Steve Reich (1936–)

Music for 18 Musicians

Music for 18 Musicians

정보

Steve Reich, Music for 18 Musicians

개요

항목 내용
작곡가 Steve Reich (1936–)
작품명 Music for 18 Musicians
장르 실내 앙상블 작품, 미니멀리즘
작곡 시기 1974년 5월 스케치–1976년 3월 완성
세계 초연 1976년 4월 24일, New York Town Hall, Steve Reich and Musicians
출판 Hendon Music / Boosey & Hawkes, Hawkes Pocket Score HPS 1239
실행 매체 어쿠스틱 앙상블, 기본 역할 18명. 실제 공연에서는 파트 중복과 호흡 조건에 따라 보강 인원이 참여할 수 있음
소요 시간 자료와 녹음에 따라 약 55–59분
Wikipedia Music for 18 Musicians

Steve Reich의 Music for 18 Musicians는 네 대의 피아노, 말렛 타악기, 네 여성 목소리, 두 클라리넷, 바이올린과 첼로가 일정한 박동과 호흡을 겹치는 실내 앙상블 작품이다. 전곡은 도입 Pulses, Section I부터 Section XI까지의 구획, 종결 Pulses로 이어지며, 세 번째 화음에서 Section IIIA와 Section IIIB가 갈라진다. 가사가 있는 노래와 전통적인 악장 대신 11화음 순환과 연주자 사이의 신호가 한 시간 가까운 연속 구조를 만든다.

출판 정보와 자료

Reich는 1974년 5월에 첫 스케치를 시작해 1976년 3월 작품을 완성했다. 1975년 5월 The Kitchen에서는 Work in Progress for 21 Musicians and Singers라는 초기 버전이 공개되었다. 이 공연의 명칭과 인원은 완성된 Music for 18 Musicians의 공식 편성과 구별된다. 초기 공개 과정은 작품이 최종 편성과 구조를 갖추기 전에 이미 연주자 집단을 통해 시험되었음을 보여 준다.

세계 초연은 Boosey & Hawkes 작품 페이지와 Tom Johnson의 동시대 평론에 따르면 1976년 4월 24일 New York Town Hall에서 Steve Reich and Musicians가 연주한 공연이다. IRCAM 데이터베이스는 같은 장소의 날짜를 4월 25일로 기록한다. 두 자료는 장소와 연주 단체에서 일치하므로, 이 작품의 초연 연혁에는 4월 24일을 주된 날짜로 적고 IRCAM의 하루 차이 표기를 출처별 기록으로 함께 남긴다. Tom Johnson의 평론은 초연 앙상블이 지휘자 없이 서로의 소리를 들으며 연주했다고 전한다.

Hendon Music과 Boosey & Hawkes가 앙상블 대여 악보와 Hawkes Pocket Score HPS 1239를 관리한다. 출판사 표기는 역할이 겹치는 실내 앙상블을 전제로 한 편성을 제시한다. 모든 악기는 어쿠스틱으로 연주하며, 성악과 일부 악기에 쓰이는 마이크 증폭이 공연장의 음향을 보조한다.

소요 시간

전곡 시간은 카탈로그와 녹음에 따라 약 55–59분이다. Los Angeles Philharmonic과 IRCAM은 약 55분, Boosey & Hawkes는 58분, Harmonia Mundi의 Ensemble Signal 녹음은 약 59분으로 안내한다. 1978년 ECM 녹음의 트랙 합계는 약 56분 26초이며, 1998년 Nonesuch 재녹음은 클라리넷 주자의 호흡에 따른 템포 차이로 더 길게 진행된다. 이 수치는 작품의 고정 길이가 아니라 판본과 앙상블의 호흡, 구획 전환, 템포가 반영된 전곡 공연의 범위다.

편성

파트 인원과 악기 음악적 역할
성악 여성 목소리 4명, 소프라노 3·알토 또는 콘트랄토 1 가사 대신 모음, 지속음, 박동과 선율을 담당
목관 클라리넷 2, 모두 베이스클라리넷 겸용 성악과 함께 호흡 길이의 선을 형성
건반 피아노 4대 일정한 박동, 화성, 캐논과 위상 관계를 유지
말렛 타악기 마림바 3, 실로폰 2, 모터를 끈 비브라폰 1 또는 메탈로폰 1 반복 음형, 음색 변화, Section 전환 신호
현악 바이올린 1, 첼로 1 지속음과 호흡 패턴을 따라 음색 대비를 만듦

표제의 18명은 위 역할의 합계다. 네 대의 피아노와 여섯 개의 말렛 파트를 한 사람이 교대로 맡는 등 파트 중복이 많아, 실제 공연에서는 호흡과 체력, 악기 이동을 위해 추가 연주자를 둘 수 있다. 따라서 ‘18명’은 작품이 요구하는 역할 수와 편성 원리를 가리키며 모든 공연의 인원 상한을 뜻하지 않는다. 마지막 말렛 악기는 자료에 따라 vibraphone with no motor 또는 metallophone으로 표기된다.

