Scotland를 배경으로 한 한 막 세 장면의 구상이었다. 세 막의 사건은 노르웨이 해안에서 Daland가 저주받은 Dutchman을 만나는 제1막, Daland의 집에서 Senta가 전설 속 인물을 실제 운명으로 받아들이는 제2막, 항구의 축제와 희생으로 저주가 풀리는 제3막의 순서로 이어진다.

출판 정보와 자료

Wagner는 1839년 Riga에서 London으로 항해하던 중 Norway 해안에 피항했고, 1843년 Autobiographic Sketch에서 그 경험과 선원에게 들은 Flying Dutchman 전설을 작품의 착상과 연결했다. Heinrich Heine의 Aus den Memoiren des Herrn von Schnabelewopski에 실린 풍자적 전설도 중요한 문학적 원천이다. Wagner는 1840년 Paris에서 한 막 오페라의 산문 구상을 발전시켰고, 1841년에는 그 줄거리 요약을 Paris Opéra의 Léon Pillet에게 500프랑에 넘겼다. 그는 Senta의 발라드와 선원 합창을 먼저 작곡한 뒤 나머지 음악을 완성하고 서곡을 마지막에 썼다고 회고한다.

1841년 원판은 Scotland를 배경으로 한 한 막 세 장면이며 Wagner 생전에는 공연되지 않았다. Dresden 초연을 준비하면서 Wagner는 배경을 Norway로 바꾸고 인물 이름을 조정했으며, 장면 전환을 위해 음악의 연속 흐름을 세 막으로 나누었다. Senta의 Ballad도 A단조에서 G단조로 옮겼다. Schott의 Complete Edition은 이 원판과 1842–1880년 Fassung, 그리고 1842–1889년의 retouching 자료를 별도 계열로 제시한다. Wagner가 생전에 최종 총보나 definitive vocal score를 확정하지 못했다는 Schott의 설명 때문에, 후대의 한 상연 형태를 유일한 정본으로 부를 수는 없다.

초연은 1843년 1월 2일 Dresden Hoftheater에서 Wagner의 지휘로 열렸다. 초연 이전 Wagner가 Paris Opéra에 넘긴 줄거리에서 Louis Dietsch의 별도 오페라 Le Vaisseau fantôme가 생겨 1842년 11월 9일 Paris에서 먼저 공연되었다. Paul Foucher와 Bénédict-Henry Revoil이 확장한 Dietsch의 2막 프랑스 오페라는 11회 공연 뒤 중단되었으며, Wagner의 1843년 독일어 오페라를 가리키는 프랑스어 판본이 아니다.

악보의 서지 기록은 자료 종류에 따라 다르다. Morgan Library는 Dresden C. F. Meser의 성악보를 [1844?] 초판으로 서지에 기록하고, Schott는 1842년 개정판이 1845년에 인쇄되었다고 설명한다. Dresden의 c.1843 인쇄물은 텍스트 또는 공연 자료로 보인다. Schott의 1841 Urfassung 및 1842–1880년 Fassung 총보·성악보, critical report는 현대 판본 연구의 주요 자료다.

Wagner 사후 Bayreuth에서 처음 공연된 날은 1901년 7월 22일이다. Cosima Wagner가 one-act edition을 사용했다는 후대 비평이 있으며, 이후 Bayreuth와 다른 극장에서는 one-act와 three-act 상연이 함께 이어졌다. one-act라는 표기만으로 1841년 원판 전체를 그대로 재현한 공연이라고 단정할 수 없으며, 3막 판본의 연결부와 1860년 결말이 함께 쓰인 사례도 있다.

소요 시간

판본, one-act 또는 three-act 형식, 휴식, live composite 편집에 따라 전곡은 약 2시간 15분에서 2시간 35분까지 걸린다. Schott의 Urfassung 성악보는 135분을 안내한다. Joseph Keilberth의 1955년 Bayreuth stereo live composite는 2시간 20분 49초, Hans Knappertsbusch의 같은 해 live broadcast는 2시간 33분 52초로 기록된다. Oksana Lyniv의 Bayreuth 2021 영상은 2시간 28분, Edward Gardner가 지휘한 Oslo 2024 공연 기반 Decca 발매는 131분이다. 카탈로그와 공연 시간의 차이는 상연 구조와 편집 조건을 함께 반영한다.

편성

성악과 합창

관현악

Schott 자료가 제시하는 무대 밖 악기와 호른의 구분은 작품의 극장 조건을 설명하는 편성 정보다. 1841년 Urfassung과 1842–1880년 Fassung의 모든 관현악 변화가 한 목록으로 정리된 것은 아니므로, 무대 밖 악기와 편성 변화는 해당 판본과 공연 자료에 따라 구분된다.

서곡과 판본의 연결

Schott는 서곡을 오페라 전체 앞에 두고, 1860년 공연을 위해 이른바 Tristan 또는 Redemption ending이 추가되었다고 설명한다. 이 결말은 Senta와 Dutchman의 구원을 서곡 끝에 반영하는 후대 수정이다. 1841년 원판과 1842–1880년 Fassung의 차이는 서곡과 마지막 장면에 선택된 판본에서도 드러난다. 서곡은 폭풍과 저주, 구원의 동기를 압축하는 독립 연주곡으로도 자주 다뤄지지만, 작품 전체의 공식 막 배열에는 포함되지 않는 도입부다.

막별 구성과 주요 번호

제1막

Norway 해안의 만에서 폭풍을 만난 Daland의 배가 피항한다. 조타수는 당직을 서며 Mit Gewitter und Sturm aus fernem Meer를 부르다 잠들고, 검은 배를 탄 Dutchman이 나타난다. Dutchman은 Die Frist ist um에서 자신이 영원히 바다를 떠돌며 7년에 한 번 육지에 올라올 수 있다는 저주를 설명한다. 충실한 여인의 사랑이 구원의 조건이라는 사실을 밝힌 뒤, 그는 Daland에게 재물을 보여 주고 Senta와의 결혼을 제안한다. Daland는 제안을 받아들이고 두 배는 Norway로 향한다.

Schott가 제시하는 공식 번호는 Introduction, Aria, Scene, Duet and Chorus다. 이 배열은 서곡의 초자연적 바다와 제1막의 현실적인 항해가 이어지는 지점을 구체적으로 보여 준다. 조타수의 노래는 선원들의 일상적인 세계를 열고, Dutchman의 독백은 그 세계에 저주받은 방문자가 들어오는 전환점이 된다.

제2막

Daland의 집에서 젊은 여성들이 Summ und brumm, du gutes Rädchen를 부르며 물레질한다. Senta는 벽에 걸린 Dutchman의 초상을 바라보고 Johohoe! Traft ihr das Schiff im Meere an으로 전설 속 선장을 노래한다. 이 Ballad는 Senta가 전설을 자신의 운명으로 받아들이는 장면이다. Erik은 꿈에서 Senta가 Dutchman과 함께 바다로 떠나는 모습을 보았다고 말하며 현실의 사랑을 호소하지만, Senta는 Dutchman에게 향한 결심을 굽히지 않는다.

Daland가 Dutchman을 집에 데려오자 Senta는 초상 속 인물과 실제 손님이 같다는 사실을 알아본다. 이어지는 Wie aus der Ferne längst vergangner Zeiten에서 두 사람은 과거와 충실함을 이야기하고 결혼의 가능성을 확인한다. Schott의 번호 배열은 Song, Scene, Ballad and Chorus, Duet, Aria, Duet and Terzetto로 이 사건을 나눈다. Naxos의 Knappertsbusch 1955 트랙 목록도 이 장면별 번호를 별도로 기록한다.

제3막

항구에서 노르웨이 선원과 마을 사람들이 귀항을 축하하며 Steuermann, lass die Wacht를 부른다. Dutchman의 배는 초대에 응답하지 않고 침묵한다. 곧 유령 선원들의 합창이 들리면서 Norway 선원들의 축제와 Dutchman 선원들의 초자연적 세계가 맞부딪힌다. Erik은 Senta에게 이전의 약속을 상기시키고 Willst jenes Tags du nicht dich mehr entsinnen으로 호소한다. Dutchman은 이 대화를 듣고 Senta가 충실하지 않다고 판단해 떠나려 한다.

Dutchman은 자신의 정체와 저주를 밝히고, Senta는 죽을 때까지 충실하겠다고 말한 뒤 바다로 몸을 던진다. Verloren! Ach, verloren! Ewig verlor'nes Heil!과 Erfahre das Geschick, vor dem ich dich bewahr!는 마지막 장면의 번호로 전해진다. Dutchman의 배가 사라지고 Senta와 Dutchman이 구원된 모습이 나타나면서 작품이 끝난다. Schott의 공식 번호는 Chorus and Ensemble, Duet and Cavatina, Finale다.

공연과 녹음의 맥락

1843년 Dresden 초연은 Wagner가 직접 지휘한 공연으로 WeGA와 공연기관 자료에 기록된다. Bayreuth의 첫 상연은 Wagner 사후인 1901년이었다. 1959년 Wieland Wagner, 1969년 Josef Svoboda의 Bayreuth 제작 자료는 서로 다른 무대미술과 출연진을 보여 주지만, 해당 데이터베이스에는 사용한 음악 판본이 명시되지 않는다. 무대 제작의 변화와 악보 판본의 변화는 서로 다른 종류의 기록으로 구분된다.

Oksana Lyniv은 2020년 BR-KLASSIK 인터뷰에서 2017년 Barcelona Liceu에서 이 오페라를 지휘한 경험을 바탕으로 Bayreuth 공연을 준비했다고 말했다. 그녀는 Bayreuth가 이 작품을 위해 설계된 극장이 아니며 음악이 매우 강렬하다고 설명했고, 리허설에서 보조 지휘자와 동료의 기술적·음악적 의견을 듣되 최종 결정과 책임은 자신이 맡는다고 밝혔다. 이 발언은 특정 마디의 템포 지시가 아니라 극장 조건과 리허설 협업의 범위를 설명한다.

2021년 Bayreuth 제작에서 Dmitri Tcherniakov는 전통적인 바다와 유령선 대신 현대적인 마을과 Dutchman의 어린 시절 이야기를 무대에 배치했다. BR-KLASSIK의 Bernhard Neuhoff는 Lyniv의 진행이 빠르고 집중되며 다이내믹을 통제하고 중간 성부를 들려준다고 평가했다. 코로나19 조건으로 합창이 무대 밖에서 노래를 전송한 사실도 이 제작의 공연 조건으로 기록된다. 이러한 무대와 합창 배치는 1842–1880년 악보의 판본 문제와 별개다.

Edward Gardner의 2024년 Oslo 콘서트 버전과 2025년 Decca 발매에 대해 Gramophone의 David Patrick Stearns는 Gardner가 후기 Wagner의 Tristan 관점으로 작품을 무겁게 만들기보다 초기 독일·프랑스 오페라 관습에서 읽었다고 설명한다. Katherine Cooper의 Presto Music 비평은 Gardner가 서곡의 색채를 구분하고 금관이 현악 세부를 덮지 않도록 했다고 평가한다. 두 비평은 Oslo 공연·녹음의 구체적인 음향 결과에 관한 판단이며 모든 지휘자나 성악진에 적용되는 기준은 아니다. Presto는 Lise Davidsen의 Senta와 Gerald Finley의 Dutchman이 이중창에서 균형이 흔들리는 구간도 관찰했다.

1955년 Bayreuth의 Joseph Keilberth와 Hans Knappertsbusch 녹음은 같은 제작과 대부분 같은 성악진을 공유하면서도 진행 속도와 녹음 형식이 다르다. Keilberth 발매는 여러 리허설과 공연을 모은 stereo live composite이며 2시간 20분 49초다. Knappertsbusch의 7월 22일 방송 녹음은 2시간 33분 52초로 기록된다. 두 녹음은 1860년 이후의 Redemption ending을 포함한 one-act 공연으로 설명되지만, one-act가 1841년 원판의 모든 요소를 재현한다는 뜻은 아니다. Gramophone과 MusicWeb의 비평은 Knappertsbusch의 넓고 장엄한 진행, Keilberth의 더 빠른 진행과 긴장 유지에 서로 다른 평가를 내린다.

Ralph Moore의 MusicWeb survey는 1944년 Clemens Krauss의 Munich mono 라디오 방송, 1959년 Franz Konwitschny의 studio set 등도 주요 녹음사에 포함한다. Krauss 녹음은 Hans Hotter의 Dutchman이 역사적으로 중요한 사례라는 평가와 당시 mono 음향의 한계를 함께 보여 준다. 특정 녹음의 역사성과 평판은 해당 survey와 비평가의 판단으로 귀속되며, 레이블의 발매 문구와 구별된다.

주요 자료

Tannhäuser

Tannhäuser

정보

개요

Richard Wagner의 Tannhäuser는 Venusberg의 관능적 세계에서 출발해 Wartburg의 노래 경연과 로마 순례를 거치는 세 막 오페라다. Tannhäuser는 Venus를 떠나 인간 공동체로 돌아오지만, 경연에서 Venus의 사랑을 노래해 추방된다. 제3막에서 Elisabeth의 기도와 죽음, 교황의 판결, 순례자들이 전하는 기적이 차례로 놓이며 주인공의 죽음과 구원이 결말을 이룬다. 서곡은 전곡의 시작이면서 독립 관현악곡으로도 연주된다.

구상과 두 전승

Wagner는 한 인물의 전설을 그대로 옮기지 않고 두 중세 이야기를 엮었다. 하나는 Venusberg에서 Venus와 지내는 음유시인 Tannhäuser의 전설이고, 다른 하나는 튀링겐의 Wartburg에서 기사와 음유시인들이 노래로 겨루는 이야기다. 이 결합이 베누스베르크의 축제, Wartburg의 궁정, 로마 순례와 Elisabeth의 희생을 한 인물의 여정으로 연결한다.

작업 과정은 BSO 프로그램 노트가 다음과 같이 제시한다.

초연 뒤에도 Wagner는 Dresden 공연과 다른 도시의 상연을 준비하며 악보를 고쳤다. 따라서 1845년 10월 19일의 초연 상태와 후대에 ‘Dresden version’으로 불린 1860년 출판 계열은 같은 악보가 아니다.

출판 정보와 자료

Schott의 Wolfgang M. Wagner 편집 성악보는 작품의 주요 상태를 한 권에 나란히 싣는다. 카탈로그가 구분하는 네 단계는 다음과 같다.

단계 악보·공연의 의미
1845 Dresden 초연 시기의 상태
1860 1847~1852년 공연 수정이 반영된 Dresden 계열의 출판 상태
1861/62 Paris 초연과 그 이후 정리된 계열. 완전한 프랑스어 텍스트를 포함한다.
1875 Wagner가 감독한 Vienna 공연의 단계

Paris 계열은 제1막 Venusberg 장면과 Bacchanale을 크게 확장하고, 파리 오페라의 관례에 맞춘 발레를 포함한다. 1861년 3월 13일 Paris 오페라에서 프랑스어로 초연되었지만, 그때의 악보와 1876년 성악보·1888년 총보가 모두 같은 상태라고 볼 수는 없다. 1875년 Vienna 공연은 Paris 이후의 수정과 독일어 공연 관행을 함께 반영한다. Schott의 네 단계 배열은 여러 상태가 한 공연에서 동시에 연주된다는 뜻이 아니라, 서로 다른 자료를 비교하도록 만든 편집 방식이다.

Wagner의 1852년 글 On the Performance of Tannhäuser도 판본 자료와 함께 읽을 수 있다. Schott가 인용한 대목에서 Wagner는 제1막 네 번째 장면의 엑스트라 동작이 충분히 활기차지 못했던 경험을 근거로 일부 마디를 덜어낼 수 있다고 말하고, 제2막 마지막 앙상블에서는 주선율이 들리도록 다른 가수와 오케스트라가 절제해 받쳐야 한다고 설명한다. 이 두 대목은 특정 장면의 무대 행동과 앙상블 균형에 관한 지시이며, 작품 전체에 적용되는 고정된 음량이나 템포 규칙은 아니다.

소요 시간

전곡의 음악 시간은 판본, 삭제·생략, 연주 템포, 무대 밖 음악의 처리에 따라 달라진다. BSO는 서곡과 Venusberg 음악을 연결한 발췌를 약 25분, 제3막을 약 1시간으로 안내한다. 독립 서곡만 연주할 때는 대체로 14~16분으로 제시되는 사례가 있다.

극장 안내는 인터벌과 무대 전환을 포함하므로 음악 시간과 다르다. Opernhaus Zürich의 1875년 Vienna 공연본 기반 제작은 인터벌 포함 4시간 25분, Bayerische Staatsoper의 2024년 제작은 약 4시간 45분, HNK Zagreb의 2026년 제작은 약 3시간 40분으로 안내한다. 이 수치들은 각 제작의 편집과 진행 조건을 보여 주며, 1845년 초연의 고정 시간이나 모든 판본의 공통값을 뜻하지 않는다.

편성

주요 배역과 합창

관현악과 무대 악단

판본에 따라 세부 편성이 달라진다. Schott는 Paris 계열에서 베이스 클라리넷을 제외할 수 있고 오피클레이드를 표기하며, 하프 네 대와 캐스터네츠도 Paris 개정의 특징으로 설명한다. 1875년 Vienna 제3막의 무대 음악은 두 대향 그룹으로 나뉜다. 각 그룹에 피콜로, 플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 3, 바순 2, 호른 2가 놓이고, 한쪽에는 심벌즈와 트라이앵글, 다른 쪽에는 탬버린이 배치된다. Schott가 적은 대규모 무대 악기 수와 BSO가 설명한 양쪽 그룹은 서로 다른 판본·배치 단위를 가리키므로 단순히 합산하지 않는다.

서곡과 세 막의 진행

서곡과 Venusberg

서곡은 순례자의 행진, Venusberg의 관능적 음악, Tannhäuser가 Venus를 찬양하는 재료를 한 흐름으로 묶는다. Dresden 계열의 독립 서곡은 격렬한 Venusberg 대목을 지나 순례자의 행진으로 돌아와 닫힌다. Paris 개정에서는 발레를 위한 Bacchanale이 제1막에 확대되어 들어갔고, 1872년 5월 12일 Vienna 콘서트와 1875년 11월 22일 Wagner 감독하의 Vienna 무대에서 서곡과 Bacchanale을 끊지 않고 잇는 방식이 자리 잡았다. 그러므로 ‘서곡’과 ‘서곡+Bacchanale’은 같은 연주 단위가 아니다.

제1막: Venusberg에서 Wartburg로

베누스베르크의 축제에서 Tannhäuser는 Venus와 지내면서도 인간 세계를 그리워한다. 그는 Venus에게 떠나겠다고 요구하고, 세 절로 된 이별 노래를 하프 반주와 함께 부른다. 성모 Maria의 이름을 부르는 순간 Venusberg의 힘이 물러나고, 목동의 봄 노래와 순례자들의 합창이 인간 세계의 소리를 연다. Landgrave Hermann과 Minnesinger 일행이 그를 발견해 Wartburg로 돌아오라고 권한다. Tannhäuser는 Elisabeth의 이름과 그녀가 겪은 고통을 듣고 옛 공동체로 향한다.

제2막: Hall of Song의 경연

Wartburg의 Hall of Song에서 Elisabeth는 Dich, teure Halle로 긴 부재 뒤의 공간을 맞이한다. Landgrave는 사랑의 본질을 주제로 가수 경연을 열고 Elisabeth와의 결혼을 상으로 내건다. Wolfram은 영적이고 고결한 사랑을, Walther는 고상한 사랑을, Biterolf는 기사적 명예를 주장한다. Tannhäuser는 Venus의 감각적 사랑을 노래하고 끝내 자신이 Venusberg에 있었다고 공개한다. 기사들이 그를 공격하려 하자 Elisabeth가 가로막고, Landgrave는 그를 추방하는 대신 로마 순례자들과 함께 용서를 구할 길을 열어 준다.

제3막: 순례와 구원의 표지

Wartburg 계곡으로 돌아온 Elisabeth는 순례자들 사이에서 Tannhäuser를 찾지 못하고 그를 대신해 기도한다. 그녀가 떠난 뒤 Wolfram은 O du mein holder Abendstern으로 저녁별을 부른다. Tannhäuser가 돌아와 교황이 자신의 지팡이에 새잎이 돋기 전에는 용서할 수 없다고 판결했다는 로마의 이야기를 전하자, 그는 다시 Venus를 부르려 한다. Wolfram이 Elisabeth의 이름을 말하는 순간 Tannhäuser는 돌아서지만, Elisabeth의 장례 행렬 앞에서 쓰러진다. 순례자들이 새잎이 돋은 지팡이를 들어 보이며 구원의 기적을 알린다.

판본과 공연의 전승

1861년 Paris 초연은 164회의 리허설 뒤 열렸고, 제1막에 발레가 배치된 데 반발한 Jockey Club의 항의가 이어졌다. 작품은 세 번 공연한 뒤 철회되었다. 이 소동은 발레 관행과 관객 집단이 얽힌 초연의 조건을 보여 준다. 1867년 8월 1일에는 Paris에서 확대된 제1막 장면이 Hans von Bülow 지휘로 München에서 독일어로 공연되었다. 미국에서는 1859년 4월 4일 New York 공연이 Wagner 오페라의 첫 상연으로 기록되고, 1884년 Met 초연은 Leopold Damrosch가 지휘했다. Bayreuth의 첫 공연은 1891년으로 기록된다.

후대 녹음은 작품명만으로 판본을 확정할 수 없다는 점을 보여 준다. Decca가 소개하는 Georg Solti의 1970년 녹음은 Wiener Philharmoniker와 René Kollo, Christa Ludwig가 참여했으며 Paris 계열을 사용했다고 레이블이 밝힌다. Warner Classics의 Daniel Barenboim 음반은 Staatskapelle Berlin, Peter Seiffert, Jane Eaglen, Waltraud Meier, Thomas Hampson, René Pape의 연주진과 2016년 발매 항목을 제시한다. 독립 음반 조사에서는 이 음반을 2001년 녹음, Dresden 기본에 제1막 Paris 대목을 섞은 사례로 분류한다. Opus Arte의 Bayreuth 2014 영상은 Axel Kober 지휘, Sebastian Baumgarten 연출, Torsten Kerl·Camilla Nylund·Michelle Breedt 등의 출연과 약 252분의 상품 시간을 기록하지만, 인레이는 사용 악보의 정확한 판본을 밝히지 않는다. Deutsche Grammophon의 Sawallisch 항목은 제목에 Highlights가 붙은 발췌 음반이므로 전곡 자료와 구별한다.

주요 자료

Lohengrin

Lohengrin

정보

개요

곡명: Lohengrin, WWV 75
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
대본: Richard Wagner. Wolfram von Eschenbach의 Parzival과 중세의 백조 기사·성배 전승을 바탕으로 했다.
작곡 시기: 1845–1848년. 총보는 1848년 1월 1일부터 4월 28일까지 작성되었다.
초연: 1850년 8월 28일, 바이마르 Großherzogliches Hoftheater. Franz Liszt 지휘, Wagner는 망명 중이어서 참석하지 못했다.
장르: 독일어 3막 낭만 오페라
IMSLP: Lohengrin, WWV 75
Wikipedia: Lohengrin (opera)

Richard Wagner의 Lohengrin은 그가 음악과 독일어 대본을 함께 쓴 3막 낭만 오페라다. 전곡은 10세기 전반의 앤트워프와 브라반트를 무대로 Elsa를 구하는 이름 없는 기사의 등장, 결혼, 그리고 정체 공개와 이별을 이어 간다. 작품은 1막과 2막 뒤에 마지막 막의 두 부분, 곧 신방과 Scheldt 강가의 장면을 둔다. 따라서 마지막 막이 두 부분으로 나뉘어 보여도 독립된 4막으로 세지 않는다.

출판 정보

1850년 바이마르에서 인쇄된 초연 대본의 표제는 *Lohengrin: romantische Oper in drei Acten (letzter Act in zwei Abtheilungen)*이다. The Morgan Library가 보존한 초판에는 1850년 8월 28일 바이마르 궁정극장에서 Franz Liszt의 지휘로 초연되었다는 안내와 초연 성악진이 함께 실려 있다. 이 자료는 3막과 마지막 막의 두 부분이라는 무대용 구분을 직접 확인하게 한다.

초판 총보는 1852년 라이프치히 Breitkopf & Härtel에서 출판되었다. Library of Congress와 IMSLP의 서지 자료는 이 총보를 대본 초판과 구별해 기록한다. 오늘날 연구와 연주에서 기준으로 삼을 수 있는 Schott의 Wagner Complete Edition은 자필 총보를 바탕으로 하며, John Deathridge와 Klaus Doege가 편집한 RWA 107-10(1막), RWA 107-20(2막), RWA 107-30(3막·부록·비평보고서)이 1996년부터 2000년 사이에 발행되었다. 이 판본은 자필과 여러 세부가 달랐던 Michael Balling의 1914년 전집판과 텍스트를 구별한다.

소요 시간

막별 연주는 1막 약 60분, 2막 약 80분, 3막 약 60분으로 안내된다. 휴식을 포함하면 제작에 따라 약 4시간 15분에서 4시간 45분이 걸린다. Schott의 카탈로그 예상치는 240분이며, 실제 극장 시간은 휴식·장면 전환·템포·컷에 따라 달라진다. 레이블 본편은 1963년 Rudolf Kempe 녹음이 약 3시간 37분, 1953년 Josef Keilberth 실황이 3시간 39분 29초, 1985–86년 Sir Georg Solti 녹음이 3시간 42분 29초로 제시된다. 이 수치는 휴식이 없는 녹음 시간으로 공연장 안내와 같은 종류의 값은 아니다.

편성

주요 역할은 Lohengrin(테너), Elsa von Brabant(소프라노), Ortrud(소프라노), Friedrich von Telramund(바리톤), Heinrich der Vogler(베이스), 왕의 전령 Der Heerrufer des Königs(베이스)이다. Herzog Gottfried는 무언 역할이며, 네 명의 Brabant 귀족과 네 명의 소년 귀족, 작센·튀링겐·브라반트의 귀족과 백성, 시종과 병사가 혼성합창을 구성한다. Ortrud와 왕의 전령의 성부는 극장과 판본의 배역표에서 다르게 제시되기도 하므로 여기서는 Schott 연구용 총보의 배치를 따른다.

무대 안의 주 관현악은 플루트 3(제3 플루트는 피콜로 겸함), 오보에 3(제3 오보에는 잉글리시 호른 겸함), 클라리넷 3(제3 클라리넷은 베이스 클라리넷 겸함), 바순 3, 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 3, 튜바, 팀파니, 타악기 4, 하프, 오르간, 현악 5부로 편성된다. Bühnenmusik I에는 플루트 3·오보에 3·클라리넷 3·바순 3·호른 4와 팀파니·타악기·하프가, Bühnenmusik II에는 트럼펫 10과 트롬본 3이 추가된다. 무대음악은 주 오케스트라와 단순히 합산하지 않고, 왕의 행렬과 군사적 호출을 무대 밖 공간으로 확장하는 별도 그룹으로 다룬다.

막별 구성과 주요 장면

1막: Scheldt 강가의 재판과 신명재판

앤트워프 근교 Scheldt 강가에서 독일 왕 Heinrich가 브라반트의 분쟁과 외부의 전쟁 위협을 말하며 집회를 연다. Friedrich von Telramund는 Elsa가 동생 Gottfried를 죽였다고 고발하고, Elsa는 Einsam in trüben Tagen에서 꿈에 나타난 기사를 기다렸다고 진술한다. 백조가 끄는 배를 타고 Lohengrin이 나타나 Elsa를 위해 결투하겠다고 하면서도, 결혼 뒤에도 자신의 이름과 출신을 묻지 말라는 조건을 건다.

Lohengrin은 신명재판에서 Telramund를 이기고 Elsa의 결백을 공적으로 입증한다. 마지막 합창과 왕의 군사적 호소는 개인의 구원이 곧 공동체의 판결과 보호자 선포로 이어지는 과정을 보여 준다. 1막 전주곡 Vorspiel은 고음 현악과 하프를 중심으로 약 8분에서 10분 동안 이어지며, Liceu의 해설은 이 투명한 음향을 성배의 보이지 않는 세계가 열리는 장면과 연결한다.

2막: Ortrud의 음모와 성당 앞의 공개 대립

패배한 Telramund와 Ortrud는 성과 궁정의 바깥에서 복수를 계획한다. Ortrud는 Elsa의 연민을 이용해 Lohengrin의 이름과 혈통을 모른다는 사실을 의심하게 하고, Telramund는 공개적으로 그의 신원과 신명재판의 정당성을 공격한다. Heinrich와 공동체는 Lohengrin을 브라반트의 보호자로 세우려 하지만, 사적인 결혼 약속은 왕권과 집단의 질서를 둘러싼 논쟁으로 바뀐다.

결혼 행렬이 성당으로 향하는 동안 Ortrud는 그 행렬을 멈추게 하고 Elsa의 신뢰를 다시 흔든다. 이 막의 끝은 결혼 의식이 완성되는 순간이 아니라, 공동체가 초월적 보호자를 받아들이는 방식이 이미 의심과 정치적 압력에 노출된 순간이다. 자주 독립된 결혼 행진곡으로 연주되는 Treulich geführt는 2막이 아니라 3막 1장에 놓인다.

3막: 신방과 Lohengrin의 정체 공개

3막 전주곡 뒤 신방으로 들어가는 행렬에서 혼성합창이 Treulich geführt, ziehet dahin을 노래한다. Elsa와 Lohengrin은 처음에는 결혼의 친밀함을 확인하지만, Elsa는 이름과 출신을 묻지 말라는 약속을 더는 지키지 못한다. 질문이 나온 뒤 Telramund와 동료들이 침입하고 Lohengrin은 Telramund를 죽인다. 금지된 질문은 개인적 호기심이 아니라 결혼과 통치의 조건을 한꺼번에 무너뜨리는 사건이 된다.

두 번째 부분은 다시 Scheldt 강가에서 왕과 군대가 기다리는 장면이다. Lohengrin은 In fernem Land에서 자신이 성배 기사이며 Parsifal의 아들이라고 밝힌다. 성배의 힘을 지닌 기사는 정체를 공개한 순간 인간 세계에 남을 수 없으므로 Elsa와 브라반트의 보호자를 동시에 포기한다. 그는 백조로 변해 있던 Gottfried를 인간의 모습으로 돌려놓고 떠나며, Elsa는 남편을 잃은 채 쓰러진다. Ortrud의 저주가 풀리고 Gottfried가 돌아오는 결말은 공동체의 통치 질서가 회복되는 동시에 Elsa의 사적 세계가 붕괴하는 장면으로 구성된다.

공연과 녹음의 기록

Wagner는 1850년 바이마르 초연에 참석하지 못했고, Oxford Academic의 Barry Millington은 그가 작품의 완전한 공연을 처음 들은 시점을 1861년 빈 공연으로 정리한다. Bayreuth Festival 초연은 1894년 Felix Mottl의 지휘로 열렸다. 이 공연사는 작품이 작곡가의 직접적인 초연 지휘를 거쳐 정착한 것이 아니라, 여러 극장과 지휘자가 다른 컷과 시간으로 이어 온 레퍼토리였음을 보여 준다.

1953년 Bayreuth 실황은 Wolfgang Windgassen과 Eleanor Steber, Josef Keilberth가 참여한 모노 녹음으로 본편 3시간 39분 29초를 제시한다. Naxos의 트랙 표에는 1막 전주곡 10분 8초와 3막 전주곡 3분 11초가 따로 기록되어 있어, 전주곡의 템포와 막 사이의 연결을 확인할 수 있다. 1963년 빈에서 녹음한 Rudolf Kempe의 음원은 Jess Thomas, Elisabeth Grümmer, Christa Ludwig, Dietrich Fischer-Dieskau와 Wiener Philharmoniker가 참여했으며, 재발매 카탈로그들은 본편을 약 3시간 37분으로 제시한다.

1985–86년 빈 Sofiensaal에서 제작된 Solti 녹음은 Plácido Domingo, Jessye Norman, Eva Randová, Siegmund Nimsgern과 Wiener Philharmoniker를 기용했고, 카탈로그상 본편은 3시간 42분 29초다. 2011년 Bayreuth Festival 실황을 담은 Opus Arte 영상은 Klaus Florian Vogt, Annette Dasch, Petra Lang과 Andris Nelsons가 참여하며 본편 209분과 인터뷰·갤러리 25분을 분리한다. 오디오 녹음의 본편 시간과 영상의 무대 기록을 나누어 보면, 컷·템포·휴식·시청각 연출이 서로 다른 공연 조건을 만든다는 사실을 확인할 수 있다.

주요 자료

Tristan und Isolde

Tristan und Isolde

정보

개요

곡명: Tristan und Isolde, WWV 90
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
작곡 시기: 1857–1859년
초연: 1865년 6월 10일, 뮌헨 Hof- und Nationaltheater. Hans von Bülow 지휘, Ludwig Schnorr von Carolsfeld와 Malvina Schnorr von Carolsfeld 주연
형식: 바그너가 직접 대본을 쓴 독일어 3막 음악극. 그는 장르를 「3막의 극적 행위」라는 뜻의 Handlung in drei Aufzügen으로 적었다.
IMSLP: Tristan und Isolde, WWV 90
Wikipedia: Tristan und Isolde

바그너의 3막 음악극 《Tristan und Isolde》에서 두 연인이 함께하는 시간은 의외로 짧다. 제1막에서는 같은 배에 있으면서도 마주하지 못하고, 제2막에서야 밤의 만남이 이루어지지만 곧 발각된다. 제3막에서 이졸데가 도착할 때 트리스탄은 이미 죽어 간다. 바그너는 이 단순한 사건 사이를 기다림과 기억, 서로에게 다가가려는 마음으로 채웠다. 전주곡에서 시작된 선율과 화성은 한 장면에서 끝나지 않고 다음 장면의 말과 관현악으로 넘어간다. 그래서 이 작품을 들을 때에는 유명한 ‘트리스탄 화음’만큼이나, 음악이 어디에서 멈추고 무엇을 기다리는지에 귀를 기울이게 된다.

출판 정보와 자료

바그너는 고트프리트 폰 슈트라스부르크의 중세 서사시를 포함한 트리스탄 전승을 자유롭게 고쳐 대본을 썼다. 1857년 8월 20일 산문 줄거리를 쓰기 시작해 취리히와 베네치아를 거쳐, 1859년 8월 6일 루체른에서 총보를 완성했다. 1854년에 접한 쇼펜하우어의 철학, 《니벨룽의 반지》 작업을 중단한 시기, 마틸데 베젠동크와의 관계는 집필의 배경이다. 다만 어느 인물이 실존 인물의 초상이고 특정 화음이 철학 명제의 번역이라고 환원하기보다, 그 배경이 극의 언어와 음악에서 어떻게 움직이는지 살피는 편이 정확하다.

대본은 1859년에 따로 인쇄되었다. 브라이트코프 운트 헤르텔은 1860년 한스 폰 뷜로가 만든 피아노·성악보와 관현악 총보를 냈다. 그러나 악보를 인쇄한 일이 곧 공연으로 이어지지는 않았다. 빈에서 70차례가 넘는 연습을 하고도 상연 계획이 취소되었고, 루트비히 2세의 후원 아래 1865년 뮌헨에서야 전곡 초연이 성사되었다. 트리스탄과 이졸데를 부른 루트비히·말비나 슈노르 폰 카롤스펠트 부부의 공연은 당대에 큰 주목을 받았지만, 작품이 곧 여러 극장에 정착한 것은 아니었다. 초연 이후 루트비히 슈노르가 29세로 사망한 사실을 배역의 부담과 곧장 인과관계로 연결해서는 안 된다.

오늘 악보를 볼 때에는 《Richard Wagner Sämtliche Werke》 제8권과 쇼트의 비평 성악보 ED 20542가 중요한 기준이다. 비평판은 바그너가 감독한 1860년 초판 인쇄본을 중심으로 삼되 자필 총보와 비교해 오류와 차이를 살폈다. 성악보에는 초연 트리스탄이 쓰던 파트의 표시, 1860년대 리허설에서 전한 대체 선율과 조옮김, 바그너가 직접 만들거나 승인한 생략도 실려 있다. 따라서 자필 총보 하나가 유일한 ‘원형’이라거나, 나중의 모든 공연 조정이 후대의 임의 변경이라고 생각하면 악보가 전하는 실제 역사를 놓치게 된다.

소요 시간

쇼트가 제시한 전곡의 음악 시간은 약 270분이다. 공연에서는 빠르기와 생략 여부에 따라 달라지며, 슈투트가르트 국립오페라는 제1막 약 85분, 제2·3막 각 약 75분으로 안내한다. 두 차례 휴식을 포함한 극장 체류 시간은 대개 다섯 시간 안팎이다. 특정 공연을 계획한다면 각 극장이 공지한 막별 시간과 휴식 시간을 확인해야 한다.

편성

배역 성부 극에서 맡는 자리
트리스탄(Tristan) 테너 마르케의 조카이자 기사. 이졸데를 데려오는 임무를 맡는다.
이졸데(Isolde) 소프라노 아일랜드의 공주. 마르케의 신부가 되기 위해 배에 오른다.
마르케 왕(König Marke) 베이스 트리스탄의 숙부. 제2막에서 두 사람을 발견한다.
브랑게네(Brangäne) 소프라노 이졸데의 시녀. 약을 바꾸고 밤의 만남을 지킨다.
쿠르베날(Kurwenal) 바리톤 트리스탄의 충직한 동료. 제3막에서 그를 돌본다.
멜로트(Melot) 테너 트리스탄의 친구로 여겨졌으나 두 사람을 밀고한다.

목동과 젊은 선원은 테너, 조타수는 바리톤이며 남성 합창이 선원·기사·종자로 나온다. 위 성부는 쇼트 성악보의 표기를 따른다. 브랑게네는 브라이트코프의 현행 작품 목록에서는 메조소프라노로 표기되고, 실제로도 메조소프라노가 자주 맡는다. 이 차이는 악보의 성부 표기와 오늘의 배역 관행을 구분해 보여 준다.

피트의 기본 편성은 플루트 3(제3주자는 피콜로 겸임), 오보에 2, 잉글리시호른, 클라리넷 2, 베이스클라리넷, 바순 3, 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 3, 베이스 튜바, 팀파니·트라이앵글·심벌즈, 하프와 현악이다. 여기에 무대의 상황을 들려주는 잉글리시호른, 호른 6, 트럼펫 3, 트롬본 3이 별도로 기재된다. 자료마다 이 악기들의 위치를 묶거나 나누는 방식이 달라 무조건 한곳에 배치한다고 단정할 수 없다. 중요한 것은 사냥대가 멀어지는 소리와 바다에서 배가 오는 신호가 피트의 연주와는 다른 거리에서 들린다는 점이다.

제1막: 배 위에서 되살아나는 과거

제1막은 다섯 장면이며, 아일랜드에서 콘월로 가는 배 한 척을 벗어나지 않는다. 관현악 전주곡이 잦아든 뒤 젊은 선원의 무반주 노래가 들린다. 그의 가벼운 노랫말은 이졸데가 처한 상황과 잔인하게 어긋난다. 그녀는 적국의 왕 마르케에게 신부로 보내지고, 배를 이끄는 사람은 자신의 약혼자 모롤트를 죽인 트리스탄이다. 이졸데가 그를 만나려 해도 트리스탄은 임무를 핑계로 대면을 피한다. 쿠르베날은 모롤트에게 이긴 영웅을 자랑하는 노래로 응수하고, 그 소리가 이졸데의 분노를 더욱 키운다.

이졸데가 브랑게네에게 들려주는 회상에서 사건의 다른 면이 열린다. 트리스탄은 과거 모롤트와 싸워 부상한 뒤 ‘탄트리스’라는 이름으로 그녀에게 치료를 받았다. 이졸데는 그의 정체를 알아보고 칼을 들었지만 결국 살려 보냈다. 트리스탄이 이제 그녀를 마르케의 신부로 데려가는 일은 단순한 정략결혼 이상의 배신으로 느껴진다. 관객은 제1막의 사건을 현재 순서대로만 알지 않는다. 배 위의 말 사이로 과거의 싸움과 치유, 차마 실행하지 못한 복수가 계속 끼어든다.

콘월이 가까워지자 이졸데는 브랑게네에게 죽음의 약을 준비시키고 트리스탄을 마침내 불러낸다. 그녀가 내민 잔은 화해의 잔처럼 보이지만 두 사람이 함께 죽으리라는 결심을 담았다. 브랑게네는 약을 사랑의 약으로 바꾼다. 잔을 마신 뒤 두 사람은 서로의 이름을 부르며 숨겨 둔 감정을 드러낸다. 이때 약이 무에서 사랑을 만들었다고만 읽으면 앞서 쌓인 시선과 망설임이 사라진다. 음악은 전주곡부터 미뤄 온 대면이 실제로 벌어지는 순간을 크게 펼친다. 바로 그때 배의 도착과 왕을 맞을 준비가 두 사람의 사적인 시간을 끊는다.

제2막: 밤의 대화와 낮의 귀환

세 장면으로 된 제2막에서 마르케가 사냥을 나간 밤, 이졸데는 횃불을 꺼 트리스탄에게 만나러 오라는 신호를 보낸다. 브랑게네는 멜로트가 두 사람을 감시한다고 경고하지만 이졸데는 그 말을 물리친다. 멀어지는 호른 소리는 사냥대의 거리뿐 아니라 두 사람이 누리려는 잠깐의 자유를 가늠하게 한다.

제2장면의 긴 이중창은 재회의 환희에서 시작해 ‘낮’과 ‘밤’을 되풀이해 묻는 대화로 넓어진다. 낮에는 트리스탄이 마르케의 신하이고 이졸데는 왕의 신부이며, 각자의 이름과 의무가 둘을 갈라놓는다. 밤에는 그 구분을 잊고 하나가 되고 싶어 한다. 「O sink hernieder, Nacht der Liebe」(내려오라, 사랑의 밤이여)로 시작하는 대목에서 두 목소리는 서로를 따라가고 겹치며, 관현악은 일찍 끝날 듯한 흐름을 계속 이어 간다. 사랑이 곧바로 죽음을 향한 맹목적인 소망이라는 뜻만은 아니다. 두 사람은 사회적 이름이 사라진 상태를 노래하다가 살아 있는 몸으로는 그 밤을 영원히 붙들 수 없다는 사실과 부딪힌다.

브랑게네가 멀리서 부르는 「Einsam wachend in der Nacht」(밤에 홀로 깨어)는 이 장면의 중요한 균열이다. 경고는 두 사람의 대화를 막지 못하지만, 청중에게 밤 바깥의 시간을 계속 들려준다. 쿠르베날이 달려와 위험을 알리고 멜로트가 마르케를 데려오면, 방금 전까지 음악 속에서 멀어졌던 낮의 질서가 실제 인물로 돌아온다.

마르케의 「Tatest du’s wirklich?」(정말 네가 그랬느냐?)는 단순한 분노의 폭발이 아니다. 그는 가장 믿었던 트리스탄이 왜 자신을 배신했는지 이해하지 못해 긴 슬픔을 토로한다. 밤의 사랑에만 귀를 기울였다면 이 독백이 극에 가져오는 윤리적 무게를 놓치기 쉽다. 트리스탄은 마르케에게 자신이 가는 곳을 설명할 수 없다고 말하고, 이졸데에게 함께 가겠느냐고 묻는다. 이어 멜로트의 공격을 피하지 않아 치명상을 입는다. 제2막은 밤이 낮을 이긴 채 끝나지 않는다.

제3막: 카레올에서 기다리는 사람

세 장면으로 된 제3막에서 쿠르베날은 트리스탄을 브르타뉴의 카레올로 데려와 간호한다. 첫 장면에서는 목동의 쓸쓸한 선율이 먼 곳에서 들린다. 이졸데의 배가 보이지 않는다는 신호다. 무대 밖 잉글리시호른의 소리는 트리스탄이 바라볼 수 없는 바다를 청중에게 먼저 그려 준다. 그는 의식을 되찾았다 잃으며 어린 시절, 부모의 죽음, 이졸데와 나눈 잔, 마르케의 궁정을 오간다. 노래가 길어지는 이유는 새로운 사건이 계속 생겨서가 아니다. 같은 기다림에서 벗어나지 못하는 사람이 기억을 다시 겪기 때문이다.

배가 나타났다는 목동의 밝은 신호가 들리자 트리스탄은 붕대를 뜯고 이졸데를 맞으려 한다. 그녀가 도착하지만 트리스탄은 이졸데의 품에서 죽는다. 곧 또 다른 배가 들어온다. 마르케는 브랑게네에게 약의 진실을 듣고 두 사람을 용서하려 왔지만, 쿠르베날은 일행을 적으로 오해해 멜로트와 싸우다 함께 죽는다. 마르케가 품은 화해는 모두가 살아 있을 때 도착하지 못한다.

이졸데는 주변의 소동보다 죽은 트리스탄의 모습에 귀를 기울이는 듯 「Mild und leise wie er lächelt」(그가 얼마나 부드럽고 고요하게 웃는지)로 노래를 시작한다. 성악선이 차츰 관현악의 큰 흐름에 합쳐지면서 전주곡부터 이어진 긴장이 마지막 종지에 이른다. 흔히 ‘사랑의 죽음’으로 소개되지만, 무대에서 일어난 여러 죽음의 값을 지우는 행복한 결말은 아니다. 마르케의 늦은 용서와 이졸데의 마지막 환시가 동시에 놓이기에, 음악의 해소와 극의 비극은 서로 다른 사실로 남는다.

끝을 미루는 음악

전주곡 첫머리에서 첼로의 상승하는 선율과 목관의 응답은 이른바 ‘트리스탄 화음’을 둘러싼 긴장을 만든다. 화음의 이름이나 단일한 기능 분석만으로는 그 효과를 다 말하기 어렵다. 중요한 것은 한 화음이 다음 화음을 요구하고, 도착하는 듯한 순간에도 선율이 다시 움직인다는 청각적 경험이다. 이 과정은 전주곡에서 끝나지 않고 제1막의 회상과 약의 장면, 제2막의 이중창, 제3막의 기다림 속에서 다른 길이와 세기로 돌아온다. 바그너는 모든 종지를 무한히 금지한 것이 아니라, 필요한 순간에 도달과 중단을 배치해 청중이 다음 시간을 의식하도록 했다.

반복되는 선율도 인물마다 붙은 고정된 이름표로만 듣기 어렵다. 한때 만남을 예감하던 재료가 뒤에는 상처의 기억으로, 다시 마지막에는 새로운 색채로 들린다. 성악이 당장 말하지 않는 것을 관현악이 먼저 암시하거나 뒤늦게 되짚기도 한다. 특히 제2막에서 무대 밖 브랑게네의 경고와 제3막에서 목동의 선율은 음악적 동기이면서 실제로 극 중 인물이 듣는 소리다. 이 작품의 반음계적 화성과 무대 음향은 추상적인 사상과 구체적인 사건을 따로 떼지 않고 연결한다.

전주곡과 이졸데의 마지막 장면을 잇는 연주회용 발췌는 오늘날 흔히 《전주곡과 사랑의 죽음》이라 불린다. 그러나 바그너가 이 두 부분을 부를 때에는 앞의 전주곡을 Liebestod(사랑의 죽음), 뒤의 종결부를 Verklärung(변용)이라고 했다. 통용 제목과 작곡가가 붙인 이름의 대상이 다르다. 더구나 제3막의 「Mild und leise」는 본래 이졸데가 노래하는 장면이며, 연주회에서는 소프라노가 참여하는 형태와 관현악만으로 연주하는 형태가 모두 있다. 약 20분의 발췌에서 듣는 시작과 끝은 세 막의 시간을 통과한 전곡의 시작과 끝과 같은 경험이 아니다.

무대에서 선택해야 하는 것

긴 음악의 흐름을 지키는 일은 빠르기를 한결같이 유지하는 일과 다르다. 지휘자 세묜 비치코프는 가사의 말맛과 성악의 리듬을 따라 각 부분의 성격을 찾고, 그 사이를 유기적으로 연결하는 일이 어렵다고 설명했다. 극장의 피트와 무대에서는 성악의 전달력도 지휘와 연출의 공동 과제다. 니나 슈템메는 제1막의 분노를 처음부터 큰 소리로 밀어붙이지 않고 악보에 있는 여린 대목을 살려 음성을 배분했다고 회고했다. 스튜어트 스켈턴은 제2막 이중창 후반을 제3막에 남길 힘을 가늠하는 지점으로 삼았다. 두 가수의 경험은 정해진 발성법이라기보다 이 배역들이 마지막 장면까지 지속 가능한 호흡을 요구한다는 증언이다.