Pulses와 Sections I–XI

도입 Pulses

도입은 11화음을 짧게 순환시키며 전곡의 화성 지도를 제시한다. 각 화음은 두 번의 호흡 정도 머문 뒤 다음 화음으로 넘어가고, 피아노·말렛 타악기의 일정한 박동과 성악·클라리넷의 긴 음이 같은 순환 안에서 겹친다. 이 순환은 뒤의 Section에서 한 화음이 오래 유지될 때 기준점으로 돌아온다.

Section I부터 Section XI까지

각 Section은 도입에서 들린 화음 가운데 하나를 길게 확장하면서 그 화음에 맞는 악기 조합과 음형을 만든다. Section I은 피아노와 마림바의 박동 위에 작은 형식을 세우고, Section II는 피아노와 실로폰의 캐논과 위상 관계를 전면에 둔다. 세 번째 화음은 Section IIIA와 Section IIIB라는 두 구획으로 나뉘며, 마림바·실로폰과 낮은 피아노 화성이 서로 다른 음색과 음형을 만든다.

Section IV부터 Section XI까지는 네 번째부터 열한 번째 화음에 대응한다. Section VI의 실로폰·마라카스 박동과 낮은 피아노 화성, Section IX에서 다른 화성과 함께 돌아오는 피아노·실로폰의 위상 과정처럼 앞선 재료가 새로운 편성과 선율을 얻어 다시 나타난다. 작곡가의 설명은 여러 Section을 A-B-C-D-C-B-A의 아치형 또는 박과 쉼의 치환이 진행되는 과정형으로 묘사한다. 이 두 방식은 구획의 음형이 시간 속에서 변화하는 경로를 설명한다.

각 Section은 연주자 사이의 신호와 파트 교대가 이어지는 연속 구획으로 연결된다. 모터를 끈 비브라폰 또는 메탈로폰의 짧은 패턴이 다음 변화의 큐가 되고, 연주자는 그 신호를 들은 뒤 자신의 음형을 이동시킨다. Section IIIA와 Section IIIB는 각각의 공식 명칭을 유지해 기록하며, 두 구획의 분기가 세 번째 화음의 구조를 드러낸다.

종결 Pulses

마지막 Pulses는 도입의 11화음 순환으로 돌아간다. 같은 화음과 박동이 되돌아오지만, 각 Section에서 확장된 시간과 음색을 거친 뒤이므로 순환 전체가 한 번의 기억처럼 들린다. 도입과 종결이 같은 화성 지도를 공유하면서 작품의 연속 구조를 닫는다.

박동, 호흡, 앙상블 신호

Reich의 작곡가 노트는 작품 안에서 두 시간이 동시에 흐른다고 설명한다. 피아노와 말렛 타악기는 거의 전 구간에서 일정한 박동을 유지하고, 성악과 클라리넷은 연주자가 편안하게 지속할 수 있는 한 호흡의 길이로 긴 음과 선율을 만든다. 바이올린과 첼로도 이 호흡 패턴을 따라 상승과 하강을 조직하므로, 고정된 박과 신체적 호흡이 하나의 앙상블 안에서 서로 포개진다.

메탈로폰의 짧은 음은 색채를 더하는 타악기 신호인 동시에 형식 전환의 큐다. Tom Johnson은 1976년 초연 평론에서 지휘자 없이 연주자들이 이 신호와 서로의 음을 듣고 다음 변화를 맞추었다고 기록했다. 후대 공연은 음악감독 또는 지휘자를 두는 방식을 택할 수 있으며, 어느 경우에도 다른 파트의 박동과 호흡을 청취하는 앙상블 원리는 작품의 실행 조건으로 남는다.