쇼트의 비평 성악보는 바그너가 직접 만들거나 승인한 다섯 묶음의 생략을 전한다. 헤르만 레비의 증언에 따르면 바그너가 최종적인 것으로 여긴 생략은 제2막 933–1036마디와 제3막 350–418마디 두 곳이다. 그러나 그 증언만으로 모든 공연에 두 부분을 반드시 생략해야 한다고 결론 낼 수 없다. 완성된 총보와 실연을 위해 조정한 여러 자료가 함께 남아 있다. 무삭제 공연도, 일부 생략을 택한 공연도 실제로 어떤 대목을 연주했는지 확인한 뒤 평가해야 한다.

공간 역시 매번 새로 풀어야 할 문제다. 무대 뒤의 호른이나 목동의 잉글리시호른을 어디에 두느냐에 따라 사냥과 바다의 거리가 달라진다. 피터 셀러스는 파리 오페라 제작에서 일부 가수와 악기를 객석에 놓아 관객이 소리를 여러 방향에서 듣도록 했다. 이는 바그너가 모든 극장에 지정한 위치가 아니라, 악보에 이미 들어 있는 거리감을 한 연출이 해석한 사례다.

주요 녹음

이 세 녹음은 우열의 순서라기보다 극장의 힘, 스튜디오의 세부, 긴 악절을 이끄는 서로 다른 방법을 비교하게 해 준다. 녹음 시간만으로 지휘자의 빠르기를 바로 판단할 수도 없다. 판마다 생략과 편집, 세션 조건이 다르기 때문이다.

주요 자료

Die Meistersinger von Nürnberg

Die Meistersinger von Nürnberg

정보

개요

곡명: Die Meistersinger von Nürnberg, WWV 96
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
대본: Richard Wagner
구상·대본·작곡: 첫 산문 구상 1845년, 대본 1861–1862년, 음악 1862–1867년
초연: 1868년 6월 21일, 뮌헨 Königliches Hof- und Nationaltheater, Hans von Bülow 지휘
장르와 범위: 독일어 3막 오페라. Wagner의 표기는 Handlung in drei Aufzügen이며, 성숙기의 유일한 희극 작품이다.
배경: 16세기 중엽 뉘른베르크. 제1막은 성 카타리나 교회, 제2막은 Pogner와 Sachs의 집 앞 거리, 제3막은 Sachs의 작업실과 성 요한 축일의 Festwiese에서 진행된다.
연주 시간: 음악 약 4시간 25–30분. 두 차례 휴식을 포함한 극장 체류 시간은 약 5시간 45–50분이다.
IMSLP: Die Meistersinger von Nürnberg, WWV 96 (Wagner, Richard)
Wikipedia: Die Meistersinger von Nürnberg

Die Meistersinger von Nürnberg는 16세기 뉘른베르크의 시민 노래 조합과 성 요한 축일 경연을 무대로 삼은 Wagner의 독일어 3막 희극 오페라다. 제목의 Meistersinger는 본업에 종사하면서 정해진 시의 형식과 선율 규칙에 따라 노래를 짓고 심사하던 시민 조합원을 가리킨다. 주요 인물은 구두장이 Hans Sachs, 금세공인 Veit Pogner, 시 서기 Sixtus Beckmesser 같은 장인들이다. 도제와 직인, 여러 길드의 시민도 합창과 군중 장면을 이룬다. 이야기는 축일 전날 교회에서 시작해 밤의 거리와 다음 날 아침 Sachs의 작업실을 거쳐 축제 경연장으로 나아간다.

줄거리를 이끄는 인물은 Eva와 사랑에 빠진 젊은 기사 Walther von Stolzing이다. Pogner는 경연 우승자가 Eva의 동의를 얻으면 그녀와 결혼할 수 있다고 선언한다. Walther는 조합원이 되려고 시험 노래를 부르지만, 노래의 오류를 표시하는 심사 담당자(Marker) Beckmesser가 규칙 위반을 쉴 새 없이 적어 내면서 탈락한다. Sachs만이 그 노래가 기존 규칙과 다른 방식으로 짜여 있음을 알아듣는다. 제2막에서는 Eva를 둘러싼 도주 계획과 Beckmesser의 세레나데가 거리의 난투로 번지고, 제3막에서는 Sachs가 Walther의 꿈 노래를 경연곡으로 다듬는다. 축제에서 Beckmesser는 Sachs에게서 받은 가사를 자기 선율에 끼워 맞추다 실패한다. 이어 Walther가 같은 가사를 완성된 Preislied로 불러 우승하고 Eva와 맺어진다.

음악은 이 과정을 처음부터 끝까지 무대 위에서 보여 준다. 제1막에서는 David가 노래 규칙을 가르치고 Beckmesser가 분필로 오류를 표시한다. 제2막에서는 Sachs의 노래와 망치질이 Beckmesser의 세레나데를 소리 나는 오류 검사로 바꾸며, 뒤이은 난투는 여러 성부가 뒤엉키는 fugato로 커진다. 제3막에 이르면 Walther가 부른 선율을 Sachs가 받아 적고 다듬는 과정 자체가 장면이 된다. 완성된 노래는 오중창과 길드 합창을 지나 시민 앞의 경연으로 옮겨 간다. 즉흥적으로 태어난 노래가 조합의 규칙, Sachs의 조언, 시민의 판단을 거쳐 뉘른베르크가 받아들이는 노래로 바뀌는 흐름이 이 긴 오페라의 뼈대를 이룬다.

구상, 대본, 초연

Wagner는 1845년 마리엔바트에서 첫 산문 구상을 썼다. Tannhäuser의 비극적 노래 경연과 짝을 이루는 희극을 생각했지만, 본격적인 집필은 1861년 말에 재개했다. 1862년 1월 대본을 완성하고 그해 Schott에서 사본 인쇄 형식으로 배포했으며, 4월부터 음악을 쓰기 시작했다. 전주곡은 1862년 11월 1일 라이프치히 Gewandhaus에서 Wagner의 지휘로 먼저 연주됐다. 제3막 Preislied와 Sachs의 마지막 연설을 뒤늦게 다듬은 끝에 1867년 10월 총보를 완성했다.

대본에는 단일한 원작이 없다. Wagner는 Georg Gottfried Gervinus의 독일 문학사, Jacob Grimm과 Johann Christoph Wagenseil의 Meistergesang 연구, 역사적 Hans Sachs의 작품과 전기, E. T. A. Hoffmann의 관련 서사를 조합했다. 실제 Hans Sachs(1494–1576)는 뉘른베르크의 구두장이이자 Meistersinger였지만, Walther와 Eva의 연애 및 경연 이야기는 Wagner의 창작이다. 극중 Tabulatur와 Stollen–Stollen–Abgesang 형식도 역사 자료를 바탕으로 하되 무대의 논쟁이 선명해지도록 재구성됐다.

전곡 초연은 1868년 6월 21일 뮌헨의 Königliches Hof- und Nationaltheater에서 Hans von Bülow의 지휘로 열렸다. Hans Sachs는 Franz Betz, Walther는 Franz Nachbaur, Beckmesser는 Gustav Hölzel, Eva는 Mathilde Mallinger가 맡았다. 1862년의 전주곡 초연과 1868년의 전곡 초연은 구분해야 한다.

출판 정보와 비평판

Wagner가 1862년 1월 25–31일에 정서한 대본 자필본은 Morgan Library & Museum의 MA 2837로 남아 있다. 같은 해 Mainz의 B. Schott’s Söhne가 140쪽 대본을 인쇄했다. 1868년경 나온 Schott 초판 총보의 교정쇄에는 Hans von Bülow와 Hans Richter의 수정, Wagner의 자필 교정이 보이며, Karl Tausig의 초판 성악보에는 Bülow가 편곡한 전주곡이 실렸다.

자필 총보 Hs 102655는 Germanisches Nationalmuseum이 소장한다. Wagner가 1867년 12월 24일 후원자 Ludwig II에게 증정한 악보를 바이에른 왕가가 1902년 박물관에 이관했다.

Egon Voss가 편집한 Richard Wagner – Sämtliche Werke Band 9는 작품을 세 권으로 나누어 싣는다. 9/I에는 제1막과 전주곡의 별도 콘서트 종지, 9/II에는 제2막과 Schusterlied 콘서트판, 9/III에는 제3막과 Preislied 편곡 및 비평보고서가 들어 있다. Voss의 서문에 따르면 1868년 초판 총보에는 dynamics와 articulation의 오류·누락이 많았다. staccato의 점과 쐐기가 구별되지 않거나 빠지고, 강약 대비가 평준화된 대목도 있었다. 비평판은 이 차이를 복원해 더 밝고 가벼운 음향과 유연한 흐름을 검토할 근거를 제공한다.

오래 유통된 일부 축소 관현악 판본에는 더 큰 문제가 있다. Jonathan Del Mar가 조사한 계통에서는 전주곡 100마디의 horn solo가 통째로 사라지고 horn 배치와 세 번째 flute/piccolo 더블링도 바뀌었다. IMSLP에 공개된 Kalmus 파트 일부는 이 축소판의 재판이므로, 공연용 악보를 고를 때는 현행 Schott 전집·비평판 계열인지 확인할 필요가 있다.

소요 시간

현대 무삭제 공연과 완전 녹음의 음악 시간은 대체로 4시간 25–30분이다.

Metropolitan Opera의 2021–22년 공연은 85분, 60분, 125분으로 합계 270분이며, 두 차례의 40분 휴식을 더한 전체 시간을 5시간 50분으로 안내했다. Karajan의 1951년 Bayreuth 녹음은 약 4시간 28분, Knappertsbusch의 1950–51년 Vienna 녹음은 약 4시간 26분이다.

역사적 기록과 출판사 카탈로그에는 더 짧은 값도 있다. Voss는 1868년 초연의 음악 시간이 4시간 3분으로 보고됐다고 전하고, 현행 Schott 공연자료는 235분을 적는다. 반대로 Eulenburg 스터디 스코어는 300분을 제시한다. 이 숫자들은 휴식 포함 여부와 계산 관행이 일치하지 않으므로 판본 자체의 길이 차이로 해석하기 어렵다. 공연을 계획하거나 음원을 고를 때는 개별 프로덕션과 발매의 막별 시간을 확인하는 편이 정확하다.

배역과 편성

주요 배역

Schott 전집 기반 공연자료는 현대의 세분된 Fach보다 넓은 범주를 사용해 Sachs·Beckmesser·Kothner를 모두 Bass, Eva·Magdalene를 Sopran으로 표기한다. 위 목록은 오늘날 극장과 음반에서 자주 쓰는 배역 분류를 함께 반영한 것이다.

관현악과 무대 악기

Schott의 현행 전집 기반 온라인 편성표는 이 무대 악기들을 열거한다. 초판 계통의 Schott 편성표에는 onstage horns와 organ도 들어 있어 자료 사이에 차이가 있다. Beckmesser의 lute에는 Wagner가 주문한 작은 강철현 프레임 하프, 이른바 Beckmesser-Harfe가 사용되기도 한다. 제2막의 불안정한 반주 음색을 만드는 이 악기는 일반적인 orchestral harp와 기능이 다르다.

막별 구조와 주요 장면

제1막 — 성 카타리나 교회

전주곡은 오페라 전체의 음악적 논쟁을 먼저 압축한다. 장중한 Meistersinger 주제, 뒤에 Walther의 Preislied가 될 서정적 선율, apprentices의 빠르고 익살스러운 변형이 차례로 나타난다. 끝부분에서는 서로 다른 성격의 주제들이 대위적으로 겹친다. Antonio Pappano가 이 작품의 복잡성을 화성보다 texture와 fugue에서 찾은 이유가 처음부터 들리는 대목이다.

예배가 끝난 뒤 Walther는 Eva에게 다가가지만, Eva는 다음 날 경연의 우승자와 결혼해야 한다. David는 Walther에게 Ton, Stollen, Abgesang과 금지된 오류를 빠르게 설명한다. 실제 Meisterlied에서 Ton은 운문 형식과 선율을 함께 가리키고, 각 절은 두 Stollen(A+A)과 Abgesang(B)으로 이루어진다. David의 수업은 이 제도를 과장된 시험 규정으로 바꿔 희극의 언어를 만든다.

Meistersinger 회의에서 Pogner는 Eva의 결혼과 재산을 경연의 상으로 내놓는다. Eva에게 우승자를 거부할 권리는 있지만, 그 경우에도 다른 Meister를 골라야 한다. Sachs는 조합원뿐 아니라 시민과 Eva의 판단도 경연에 반영하자고 제안한다. Walther는 Am stillen Herd in Winterszeit에서 정규 스승 없이 자연과 시인에게 배웠다고 밝힌 뒤 시험 노래 Fanget an! So rief der Lenz in den Wald를 시작한다. Beckmesser는 커튼 뒤 Marker석에서 분필로 오류를 기록하고 노래를 중단시킨다. 다른 Meister들은 탈락을 선언하지만 Sachs는 규칙에 이름이 없을 뿐 노래 자체에는 일관된 질서가 있다고 주장한다.

제2막 — 뉘른베르크 거리

Sachs의 Was duftet doch der Flieder(Fliedermonolog)는 Walther의 실패한 시험을 다시 듣는 장면이다. Sachs는 lilac 향기와 봄밤의 감각 속에서 새 노래의 규칙을 아직 언어로 붙잡지 못한 채 숙고한다. Eva는 Sachs에게 경연 결과를 떠보고, Walther와 달아날 준비를 한다. 이를 알아챈 Sachs는 작업등을 켜 거리 전체가 보는 상황을 만든다.

Beckmesser가 Magdalene를 Eva로 잘못 알고 Den Tag seh’ ich erscheinen을 부르자 Sachs는 Als Eva aus dem Paradies(Schusterlied)로 맞선다. 두 사람의 합의에 따라 Sachs의 망치질 한 번이 세레나데의 오류 하나를 표시한다. Beckmesser는 노래를 계속하려고 박자를 잃고 단어의 강세를 비틀며, Beckmesser-Harfe의 메마른 반주와 Sachs의 노래·망치가 충돌한다. 제1막의 분필 채점이 여기서는 소리 나는 채점으로 돌아온다.

David가 Magdalene에게 구애한다고 오해해 Beckmesser를 공격하고 이웃들이 가세한다. 여러 인물의 동작과 짧은 동기가 fugato로 쌓이며 거리 전체가 난투에 휩쓸린다. Sachs는 Walther를 자기 집으로, Eva를 Pogner의 집으로 밀어 넣고 David를 붙잡는다. Nachtwächter가 나타나자 군중은 순식간에 사라지고, 텅 빈 거리에 야경꾼의 신호만 남는다.

제3막 — Sachs의 작업실

긴 제3막 전주곡은 Sachs의 내면으로 초점을 옮긴다. Wahn! Wahn! Überall Wahn!에서 그는 전날 밤 사람들이 까닭 없이 서로를 공격한 힘을 Wahn이라 부르고, 다가올 축제에서는 그 힘을 더 평화로운 결과로 돌릴 방도를 생각한다.

Walther는 아침의 꿈을 노래하고 Sachs는 받아 적는다. 첫 시도와 수정, 두 번째 Stollen, Abgesang을 거치며 제1막에서 규칙 밖으로 밀려난 선율이 전달 가능한 형식을 얻는다. Sachs는 규칙을 복종의 목록으로 들이밀지 않고 Walther가 이미 부른 것 안에서 반복과 대비를 찾게 한다.

Beckmesser는 탁자 위 원고를 발견하고 Sachs가 쓴 경연곡이라고 오해한다. Sachs가 원고를 가져도 좋다고 하자 그는 승리를 확신한다. Eva가 도착하면 Walther는 그녀를 보며 제3절을 완성한다. Sachs는 새 노래에 selige Morgentraum-Deutweise라는 이름을 붙여 세례하고, David를 journeyman으로 승격해 증인을 세운다. 이어지는 Selig, wie die Sonne 오중창에서는 Eva, Walther, Sachs, Magdalene, David가 각자의 감정을 서로 다른 선율로 부르면서 하나의 합주를 이룬다.

제3막 — Festwiese

길드와 시민들의 행렬이 무대를 채우고, 민중은 Wach auf, es nahet gen den Tag으로 Sachs를 맞는다. 이 합창은 역사적 Hans Sachs의 1523년 시 Die Wittenbergisch Nachtigall의 첫 구절을 변형한 것이다. 개인의 작업실에서 완성된 노래가 이제 도시 전체의 의식 속으로 들어간다.

Beckmesser는 Sachs가 적은 텍스트를 자기 선율에 억지로 맞추며 단어를 왜곡하고 조롱을 받는다. 그는 원고의 출처를 폭로하지만 Sachs는 자신이 그 노래를 부른 적이 없다고 답하고 Walther를 앞으로 부른다. Walther의 Morgenlich leuchtend im rosigen Schein은 앞선 세 번의 시도에서 만들어진 Preislied의 완성형이다. 군중은 그를 우승자로 선택하고 Eva는 월계관을 씌운다.

Walther가 Meister 훈장을 거부하자 Sachs는 Verachtet mir die Meister nicht에서 전승의 가치를 옹호하고 마지막에 독일 예술을 호명한다. 연인의 결합으로 닫힐 수 있었던 희극이 공동체와 민족의 선언으로 방향을 바꾸는 순간이다. 이 전환은 작품의 공연사에서 가장 논쟁적인 결말이 됐다.

악보와 실연이 만나는 지점

이 작품의 대형 합창과 긴 독백은 무거운 음량만을 요구하지 않는다. Mark Elder는 Ring보다 고전적인 비례의 관현악, 제한된 harp와 percussion, 빠른 조성·texture 변화를 강조했다. Philippe Jordan도 제1막 전주곡의 forte, sehr gehalten, sehr mäßig, bewegt를 함께 읽어, 장중함 속에서 선율과 진행을 유지해야 한다는 자신의 해석을 밝혔다. 초판에서 누락된 articulation과 dynamics를 복원한 비평판은 이런 밝기와 움직임을 악보에서 다시 검토하게 한다.

말의 전달과 관현악 사건은 분리되지 않는다. Pappano는 오케스트라가 대사의 심리를 처음부터 끝까지 드러낸다고 설명한다. 제1막 시험에서 Walther의 선율과 Beckmesser의 채점, 제2막 세레나데에서 세 노래·망치질·군중, 제3막에서 Sachs의 성찰과 축제 합창을 함께 들으면 관현악이 각 인물의 말에 동의하거나 반박하는 방식이 드러난다.

Hans Sachs는 긴 시간보다 성격의 폭이 더 큰 난점이다. 장광설, 낮은 성찰, 서정적 회상, 희극적 책략, 공적 선언이 한 배역 안에서 이어진다. Pappano는 넓은 음역에서 같은 힘을 유지해야 한다고 했고, Dietrich Fischer-Dieskau는 Sachs가 Wotan과 비슷한 음역을 쓰면서도 더 밝고 높은 공명에 오래 머문다고 설명했다. 마지막 연설을 부른 Michael Volle는 deutsch보다 Kunst에 무게를 두는 자신의 접근을 밝힌 바 있다. 서로 다른 이 발언은 배역을 한 가지 영웅상으로 고정하기 어려움을 보여준다.

결말과 수용사

Beckmesser를 어떻게 읽는가에는 합의가 없다. Barry Millington은 반유대주의가 이 인물과 작품에 구조적으로 짜여 있다고 주장한다. Martin Geck은 세레나데의 끊긴 articulation, 과장된 coloratura, 잘못된 단어 강세를 전통 오페라 아리아의 희화로 분석하면서도, 유대적 성격화의 의도를 확정할 수는 없다고 선을 긋는다. 2017년 Bayreuth에서 Barrie Kosky는 작품의 20세기 수용사를 무대에 끌어들이되 Beckmesser에게 우스움과 연민을 함께 남겼다. 이 논쟁을 한쪽으로 봉합하면 음악이 만드는 희화와 역사적으로 축적된 표상의 차이를 놓치게 된다.

마지막 연설의 민족적 언어는 19세기 후반부터 독일 국가 정체성과 결합했고, 나치 정권은 이를 공식 행사에 동원했다. 작품은 Nürnberg 당대회의 의례적 개막과 1943–44년 Bayreuth 전쟁축제에 사용됐다. 1944년에는 Bayreuth에서 이 작품만 공연됐다. 전후 축제에서는 1951년 재개막 시즌에 Rudolf Otto Hartmann 연출로 일곱 차례 무대에 올랐고, 1956년 Wieland Wagner의 추상화된 신연출이 뒤따랐다. 1951년은 전후 첫 공연, 1956년은 새 연출의 전환점으로 구분해야 한다.

이 수용사는 작품을 과거의 선전물로만 고정하지도, 결말의 언어를 무시하지도 못하게 한다. 오늘의 공연은 Sachs가 폭력을 인식하는 Wahn 독백, Beckmesser에게 가해지는 집단 조롱, Preislied의 승인, 마지막 연설 사이의 긴장을 어떤 무대 관계로 보일지 선택해야 한다.

주요 레코딩

Herbert von Karajan / Bayreuth Festival, 1951 — Naxos Historical 8.110872-75

Otto Edelmann(Hans Sachs), Hans Hopf(Walther), Elisabeth Schwarzkopf(Eva), Erich Kunz(Beckmesser), Gerhard Unger(David)가 참여했다. Walter Legge가 Bayreuth 재개막 시즌의 리허설과 다섯 공연을 조합해 제작한 기록으로, 단일 공연 실황은 아니다. 당시 68면의 78rpm 세트로 발매된 대규모 완전 녹음이며 전후 Bayreuth의 제도적 재출발과 장시간 오페라 녹음 기술을 함께 보여준다. Naxos 재발매의 총 음악 시간은 약 4시간 28분이다.

Rafael Kubelík / Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, 1967 — Calig 5097174

Thomas Stewart(Hans Sachs), Sándor Kónya(Walther), Gundula Janowitz(Eva), Thomas Hemsley(Beckmesser), Gerhard Unger(David), Brigitte Fassbaender(Magdalene)가 노래한다. BR이 1967년 제작·방송한 스테레오 녹음이지만 당시 상업 발매되지 않았고, 약 30년 뒤 Calig에서 처음 정식 발매됐다. 뒤늦은 공개 자체가 음반사의 중요한 사건이었으며, BR-KLASSIK은 가벼운 관현악 질감, 제2막 난투 fugato의 희극성과 위협, Kónya의 선율적인 Walther를 이 해석의 특징으로 꼽았다. 자료에 따라 studio와 live broadcast라는 분류가 갈리므로 제작·방송 녹음이라는 범위로 이해하는 편이 안전하다.

Herbert von Karajan / Staatskapelle Dresden, 1970 — EMI/Warner Classics

Theo Adam(Hans Sachs), René Kollo(Walther), Helen Donath(Eva), Geraint Evans(Beckmesser), Peter Schreier(David), Karl Ridderbusch(Pogner)가 참여했다. Karajan의 유일한 스튜디오 Meistersinger이며, Staatskapelle Dresden와 Dresden·Leipzig 합창단이 연주한다. BR-KLASSIK은 실내악적 투명성과 비영웅적인 성악 접근을 강조했다. BBC Music Magazine은 최상급으로 보는 평가와 지나치게 의식적인 실내악성이라는 유보가 함께 이어져 왔다고 정리한다. 관현악의 세부와 성악 배역에 대한 상반된 평가를 비교하기 좋은 스테레오 기준점이다.

주요 자료

판본·작품사

구조·실연

수용사·레코딩

Das Rheingold

Das Rheingold

정보

개요

곡명: Das Rheingold, WWV 86A
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
장르: music drama, Der Ring des Nibelungen의 Vorabend
대본: Richard Wagner
작곡 시기: 음악은 1853년 11월부터 1854년 9월까지, 전체 Ring 구상과 대본 작업은 1851–1854년에 걸쳐 진행
초연: 1869년 9월 22일, München Königliches Hof- und Nationaltheater, Franz Wüllner 지휘
Ring 전체 초연: 1876년 8월 13일, Bayreuth Festspielhaus, Hans Richter 지휘
성격: Vorspiel과 네 장면이 휴지 없이 이어지며, 사랑의 포기와 황금의 탈취에서 계약·저주·신들의 몰락으로 이어질 Ring의 원인을 한 작품 안에 펼친다.

Das Rheingold는 독립적으로 공연할 수 있는 음악극이면서, Wagner가 ‘전야’로 설계한 Der Ring des Nibelungen의 첫 저녁이다. 낮은 E♭에서 시작한 관현악은 라인강의 자연, 황금의 빛, 반지의 권력, 발할라의 성을 차례로 불러낸다. 네 장면은 장면 사이의 휴지 없이 변환되고, 인물의 대화와 관현악 동기가 같은 시간축에서 사건을 진행한다. 마지막에 신들이 발할라로 들어갈 때는 승리의 음악이 울리지만, 그 성을 세운 계약과 반지에 이미 저주가 스며 있다.

텍스트와 작곡의 연대

Wagner는 1848년부터 Nibelung 전설을 축제극의 재료로 정리했고, 1851년에는 세 본극 앞에 하나의 Vorabend를 두어 사흘과 전야에 나누어 공연하는 구상을 제시했다. 1853년 Zürich에서 E. Kiesling이 제작한 대본 초판은 친구들에게 보낼 50부로 인쇄되었고, 현재 남은 사본에는 Wagner의 광범위한 자필 수정이 들어 있다. 대본에 적힌 당시 표제는 Vorabend: Das Rheingold, Die Walküre, Der junge Siegfried, Siegfried’s Tod였으며, 뒤의 두 제목은 후에 바뀌었다.

음악의 세부 작업은 1853년 11월 1일 시작해 1854년 9월 26일까지 이어진 것으로 정리된다. Schott와 일부 기관이 1851–1854를 작품 연대로 제시하는 것은 Ring의 텍스트 구상과 음악 작업을 넓게 묶은 표기다. 1854년 1월 전체 설계, 5월 관현악 구상, 9월 공정된 자필 총보가 차례로 완성되었다는 연대는 이 긴 구상을 실제 악보로 옮긴 단계를 보여 준다.

초연, 발췌 공연, Bayreuth

Wagner는 Ring 전체를 Bayreuth에서 처음 올리기를 원했지만, Ludwig II의 요청으로 Das Rheingold가 먼저 뮌헨에서 공연되었다. 1862년 12월 26일 빈에서는 Wagner가 제1·2·4장면의 음악을 발췌해 지휘했으며, 장면을 이어 붙인 별도의 결말 원고도 만들어졌다. 이 연주는 전막 초연이 아니라 초기 공개 발췌다.

전막 초연은 1869년 9월 22일 München Königliches Hof- und Nationaltheater에서 Franz Wüllner의 지휘로 이루어졌다. 1876년 8월 13일 Bayreuth Festspielhaus에서는 Hans Richter가 지휘한 Ring 전체 순환 공연이 처음 열렸고, Das Rheingold는 그 순환의 Vorabend가 되었다. Bayreuth의 공식 공연 데이터베이스는 1876년 원 제작을 12회 공연으로 집계하고, 이후 Das Rheingold의 Bayreuth 공연 횟수를 별도 기간으로 기록한다. 1887년 2월 15일 Karl Klindworth가 지휘한 Berliner Philharmoniker의 콘서트 버전은 무대 전막과 구별되는 초기 관현악 연주 사례다.

Vorspiel과 무휴지 형식

작품은 Vorspiel에서 시작한다. 낮은 E♭의 지속이 서서히 넓어지고, 현악의 아르페지오와 관악의 울림이 라인강의 공간을 만든다. 이 시작을 어떻게 지휘할지는 해석의 문제다. Sir Andrew Davis는 도입의 호른을 아주 차분하게 들려준 뒤 크레셴도를 쌓아야 하며, 처음부터 큰 소리를 내면 상승할 여지가 줄어든다고 설명했다. 그의 말은 한 지휘자의 리허설 경험이지 모든 공연에 적용되는 규칙은 아니다.

Vorspiel이 끝나면 라인강 바닥, 산 위, Nibelheim, 다시 산 위로 장소가 바뀐다. 무대가 변하는 동안 음악은 멈추지 않는다. 1869년 총연습을 본 Eduard Hanslick도 열린 무대의 전환과 음악의 연속을 기록했다. 현대 공연기관은 약 150분을 제시하지만, 지휘 속도와 판본, 무대 전환에 따라 2시간 30분에서 2시간 45분까지 늘어날 수 있다. Hanslick이 당시 거의 세 시간으로 느꼈다는 기록과 1956년 Knappertsbusch 실황의 2시간 37분 32초는 서로 다른 공연 조건을 보여 준다.

네 장면의 사건과 음악

1장면. 라인강 바닥

Woglinde, Wellgunde, Floßhilde는 라인강의 황금을 지키며 물속을 헤엄친다. Nibelung Alberich가 나타나 라인 처녀들의 조롱을 받자, 그들은 사랑을 포기한 자만 황금을 차지할 수 있다는 비밀을 알려 준다. Alberich는 사랑을 저주하고 황금을 훔쳐 간다.

이 장면에서 물의 유연한 성악선은 황금의 빛과 권력의 재료로 바뀐다. 황금과 사랑의 포기, 앞으로 반지를 만들 가능성이 한 번에 제시되며, 라인 처녀들의 탄식은 마지막 장면까지 기억으로 남는다. 관현악은 특정 번호를 끊어 세기보다, 라인강의 자연이 Alberich의 행동으로 변형되는 과정을 연속적으로 들려준다.

2장면. 산 위

Wotan과 Fricka는 새 성 Walhall을 바라보지만, 거인 Fasolt와 Fafner에게 공사 대가로 Freia를 넘겨주기로 약속한 상태다. Freia가 끌려가자 신들은 젊음을 잃기 시작한다. Loge는 Alberich가 훔친 라인황금과 반지를 대가로 삼자고 제안하고, Wotan과 Loge는 Nibelheim으로 내려갈 길을 찾는다.

이 장면은 신들의 권력이 계약에 의존한다는 사실을 드러낸다. Walhall의 장엄한 음악, Freia와 젊음의 선율, Loge의 불꽃 같은 움직임이 서로 다른 이해관계를 한 무대에 놓는다. Wotan은 질서를 지키는 통치자처럼 보이지만, 이미 약속과 욕망의 모순 안에 들어와 있다.

3장면. Nibelheim

Alberich는 반지와 Tarnhelm의 힘으로 Nibelung들을 강제 노동에 몰아넣고, 동생 Mime을 폭력으로 지배한다. Wotan과 Loge는 Tarnhelm의 변신 능력을 시험하게 해 Alberich를 속인다. Alberich가 용과 두꺼비로 변한 뒤 두 신에게 붙잡히면서, 지하 세계의 권력이 잠시 지상으로 끌려 올라온다.

금속성 타악과 모루의 반복은 Nibelheim의 노동을 리듬으로 만든다. 원작 공연 자료에는 18개의 모루와 망치가 무대 악기로 적혀 있으며, Lyric Opera는 작은 모루 9개, 중간 모루 6개, 큰 모루 3개가 F음의 세 옥타브에 맞춰진다고 설명한다. 모루의 실제 배치와 음향 효과는 공연장과 녹음 제작에 따라 달라질 수 있지만, 노동과 금속, 폭력이 음악적 공간을 이룬다는 기능은 장면의 중심에 있다.

4장면. 산 위로 돌아옴

Alberich는 풀려나는 대가로 보물을 내놓고, Wotan은 마지막으로 반지를 빼앗는다. Alberich는 반지에 저주를 걸고 떠난다. Erda는 나타나 Wotan에게 반지를 포기하라고 경고하지만, 반지는 거인들에게 넘어간다. Fafner는 반지를 차지하기 위해 Fasolt를 죽인다. Donner가 폭풍을 일으키고 Froh가 무지개 다리를 마련하자 신들은 Walhall로 들어간다. 라인 처녀들의 탄식은 황금이 자연의 품에서 사라졌음을 다시 알린다.

종결부의 빛나는 금관과 하프는 신들의 입성을 장엄한 의식으로 만들지만, 음악은 저주와 살인을 지우지 않는다. Walhall의 주제는 이후 작품들에서 다른 맥락으로 되돌아오며, 이 장면은 Ring 전체의 화려한 표면과 파국의 원인이 이미 결합해 있음을 보여 준다.

동기와 인물의 계약

Das Rheingold는 뒤의 세 작품이 사용할 동기 관계를 처음 세운다. 라인강과 자연, 황금, 사랑의 포기, 반지, 계약, Tarnhelm, 저주, Walhall의 음악은 인물의 말보다 오래 기억되며 사건이 바뀔 때마다 형태를 바꾼다. 이 동기들은 단순한 등장인물 표지가 아니라, 자연과 권력의 관계가 변하는 과정을 관현악으로 추적하는 수단이다.

Alberich는 사랑을 포기해 권력을 얻고, Wotan은 계약을 이용해 그 권력을 빼앗으려 하다가 같은 저주에 묶인다. Loge의 해결책은 Freia를 구할 방법처럼 보이지만, 반지를 신들의 세계로 가져오는 순간 더 큰 파국의 조건이 된다. 따라서 이 작품은 뒤 작품의 배경을 설명하는 서막에 머물지 않고, Ring의 비극이 어떤 거래에서 시작되었는지를 자체적인 음악극으로 완성한다.

원작 편성과 판본

원작의 목관은 피콜로, 플루트 3, 오보에 3과 잉글리시 호른, 클라리넷 3과 베이스 클라리넷, 바순 3이며, 기관별 편성표에는 콘트라바순이 보충되기도 한다. 금관은 호른 8, 트럼펫 3, 베이스 트럼펫, 트롬본 4, 콘트라베이스 튜바로 이루어진다. 호른 파트 일부는 B♭ 테너 Wagner tuba와 F 베이스 Wagner tuba를 겸한다. 팀파니와 여러 타악기, 무대 위 모루 18개, 하프 6대와 무대 밖 하프 1대, 현악이 더해진다. 기관에 따라 하프를 7대로 합산하거나 특정 장면의 하프 6대만 따로 세므로, 모든 순간에 같은 수가 동시에 연주된다고 단정하지 않는다.

Wagner의 공정된 자필 총보는 1939년 Ludwig II의 유산에서 Adolf Hitler에게 넘어간 뒤 1945년 이후 행방이 확인되지 않는다. Schott의 Egon Voss 편집판은 남아 있는 KS 작곡 스케치와 PE 첫 총보 원고, 1873년 Schott 인쇄본, Heinrich Porges와 Felix Mottl이 남긴 1876년 Bayreuth 리허설 기록을 대조한다. 이 자료 계보 때문에 현행 critical edition은 1873년 초판이나 1876년 무대본 어느 하나를 작품의 유일한 형태로 취급하지 않는다.

Universal Edition의 Eberhard Kloke 편곡은 중간 규모 관현악을 위한 별도 작품 자료이며, 약 140분이라는 카탈로그 시간과 축소 편성은 Wagner 원작의 수치가 아니다. 원작 총보와 편곡판을 분리해야 편성, 소요 시간, 공연 관행을 정확히 비교할 수 있다.

공연과 녹음이 보여 주는 선택

1869년 뮌헨 초연 뒤 작품은 Bayreuth의 축제극장, 콘서트홀, 대형 오페라하우스에서 서로 다른 조건으로 연주되었다. Wagner가 구상한 무대 아래의 보이지 않는 오케스트라 피트는 1876년 Bayreuth의 미학을 설명하지만, 후대 공연장이 모두 같은 구조를 사용한 것은 아니다. 1889년 1월 4일 Metropolitan Opera의 미국 초연과 1919년·1922년 Los Angeles Philharmonic의 발췌 연주는 작품이 전막과 관현악 발췌 양쪽으로 전파된 경로를 보여 준다.

1950년대 Bayreuth 실황에는 Karajan, Keilberth, Knappertsbusch의 지휘가 이어졌다. Pristine Classical이 발매한 Knappertsbusch의 1956년 실황은 Hans Hotter, Gustav Neidlinger, Paul Kuen 등이 참여한 2시간 37분 32초의 전송본으로 식별된다. 이 시간은 해당 발매본의 길이며, 모든 현장 공연의 절대 시간은 아니다.

Georg Solti와 Vienna Philharmonic의 Decca 스튜디오 사이클은 1958년 Das Rheingold 녹음으로 시작해 1965년 전체 Ring을 완성했다. John Culshaw의 제작은 여러 주에 걸친 세션을 편집해 연속적인 공연 경험을 만들었고, 무지개 다리 직전의 망치와 모루, 천둥판, 베이스 드럼을 스튜디오에서 재현했다. Decca가 이를 최초의 스테레오 스튜디오 전곡 Ring이라고 부르는 표현은 그 회사가 정한 제작 범위에 한정하며, 최초의 전막 녹음이나 최초의 Bayreuth 실황과 같은 뜻으로 넓히지 않는다.

Ring의 출발점으로서

Das Rheingold의 구조는 자연의 울림에서 권력의 거래로, 다시 신들의 화려한 입성에서 이미 시작된 균열로 이동한다. 라인강의 E♭, 황금과 반지, Nibelheim의 모루, Walhall의 하프와 금관은 각각의 장소를 구별하면서도 한 사건의 연속을 이룬다. 음악은 인물의 선택을 설명하는 데 그치지 않고, 그 선택이 세계의 질서를 어떻게 바꾸는지 들려준다.

Wagner는 Vorabend를 통해 Ring 전체의 원인을 미리 알려 주었지만, 관객에게 결론을 대신 말하지는 않는다. 사랑을 포기한 Alberich, 계약에 의존하는 Wotan, 해결책을 제시하면서도 파국을 키우는 Loge의 행동이 서로 얽힌다. 마지막 무지개 다리는 신들의 집으로 들어가는 통로인 동시에, 자연과 타인의 노동을 대가로 세운 질서의 표지다. 그래서 Das Rheingold는 짧은 서막이 아니라, 이후 세 악극이 되풀이할 질문을 이미 완성된 음악극으로 제시한다.

주요 자료

Die Walküre

Die Walküre

정보

개요

곡명: Die Walküre, WWV 86B
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
대본: Richard Wagner
작곡 시기: 대본 1851년 11월–1852년 7월, 음악 1854년 6월–1856년 3월
초연: 1870년 6월 26일, München Königliches Hof- und National-Theater
작품 유형: Der Ring des Nibelungen의 첫째 날(Erster Tag)에 해당하는 3막 독일어 오페라/음악극. 이 글은 발췌곡이나 관현악 편곡이 아닌 전곡 무대작품을 다룬다.
IMSLP: Die Walküre, WWV 86B
Wikipedia: Die Walküre

《Die Walküre》는 Richard Wagner가 대본과 음악을 모두 쓴 3막 독일어 음악극이며, 이 글은 발췌곡이나 관현악 편곡이 아닌 전곡 무대작품을 다룬다. 제1막에서는 Hunding의 집에 피신한 Siegmund와 Sieglinde가 쌍둥이 남매임을 확인하고 함께 떠난다. 제2막에서는 Wotan과 Fricka의 질서 충돌 속에서 Siegmund의 죽음과 Brünnhilde의 불복종이 일어나며, 제3막에서는 발키리들의 집결과 Sieglinde의 구출, Brünnhilde에 대한 Wotan의 처벌과 작별이 이어진다.

출판 정보와 판본

BnF Catalogue는 대본 작성 기간을 1851년 11월부터 1852년 7월까지, 음악 작곡 기간을 1854년 6월부터 1856년 3월까지로 기록한다. Richard-Wagner-Stiftung의 디지털 아카이브에는 Zürich에서 1852년 6월 1일부터 7월 1일까지 작성된 자필 초고 대본 62쪽과, 장소와 날짜가 특정되지 않은 최초 음악 스케치 2쪽이 각각 보존되어 있다. 이 두 기록은 특정 자필 자료의 범위와 문헌 전체의 작성 기간을 구분해 보여 준다.

IMSLP는 1865년 성악보 초판과 1874년 총보 초판을 목록화한다. Schott/Eulenburg가 안내하는 현행 비평판은 초판 총보와 Wagner가 남긴 Stichvorlage를 주요 자료로 삼은 Richard Wagner Complete Edition에 근거한다. 그 안내에 따르면 Wagner는 1876년 Bayreuth 축제 뒤 조판용 원본을 Meininger의 바이올리니스트 Friedhold Fleischhauer에게 선물했으며, 이 문서는 오랫동안 개인 소장으로 있다가 1999년에 공개되었다. IMSLP의 Ms Q 162는 Wagner의 자필 총보가 아니라 1870년대의 필사 총보로, Heinrich Porges가 필사자로 표시되고 Zentralbibliothek Zürich에 소장되어 있다.

작곡 연대는 BnF의 기관 서지 기록인 1854년 6월–1856년 3월을 기준으로 삼는다. IMSLP 작품 메타데이터에 남은 1856–70 표기는 이 음악 작곡 기간 및 1870년 초연과 맞지 않으므로 단일 연대로 사용하지 않는다. 1870년 München 초연과 1876년 Bayreuth 축제 공연도 서로 다른 사건으로 구분한다.

Schott는 전곡과 별도로 bass-baritone과 축소 관현악을 위한 18분 발췌 편곡 Wotans Abschied und Feuerzauber도 안내한다. 이 편곡은 제3막 결말의 일부를 다루는 독립된 연주용 자료이며, 전곡의 시간이나 편성을 대신하지 않는다.

소요 시간

전곡의 음악 시간과 극장 체류 시간은 지휘, 판본, 무대 전환, 막간에 따라 달라진다. Bayerische Staatsoper의 2012년 제작 페이지는 총 4시간 55분을, Royal Swedish Opera의 2025년 제작 페이지는 막간을 포함해 약 5시간 10분을 제시한다. Royal Swedish Opera가 제시한 막별 음악 시간은 제1막 약 65분, 제2막 약 95분, 제3막 약 70분이며 막간은 각각 약 40분이다. 이 수치는 해당 제작의 안내이므로 모든 공연에 적용되는 단일 표준 시간으로 보지 않는다.

편성

성악 배역과 합창

관현악

이 편성은 IMSLP 총보 카탈로그가 제시하는 악기 종류와 표기다. 실제 공연의 인원 증원·감원, Wagner tuba의 겸용 방식, 무대 밖 악기의 배치는 제작과 사용 판본에 따라 별도로 정해진다.

3막 구성과 줄거리

제1막: Hunding의 집

폭풍을 피해 온 Siegmund는 Hunding의 집에서 그의 아내 Sieglinde를 만난다. 두 사람은 서로에게 이끌리고 자신들이 헤어진 쌍둥이 남매라는 사실을 알게 된다. Hunding이 Siegmund의 적대 관계를 알아차리자 Siegmund와 Sieglinde는 밤에 달아나기로 한다. Sieglinde가 집 안의 물푸레나무에 꽂힌 검 Nothung을 가리키고, Siegmund가 그 검을 뽑으면서 두 사람의 도주가 시작된다.

이 막의 대표 장면인 Winterstürme wichen dem Wonnemond는 Siegmund가 봄과 사랑을 노래하는 대목이며, 제1막 전주와 함께 독립 발췌로도 자주 소개된다. 두 번호는 전곡에서 Siegmund와 Sieglinde의 만남과 도피를 진행시키는 장면으로 기능한다.

제2막: 산악 지대

Wotan은 Brünnhilde에게 Siegmund를 보호하라고 명령하지만, Fricka는 결혼 규범과 신들의 질서를 근거로 Siegmund의 죽음을 요구한다. Fricka의 요구를 받아들인 Wotan은 자신의 계획과 과거를 설명하는 긴 독백으로 물러설 수밖에 없는 이유를 드러낸다. Brünnhilde는 Wotan의 명령과 Siegmund·Sieglinde의 사랑 사이에서 선택해야 하는 위치에 놓인다.

Brünnhilde는 결투에서 Siegmund를 돕지만 Wotan이 개입해 Nothung을 부러뜨리고 Siegmund를 죽인다. Hunding도 Wotan의 명령으로 쓰러진다. Brünnhilde는 임신한 Sieglinde와 부러진 검 조각을 지키기로 하고 피신시킨다. Todesverkündigung은 Brünnhilde가 Siegmund에게 죽음을 예고하는 장면으로, 명령을 수행하는 발키리가 인간의 사랑을 직접 마주하게 되는 전환점에 놓인다.

제3막: 발키리의 바위와 불의 마법

발키리들이 전사자를 모으기 위해 모이는 장면에서 막이 시작되고, Ride of the Valkyries가 그 장면의 대표 번호로 등장한다. Brünnhilde는 Sieglinde를 동료들에게 데려와 보호를 요청하고, Sieglinde가 훗날 Siegfried가 될 아이를 품고 있다고 알린다. 다른 발키리들의 도움으로 Sieglinde가 떠난 뒤 Wotan은 Brünnhilde를 명령 불복종으로 처벌한다.

Wotan은 Brünnhilde를 잠들게 하고 인간 남자가 그녀를 깨울 수 있도록 불의 마법으로 바위를 둘러싼다. Wotan's Farewell and Magic Fire Music은 이 작별과 불의 마법을 묶은 제3막 결말의 발췌·편곡 제목으로도 유통된다. Ride of the Valkyries와 Wotan's Farewell and Magic Fire Music은 각각 제3막의 특정 장면을 가리키는 발췌 제목이다.

연주와 무대 조건

Bayerische Staatsoper 인터뷰에서 지휘자 Vladimir Jurowski는 Die Walküre 제1막을 외적 사건보다 심리와 마음의 드라마가 앞서는 독립적인 심리극으로 설명했다. 그는 텍스트가 장면을 이끌고 오케스트라의 템포 변화가 사건을 따라가야 한다고 말했으며, 2019년 London Philharmonic의 첫 리허설에서 제3막 Sieglinde가 임신과 아이의 의미를 알리는 대목을 직접 노래하고 설명해 현악기가 그 장면의 흐름을 이해하도록 했다고 회고했다. 이 사례는 특정 리허설에서 나온 Jurowski의 작업 방식이지 모든 공연의 표준 템포를 규정하는 지침은 아니다.

Jurowski는 München의 개방된 오케스트라 피트와 Bayreuth의 덮인 피트가 금관의 직접성과 따뜻함을 다르게 만든다고도 설명한다. 그의 비교는 같은 편성도 공연장의 피트 구조와 무대 위치에 따라 성악과 관현악의 균형이 달라진다는 점을 전제로 하며, 두 공간 중 하나를 일반적인 우위로 제시하지 않는다.

AP의 2025년 Santa Fe Opera 인터뷰에서 지휘자 James Gaffigan은 Wotan을 극적 bass-baritone에게 큰 도전으로 설명하면서 제2막의 약 24분 독백과 종막의 Brünnhilde 작별까지 긴 호흡이 이어진다고 말했다. 그 공연에서 Wotan을 맡은 Ryan Speedo Green은 텍스트·음악·리듬을 함께 준비하는 데 시간을 들였다고 설명했다. 두 발언의 범위는 Santa Fe의 특정 공연을 준비한 과정에 한정된다.

수용과 주요 레코딩

Classical Music의 녹음사 기사에 따르면 John Culshaw가 제작한 Georg Solti 지휘·Vienna Philharmonic의 Ring 프로젝트는 1958년 9월 24일 시작해 1965년 11월 19일 Die Walküre의 마지막 녹음으로 마무리되었고, 전곡은 1968년 Decca의 19장 LP로 발매되었다. 이 기록이 보여 주는 역사적 위치는 완결된 스튜디오 Ring 사이클의 제작 과정과 스테레오 녹음사의 한 지점에 있으며, Die Walküre 단독 녹음의 최초 여부와는 구분된다.

Met Opera Archives의 1942년 비평은 Wotan과 Fricka의 장면, 제2막 Wotan 독백, 지휘자가 만든 구조 감각을 당시 공연의 관점에서 다룬다. 1967년 기록은 Herbert von Karajan이 지휘한 메트 공연의 수용을 남긴다. 두 자료는 서로 다른 시대의 공연을 보여 주는 당대 비평이며, 어느 하나를 유일한 연주 정답으로 제시하는 근거는 아니다.