음향과 장르의 경계

피아노·마림바·실로폰의 밝은 박동, 클라리넷과 첼로의 공명, 금속성 메탈로폰 큐, 네 여성 목소리의 무언 음향이 어쿠스틱 편성 안에서 겹친다. Nonesuch의 공식 해설은 작품의 음악적 배경으로 비밥, 발리 가믈란, 아프리카 타악, 모달 재즈, Pérotin의 멜리스마, Ella Fitzgerald의 스캣을 열거한다. 이 목록은 Reich가 활용한 음향적 참조의 범위를 설명하며, 특정 선율의 직접 인용을 뜻하지 않는다.

Reich는 같은 해설에서 작품의 반복과 박동이 초기의 엄격한 미니멀리즘에서 더 넓은 화성, 긴 형식, 다채로운 앙상블 음색으로 확장된다고 설명한다. 따라서 통용되는 ‘미니멀리즘 대표작’이라는 분류와, 작곡가가 강조한 화성·음색의 확장을 함께 볼 수 있다. 작품의 형식은 반복되는 패턴을 고정하는 일과 그 패턴의 호흡·음색·편성을 조금씩 바꾸는 일을 동시에 수행한다.

초연과 주요 녹음

1976년 4월부터 12월까지 뉴욕에서 첫 녹음 세션이 이어졌다. Steve Reich and Musicians가 연주한 ECM 1129는 1978년 4월 1일 발매되었으며, Pulse–Sections I–XI–Pulse (Reprise) 트랙으로 초연 시기의 창시자 앙상블 전통을 보존한다. ECM의 크레디트는 바이올린 Shem Guibbory와 첼로 Ken Ishii를 포함해 성악·피아노·말렛·클라리넷 파트의 연주자를 구체적으로 기록한다.

같은 앙상블 계열의 1996년 10월 뉴욕 Hit Factory 재녹음은 Nonesuch 79448로 1998년 3월 3일 발매되었고, 1998 Grammy Award for Best Small Ensemble Performance를 받았다. Nonesuch는 이 녹음이 1976/78년 버전보다 약 11분 길어진 배경으로 클라리넷 주자의 호흡에 따른 템포 차이를 설명한다. 이 사례는 같은 구획 구조가 연주자의 신체적 호흡과 템포 선택에 따라 다른 전체 시간으로 실현되는 과정을 보여 준다.

Ensemble Signal과 Brad Lubman은 2011년 3월 10–12일 Rensselaer Polytechnic Institute의 EMPAC residency에서 작품을 공연하고 녹음했으며, Harmonia Mundi가 2015년 5월 HMU907608로 발매했다. EMPAC는 원래 악보가 선형적인 총보보다 큐드 컴포넌트의 연속에 가까웠다고 설명하고, 이 후대 앙상블은 상호 청취와 메탈로폰 큐를 중심으로 작품을 준비했다. 약 59분의 이 녹음은 창시자 앙상블의 기록과 다른 세대의 실행 조건을 비교하는 자료가 된다.

주요 자료

Tehillim

Tehillim

정보

Tehillim

개요

Steve Reich의 Tehillim은 히브리어 시편을 네 부분으로 구성한 voices and ensemble 작품이다. 이 글은 1981년 실내악판 전곡과 그 재료를 확장한 관현악판을 함께 다룬다. 네 부분은 시편 19, 34, 18, 150의 순서로 이어지며, 1981년 슈투트가르트에서 Part I과 Part II가 먼저 공연된 뒤 쾰른에서 완성판이 초연되었고, 관현악판은 1982년 뉴욕에서 처음 연주되었다.

출판 정보와 판본

Boosey & Hawkes/Hendon Music은 Tehillim을 1981년의 voices and ensemble 작품으로 출판했으며, Indiana University Lilly Library는 초연과 같은 해에 나온 초기 악보를 소장 자료로 제시한다. 출판사와 작곡가 공식 사이트는 네 명의 여성 성악가와 소규모 앙상블을 쓰는 실내악판을 기본으로 설명하고, 관현악판은 현악과 관악을 확장한 별도 버전으로 구분한다. IRCAM은 위촉 기관으로 Stuttgart의 SDR, Cologne의 WDR, Houston의 Rothko Chapel을 기록한다.

작품명 Tehillim은 히브리어로 시편을 가리키며, 직역하면 ‘찬양들’이다. Steve Reich는 1970년대 중반부터 자신의 유대교적 배경을 다시 의식하게 되었고, 1981년에는 원래 히브리어로 된 시편을 택하는 일이 가장 자연스러웠다고 인터뷰에서 설명했다. 그는 서양 유대 공동체에서 시편을 노래하던 전통 선율이 사라졌기 때문에 새 선율을 만들 수 있었다고 말했으며, 작곡가 노트는 작품의 선율에 특정 유대 선율이나 주제가 들어 있지 않다고 밝힌다. 이 작품의 유대적 배경은 텍스트 선택, 히브리어의 말 리듬, 작곡가의 배경에 놓이며, 실제 선율의 출처와는 구별된다.

초연과 판본별 공연

1981년 6월 슈투트가르트에서는 첫 두 부분이 먼저 공연되었다. Süddeutscher Rundfunk 오케스트라와 독창자들이 연주했고 Peter Eötvös가 지휘했다. 완성본은 1981년 9월 20일 쾰른 WDR의 Großer Sendesaal에서 Steve Reich and Musicians가 연주하고 George Manahan이 지휘했다. 이 두 공연은 실내악판의 부분 초연과 완성 초연에 해당한다.

관현악판은 실내악판과 다른 편성으로 준비되었다. 1982년 9월 16일 뉴욕 Avery Fisher Hall에서 New York Philharmonic이 연주하고 Zubin Mehta가 지휘하면서 별도 판본의 초연이 이루어졌다.

소요 시간

Steve Reich 공식 사이트, Boosey & Hawkes, IRCAM, Philharmonie de Paris 프로그램은 작품 전체를 약 30분으로 제시한다. 네 부분의 실제 시간은 공연과 편성에 따라 달라지므로, 전곡은 약 30분으로 안내한다.

편성

다음 목록은 실내악판의 기준 편성이다.

Boosey & Hawkes는 실내악판에서 크로탈레스를 제외한 악기와 성악을 증폭한다고 설명한다. 관현악판에서는 현악과 관악을 풀 편성으로 확장하고 성악만 증폭한다고 같은 출판사 자료가 적는다. IRCAM의 요약은 관현악판에서도 바람·현악·성악의 증폭을 언급하므로, 관현악판의 실제 증폭 범위는 자료에 따라 표기가 다르다. 이 차이는 판본에 따라 음향 장비 조건이 달라질 수 있음을 보여 준다.

네 부분의 구성

네 부분은 시편의 순서를 따르며 빠른 부분과 느린 부분, 성악의 카논과 동음적 짜임, 타악과 현악의 역할을 차례로 대비한다. 각 부분의 절 번호는 히브리어 성경을 기준으로 하며, 기독교 번역본에서는 시편 19, 34, 18의 절 번호가 하나씩 앞당겨질 수 있다.

Part I: 시편 19:2–5

첫 부분은 드럼과 손뼉만 동반하는 독창으로 시작한다. 클라리넷이 성악선을 겹쳐 연주하고 두 번째 드럼과 손뼉이 첫 패턴을 따라가면서 두 성부 카논이 형성된다. 이어 네 성악가가 각 절을 카논으로 겹치고, 현악의 긴 지속 화음과 전자 오르간이 성악을 받친다. 끝에서는 처음의 독창 선율이 더해진 타악과 현악의 지지 속에서 돌아온다.

Part II: 시편 34:13–15

짧은 드럼 전환 뒤 둘째 텍스트가 시작된다. 세 절은 두 성부 또는 세 성부의 동음적 화음으로 제시되고, 어떤 구간에서는 잉글리시 호른과 클라리넷 또는 드럼·손뼉이 성악선을 대신한다. 선율선은 진행하면서 길어지고 멜리스마가 더해져, 첫 부분의 카논과 다른 성악 짜임을 만든다.

Part III: 시편 18:26–27

셋째 부분은 쉼 뒤 느린 속도로 시작하며, 타악기의 중심이 마림바와 비브라폰으로 옮겨 간다. 두 성악가의 듀엣이 네 성악가로 확장되고, Steve Reich는 이 부분을 학생 시절 이후 처음 쓴 느린 악장이자 자신의 작품 가운데 가장 반음계적인 음악이라고 설명한다.

Part IV: 시편 150:4–6

넷째 부분은 첫 부분의 빠르기와 조성 표기로 돌아가 앞선 세 부분의 카논, 화음, 타악 기법을 다시 결합한다. 마지막 코다는 halleluyah라는 한 단어를 바탕으로 악기군을 가장 크게 확장하고, 공식 작곡가 노트가 작품의 기본 음 중심으로 설명하는 D장조에 도달한다. 시편 150편의 찬양 텍스트가 앞선 구조를 되비추면서 전곡을 닫는다.