주요 자료

Siegfried

Siegfried

정보

개요

곡명: Siegfried, WWV 86C
작곡가·대본: Richard Wagner (1813–1883)
장르: 독일어 3막 음악극
작곡 시기: 대본 18511852년, 음악 18561857년과 1869~1871년
초연: 1876년 8월 16일, Bayreuth Festspielhaus, Hans Richter 지휘
Ring 안의 위치: Der Ring des Nibelungen의 둘째 날. Das Rheingold 전야와 Die Walküre 첫째 날 뒤에 놓이는 네 작품 중 세 번째 작품이다.
주요 인물: Siegfried(테너), Mime(테너), Wanderer/Wotan(베이스 또는 베이스바리톤), Alberich(바리톤), Fafner(베이스), Erda(알토 또는 콘트랄토), Brünnhilde(드라마틱 소프라노), Waldvogel(소프라노)
구성: 세 막. 제1막은 Mime의 동굴과 Nothung 재련, 제2막은 Fafner의 동굴과 Waldvogel의 안내, 제3막은 Wotan과 Erda의 대화·창의 파괴·Brünnhilde의 각성으로 이어진다.
IMSLP: Siegfried, WWV 86C (Wagner, Richard)
Wikipedia: Siegfried (opera)

Siegfried, WWV 86C는 Richard Wagner가 대본과 음악을 모두 쓴 독일어 3막 음악극이다. 이 글은 전곡을 다루며, 제1막의 검 재련, 제2막의 Fafner 처치와 반지 획득, 제3막의 Wotan과 Siegfried의 결별 및 Brünnhilde 각성을 Der Ring des Nibelungen의 연속된 둘째 날로 설명한다. 무대 위 성악과 관현악이 세 막의 사건을 함께 진행한다.

작품의 기원과 작곡 연대

Wagner의 첫 구상은 1848년 단일 음악극 Siegfrieds Tod였다. 1851년에는 젊은 영웅의 시기를 다룬 Der junge Siegfried를 앞에 덧붙였고, 1852년에 Das Rheingold, Die Walküre, Siegfried, Götterdämmerung으로 이어지는 네 작품의 대본을 정리했다. 이 과정에서 Siegfried의 현재 모험은 앞선 두 작품의 계약·혈통·반지의 저주와 연결되는 Ring의 한 부분으로 자리 잡았다.

음악은 1856년 9월 무렵 시작되어 1857년 중반까지 제1막과 제2막을 중심으로 진행되었다. Wagner는 그 뒤 Tristan und Isolde와 Die Meistersinger von Nürnberg를 먼저 완성했고, 1869년에 작업을 재개하여 1871년 2월 총보를 마쳤다. 따라서 대본의 연대와 음악의 실제 착수·중단·완성 연대는 서로 다른 범주의 기록으로 제시된다.

1863년 빈에서는 제1막 발췌가 콘서트 형식으로 공개되었다. 1870년 12월 25일 Cosima Wagner의 생일에 연주된 Siegfried-Idyll은 오페라의 동기와 장면 재료를 사용한 별도 실내악 작품이며, Siegfried의 제4막이나 축약판으로 이어지는 작품이 아니다.

출판 정보와 자료

Mainz의 B. Schott's Söhne는 1871년에 성악보를, 1876년에 관현악 총보를 출판했다. 이 출판 연대는 작곡 중단과 초연 연대와 별개의 서지 정보다.

Schott의 Richard Wagner – Sämtliche Werke는 Siegfried를 Band 12/I, 12/II, 12/III로 나누어 세 막과 비평 보고서를 싣는다. 이 현대 비평판은 자필 자료·초판·공연 문서를 대조해 연주용 텍스트를 구성하는 계열이다. 초판과 비평판은 서로 다른 목적을 가진 판본으로 병기된다.

소요 시간

Wiener Symphoniker는 음악만 약 235분으로 안내한다. 실제 공연에서는 지휘자의 템포와 막 사이의 전환, 삭제 여부에 따라 전곡이 약 3시간 50분에서 4시간 20분까지 걸리며, 두 번의 인터벌을 포함한 극장 운영 시간은 약 5시간 전후가 된다.

막 주요 범위 음악 시간
제1막 Mime의 동굴, Wanderer의 수수께끼, Nothung 재련 약 75~85분
제2막 Fafner의 동굴 앞 숲, 용의 죽음, Waldvogel의 안내 약 70~80분
제3막 Erda와 Wotan, 창의 파괴, 불바위와 Brünnhilde의 각성 약 80~90분

막별 시간은 공연 기록에 따라 달라지는 대략적인 범위이며, 인터벌을 포함한 극장 운영 시간과 동일한 수치로 계산되지 않는다.

편성

성악 배역

관현악과 무대 악기

호른 일부의 Wagner 튜바 겸주와 콘트라바순 보강은 판본과 제작 관행에 따라 달라질 수 있다. 무대 모루의 크기·배치와 증폭 방식도 제작별 조건에 속하며, 악보에 적힌 사건과 현대 극장의 음향 설계를 구별한다.

제1막: Mime의 동굴과 Nothung 재련

숲의 동굴에서 Mime은 Siegfried를 이용해 Fafner를 죽이고 반지를 가져오려는 계획을 세운다. Siegfried는 Mime이 만들어 준 검을 매번 부수고, 자신의 부모와 출생을 묻는다. Mime이 Sieglinde와 Siegmund, 부러진 검 Nothung의 조각을 이야기하면서 Siegfried는 자신에게 필요한 무기의 출처를 알게 된다.

Wotan은 Wanderer의 모습으로 동굴에 들어와 Mime과 지식의 수수께끼를 주고받는다. 지하의 Nibelungs, 지상의 거인, 하늘의 신에 관한 질문 뒤에 Nothung을 다시 맞출 수 있는 사람이 누구인지가 마지막 문제로 남는다. 답은 두려움을 배운 적이 없는 Siegfried이며, 이 예언은 Mime의 목숨과 Siegfried의 다음 여정을 동시에 결정한다.

Mime이 검을 완성하지 못하자 Siegfried가 직접 칼날 조각을 녹이고 다시 벼린다. Nothung의 재련에서 모루·망치의 무대 타격과 금관·타악의 상승이 한 사건으로 합쳐지며, 막은 새 무기를 든 Siegfried가 Fafner를 찾아 떠날 준비를 마치는 지점에서 끝난다.

제2막: Fafner의 동굴과 Waldvogel

Fafner의 동굴 앞에서 Alberich는 반지를 되찾으려 기다리고, Wotan은 Wanderer로서 두 Nibelung의 계획을 지켜본다. Siegfried와 Mime이 도착한 뒤 Siegfried는 숲에서 부모와 자신의 정체를 생각하고, 뿔소리로 Waldvogel과 Fafner를 차례로 부른다.

Siegfried는 용으로 변한 Fafner를 Nothung으로 죽인다. 용의 피가 입술에 닿자 그는 Waldvogel의 말을 이해하고, 동굴에서 반지와 Tarnhelm을 가져온다. 용의 피를 맛본 Siegfried는 Mime이 독이 든 음료를 준비한 생각까지 들을 수 있게 되어 Mime을 처치하고, Waldvogel에게서 불바위에 잠든 Brünnhilde의 위치를 듣는다.

제2막의 관현악 장면 Forest Murmurs(Waldweben)는 높은 현악과 목관의 움직임으로 숲의 공간을 만들며, Fafner의 낮은 성부와 Waldvogel의 소프라노 선율을 대비시킨다. Los Angeles Philharmonic은 이 장면을 Ring 관현악 발췌 레퍼토리로 별도 소개하며, 전막 사건과 콘서트 발췌가 각각 다른 수용 경로를 갖는다는 점을 보여 준다.

제3막: Erda, 창, 불바위

Wotan은 Erda를 깨워 미래와 신들의 운명을 묻는다. 그는 이미 자신의 시대가 끝나고 Siegfried가 다음 질서를 열 수 있음을 알고 있으며, Erda의 지혜를 다시 잠들게 한다. 새벽에 나타난 Siegfried가 불바위로 향하자 Wotan은 창으로 길을 막는다.

Siegfried가 Nothung으로 창을 부수면서 Wotan이 대표하던 계약의 힘은 무대에서 물러난다. Siegfried는 불을 통과해 Brünnhilde가 잠든 바위에 도착하고, 갑옷을 벗긴 뒤 처음으로 여성을 마주한다. Brünnhilde는 태양과 빛을 부르며 깨어나고, 마지막 긴 이중창에서 두 사람의 관계는 영웅의 모험을 사랑과 두려움의 경험으로 옮긴다.

Leitmotiv와 작곡 시기의 겹침

Siegfried는 자신의 부모, Wotan의 계약, Alberich의 저주, 반지의 행방을 충분히 알지 못한다. 관현악은 Nothung, 반지와 저주, Wotan의 창, 불, Brünnhilde와 관련된 동기를 불러 이전 두 작품의 시간을 현재 장면과 겹쳐 놓는다. 이러한 Leitmotiv는 장면과 인물의 기억을 연결하며, 같은 동기가 상황에 따라 다른 관계를 맺도록 작동한다.

제1막과 제2막의 음악은 18561857년에 먼저 쓰였고, 제3막은 Tristan und Isolde와 Die Meistersinger von Nürnberg 이후인 18691871년에 완성되었다. 제3막의 Wotan–Erda 장면과 Brünnhilde 각성에서 앞선 막보다 짙은 반음계와 관현악 밀도가 들린다는 관찰은 이 작곡 연대와 연결된 해석이다. 장기간의 중단은 한 음악극의 후반부에 다른 시기의 어법을 겹쳐 놓았다.

무대 조건과 공연 수용

1876년 Bayreuth Festspielhaus의 초연은 Wagner가 설계한 보이지 않는 오케스트라 피트와 Ring 전체를 위한 무대 장치 안에서 열렸다. 이 공간은 성악과 관현악의 균형을 만든 역사적 조건이며, 이후 극장과 콘서트 형식은 각기 다른 피트와 배치를 사용한다. 제1막의 모루, 제2막의 숲과 용, 제3막의 불바위는 오페라 전곡에서 무대와 관현악이 직접 맞물리는 장면이다.

1863년 빈의 제1막 발췌는 전막 초연보다 이른 공개 사례였다. 1876년 8월 16일에는 Hans Richter가 Bayreuth Festspielhaus에서 전막을 지휘했고, Ring 전체를 처음 무대에 올린 축제에서 Siegfried는 ‘둘째 날’의 공연으로 자리 잡았다. 1902년 파리 오페라의 프랑스어 공연은 독일어 원판이 다른 언어와 극장 체계로 수용된 사례다. Los Angeles Philharmonic이 기록한 1923년 Forest Murmurs 발췌 공연은 전막 오페라와 관현악 발췌가 별도의 레퍼토리로 유통되었음을 보여 준다.

주요 레코딩

Georg Solti와 Vienna Philharmonic의 Decca Ring은 1958~1965년에 제작된 최초의 완전한 스튜디오 Ring 계열로 카탈로그화되어 있다. Decca의 Solti 디스코그래피는 Siegfried를 Wolfgang Windgassen, Birgit Nilsson, Solti의 음반으로 수록하며, 스테레오 스튜디오 제작의 한 사례를 제공한다.

Bayreuther Festspiele의 공연 데이터베이스는 1966년 공연의 음악 지휘자로 Karl Böhm을 기록하고, Böhm의 Bayreuth 실황은 후대 음반으로 발매되었다. 이 녹음은 Festspielhaus의 실제 무대 반향과 라이브 호흡을 담은 사례로, 스튜디오 제작과 다른 공연 조건을 보여 준다.

Herbert von Karajan과 Berlin Philharmonic의 Deutsche Grammophon 제작은 1960년대 후반 스튜디오 Ring의 또 다른 계열이다. DG 카탈로그에 표시된 1998년은 재발매 연도이므로 녹음 시기와 구별된다. Marek Janowski와 Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin의 Pentatone 음반은 2013년에 발매된 콘서트 형식 녹음으로, 무대 장치 없이 오케스트라와 성악을 함께 포착한 현대 사례다.

주요 자료

Götterdämmerung

Götterdämmerung

정보

개요

곡명: Götterdämmerung, WWV 86D
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
대본: Richard Wagner
장르와 범위: Der Ring des Nibelungen의 마지막 날에 해당하는 음악극 전곡. Vorspiel과 3막으로 구성된다.
음악 작곡: 1869–1874년
초연: 1876년 8월 17일, Bayreuth Festspielhaus; Hans Richter 지휘
언어: 독일어
IMSLP: Götterdämmerung, WWV 86D
Wikipedia: Götterdämmerung

Richard Wagner의 《Götterdämmerung》은 네 작품으로 이루어진 《Der Ring des Nibelungen》의 마지막 음악극이다. 이 글은 관현악 발췌가 아닌 Vorspiel과 세 막의 전곡을 다룬다. Schott의 구성표에서는 1막이 세 장면, 2막이 다섯 장면, 3막이 세 장면으로 나뉜다. 앞선 작품에서 연인이 된 Siegfried와 Brünnhilde가 헤어진 뒤, 라인강의 Gibichung 가문에서 벌어지는 혼인 계략이 두 사람과 반지의 운명을 바꾼다. 서막은 두 사람의 작별을, 세 막은 계략과 공개 고발, Siegfried의 죽음과 Brünnhilde의 마지막 결단을 차례로 다룬다.

작품 제목은 신들의 황혼을 뜻하지만, 무대에서 가장 오래 머무는 장소는 신들의 궁전이 아니라 Gunther의 집과 라인강 주변이다. 신들의 통치자 Wotan은 등장하지 않는다. 대신 그의 딸 Brünnhilde가 간직한 반지, Alberich의 아들 Hagen이 꾸미는 혼인, 기억을 잃은 Siegfried의 맹세가 앞선 세 작품의 사건을 인간들의 관계 속으로 끌어온다. 관현악도 이미 들었던 음악을 되돌려 보내며 등장인물이 알지 못하거나 잊어버린 관계를 현재의 장면과 잇는다.

반지가 이곳에 이르기까지

《Das Rheingold》에서 Alberich는 라인강 황금으로 권력을 얻는 반지를 만들었다. 반지는 주인을 거듭 바꾸었고, Siegfried는 앞선 작품에서 용 Fafner를 죽인 뒤 그것을 손에 넣었다. 그는 모습을 바꾸고 먼 곳으로 이동하게 하는 투구 Tarnhelm도 얻었다. Brünnhilde는 Wotan의 딸이자 발퀴레였으나 신의 명령을 어겨 신성을 잃었다. 불길에 둘러싸인 바위에서 잠든 그녀를 Siegfried가 깨웠고, 두 사람은 연인이 되었다. 서막의 반지 증여와 1막에서 Tarnhelm을 이용한 속임수는 이 선행 사건에서 이어진다.

라인강가의 Gibichung 가문에는 남매 Gunther와 Gutrune, 이들의 이부형제 Hagen이 산다. Hagen은 반지에 대한 Alberich의 욕망을 이어받았지만 Gunther의 명예와 Gutrune의 혼인이라는 다른 두 사람의 목표를 자신의 계획에 이용한다. Brünnhilde의 자매 Waltraute와 황금을 지키던 라인강의 세 딸은 반지를 강으로 돌려보내려 한다. 같은 물건을 Brünnhilde는 연인에게 받은 선물로, Hagen은 차지해야 할 권력으로, 강의 딸들은 되찾아야 할 황금으로 여긴다. 이러한 차이가 각 인물의 결정을 움직인다.

대본에서 무대로

이 마지막 이야기는 네 작품 가운데 가장 먼저 구상되었다. Wagner는 1848년에 Siegfried의 죽음을 다룬 《Siegfrieds Tod》를 생각했고, 그 죽음에 이르기까지의 과거를 설명하려고 앞의 이야기들을 확장했다. 따라서 대본 구상의 순서와 극장에서 보는 순서는 반대 방향이다. 1853년에 인쇄된 《Ring》 대본의 한 교정본에는 Wagner가 Siegfried's Tod를 지우고 Götterdämmerung으로 고친 흔적도 남아 있다. 그 수정의 정확한 날짜까지 확인되는 것은 아니다.

음악 작업은 뒤에 이루어졌다. Richard-Wagner-Museum이 소개한 자필 자료에 따르면 관현악 스케치는 1870년 1월부터 1872년 여름까지 작성되었고, 자필 총보는 1873년 5월에 시작되어 1874년 11월 21일 Wahnfried에서 완성되었다. 1848년은 대본 구상의 출발점이고, 전곡의 음악은 1869–1874년에 작곡되었다. 《Götterdämmerung》은 1876년 첫 Bayreuth 음악제에서 완성된 《Ring》의 마지막 날로 초연되었으며, Hans Richter가 지휘했다.

첫 음악제는 세 차례 전곡 사이클을 올렸으나 큰 재정 적자를 남겼고 Bayreuth 축제극장은 이후 6년 동안 비었다. 그렇다고 작품의 상연까지 중단된 것은 아니었다. Bayerische Staatsoper의 공연 연표는 Angelo Neumann이 Bayreuth 초연 무대를 본뜬 제작을 1878년 뮌헨에서 선보인 뒤 빈, 함부르크, 베를린과 런던으로 가져갔다고 기록한다. 반면 Bayreuth에서 《Ring》이 다시 공연된 것은 1896년이다. 극장 한 곳의 상연사와 작품의 확산은 이처럼 서로 다른 길을 걸었다.

출판 정보와 자료

초기 자료는 대본, 피아노-성악보, 관현악 총보로 나누어 살펴야 한다. Morgan Library는 1853년에 소량 인쇄된 《Ring》 대본을 소장하며, Karl Klindworth의 《Götterdämmerung》 피아노-성악보 초판 발행년은 1875년경으로 기록한다. Schott의 관현악 총보 초판은 1876년 여름에 출판되었다. 미국 의회도서관이 보관한 인쇄 총보의 서지는 Schott 판번호 21953을 확인해 준다. 피아노-성악보의 추정 발행년과 총보의 출판년을 하나의 ‘초판 연도’로 합치면 자료의 형성과 공연 준비 순서가 사라진다.

총보 초판의 교정은 Wagner 자신이 아니라 지휘자 Hermann Levi가 맡았다. Schott의 현대 피아노-성악보 설명은 초판에 자필 총보와 다른 대목이 있으며, 그 차이를 모두 작곡가가 원한 변경으로 볼 수 없다고 밝힌다. 이 글의 기준 본문은 Hartmut Fladt가 편집한 Richard Wagner, Sämtliche Werke 제13권에 근거한 Schott의 현행 연주 자료다. 이 계열은 자필 총보를 중심 자료로 삼으면서 1876년 Bayreuth 리허설에서 이루어진 변경도 구별한다. Eulenburg의 Fladt 편 연구용 총보는 당시 변경을 기록한 Heinrich Porges, Levi, Felix Mottl의 자료까지 안내한다. Schott는 초판 계열의 공연 자료도 별도로 공급한다. 자필 정서 총보는 Bayreuth의 Nationalarchiv der Richard-Wagner-Stiftung에 소장되어 있다.

소요 시간

Schott의 현행 연주 자료는 전곡을 약 270분으로 제시한다. Georg Solti가 지휘한 1964년 Decca 녹음의 2023년 재발매 목록에서는 휴식 없는 음악이 약 4시간 25분이다. 이 녹음을 기준으로 서막과 라인강 여행은 약 39분, 1막은 약 82분, 2막은 약 67분, 3막은 약 78분이다. 이는 구조 단위의 길이를 가늠할 수 있는 한 표본이며, 실제 공연 시간은 지휘와 무대 조건에 따라 달라진다.

Vorspiel과 1막은 이어지며, 일반적인 무대 공연은 1막 뒤와 2막 뒤에 휴식을 둔다. Met의 2012년 공연 프로그램도 두 차례 휴식을 표시한다. 그러므로 관객이 극장에 머무는 시간과 악보의 음악이 진행되는 시간은 다르다. 특히 긴 전반부에는 Norn의 장면, 두 연인의 작별, 관현악으로 진행되는 라인강 여행, Gibichung 가문의 계획과 Waltraute의 방문이 모두 들어간다.

편성

다음은 Fladt 편 비평판 본문에 연결되는 Schott 연주 자료의 표기를 따른다. 피트의 하프와 무대에 따로 적힌 하프, 호른 주자와 그가 겸하는 Wagner tuba를 각각 구별했다.

출판사의 Auf der Bühne는 무대용 편성을 따로 식별하는 말이다. 그중 Stierhörner는 2막에서 Hagen이 남자들을 소집할 때의 신호와 연결된다. 무대의 FㆍC호른과 Stierhörner 각각에 필요한 주자 수는 이 목록만으로 확정할 수 없다. 성부도 출판사 표기인 hoher Bass, tiefer Sopran 등을 따랐다. 현대 공연의 바리톤ㆍ메조소프라노 배역 관행과 원전의 분류는 별도로 볼 필요가 있다.

서막: 끊어진 줄과 남겨진 반지

서막의 밤, 대지의 여신 Erda의 딸인 세 Norn이 Brünnhilde의 바위에서 운명의 줄을 잣는다. 그들은 Wotan이 세계수의 가지로 계약을 새긴 창을 만들었고, Siegfried가 그 창을 부순 뒤 신들이 세계수의 나무를 베어 Walhall 둘레에 쌓았다고 이야기한다. 앞으로 닥칠 일을 보려는 순간 줄이 끊어진다. 세 자매가 지혜를 더 전할 수 없다며 떠나는 장면은 신들의 종말을 말로 예고하는 동시에, 그 미래를 설명해 오던 목소리 자체를 무대에서 물러나게 한다.

새벽에는 Siegfried와 Brünnhilde가 작별한다. Siegfried는 자신의 반지를 Brünnhilde에게 사랑의 증표로 주고, Brünnhilde는 말 Grane를 그에게 맡긴다. 반지가 그녀에게 건너가는 순간은 1막의 Waltraute 방문과 2막의 고발을 준비한다. 다른 인물들이 반환하거나 차지하려는 물건을 Brünnhilde는 Siegfried와 맺은 약속으로 받아들인다.

Siegfried가 바위를 떠나면 Schott 악보가 Zwischenspiel (Siegfrieds Rheinfahrt)라고 부르는 관현악 간주가 그를 라인강의 Gibichung 궁정으로 데려간다. 이는 서막과 1막 사이의 장소 이동이며 독립된 막은 아니다. Sir Andrew Davis는 연인들의 장면에서 커진 주제가 이 여행으로 이어지고, 3막의 장송 음악에 다시 나타난다고 설명했다. 출발할 때의 음악이 시신을 운구할 때 돌아온다는 구체적인 관계 덕분에, 널리 연주되는 발췌곡 두 대목도 전곡 속의 서로 다른 사건으로 들린다.

1막: 혼인 계획과 바위 위의 밤

Gunther는 자신의 집안에 어울릴 혼인을 찾고, Hagen은 그에게 Brünnhilde를 신부로 맞으라고 권한다. 불길에 둘러싸인 바위에 올라갈 수 있는 사람은 Siegfried이므로, Hagen의 계획에는 그를 Gunther의 대리인으로 만드는 일이 필요하다. Gutrune에게는 Siegfried를 남편으로 맞게 해 주겠다며, 그가 이전의 여자를 잊게 하는 약을 준비시킨다. 라인강을 따라 도착한 Siegfried는 그녀가 건넨 잔을 마시고 Brünnhilde에 대한 기억을 잃는다.

Siegfried와 Gunther는 서로에게 신의를 맹세하는 혈맹을 맺는다. Siegfried는 Gutrune를 얻는 대신 Tarnhelm으로 Gunther의 모습을 취해 Brünnhilde를 데려오기로 한다. Hagen은 두 남자의 맹세에 참여하지 않으며, 그들이 떠난 뒤 홀로 궁정을 지키면서 결국 반지를 손에 넣겠다는 뜻을 밝힌다. 우정의 의식은 Gunther에게 신부를, Siegfried에게 새 혼인을 약속하지만, 그 자리에 있는 세 번째 인물에게는 반지를 가져오는 수단이다.

장소가 Brünnhilde의 바위로 바뀌면 자매 Waltraute가 찾아온다. Wotan은 부러진 창을 들고 Walhall에서 종말을 기다리고 있으며, 라인강의 딸들에게 반지를 돌려주면 신들에게 길이 열릴 수 있다는 것이 그녀의 호소다. Brünnhilde는 그 물건을 권력의 상징보다 Siegfried의 선물로 받아들이므로 거절한다. 긴 자매의 대화가 끝난 뒤 들리는 Siegfried의 호른은 그녀에게 귀환을 알리는 듯하지만, 밤에 불길을 건너 나타나는 사람의 얼굴은 Gunther다.