텍스트 리듬과 성악법

Steve Reich는 Tehillim이 짧은 반복 세포를 고정적으로 순환시키는 작품이 아니라고 설명한다. 이 작품은 짧은 세포 대신 완전한 선율을 카논이나 변주의 주제로 반복하며, 고정된 박자나 짧은 리듬 패턴 대신 히브리어 텍스트의 강세와 구문이 유연하게 변하는 박을 만든다. 두 박과 세 박의 집단이 계속 재배열되는 방식은 인터뷰에서 작곡가가 직접 설명한 리듬 어휘이며, 이후 The Desert Music, Sextet, Triple Quartet으로 이어졌다고 회고했다.

성악은 비브라토가 없는 비오페라적 발성을 요구한다. 인터뷰에서 Reich는 대부분의 성악이 동음적으로 움직이고 카논 구간에서만 모방이 뚜렷해진다고 설명했다. 손뼉, 탬버린, 마라카스는 텍스트의 강세를 악기 리듬으로 드러내며, 전자 오르간과 현악은 성악의 지속과 화성적 지지를 만든다. 이러한 관계는 이전의 짧은 반복 중심 어법을 긴 선율, 실제 언어, 기능화성과 결합한 작품의 작곡 방향을 보여 준다.

주요 자료

The Desert Music

The Desert Music

정보

개요

곡명: The Desert Music
작곡가: Steve Reich (1936–)
작곡 시기: 1982년 9월 시작, 1983년 12월 완성
초연: 1984년 3월 17일, 쾰른 Funkhaus Köln Großer Sendesaal, Cologne Chorus·Symphony Orchestra of West German Radio, Peter Eötvös 지휘
위촉: West German Radio Cologne과 Brooklyn Academy of Music
구성: William Carlos Williams의 시에서 발췌한 텍스트를 사용하는 5부 증폭 성악·관현악 작품
소요 시간: 출판사·기관 표기 약 46분
Wikipedia: The Desert Music

《The Desert Music》은 1983년에 완성된 대형 편성판을 기준으로, 증폭한 성악과 관현악을 하나의 연속적인 음향으로 묶는 작품이다. 다섯 부분은 쉼 없이 이어지며 빠름–중간 빠르기–느림–중간 빠르기–빠름의 회귀를 만든다. 형식은 A–B–C–B–A로 정리되지만, 가운데 C는 느림–중간 빠르기–느림의 내부 아치를 품고 있다. 1986년 축소판과 2001년 Alan Pierson 협업판은 이 원전판과 구별되는 별도 공연 자료다.

출판 정보와 자료

Reich의 작곡가 노트는 1982년 9월에 작곡을 시작해 1983년 12월에 마쳤다고 적는다. Boosey & Hawkes는 이 기록을 바탕으로 작품을 1983년 작품, 약 46분의 증폭 성악과 관현악으로 분류하고, study score를 Hawkes Pocket Score HPS 983으로 식별한다. IRCAM과 Chandos의 후대 자료는 작곡 기간을 1982–84 또는 1984년 2월까지로 다르게 적으므로, 마지막 수정 시점까지 하나의 날짜로 합치지 않는다.

Paul Sacher Stiftung의 Steve Reich 원고 목록에는 1982–84년의 스케치와 초안, 출판 악보에 남은 자필 수정, 텍스트 사본, 1987년 무대 배치 자료가 보존되어 있다. 2004년에는 Pierson과 협업한 chamber 편곡의 교정쇄도 별도 항목으로 남아 있다. 이 목록은 작품의 제작·수정 자료가 여러 단계로 존재한다는 사실을 보여 주지만, 원고 이미지의 음표를 읽어 마디별 분석을 대신할 자료는 아니다.

출판사의 브로슈어는 1986년 Richmond에서 초연된 Reich 축소판과 2001년 Pierson이 정리한 chamber with brass 자료를 따로 구분한다. Richmond 창작일은 Boosey의 1월 9일과 IRCAM의 1월 10일 기록이 하루 차이를 보인다. Pierson 판본은 축소 관현악에 일곱 명의 금관을 더하고, 일부 articulation과 박자 표기를 손보며, 출판 악보와 초기 관현악 녹음 사이의 불일치를 정리한 협업 자료로 소개된다.

소요 시간

Boosey & Hawkes와 IRCAM이 제시하는 기본 시간은 약 46분이다. 실제 음반에서는 판본과 연주 속도, 중앙 부분의 트랙 분할 방식에 따라 차이가 난다.