실제로는 Siegfried가 Tarnhelm으로 외모를 바꾼 것이다. 그는 저항하는 Brünnhilde에게서 반지를 빼앗고 그녀를 Gunther의 신부로 주장한다. 그러나 함께 밤을 보내는 동안 자신과 그녀 사이에 검 Nothung을 놓고, Gunther와 맺은 신의를 지키겠다고 말한다. 관객은 변장한 인물이 누구인지 알지만 Brünnhilde는 그를 Gunther로 안다. 다음 날에는 Siegfried가 원래 모습으로 먼저 궁정에 돌아오고, Gunther가 Brünnhilde를 데리고 온다. 이 순서와 검을 사이에 둔 행동 때문에 2막에서 Siegfried와 Brünnhilde는 같은 밤에 관해 서로 다르게 진술한다.

2막: 증인이 된 군중과 서로 다른 맹세

밤에 Hagen이 잠든 듯 경계하는 동안 아버지 Alberich가 나타나 반지를 되찾으라고 독촉한다. 잠과 깨어 있음의 경계에 놓인 이 대화는 Hagen이 1막 끝에서 드러낸 목적을 다시 부각한다. 새벽에 돌아온 Siegfried는 Gutrune에게 바위에서 일어난 일을 설명하지만 Brünnhilde와 맺었던 옛 관계는 여전히 기억하지 못한다.

Hagen은 “Hoiho! Hoihohoho! Ihr Gibichsmannen!”으로 가신들을 불러 모은다. 무장한 남자들이 다급한 소집에 응답한 뒤 두 혼인을 축하할 준비로 돌아서는 과정에서, 지금까지 주로 소수 인물 사이에서 벌어지던 일이 군중 앞의 의식이 된다. 피트와 별도로 배치된 Stierhörner의 신호, Mannen의 합창과 Frauen의 응답은 이 장면의 공연 공간을 넓힌다. 그러나 집단이 모여 환호하는 바로 그 자리에서 Brünnhilde의 고발이 시작된다.

Brünnhilde는 Siegfried의 손에 자신이 빼앗긴 반지가 있는 것을 발견한다. 그녀에게 이것은 어젯밤의 낯선 구혼자가 Siegfried였다는 증거다. Siegfried는 약 때문에 옛 사랑을 잊은 채, 자신이 Gunther와 맺은 혈맹을 검으로 지켰다고 생각한다. Brünnhilde는 그보다 앞선 두 사람의 관계를 기억한다. 두 사람은 Hagen이 내민 같은 창끝을 차례로 잡고 정반대의 맹세를 한다. 음악극의 갈등은 거짓말쟁이와 진실을 아는 사람의 단순한 대립을 넘어, 기억을 빼앗긴 인물이 자기 행동의 의미를 모르는 상황에서 공개적인 법과 명예의 문제로 번진다.

군중이 물러난 뒤 Hagen은 살해 계획을 꺼낸다. Brünnhilde는 Siegfried가 적에게 등을 돌릴 사람이 아니라고 믿어 그곳에만 보호의 힘을 걸지 않았음을 밝힌다. Gunther는 혈맹 때문에 망설이지만 자기 명예와 반지에 대한 Hagen의 말에 흔들려 공모에 들어간다. 막 끝의 세 사람은 같은 죽음에 동의하면서도 배신의 분노, 명예 회복, 반지의 획득이라는 서로 다른 목적을 지닌다. 복수의 3중창은 이 계획을 다음 막의 사냥으로 넘긴다.

3막: 회복된 기억과 실행되는 반환

사냥 중 길을 잃은 Siegfried는 라인강의 세 딸 Woglinde, Wellgunde, Floßhilde를 만난다. 그는 놀림을 받으며 한때 반지를 건네려 하지만, 반지를 지닌 채 오늘 죽으리라는 경고를 듣고는 두려움 때문에 내놓는 것으로 보이고 싶지 않아 거절한다. 서막의 Brünnhilde에게는 선물의 기억이, 여기의 Siegfried에게는 자기 용기에 대한 확신이 반환을 가로막는다. 세 딸은 다른 여인이 돌려줄 것이라고 예고한다.

사냥꾼들과 다시 만난 Siegfried는 어린 시절의 Mime, 검의 재제련, Fafner의 죽음과 숲새의 안내를 이야기한다. Hagen이 기억을 되돌리는 약을 탄 술을 건네자 Siegfried는 Brünnhilde를 깨우고 사랑하게 된 일까지 떠올린다. 그가 두 까마귀를 보느라 등을 돌리는 순간 Hagen이 창을 꽂는다. Hagen은 공개 맹세를 어긴 데 대한 응징을 내세우지만, 그 명분은 앞서 자신이 설계한 망각과 변장의 계략에서 나왔다. Siegfried는 Brünnhilde를 부르며 죽는다.

시신이 Gibichung 궁정으로 옮겨질 때의 관현악 장송 음악은 공연장에서 독립 발췌로도 자주 연주된다. Met 프로그램에서 Paul Thomason은 Cosima의 일기를 통해 전해지는 Wagner의 1871년 설명을 소개한다. 그 설명에서 관현악은 Siegfried의 아버지 Siegmund, 검, 영웅 자신의 음악을 되짚으며 말로 노래하지 않는 비극의 합창처럼 기능한다. 따라서 이 행렬은 죽음 직후의 애도에 앞선 작품에서 쌓인 가족과 영웅의 역사를 함께 실어 나른다. Davis가 짚은 라인강 여행의 주제도 여기서 돌아와, 살아서 궁정으로 향했던 출발과 죽어서 그곳에 이르는 귀환을 연결한다.

궁정에서는 Hagen이 Siegfried를 죽였다고 인정하며 반지를 요구하고, 그를 막는 Gunther까지 살해한다. 시신의 손이 들리자 Hagen은 반지를 가져가지 못한다. Brünnhilde가 도착해 망각의 약과 변장, 살해가 얽힌 경위를 파악하고 장작더미를 준비시킨다. 그녀는 시신의 손에서 반지를 빼 강의 딸들에게 자신의 재에서 그것을 가져가라고 말한다. 불이 반지의 저주를 씻어 주기를 바란다는 것도 그녀의 말이다. 그 뒤 반지를 자기 손가락에 끼고 까마귀들을 부른다.

Brünnhilde는 까마귀들에게 Wotan에게 돌아가 바위의 불을 Walhall로 이끌라고 명령한다. 장작에 불을 붙인 뒤 Grane를 타고 뛰어들면 라인강이 범람해 화장터를 덮는다. 강의 딸들이 그제야 반지를 회수하고, 그것을 쫓던 Hagen은 물속으로 끌려간다. 살아남은 이들이 바라보는 먼 Walhall도 불길에 가려진다. 처음에 사랑의 증표로 건네진 반지는 Brünnhilde의 마지막 말과 화장, 강물의 범람을 거친 뒤에야 원래 황금이 있던 강으로 돌아간다.

관현악이 기억하는 사건

반지가 이동하는 순서는 대본으로 따라갈 수 있지만, 관현악은 다른 방식으로 이전 사건들을 불러온다. Boston Symphony Orchestra의 Marc Mandel은 Siegfried가 죽을 때 앞선 작품 《Siegfried》에서 Brünnhilde가 깨어나던 음악이 돌아오고, 마지막 독백에는 이 작품의 Norn 장면과 관련된 재료도 다시 나타난다고 설명한다. 현재 장면만 놓고 보면 영웅의 최후와 한 사람의 결단이지만, 되돌아온 음악은 두 인물이 함께한 과거와 신들이 들었던 예고를 그 장면에 겹친다.

마지막 독백과 무대 사건이 끝난 뒤에도 관현악은 계속된다. 끝의 선율에 붙는 동기 이름과 철학적 해석은 자료마다 같지 않다. 대본이 확정하는 것은 Brünnhilde의 말과 행동, 강의 딸들이 되찾은 반지, 불타는 Walhall의 모습이다. 관현악이 그 뒤에 놓인다는 사실은, 이 음악극의 종결을 줄거리의 마지막 한 문장만으로 대신할 수 없게 한다.

지휘자와 무대가 실제로 바꾸는 것

Sir Andrew Davis는 2020년 Lyric Opera of Chicago의 작품별 글에서 1막의 긴 대화를 매 순간 무겁게 늘이면 이야기의 흐름이 약해진다고 설명했다. 그는 서막의 Norn 장면에서도 줄이 끊어지는 순간만이 아니라 그 이전부터 불안이 지속된다고 보았다. 마지막에 되돌아오는 불의 음악은 《Die Walküre》의 종결처럼 늦추기보다 통제를 벗어난 사건으로 진행시키는 속도를 택했다고 한다. 이는 장면의 말과 상황을 빠르기에 연결한 한 지휘자의 선택이지, 모든 공연에 적용할 유일한 속도는 아니다.

Philippe Auguin은 Washington National Opera의 2016년 《Ring》 공연을 앞둔 인터뷰에서 장송 음악의 feierlich 지시를 실제 합주 문제와 연결했다. 그는 네 박으로 진행되는 한 구의 마지막 박에 제1바이올린의 촘촘한 음표가 들어갈 때 박에 공간을 주고 끝 세 음의 아티큘레이션을 더 분명히 하도록 했다고 말했다. 장엄한 성격을 표시한 낱말 하나를 기계적인 느린 속도로 환원하지 않고, 현악의 음이 눌리지 않으면서 구가 이어지도록 조정한 사례다. 기사는 공연 전 대화를 기자가 편집해 실었다.

같은 악보도 극장 구조와 무대 장치에 따라 다른 합주를 만든다. Davis는 자신이 《Lohengrin》을 지휘했던 Bayreuth의 덮인 피트와 비교적 열린 Chicago Lyric Opera의 피트를 대조하며, 큰 편성 안의 여린 강약과 얇은 질감까지 들리게 하는 균형을 강조했다. 2024년 BR-KLASSIK 인터뷰에서 Simone Young은 Bayreuth의 피트에서 들리는 소리와 객석에서 들리는 소리가 다르고, 무대 벽의 높이나 재질이 바뀌면 다음 막의 균형과 아티큘레이션을 다시 맞춰야 한다고 설명했다. Young이 1991–92년에 Daniel Barenboim의 조수로 그 극장에서 일했던 경험과 훗날 직접 《Ring》을 지휘한 경험을 함께 말한 대목이다.

성악가가 겪는 차이도 구체적이다. Anne Evans는 1989–92년 Bayreuth의 KupferㆍBarenboim 제작을 돌아보며, 깊고 덮인 피트의 소리가 무대에 도착하는 시간 때문에 지휘자의 박보다 아주 조금 뒤에서 노래하도록 안내받았다고 말했다. 2막에서 무대 구조물을 오르내려야 했던 첫해 리허설에는 동작을 줄인 예비 노래가 아니라 실제 노래와 움직임을 함께 시험해 호흡의 한계를 확인했다. 무대 행동, 관현악의 위치, 성악의 시간이 공연에서 맞물린 사례다.

결말의 모습은 판본을 바꾸지 않고도 달라질 수 있다. Jane Boutwell이 기록한 1976년 Bayreuth의 첫 《Ring》 공연 뒤 기자회견에서 연출가 Patrice Chéreau는 마지막에 막을 내리지 않고 합창단을 앞으로 나오게 해 관객을 바라보도록 한 선택을 설명했다. 같은 날 별도 면담에서 지휘자 Pierre Boulez는 끝을 낙관이나 비관 중 한 가지로 고정하지 않고 다시 시작하는 순간으로 보았다. 원대본은 반지의 반환과 신들의 화재를 무대 사건으로 제시한다. 두 예술가는 1976년 제작에서 그 사건 뒤에 남은 사람들이 관객에게 던지는 질문을 부각했다.

주요 레코딩

Joseph Keilberth, Bayreuth Festival Orchestra and Chorus, 1955년 8월 14일 실황(Testament). Martha Mödl의 Brünnhilde, Wolfgang Windgassen의 Siegfried, Josef Greindl의 Hagen, Hans Hotter의 Gunther가 참여한 판이다. Bayreuth의 두 번째 1955년 사이클을 기록한 녹음으로, Astrid Varnay가 출연한 같은 해 다른 전곡과 구별해야 한다. BBC Music Magazine의 Michael Tanner는 Hotter가 Gunther의 불안과 거만함을 함께 드러내며 후반의 붕괴를 설득력 있게 만든다고 평가했다. 반면 MusicWeb의 David Harbin은 Mödl의 표현력과 Keilberth의 노래하는 진행을 높이면서도 고음의 부담과 무대 소음ㆍ녹음 원근의 제약을 짚었다. 두 비평은 이 실황의 가치와 한계를 서로 다른 위치에서 설명한다.

Georg Solti, Wiener Philharmoniker와 Wiener Staatsopernchor, 1964년 스튜디오 녹음(Decca). Birgit Nilsson, Windgassen, Gottlob Frick 등이 참여한다. 이 작품은 1958–65년에 제작된 최초의 전곡 스튜디오 스테레오 《Ring》의 일부이며, 전집에서 마지막으로 녹음된 작품은 아니다. 《Die Walküre》가 1965년에 뒤따랐다. 미국 의회도서관의 녹음사 해설은 《Götterdämmerung》의 무대 밖 소리를 주 녹음실 주변 공간에서 따로 만들었다고 기록한다. 2023년 재발매를 비평한 MusicWeb의 John Quinn은 Hagen의 경계와 소집, 2막 끝의 복수 3중창, 장송 음악에서 성악과 관현악의 세부가 드러나는 방식을 평가했다. 그의 매체별 음질 비교는 그가 들은 재발매판과 장비의 범위에 속한다.

Karl Böhm, Bayreuth Festival Orchestra and Chorus, 1967년 실황(Philips 초판 계열, Decca 재발매). Nilsson과 Windgassen, Greindl, Thomas Stewart가 주요 배역을 맡는다. MusicWeb의 Gavin Dixon은 마지막 자기희생 장면이 발췌로 들을 때는 성급하게 느껴질 수 있지만 막 전체의 전진 속에서는 의미가 달라진다고 평가했다. 같은 비평가는 Siegfried의 장송 음악은 오히려 느리고 일부 힘이 풀린다고 보았다. 따라서 이 실황의 특징을 ‘전곡이 빠르다’는 한 문장으로 대신할 수 없다. Bayreuth 현장의 공연과 Solti의 공간을 설계한 스튜디오 녹음은 동일한 장면이 서로 다른 조건에서 남은 자료이기도 하다.

주요 자료

Parsifal

Parsifal

정보

개요

곡명: Parsifal
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
작품 번호: WWV 111
장르와 구성: 독일어 대본에 의한 3막 Bühnenweihfestspiel
작곡: 대본 1877년 완성, 음악 1877–1882년
세계 초연: 1882년 7월 26일, Bayreuth Festspielhaus; Hermann Levi 지휘
IMSLP: Parsifal, WWV 111
Wikipedia: Parsifal

Richard Wagner의 Parsifal은 성배와 그것을 지키던 창을 둘러싼 독일어 3막 무대작이다. 성배 공동체의 지도자 Amfortas는 빼앗긴 창에 찔려 낫지 않는 상처를 입었다. 낯선 청년 Parsifal은 제1막에서 공동체를 만나고, 제2막에서 창을 되찾으며, 여러 해가 흐른 제3막에 돌아와 Amfortas의 상처를 치유한다. Wagner는 작품에 Bühnenweihfestspiel이라는 이름을 붙였다. 대본의 1877년 자필 표제에도 적힌 이 말은 Bayreuth의 무대에서 올릴 축제극이라는 뜻을 담고 있다.

출판 정보와 자료

대본은 1877년 B. Schott’s Söhne가 출판했고, Joseph Rubinstein이 만든 피아노·성악보는 1882년에 나왔다. 관현악 총보의 첫 인쇄는 Wagner 사후인 1883년이었다. 초연 때 인쇄 총보가 준비되지 않아 Hermann Levi는 작곡가의 자필 총보로 지휘했다. 1883년 인쇄본은 정식 출판물이지만 Wagner가 최종 교정한 판본은 아니다. 자필 총보와의 중요한 차이를 반영한 현대의 Richard-Wagner-Gesamtausgabe 제14권 I–III 및 Schott 공연 자료를 구분해 보는 이유다. 제1막 Vorspiel에는 극으로 이어지는 결말과 별도의 연주회용 결말이 있고, 제3막의 Karfreitagszauber에도 독립 연주 자료가 있다. 각각 전곡의 첫머리와 제3막 첫 장면에서 가져온 발췌곡이다.

소요 시간

막간을 제외한 음악은 대체로 4시간에서 4시간 30분 정도 걸린다. 초연 지휘자 Levi가 남긴 막별 기록은 약 107분·62분·75분, 합계 244분이다. 현대 공연의 막별 시간도 대략 제1막 100–115분, 제2막 60–70분, 제3막 70–85분에 걸친다. 두 차례 막간을 합치면 극장에 머무는 시간은 흔히 5시간을 넘는다. 이 숫자는 하나의 ‘정통 빠르기’를 정하지 않는다. 뒤에서 살필 말의 흐름과 장면 전환, 극장 음향에 따라 실제 길이가 달라진다.

편성

Schott의 비평판 계열 성악보는 관현악을 다음 순서로 명시한다. 목관은 *3 (3. auch Picc.) · 3 · Engl. Hr. · 3 · Bassklar. · 3 · Kfg.*로, 플루트 3(셋째 주자는 피콜로 겸임), 오보에 3과 잉글리시호른, 클라리넷 3과 베이스클라리넷, 바순 3과 콘트라바순을 뜻한다. 이어지는 *4 · 3 · 3 · 1 - P. - 2 Hfn. - Str.*는 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 3과 튜바, 팀파니, 하프 2, 현악을 가리킨다. 무대 별도 악기는 *Auf dem Theater: 6 Trp. · 6 Pos. · Glocken · Rührtr. · Donnermasch.*라고 적혀 있다. 무대의 트럼펫 6과 트롬본 6, 종, 북, 천둥 기계가 관현악 피트와 별도로 필요하다는 뜻이다. 실제 프로덕션의 악기 교체나 인원 조정은 기준 판본의 편성과 구분된다.

여섯 주요 배역은 Amfortas(바리톤), Titurel(베이스), Gurnemanz(베이스), Parsifal(테너), Klingsor(쇼트 판본에서 베이스), Kundry(소프라노)다. 두 성배 기사와 네 시동, 마법의 정원에 등장하는 여섯 꽃 처녀가 작은 독창 배역을 맡고, 남성·여성·청소년·소년 합창이 장면에 따라 서로 다른 위치에서 노래한다. Klingsor와 Kundry의 실제 배역에는 저성 바리톤 계열과 메조소프라노 계열 가수가 참여하기도 하지만, 이 관행이 비평판의 성부 표기를 바꾸지는 않는다.

성배가 살리는 공동체, 상처가 남는 지도자

이 극의 오래된 이야기는 첫 장면에서 이미 위기에 빠져 있다. Grail, 곧 최후의 만찬에 쓰였다는 성배를 지키는 기사단은 그것을 드러내는 의식으로 생명을 얻는다. 지도자 Amfortas는 기사들이 의지하는 그 의식 때문에 오히려 고통을 되풀이한다. 이전에 그는 마법사 Klingsor가 보낸 Kundry에게 이끌려 성창을 빼앗겼고, 그 창에 찔린 뒤 상처가 아물지 않았다. 성배를 열어 공동체를 살릴 때마다 자신은 낫지 않는 몸으로 다시 살아야 한다. 아버지 Titurel이 의식을 촉구하는 목소리는 구원받는 집단의 필요와 한 사람의 고통을 한 무대에 겹쳐 놓는다.

이 사연을 처음부터 알고 들어온 인물은 Parsifal이 아니다. 노기사 Gurnemanz가 과거를 들려주고, 관객은 그 이야기와 현재의 행동을 맞춰 가며 상황을 이해한다. 기다리는 사람은 예언에 나오는 ‘연민을 통하여 알게 되는 순수한 바보’, Durch Mitleid wissend, der reine Tor다. 여기서 ‘바보’는 우둔한 영웅을 높여 부르는 장식이 아니다. 무엇을 보아야 하는지, 본 고통에 어떻게 응답해야 하는지 아직 모르는 청년에게 주어진 조건이다. 세 막은 창을 찾아오는 모험보다 그 조건이 바뀌는 과정에 가깝다.

제1막: 백조, 낯선 청년, 성배의 식탁

Vorspiel 뒤의 숲에서는 Gurnemanz와 시동들이 Amfortas를 맞을 준비를 한다. Kundry가 먼 곳에서 구한 약을 가져오지만 왕의 상처에 효험이 있을지는 알 수 없다. Gurnemanz는 기사들에게 성배와 창의 내력, Klingsor가 기사단에서 배제된 뒤 마법의 정원을 만들었다는 사연을 들려준다. 긴 설명 도중 백조 한 마리가 떨어진다. 활을 쏜 Parsifal은 죽인 새가 이곳에서 어떤 의미를 지니는지 모르며, 자기 이름과 부모의 내력조차 또렷하게 말하지 못한다. 꾸지람을 듣고 활을 부러뜨린 뒤에도 그는 아직 자신이 본 생명의 고통을 말로 설명할 수 없다. Kundry가 어머니 Herzeleide의 죽음을 알리자 비로소 그의 무지에는 개인적인 상실까지 더해진다.

Gurnemanz는 그를 성배 전당으로 데려간다. 숲이 전당으로 바뀌는 동안 그는 ‘여기서는 시간이 공간이 된다’, Zum Raum wird hier die Zeit라고 말한다. 이 대사는 무대에 아무 변화가 없어도 성립하는 추상적인 명제가 아니다. 이동하는 파노라마와 계속 흐르는 관현악, 멀리서 다가오는 금관과 종소리가 관객이 한 장소에서 다른 장소로 건너간다고 느끼게 만든다. 전당에 이르면 Amfortas는 다시 성배를 드러내라는 요구 앞에 놓인다. 그의 고통을 호소하는 독창, 아버지의 명령, 여러 높이에서 응답하는 합창은 의식의 한가운데에서 서로 다른 필요를 들리게 한다.

Parsifal은 Amfortas를 보며 가슴을 움켜쥔다. 하지만 Gurnemanz가 무엇을 깨달았는지 묻자 대답하지 못한다. 노기사는 그를 내쫓는다. 여기서 청년이 아무것도 느끼지 못했다면 예언은 끝나 버렸을 것이다. 반대로 그가 이미 답을 알고 있다면 다음 두 막이 필요 없어진다. Wagner는 고통을 감지하는 순간과, 그 고통의 원인을 이해하고 행동하는 순간 사이에 긴 시간을 남겨 둔다.

제2막: 이름을 듣고 상처를 이해하다

Klingsor의 성에서 Kundry는 자신의 뜻과 관계없이 다시 유혹자의 일을 강요받는다. Parsifal은 그를 막는 기사들을 물리치고, 여러 무리의 꽃 처녀들이 노래하는 정원에 들어간다. 이 장면의 밝은 움직임은 제1막 의식의 느리고 위계적인 질서와 다르다. 꽃 처녀들의 경쟁이 물러나면 Kundry가 그에게 이름을 불러 준다. 그녀는 Herzeleide가 아들을 기다리다 죽었다는 기억을 되살리고, 어머니의 마지막 입맞춤을 전하는 것처럼 Parsifal에게 다가간다.

입맞춤은 유혹의 성공이 아니라 극의 방향을 뒤집는 사건이 된다. Parsifal은 ‘Amfortas! Die Wunde!’라고 외치며 제1막에서 보았던 왕의 상처를 자신의 몸에 닥친 일처럼 이해한다. 기억과 욕망을 이용하던 Kundry는 이제 자신도 구원받아야 한다고 호소한다. 그녀가 예전에 십자가에 못 박힌 구세주를 보고 웃었다는 이야기와 끝없는 방랑의 고통을 털어놓을수록, 이 장면은 선한 영웅이 악한 여자를 물리치는 단순한 대결에서 멀어진다. Parsifal은 그녀에게 이끌리는 방식으로는 두 사람 모두의 고통을 끝낼 수 없다고 판단한다. Kundry의 부름에 나타난 Klingsor가 창을 던지자 그것이 Parsifal 위에 멈추고, 청년이 창으로 십자를 그리면서 성과 정원은 무너진다. 그가 되찾은 것은 물건 하나가 아니라 Amfortas를 다치게 한 힘을 다른 방식으로 쓸 가능성이다.

제3막: 같은 숲으로 돌아온 다른 사람

몇 해가 지났다. 성금요일 아침, 늙은 Gurnemanz는 숲에서 잠든 Kundry를 발견한다. 앞선 막에서 긴 이야기와 격렬한 노래로 무대를 움직인 그녀는 이제 ‘Dienen, dienen’, 즉 ‘섬기다’라는 짧은 말만 남긴다. 창을 들고 검은 갑옷을 입은 낯선 기사가 나타나자 Gurnemanz는 그가 Parsifal임을 알아본다. Amfortas가 고통스러운 의식을 거부하는 사이 Titurel이 죽었고, 성배를 기다리던 공동체도 쇠약해졌다. 제1막에서 청년을 밀어냈던 노기사가 이번에는 그를 받아들이는 데에는, 창의 귀환과 함께 달라진 인식이 있다.

Kundry가 Parsifal의 발을 씻고 머리카락으로 닦는다. Gurnemanz는 그에게 기름을 붓고, Parsifal은 Kundry에게 세례를 준다. 이어 Parsifal은 들판이 왜 이토록 아름다운지 묻는다. Gurnemanz가 답하는 Karfreitagszauber에서는 회개의 눈물과 봄의 자연이 서로 맞닿는다. 이 장면을 단순한 휴식으로 지나치면 첫 막의 백조가 사라진 자리가 보이지 않는다. 이제 Parsifal은 인간의 상처뿐 아니라 그가 함부로 다뤘던 살아 있는 세계에도 다른 눈을 돌린다.

마지막 전당에서는 Titurel의 관이 들어오고 기사들이 Amfortas에게 다시 의식을 요구한다. Amfortas는 죽음을 바라지만 Parsifal이 나타나 ‘상처를 낸 무기만이 상처를 낫게 한다’, Nur eine Waffe taugt라고 말한다. 그는 되찾은 창으로 상처를 치유하고 직접 성배를 드러낸다. 합창은 Erlösung dem Erlöser, ‘구세주에게 구원을’ 노래한다. 그러나 마지막 무대 지시에서 Kundry는 Parsifal을 바라보다 쓰러져 숨을 거둔다. 공동체의 회복, 지도자의 교체, 한 인물의 죽음이 동시에 일어나는 결말이다. 작품이 부르는 ‘구원’이 누구에게 어떤 모습으로 주어지는지는 이 장면을 보는 사람에게도 남는 질문이다.

음악은 어떻게 기억을 바꾸는가

선율의 이름보다 중요한 재등장

Parsifal을 ‘성배 동기’, ‘믿음 동기’, ‘창 동기’의 목록으로 설명하는 방법은 편리하다. 다만 이런 이름 다수가 Wagner가 악보에 적은 공식 표제가 아니라 Hans von Wolzogen을 비롯한 후대 해설의 관습이라는 점을 기억해야 한다. 제1막 Vorspiel의 길게 호흡하는 선율과 Dresden Amen에서 온 상승형은 뒤의 성배 장면을 미리 암시한다. 그러나 처음 들릴 때는 아직 Amfortas의 고통이나 Parsifal의 선택을 설명하지 않는다. 인물들이 같은 음악 아래에서 다른 일을 겪은 뒤, 그 선율이 돌아올 때 비로소 앞서 듣던 소리의 의미도 달라진다.

가장 선명한 차이는 제1막 끝과 제2막의 입맞춤 사이에 있다. 제1막에서 성배의 음악과 Amfortas의 고통은 Parsifal 앞에 놓여 있지만, 그는 둘을 연결할 말을 갖지 못한다. 제2막에서는 Kundry의 접촉이 그 관계를 그의 내면으로 밀어 넣는다. 그가 외치는 ‘상처’는 앞선 장면의 단순한 회상이 아니라 지금 무대에서 벌어지는 인식의 사건이다. 제3막의 성배 음악도 첫 의식으로 돌아가는 데서 그치지 않는다. 의식을 행하는 사람과 창을 쥔 사람이 바뀌었으므로, 같은 소리를 듣는 공동체의 조건이 바뀌었다.

이 음악은 계속 흐르지만 쉼을 없애지는 않는다. 전주곡의 중단, 독창 뒤의 기다림, 멀리서 오는 종소리를 들을 시간은 앞뒤 구절 사이에 판단의 여지를 만든다. Haenchen은 전주곡에 완전한 침묵과 총휴지가 여러 차례 나타난다고 지적했다. 그것을 모두 막연한 ‘신비감’으로 길게 늘이거나, 반대로 다음 소리를 서둘러 붙여 버리면 각 중단이 놓인 문맥이 사라진다.

제2막의 빠른 운동과 제3막의 느린 시선

세 막을 하나의 장엄한 속도로 묶기 어려운 까닭은 사건의 밀도가 다르기 때문이다. 제1막에서 Gurnemanz의 긴 과거 이야기는 청년과 관객에게 동시에 세계를 가르친다. 제2막은 Klingsor의 명령, 기사들과의 충돌, 꽃 처녀들의 접근, Kundry의 회고, 입맞춤과 창의 회수까지 짧은 시간에 방향을 몇 번이나 바꾼다. 제3막에서는 다시 숲과 전당이 등장하지만, 숲의 침묵과 의식의 귀환 사이에 지나간 세월이 놓여 있다. 같은 길이의 쉼도 어느 막에서 누가 말을 멈췄느냐에 따라 다르게 들린다.

Gurnemanz의 성부가 앞뒤 막을 길게 잇는 데 비해 Kundry의 극적 무게는 제2막의 대화와 노래에 집중된다. 그녀가 제3막에서 거의 침묵하는 사실은 음악적으로도 결말을 쉽게 안심할 수 없게 한다. 마지막 합창이 공동체의 회복을 선포하는 동안, 한때 여러 목소리와 역할을 오갔던 인물은 자신의 긴 답변을 갖지 못한다. 이 대비는 대본이 명시한 사건에서 출발하며, 그 침묵을 해방이나 처벌 중 하나로 확정하는 일은 해석의 몫이다.

무대의 거리도 악보의 일부다

숲에서 전당으로 이동하는 동안

Bayreuth Festspielhaus의 덮인 관현악 피트는 관현악의 직접음을 줄이고 섞인 소리가 객석으로 퍼지게 한다. 무대와 피트가 보통 극장처럼 서로를 즉각 듣지 못하는 문제도 생긴다. 제1막과 제3막의 숲에서 성배 전당으로 가는 변환 음악은 이런 극장의 특성과 움직이는 장치를 염두에 두었다. 1882년 초연 때 파노라마의 진행이 음악보다 늦자 Engelbert Humperdinck가 기다릴 수 있는 아홉 마디를 마련했다. 이 임시 삽입은 원래 Vorspiel의 별도 연주회용 결말과 다른 사안이다. 무대 장치가 음악에 맞춰 움직여야 하지만, 장치의 실제 속도도 지휘와 연주에 영향을 준다는 사실을 남긴다.

성배 의식에는 눈에 보이는 가수 외에 멀리 있는 금관과 합창이 필요하다. Titurel의 목소리, 높은 곳의 젊은이와 소년들, 형제단의 합창이 각기 다른 거리에서 응답할 때 관객은 한 사람의 독창만이 아니라 전당 전체가 요구하는 소리를 듣는다. 그 공간이 장엄하게만 들린다면 Amfortas의 독창이 묻힐 수 있다. 음향의 깊이는 큰 소리의 양보다, 보이지 않는 곳에서 들려오는 응답과 눈앞의 인물 사이의 거리를 구분하는 데서 생긴다.

거대한 종 대신 만든 건반 장치

성배 종은 C–G–A–E의 네 음으로 울린다. 원하는 낮은 음높이와 크기를 실제 교회종으로 구현하기 어려워 Wagner는 Eduard Steingraeber에게 초연용 Gralsglocken-Klavier를 의뢰했다. 긴 현을 건반과 해머로 울리는 장치에 다른 타악기와 저음 악기를 보태 무대 뒤에서 오는 종소리를 만들었다. 뒤에 여러 개량품과 전자음향 대안이 등장했으므로 지금 들리는 성배 종의 음색을 하나의 ‘원래 소리’로 일반화할 수 없다. 특정 악기 이름보다 네 음의 관계와 울림의 거리, 금관·합창과 섞였을 때의 명료함이 실제 연주에서 중요하다.

중세 전승에서 Bayreuth의 극으로

Wagner가 오래 읽은 중세 자료 가운데 중심에 놓이는 것은 Wolfram von Eschenbach의 Parzival과 Titurel이다. 더 오래된 Chrétien de Troyes의 성배 이야기도 배경에 있지만, 방대한 중세 서사를 그대로 무대에 옮긴 것은 아니다. Wagner는 성배를 두고 질문하지 못했던 실패를 타인의 고통을 알아차리는 극으로 바꾸었다. 이름 Parsifal을 ‘순수한 바보’라는 아랍어 조합에서 왔다고 여긴 그의 생각도 오늘날 확정 어원으로 받아들여서는 안 된다. 작품이 쓰는 예언의 의미와 이름의 역사적 어원은 별개의 문제다.

작곡가는 훗날 1857년 성금요일에 작품의 발상을 얻었다고 회고했다. 그러나 그때 작성했다는 산문 스케치는 남아 있지 않다. 현존 첫 산문안은 1865년의 것이고, 1877년에 운문 대본을 완성했다. 음악과 자필 정서 총보의 작업은 1882년 1월까지 이어졌다. 1881년 성탄절에 Cosima에게 남긴 자필 총보의 헌사는 중요한 이정표지만 최종 완성일은 아니다. 1882년 7월 26일 Levi가 지휘한 Bayreuth 초연은 두 차례 후원자 공연과 이어진 14회 공연으로 그해 여름 16회에 이르렀다. 마지막 공연의 제3막 전환 중 Wagner가 Levi에게 지휘봉을 넘겨받아 끝까지 지휘한 일은 축제극장 안에서 그가 직접 지휘한 유일한 사례로 남았다.

Bayreuth 밖으로 나간 작품

Wagner는 작품을 자신이 만든 극장에서만 공연하기를 바랐고 Cosima도 그의 사후 그 뜻을 지키려 했다. 그렇다고 외부 상연이 1914년까지 전혀 없었던 것은 아니다. 뉴욕 Metropolitan Opera는 1903년 12월 24일 완전한 무대 공연을 올렸다. Wagner 측은 이를 막으려 했지만 미국 법원은 Schott가 완전한 총보를 일반 판매한 사정 등을 들어 예비 금지 신청을 받아들이지 않았다. 독일에서 보호 기간이 끝난 1913년 말 이후 여러 도시가 공연을 시작했다. 작품의 소리와 장면 전환이 한 극장의 구조에 맞춰 만들어졌다는 사실은, 이 확산과 함께 다른 극장이 해결해야 하는 실무 문제가 되었다.

Bayreuth 자체의 전통도 하나로 고정되지 않았다. 1951년 축제 재개막 때 Wieland Wagner는 새 무대를 만들고 Hans Knappertsbusch가 지휘했다. 뒤의 Pierre Boulez도 Wieland의 무대 구상에 따른 프로덕션을 지휘했지만 음악의 진행은 훨씬 기민하게 들리게 했다. 1970년 Boulez 공연의 약 231분은 후대의 느린 Bayreuth 관행과 대비되지만, Levi가 남긴 244분과는 생각보다 가깝다. 초연을 ‘매우 느렸던 옛 전통’으로 상상한 뒤 Boulez를 그 정반대로 놓는 도식은 실제 시간 기록과 맞지 않는다. 연출과 지휘가 여러 세대에 걸쳐 바뀐 만큼, Bayreuth라는 장소 자체도 단일한 해석을 보증하지 않는다.

연주가 결정해야 하는 것들

말의 빠르기와 악보의 세부

전곡의 길이를 먼저 정하고 각 장면을 거기에 끼워 맞추기는 어렵다. Gurnemanz가 긴 사연을 말하는 제1막에서는 독일어 문장의 방향이 흐려지지 않아야 하고, 제2막의 Kundry는 회고와 설득, 절박한 요구 사이에서 말의 압력을 바꿔야 한다. 지휘자 Hartmut Haenchen과 Semyon Bychkov가 초연 자료를 다시 살피며 ‘늘 느리게’라는 후대 관념을 경계한 이유도 여기에 있다. Haenchen이 모은 초연 계통의 악보 밖 빠르기 지시에는 빨라지는 자리와 느려지는 자리가 모두 있다. 그 자료는 전곡을 빨리 몰라는 처방이 아니라, 국부적인 말과 행동에 따라 시간을 조정했다는 증거다.

빠르기뿐 아니라 음을 붙이고 떼는 방법도 판본에 걸려 있다. 자필 총보, 초연에 쓰인 총보와 파트, 1883년 인쇄 총보는 점·쐐기·슬러 같은 세부가 일치하지 않는다. Haenchen은 자신이 대조한 제1바이올린 파트에서만 300곳이 넘는 차이를 언급했다. 이것이 음표 수백 개를 임의로 바꾸어도 된다는 뜻은 아니다. 짧은 음을 얼마나 분리할지, 되풀이되는 선율이 앞에 놓일지 성악 뒤에 머물지를 결정하는 정보가 여러 자료에 흩어져 있다는 뜻이다.

덮인 피트에서는 지휘자가 듣는 균형과 객석의 균형도 다르다. Bayreuth에서 Philippe Jordan은 피아노와 말소리로 반응 시간을 시험하고 객석의 소리를 따로 확인했다고 밝혔다. 이 확인이 필요한 까닭은 관현악이 무대의 말을 덮지 않도록 하기 위해서만이 아니다. 멀리서 오는 합창과 종, 숲에서 전당으로 바뀌는 동안의 소리, Amfortas의 신체적인 호소가 각각 다른 거리에서 들려야 극의 장소가 분명해진다.

녹음이 보여 주는 서로 다른 선택

1927–1928년 Karl Muck의 자료는 초기 공연의 소리를 남긴 귀한 발췌이지만 전곡이 아니다. 현존하는 가장 이른 전곡 녹음은 1936년 Buenos Aires에서 Fritz Busch가 지휘한 실황이다. 원반 교체로 짧은 손실이 있으므로 매끈한 음질의 입문용과는 성격이 다르다. 1951년 Knappertsbusch의 Bayreuth 세트는 전후 재개막과 Wieland의 새 무대를 담은, 정식 제작된 초기 전곡 LP 기록이다. 1962년의 스테레오 녹음과 나란히 두면 같은 지휘자도 배역과 소리의 거리, 진행의 유연함을 매번 똑같이 만들지 않았음을 알 수 있다.

1970년 Boulez의 Bayreuth 실황은 전통적 장중함을 덜어 내면서 성악과 관현악의 움직임을 선명하게 만든 사례다. 녹음에 등장하는 James King, Gwyneth Jones, Franz Crass, Thomas Stewart는 Bayreuth 공연 기록과 일치한다. 반면 Herbert von Karajan이 1979–1980년 Berlin에서 제작한 음반은 Bayreuth의 덮인 피트가 아닌 스튜디오에서 관현악과 성악, 원격 음향을 배치했다. 어느 쪽이 ‘원래의’ Parsifal인가를 묻기보다, 같은 종과 합창이 실황의 극장과 녹음실에서 어떻게 다른 거리를 갖는지 비교할 만하다. Rafael Kubelík의 1980년 Bayerischer Rundfunk 녹음처럼 뒤늦게 발매되어 재평가된 사례도 있어, 명성의 순서가 곧 작품 이해의 순서는 아니다.

결말이 남기는 질문

성배가 다시 드러나는 마지막 장면은 제1막의 의식이 같은 모습으로 돌아온 순간이 아니다. 처음에는 모두가 Amfortas에게 고통을 감수하라고 요구했지만, 마지막에는 그 상처를 낸 창이 돌아와 의식의 주인이 바뀐다. 제2막의 입맞춤에서 타인의 상처를 깨닫는 일이 없었다면 그 창은 단지 되찾은 전리품이었을 것이다. 음악은 앞서 들은 선율과 공간을 되돌려 놓되, 누가 말하고 누가 침묵하는지를 바꿔서 이 차이를 들려준다. Parsifal이 공동체를 회복하는 동안 Kundry가 죽는다는 무대의 사실까지 함께 볼 때, 작품의 구원은 관객의 질문을 닫는 선언이 아니라 더 넓은 해석을 요구하는 결말이 된다.

주요 자료

Siegfried Idyll, WWV 103

Siegfried Idyll, WWV 103

정보

개요

곡명: Siegfried Idyll, WWV 103
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
장르: 단악장 실내 관현악곡
작곡 시기: 1870년
사적 초연: 1870년 12월 25일, 스위스 Tribschen 사저의 계단. Cosima Wagner를 위한 생일 선물로 Wagner가 지휘했다.
초판: 1878년, Mainz의 B. Schott's Söhne
조성·기본 템포: E장조, Ruhig bewegt

Siegfried Idyll은 거대한 Ring의 신화와 가족의 아침을 한 곡 안에 겹친다. 처음에는 가까운 거리에서 들리는 작은 앙상블이 조용한 선율을 내놓고, 목관과 호른이 그 선율을 넓히며, 마지막에는 갈등보다 평온한 감사가 남는다. 작품은 오페라의 장면을 그대로 재현하는 발췌곡이 아니라, Siegfried와 가족을 둘러싼 동기를 사적인 축하의 시간으로 다시 배열한 관현악곡이다.

계단에서 시작된 사적 선물

Wagner는 Tribschen에서 1870년 작품을 완성하고, 12월 25일 아침 자택 계단에 작은 연주자들을 비밀리에 배치했다. Cosima가 잠에서 깨어나는 시간에 맞춘 초연은 공연장이 아닌 가정의 동선 안에서 이루어졌다. 원래 파트 수는 13개로 정리되지만, 실제 인원을 13명 또는 15명으로 세는 기록도 있으므로 파트 수와 연주자 수를 같은 값으로 단정하지 않는다.

가족 안에서 이 음악은 Tribschen Idyll이라는 이름과 아들 Siegfried의 애칭인 Fidi를 둘러싼 긴 생일 인사로 불렸다. 이 사적 명칭은 제목의 Siegfried가 음악극의 영웅만이 아니라 가족의 아이를 가리킨다는 사실을 알려 준다. 새소리와 오렌지빛 아침을 언급하는 헌사는 작품의 배경을 보태지만, 모든 선율에 하나씩 대응하는 암호표로 읽을 필요는 없다.

출판으로 바뀐 음향 조건

Wagner는 처음에 이 곡을 공개 레퍼토리로 내놓을 생각이 없었으나, 재정적 압박 속에서 1878년 Schott에 악보를 판매했다. 초판은 사적 초연의 13개 파트보다 큰 현악군을 포함하는 공개 연주용 형태로 정리되었다. 따라서 오늘날 여러 명의 현악 주자가 연주하는 관행은 원래 계단 연주의 규모와 다르지만, 작품이 처음부터 대형 교향악을 전제로 했다는 뜻은 아니다.

Schott와 IMSLP는 1878년 Mainz의 B. Schott's Söhne 출판과 초판 판번호 22430을 기록한다. 이후 공적 연주회에서 작품이 널리 다뤄졌지만, 첫 공개 연주의 연도와 장소는 자료마다 1871년 Mannheim, 1877년 Meiningen, 1878년 Leipzig 등으로 다르게 전해진다. 확실한 전환점은 1870년 사적 초연과 1878년 출판이며, 개별 공개 연주 날짜는 보조 수용사로 남겨 두는 편이 정확하다.

소요 시간과 두 편성

소요 시간: 약 18–22분. 연구용 악보는 19분을 제시하지만, 지휘 속도와 현악 규모에 따라 달라진다.
Tribschen 사적 편성: 플루트 1, 오보에 1, 클라리넷 2, 바순 1, 호른 2, 트럼펫 1, 바이올린 2성부, 비올라, 첼로, 더블베이스.
출판 뒤의 연주: 위 관악 성부를 유지하면서 현악을 복수 인원으로 확장하는 관행이 일반적이다.

좁은 계단에서의 원래 편성은 각 성부가 서로 가까이 대화하는 질감을 전제로 한다. 공개 연주판에서 현악을 늘리더라도 목관의 응답과 선율의 투명함이 사라지지 않아야 작품의 사적 출발점을 들을 수 있다.

단악장 흐름

조용한 시작과 선율의 기억

첫머리는 여린 현악이 E장조의 넓은 선율을 조심스럽게 드러내는 방식으로 열린다. 이 선율은 완결된 사건을 선언하기보다 공간과 호흡을 먼저 만든다. 오보에와 다른 목관이 응답하고 호른이 따뜻한 색채를 보태면서, 음악은 작은 앙상블 안에서 서서히 범위를 넓힌다.

Siegfried와 가족 선율의 겹침

프로그램 자료는 오페라 Siegfried의 호른 동기, 숲의 새 선율, 사랑의 선율, 자장가 성격의 소재를 이 곡의 음악적 원천으로 언급한다. 이 소재들은 특정 장면을 그대로 설명하기보다, 음악극에서 쓰이던 의미를 가정의 시간 속에서 변형한다. 따라서 Siegfried Idyll은 Ring의 축약판이라기보다, 그 선율들이 가족의 기억과 자연의 평온을 만나는 새로운 맥락이다.

오보에가 전하는 자장가 같은 선율은 아이의 탄생과 연결해 들을 수 있고, 호른과 현악의 사랑의 선율은 Siegfried와 Brünnhilde의 세계를 떠올리게 한다. 다만 이 연관성은 프로그램 해설과 수용의 관찰에 근거하므로, Wagner가 각 음형에 하나의 고정된 서사를 부여했다고 단정하지 않는다.

고조와 평온한 귀환

중간부에서는 금관과 현악이 음향을 넓히며 선율의 고조를 만든다. 그러나 Ring의 극적인 충돌처럼 긴장을 끝까지 밀어붙이지 않고, 목관의 세부적인 응답과 현악의 얇은 결을 다시 살린다. 마지막은 승리의 선언보다 아침의 감사와 가족적 평온에 가까운 종결로 이어진다.

Ring에서 가정으로 옮겨 온 음악

Wagner의 음악극에서 동기는 인물과 사건을 장기간 연결하는 장치다. Siegfried Idyll에서는 같은 재료가 무대 밖으로 나와 한 가족의 시간을 조직한다. 이름이 같은 영웅과 아들의 존재가 겹치고, 사랑의 선율과 자장가가 같은 실내악적 질감 안에서 이어지면서 신화의 규모가 일상의 친밀함으로 축소된다.

이 이동은 단순한 크기 조절이 아니다. 사적 초연의 가까운 거리에서는 각 악기의 호흡과 대위가 직접 들리고, 출판 뒤의 확대 관현악에서는 그 선율이 콘서트홀 전체로 퍼진다. 두 환경은 서로 다른 음향을 만들지만, 작품의 중심은 여전히 동기가 조용히 기억되고 변형되는 과정에 있다.

연주와 판본을 읽는 기준

Ruhig bewegt라는 기본 지시는 느린 속도만을 뜻하지 않는다. 선율이 한 번에 결론에 도달하지 않고 목관과 호른, 현악 사이에서 조금씩 모습을 바꾸는 흐름을 만든다. 지나치게 두꺼운 현악과 과장된 금관은 음악극의 장대한 음향을 앞세울 수 있으므로, 공개 연주판에서도 원래 실내악의 투명한 균형이 작품의 성격으로 남는다.

사적 초연의 장소와 선물이라는 맥락은 음악을 이해하는 중요한 단서지만, 작품을 가족사로만 제한하지 않는다. Ring을 모르는 청중도 여린 선율, 색채의 누적, 평온한 귀환을 독립적인 관현악의 흐름으로 들을 수 있다. 반대로 음악극의 동기를 아는 청중에게는 익숙한 선율이 집 안의 시간으로 옮겨진 변형이 추가로 들린다.

주요 자료

A Faust Overture, WWV 59

A Faust Overture, WWV 59

정보

개요

곡명: A Faust Overture, WWV 59 (독일어 Eine Faust-Ouvertüre)
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
장르: 단악장 관현악 서곡
원천: Johann Wolfgang von Goethe의 Faust
작곡·개정: 1839–1840년 작곡, 1855년 개정
초연: 1844년 Dresden에서 Wagner의 지휘로 첫 공개 연주
출판: 1855년 Breitkopf & Härtel 판본으로 전승
편성: 피콜로, 플루트, 2관 목관, 금관, 팀파니, 현악
IMSLP: Eine Faust-Ouvertüre, WWV 59 (Wagner, Richard)
Wikipedia: Faust Overture

Richard Wagner의 A Faust Overture, WWV 59는 Goethe의 Faust에서 출발한 단악장 관현악 서곡이다. 이 작품은 1839–1840년에 쓴 제1판과 1855년에 개정한 제2판으로 전해지며, 완성된 한 악장이 원래 계획한 다악장 Faust 교향곡의 첫 부분에서 독립적인 서곡으로 자리 잡은 과정을 보여 준다. 제1판은 Faustsymphonie의 첫 악장이라는 맥락에서, 제2판은 Eine Faust-Ouvertüre라는 독립된 제목으로 정리되었다.

두 제목과 두 문헌 상태

Schott의 Wagner 전집은 제1판을 Faustsymphonie, erster Satz로, 제2판을 Eine Faust-Ouvertüre로 별도 수록한다. 두 제목은 같은 작품번호 WWV 59를 가리키지만, 단순히 표지만 바꾼 재인쇄를 뜻하지 않는다. Bayreuth의 Richard-Wagner-Stiftung 원고 목록에는 제1판 자필 총보가 Paris에서 작성된 1840년 62쪽 원고로, 제2판 자필 총보가 Zürich에서 작성된 1855년 6월 17일 24쪽 원고로 각각 등록되어 있다. 제목, 템포 표기와 관현악 처리의 차이는 이 두 문헌 상태가 서로 다른 전승을 지님을 보여 준다.

IMSLP는 작품을 D단조, 단악장, 1839–40년 작곡, 1855년 최초 출판으로 정리한다. 영어 제목 A Faust Overture는 이 독일어 표제의 번역이며, WWV 59가 작품을 식별하는 안정적인 번호다.

Faust 교향곡에서 단악장 서곡으로

Wagner는 Goethe의 Faust를 여러 악장으로 옮기는 표제 교향곡을 구상했다. WDR Sinfonieorchester의 해설은 완성된 첫 악장에 Faust in der Einsamkeit라는 표제가 있었고, 두 번째 악장에 해당할 Gretchen의 스케치도 남았지만 계획이 중단되었다고 설명한다. Wagner의 회고와 1852년 Liszt에게 보낸 편지는 고독하고 갈망하며 절망하는 Faust와 Gretchen을 잇는 구상을 전하지만, 완성된 것은 첫 부분뿐이라는 점에서 일치한다.

따라서 WWV 59는 Goethe의 작품 속 장면을 처음부터 끝까지 따라가는 오페라나 교향시가 아니다. Chandos의 음반 해설도 서사적 제목과 Faust라는 인물을 인정하면서, Wagner가 어느 에피소드를 구체적으로 음악화하려 했는지는 확정할 수 없다고 설명한다. 작품의 문학적 범위는 특정 장면의 순서보다 Faust를 끝없이 추구하는 인물로 설정한 제목과 초기 교향곡 구상에 의해 정해진다.

단악장 형식과 판본별 템포

두 판본 모두 한 악장으로 분류되지만, 악장 안에 네 개의 공식 부분이나 표준 소나타 형식이 표시된 것은 아니다. 제1판의 표기는 Sostenuto–Molto agitato, 제2판은 Sehr gehalten–Sehr bewegt로 전해진다. 느리게 유지하는 구간과 매우 빠르게 움직이는 구간이 대비되며, Chandos 해설은 이 자유로운 교대가 고전적 소나타 도식에서 벗어나면서도 주제 관계와 긴장·완화의 비례를 유지한다고 분석한다.

Liszt는 1852년 서신에서 곡의 중간부를 더 조용하고 다른 색채로 다루거나 새로운 중간부를 넣는 방안을 제안했다. 그는 그 부분의 금관이 무겁고 F의 동기가 앞뒤와 충분한 대비를 만들지 못한다고 평했다. 이 편지는 작품의 중간부와 금관 음향이 실제 작곡가·지휘자 사이의 수정 논의 대상이었다는 직접 자료이지만, Liszt의 제안이 1855년 판본에 모두 반영되었다고 말해 주지는 않는다.

초연, 개정, 출판

Bayreuth 원고 목록이 제1판을 Paris, 1840년으로 기록하는 가운데, FlaminioOnline은 1839년 12월부터 1840년 1월 12일까지의 작곡 기간을 제시한다. 1844년 7월 22일 Dresden의 Palais im Großen Garten에서 Wagner가 지휘한 첫 공개 연주가 열렸다는 기록이 있으며, WDR과 YourClassical도 Dresden에서 Wagner가 처음 지휘했다는 사실을 전한다. 8월 19일에는 같은 작품의 반복 공연이 이어졌다.

Wagner는 1848년 Liszt에게 악보를 보내면서 작품에 더 이상 만족하지 않는다고 알렸고, 1852년에는 악보를 돌려받아 Härtel을 통해 조금 고쳐 출판할 생각을 밝혔다. 1855년 1월 23일에는 개정판이 Zürich에서 Wagner의 지휘로 연주되었다. 이 공연은 DBNL의 1903년 역사 해설에서 Allgemeine Musikgesellschaft 음악회로, FlaminioOnline에서는 Casino 공연으로 다르게 기록된다. Bayreuth의 제2판 자필 총보 날짜인 1855년 6월 17일은 이 1월 공연 뒤의 원고 등록일이며, 1월 공연 기록과 6월 자필 총보는 서로 다른 시점의 자료다.

IMSLP는 1855년 Breitkopf & Härtel 최초 출판을 기록하고, Morgan Library 카탈로그는 같은 계열의 인쇄물을 Leipzig Breitkopf & Härtel, [1855?]로 표기한다. Schott의 Richard Wagner Sämtliche Werke 제18권/II는 제1판과 Faustsymphonie의 첫 악장을, 제18권/III는 제2판 Eine Faust-Ouvertüre를 비평판과 비평 보고서로 나누어 싣는다.

편성

Morgan Library가 열거한 1855년 제2판 인쇄 파트는 피콜로 1, 플루트 I·II, 오보에 I·II, 클라리넷 I·II, 바순 I–III, 호른 I–IV, 트럼펫 I·II, 트롬본 I–III, 튜바, 팀파니, 바이올린 I·II, 비올라, 첼로, 콘트라베이스다. 성악·합창·하프는 이 파트 목록에 포함되지 않는다.

FlaminioOnline은 피콜로와 플루트 3부로 적는 반면, Morgan과 IMSLP의 파트 목록은 피콜로와 플루트 I·II를 제시한다. 자료에 따라 플루트 수 표기가 두 가지로 남아 있으며, 두 표기의 관계는 현행 자료에서 확정되지 않는다. 저음 금관도 Morgan은 Tuba, FlaminioOnline은 bass tuba로 표기한다. 두 자료는 모두 별도의 하프를 제시하지 않는다.

Wagner와 Liszt의 서신이 남긴 연주 관점

Liszt의 1852년 편지는 중간부의 길이와 색채, 금관의 무게, F 동기의 대비를 구체적으로 지적한다. 이는 단악장 서곡의 형식이 추상적인 자유 형식에 머물지 않고 실제 음향 배치와 연결되어 논의되었음을 보여 준다. Wagner가 같은 시기에 개정과 출판, 피아노 편곡을 함께 언급한 점은 이 곡의 개정·출판 논의가 공연 실무와 함께 진행되었음을 보여 준다. 남아 있는 서신은 제안과 계획의 기록이며, Schott 비평 보고서와 자필 총보가 제2판 세부 변경의 문헌 근거를 이룬다.

Wagner의 My Life Part 1은 Paris에서 Beethoven 제9번을 들은 경험을 Faust 교향곡 구상과 연결하고, Part 3은 1855년 Die Walküre 작업을 잠시 중단한 뒤 15년 전의 Faust 작품을 다시 다룬 경위를 회고한다. 이 회고는 작곡가의 자기 서술이며 후대의 기억과 해석을 포함한다. Bayreuth 원고·Liszt 서신·출판 자료는 이와 별개의 판본사 자료다.

녹음과 수용

Alexander Rahbari와 Malaga Philharmonic Orchestra의 2004년 Apple Music 녹음은 카탈로그에서 약 12분으로 제시된다. Arturo Toscanini와 NBC Symphony Orchestra의 1941년 녹음은 Muziekweb가 약 12분 30초의 트랙으로 기록한다. 두 녹음은 서로 다른 시대의 기록이다. 카탈로그의 트랙 시간만으로 판본 차이는 드러나지 않는다.

Neeme Järvi가 지휘한 Chandos CHSA5092 음반에는 Eine Faust-Ouvertüre가 수록되어 있다. MusicWeb의 독립 평론은 이 수록을 Liszt의 Faust Symphony와 함께 다루며, 작품을 Wagner의 초기 관현악 드라마와 연결한다. Chandos 북클릿은 이 서곡이 고전적 소나타에서 멀리 벗어나면서도 주제적 결속을 유지한다고 분석하고, WDR 해설은 미완성 Faust 교향곡의 첫 악장이 독립적인 서곡으로 남은 과정을 설명한다.

1844년 Dresden 비평은 작품을 실패작이자 Berlioz 방식의 모방으로 평했다는 후대 기록이 있고, 1855년 Zürich 공연 보도는 개정판을 긍정적으로 평가했다. 이 두 반응은 동시대 신문 원문이 아니라 1903년 DBNL 글이 인용·요약한 자료다. 작품의 수용은 초연 직후의 부정적 반응과 개정판 이후의 재평가가 함께 기록되는 양상으로 남아 있다.

소요 시간

공연·음반 자료가 제시하는 전곡 시간은 약 8분에서 13분 사이로 분포한다. Richard Wagner Virtual Museum은 제2판을 약 8분으로 안내하고, Apple Music은 Rahbari 녹음을 12분 15초, Muziekweb는 Toscanini 트랙을 12분 33초로 표시한다. 템포, 반복, 판본과 녹음 편집에 따라 차이가 나며, 이 작품의 연주 시간은 약 8–13분으로 정리된다. 작품은 단악장 서곡이다.

출판 정보

Bayreuth Wagner Foundation의 제1판 자필 총보는 Paris, 1840년 62쪽이며, 제2판 자필 총보는 Zürich, 1855년 6월 17일 24쪽이다. Morgan Library의 1855년 Breitkopf & Härtel 파트 목록은 제2판의 실연 편성을 보여 주고, IMSLP는 1855년 총보·파트와 관련 편곡 목록을 제공한다. Schott 비평판은 두 판본을 제18권/II와 제18권/III로 나누어 작품의 생성·개정·Wagner 지휘 공연을 문서화한다.

초기 문헌의 제목은 Faustsymphonie, erster Satz, 개정 문헌의 제목은 Eine Faust-Ouvertüre다. 연주 자료와 연구 자료는 제1판과 제2판의 제목, 템포, 플루트·튜바 표기를 구분하며, 두 판본은 동일한 악보 상태로 취급되지 않는다.

주요 자료

Wesendonck Lieder, orchestral version

Wesendonck Lieder, orchestral version

정보

Richard Wagner: Wesendonck Lieder, orchestral version, WWV 91

개요

곡명: Wesendonck Lieder, orchestral version, WWV 91
작곡가: Richard Wagner (1813–1883)
장르: 여성 성악과 관현악을 위한 가곡집, 편곡판
원곡 작곡: 1857–1858년
작품 범위: Mathilde Wesendonck의 시 다섯 편에 붙인 전곡
원곡 편성: 여성 성악과 피아노
초연(원곡): 1862년 7월 30일, 라우벤하임의 Villa Schott, Emilie Genast(소프라노)와 Hans von Bülow(피아노)
관현악판 공연 기록: 1909년 11월 27일, 빈 Musikverein 대공연장, Ferdinand Löwe 지휘 Wiener Concertverein, Margarete Preuse-Matzenauer(소프라노)
첫 출판: Fünf Gedichte für eine Frauenstimme, Schott, 1862년
기준 판본: Felix Mottl의 I–IV번 관현악화와 Wagner가 직접 관현악화한 V번 “Träume”를 결합한 Mottl·Wagner 판본
악보·서지: IMSLP 작품 페이지
작품 개요: 영문 위키백과

Richard Wagner의 Wesendonck Lieder, orchestral version, WWV 91은 Mathilde Wesendonck의 시 다섯 편에 붙인 가곡을 관현악으로 연주하는 편곡판이다. 원곡은 여성 성악과 피아노를 위해 1857–1858년에 쓰였고, 현재 널리 쓰이는 관현악판은 Wagner가 직접 관현악화한 V번 “Träume”와 Felix Mottl이 1893년에 관현악화한 I–IV번을 결합한다. 출판된 순서인 I “Der Engel”, II “Stehe still!”, III “Im Treibhaus”, IV “Schmerzen”, V “Träume”가 다섯 곡의 기준 순서이며, 이 순서는 개별 작곡일의 순서와 다르다.

원곡과 관현악판

초판의 제목은 Fünf Gedichte für eine Frauenstimme였고, IMSLP는 WWV 91의 첫 출판을 1862년으로 기록한다. 원곡은 독일어 시에 피아노 반주를 붙인 가곡집이다. Wagner는 다섯 곡 가운데 “Im Treibhaus”와 “Träume”를 Tristan und Isolde를 위한 연구곡으로 표시했으며, 다섯 곡은 독일어 시와 피아노 반주가 만드는 독립적인 가곡 형식도 함께 지닌다.

Wagner가 직접 만든 관현악판은 “Träume” 한 곡이다. 이 판본은 1857년 12월 23일 취리히에서 Mathilde Wesendonck의 생일을 위한 연주로 처음 들려졌으며, 독주 바이올린이 성악선의 역할을 대신하는 소규모 관현악 버전이었다. 현재 성악과 관현악으로 연주되는 전곡판은 이 버전을 포함해 Felix Mottl이 나머지 네 곡을 대편성으로 옮긴 결과다. Mottl의 자필 악보에는 1893년 8월 3일이라는 날짜가 있고, 연구 논문은 다음 해 Schott 출판이 이어졌다고 설명한다. Wiener Symphoniker의 작품 데이터베이스가 생성란에 “um 1909”를 병기하는 경우에도, 이는 1893년의 편곡 완료 연대와 구분되는 공연 자료의 표기다.

소요 시간

Wiener Symphoniker는 관현악판을 21분으로 제시하고, 다른 공연 자료는 약 20–24분 또는 약 22분으로 잡는다. 성악가의 성부와 호흡, 곡 사이의 간격, Mottl판과 다른 편곡판의 선택에 따라 차이가 나므로 전곡은 약 20–24분으로 이해할 수 있다. 다섯 곡은 각각 짧은 가곡이지만, 출판된 순서로 연속해서 들으면 곡 사이에 정서적 진행이 생긴다.

편성

기준이 되는 Mottl·Wagner 관현악판의 IMSLP 파트 목록에는 여성 성악, 플루트 2, 오보에 2, B♭ 클라리넷 2, 바순 2, F조 호른 4, C조 트럼펫 1, 트롬본, 현악이 나타난다. 피아노와 하모늄 파트도 목록에 포함되며, “Träume”와 관련된 판본에는 독주 바이올린 파트가 별도로 보인다. 이러한 악기가 다섯 곡에서 같은 방식으로 계속 연주되는 것은 아니므로, 곡별 총보를 지정하지 않은 공연에서는 Mottl·Wagner판을 먼저 확인해야 한다.

Hans Werner Henze의 1976년 실내악판과 Vieri Tosatti의 1972년 재관현악판은 이 대편성 관현악판과 다른 버전이다. Henze판은 독주자와 소수의 악기가 각기 독립된 선을 맡으며, 원곡의 조성과 음향 밀도도 달라질 수 있다. 원곡 피아노판, Wagner의 독주 바이올린·소규모 관현악판, Mottl·Wagner의 전곡판, 후대 편곡판을 프로그램에서 구별해 적어야 작품의 범위와 음색을 정확히 전달할 수 있다.

다섯 곡의 진행

I. “Der Engel”

G장조의 첫 곡은 천사가 인간의 고통을 위로한다는 시를 노래한다. 성악선은 다섯 연을 따라 위로 올라가며, 마지막에는 성악이 멈춘 뒤 관현악 후주가 남아 상승의 여운을 이어 간다. 이 곡의 느린 화음과 부드러운 흔들림은 Wagner의 Lohengrin을 떠올리게 한다는 공연 해설도 있다. Mottl판에서는 현악과 목관의 겹침이 피아노 원곡의 선율을 넓히지만, 성악선의 문장과 호흡은 여전히 곡의 중심에 놓인다.

II. “Stehe still!”

C단조의 두 번째 곡은 흐르는 시간에 멈추라고 호소하는 텍스트를 품는다. 반주에는 6/8박자의 끊임없는 움직임이 놓이고, 이 추진은 시계나 기계의 일정한 박동처럼 들릴 수 있다. 곡의 후반부가 고요한 종결로 이동하면서 앞부분의 조급함이 다른 시간 감각으로 바뀐다. 성악의 긴 호흡과 반복되는 반주가 서로 밀어내지 않도록, 관현악판에서도 독일어 문장의 강세가 음악의 진행을 이끈다.

III. “Im Treibhaus”

D단조의 “온실”은 시든 식물과 닫힌 공간의 이미지를 통해 생명과 고립을 말한다. 반음 간격으로 되풀이되는 음형과 천천히 위로 기어가는 선율이 물방울이나 안개 같은 정서를 만든다는 분석이 있으며, 시의 중심 구절 “Unsre Heimat ist nicht hier!”는 곡 전체의 방향을 압축한다. Wagner가 이 곡을 Tristan und Isolde의 연구곡으로 부른 까닭은 이처럼 멈춘 듯한 시간, 계속 미뤄지는 종지, 가라앉은 음역이 오페라 제3막 전주곡으로 확장되기 때문이다.

IV. “Schmerzen”

E♭장조의 네 번째 곡은 고통과 빛이 서로 분리되지 않는다는 시를 다룬다. 성악은 앞선 곡들보다 더 선언적인 선율을 취하고, 관현악은 마지막에 금관의 넓은 울림으로 밝기를 확장한다. MusicWeb International의 녹음 해설은 이 곡을 발키리의 힘을 연상시키는 대담한 성격과 승리감 있는 금관 코다로 설명한다. 이 장면은 “고통이 사라진다”는 단순한 결론보다, 고통을 통과한 뒤에야 빛의 음향이 생긴다는 텍스트의 역설을 드러낸다.

V. “Träume”

A♭장조의 마지막 곡은 꿈과 사랑, 소멸의 이미지를 한 호흡 안에 겹친다. Wagner가 직접 관현악화한 유일한 곡이며, Tristan und Isolde 제2막 사랑의 이중창으로 이어지는 음악적 뿌리가 들린다는 설명이 널리 공유된다. 독주 바이올린과 소규모 관현악으로 만든 생일 연주판에서는 선율이 말없이 흐르고, 성악을 포함한 Mottl·Wagner 전곡판에서는 같은 음향 세계가 시의 자음과 모음에 맞춰 다시 조직된다. 곡은 밤과 꿈의 이미지를 남긴 채 조용히 끝난다.

Tristan und Isolde와 출판 순서

Wagner가 “Im Treibhaus”와 “Träume”를 Tristan und Isolde의 연구곡으로 불렀다는 사실은 작곡가 자신의 표기와 기관 해설에 근거한다. “Träume”는 오페라 제2막 사랑의 음악과, “Im Treibhaus”는 제3막 전주곡과 연관되지만, 이 두 곡의 관계가 다섯 곡 전체를 오페라의 예비 악보로 바꾸지는 않는다. 원곡 가곡은 독일어 시의 행과 피아노 반주가 만드는 독립적인 형식을 지닌다.

현재의 다섯 곡 순서는 1862년 출판판에서 처음 나타났고, 작곡일은 이 순서를 따르지 않는다. 따라서 연구자들은 이 묶음을 고정된 서사형 가곡 주기라 부를지, 서로 연결된 개별 가곡의 모음으로 부를지 논의해 왔다. 공연에서 통용되는 순서는 출판판의 배열이며, “Im Treibhaus”와 “Träume”의 오페라 연관은 이 순서 위에 겹쳐지는 음악적 맥락으로 제시하는 편이 정확하다.

작곡 연표와 초연

Wagner는 1857년 11월 말부터 1858년 5월 초까지 Mathilde Wesendonck의 시를 받아 다섯 곡을 차례로 작곡했다. 이 시기에 그는 취리히에서 Tristan und Isolde의 대본과 음악 작업도 진행하고 있었다. 시의 작성자와 작곡가의 개인적 관계는 작품이 태어난 환경을 설명하지만, 곡의 화성과 형식을 그 관계의 기록으로만 환원할 수는 없다.

원곡의 첫 공개 연주는 1862년 7월 30일 라우벤하임의 Franz Schott 여름 별장인 Villa Schott에서 이루어졌다. Emilie Genast가 소프라노로 노래하고 Hans von Bülow가 피아노를 맡았다. 초판은 Fünf Gedichte für eine Frauenstimme라는 제목으로 발행되었으며, 이후 이 곡집은 관현악판을 통해 오페라와 가까운 음향으로도 널리 유통되었다.

Mottl은 1893년 8월 3일 제1–4곡의 관현악화를 마쳤고, 오늘날 전곡 관현악 연주에서 이 판본이 Wagner의 “Träume”와 함께 사용된다. Wiener Symphoniker가 기록한 1909년 11월 27일 빈 Musikverein 공연은 Margarete Preuse-Matzenauer, Ferdinand Löwe, Wiener Concertverein이 참여한 오스트리아 최초 공연이다. 이는 1862년 성악·피아노 원곡의 초연과 1893년 Mottl 관현악화 이후의 공연사를 분리해 보여 준다.

판본과 연주 관점

Orchestre National de Bretagne의 해설에서 Julie Boulianne은 성악에 맞게 잘 쓰인 선율을 부를 때에도 텍스트를 기억한 채 음악의 흐름과 함께 노래해야 한다고 말했다. 독일어 시의 문장과 자음, 긴 모음이 관현악의 두꺼운 음향 속에서도 들려야 가곡으로서의 성격이 유지된다는 뜻이다. 성악가가 오페라의 큰 음량만 사용하면 다섯 곡의 짧은 문장과 피아노 원곡에서 비롯된 친밀한 호흡이 흐려질 수 있다.

2021년 Atlanta Symphony Orchestra의 Henze판 공연을 준비하면서 Sir Donald Runnicles는 리허설 첫인상에서 익숙한 곡이 전혀 다른 모습으로 들렸다고 회고했고, 실내악 편곡의 나뉜 현악과 이례적인 목관 배치가 만들어 내는 색채를 높이 평가했다. 이 사례는 같은 시를 부르더라도 Mottl의 대편성판과 Henze의 실내악판이 성악과 관현악의 균형, 음역, 음색을 다르게 만든다는 점을 구체적으로 보여 준다.

주요 레코딩

Ralph Moore의 MusicWeb International 녹음 조사는 Mottl판의 역사적 연주 가운데 Kirsten Flagstad, Hans Knappertsbusch, Vienna Philharmonic의 1956년 Decca 녹음을 느린 템포와 집중된 프레이징이 돋보이는 사례로 평가한다. 그는 이 곡집이 장대한 Wagner식 음량과 실내악적인 친밀감을 함께 요구한다고 설명하며, 성악과 관현악의 색채 폭이 녹음의 핵심 조건이라고 본다.

Henze판의 사례로 Jard van Nes, Richard Hickox, Northern Sinfonia의 Chandos CHAN 9354가 있다. BBC Music Magazine의 Hilary Finch는 이 음반에서 목관과 하프가 “Der Engel”과 “Im Treibhaus”의 가느다란 결을 드러내고, van Nes의 성악이 그 위에 명료한 문장을 놓는다고 평가했다. 같은 음반에는 Wagner가 생일을 위해 만든 독주 바이올린·실내 관현악판 “Träume”도 실려 있어, 한 곡의 서로 다른 매체를 나란히 비교할 수 있다.

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