자료 연주·판본 카탈로그 시간
Nonesuch, 1985 Michael Tilson Thomas, Steve Reich and Musicians, Brooklyn Philharmonic 단원과 합창, 원전 대형 편성으로 소개 48분 02초
Cantaloupe, 2002 Alan Pierson, Alarm Will Sound·Ossia, chamber with brass 43분 46초
Chandos, 2011 Kristjan Järvi, Tonkünstler-Orchester Niederösterreich, Chorus sine nomine 45분 54초
ABC Classics, 2019 David Robertson, Sydney Symphony Orchestra, Synergy Vocals, 2016년 실황 48분 37초

Nonesuch와 Cantaloupe는 III을 세 트랙으로 나누고 Chandos는 하나의 트랙으로 묶는다. 따라서 음반의 초 단위 합계를 총보의 고정된 표준 시간으로 읽지 않고, 각 녹음의 메타데이터로 남겨 두는 편이 정확하다.

편성

원전 대형 편성판의 증폭·공간 조건은 출판사 명세와 Reich의 공연 회고를 함께 보아야 한다.

Reich는 1998년 인터뷰에서 일정한 박동을 담당하는 타악기를 지휘자와 지나치게 먼 곳에 두면 음향 지연 때문에 합주가 어긋날 수 있다고 설명했다. 그는 약 60피트의 거리를 예로 들면서 타악기를 중앙 앞쪽에 두는 문제를 언급했다. 이는 모든 공연장의 좌석 배치를 규정하는 지시가 아니라, 세 그룹 현악과 증폭 음향을 실제 공간에서 맞추기 위한 작곡가의 회고다.

다섯 부분의 아치

Boosey의 작곡가 노트는 작품 전체를 A–B–C–B–A로 설명한다. I와 V는 같은 화성 순환을 사용하는 빠른 외곽이고, II와 IV는 같은 텍스트와 다른 공통 순환을 공유하는 중간 빠르기 부분이다. III은 고유한 순환을 지닌 가장 긴 중앙으로, 내부가 느림–중간 빠르기–느림으로 나뉜다. 부분 사이에는 쉼이 없고 빠르기 전환은 3:2의 metric modulation으로 이어진다.

부분 빠르기와 자리 텍스트·음향의 기능
I 빠름, A의 시작 Theocritus: Idyl I – A version from the Greek에서 발췌한 텍스트가 맥박과 성악·관현악 패턴의 출발점을 만든다.
II 중간 빠르기, B의 시작 William Carlos Williams의 The Orchestra에서 “Well, shall we think or listen?”으로 시작하는 발췌를 사용한다.
III 느림–중간 빠르기–느림, 중앙 C The Orchestra에서 폭격과 경고를 다루는 발췌, 음악 주제의 반복 원리를 말하는 짧은 문장이 중앙 순환 안에서 교차한다.
IV 중간 빠르기, B의 회귀 II와 같은 The Orchestra 자료와 공통 화성 순환이 되돌아온다.
V 빠름, A의 끝 Asphodel, That Greeny Flower의 일부가 I의 화성 순환과 빠른 맥박을 다시 불러온다.

III의 세 구간은 공식 악장 번호가 아니라 작곡가 노트가 설명하는 내부 진행을 구별한 것이다. 세 화성 순환은 각각 회귀의 틀을 제공한다. I와 V는 D 도리안 또는 D단조 중심처럼 들릴 수 있지만 한 조성에 고정되지 않으며, II와 IV는 중심감이 더 흐리다. III에서는 변경된 딸림화음의 근음이 장·단3도 관계로 움직여 중심감이 가장 모호해진다고 노트가 설명한다. 마지막에는 일부 해결감이 생기지만 완전한 종지로 닫히지는 않는다.

지속되는 맥박과 맞물리는 반복 패턴은 텍스트를 단순히 반주하지 않는다. Boosey는 I와 V에 돌아오는 맥박을 텍스트에 대한 응답 또는 논평으로 설명하고, II와 IV의 vocalise 음절을 말과 반복되는 음향을 잇는 요소로 제시한다. 이러한 설명은 작곡가 노트의 형식·음향 관찰에 근거하며, 특정 마디의 화음이나 박자 수를 새로 판독한 결과는 아니다.

Williams 텍스트와 제목

Reich는 16세 무렵부터 William Carlos Williams의 시를 읽었다고 회고했다. 그는 한 편의 시 전문을 옮기지 않고, The Orchestra, Theocritus: Idyl I – A version from the Greek, Asphodel, That Greeny Flower에서 짧은 부분을 골라 다섯 부분에 재배열했다. II와 IV에는 같은 The Orchestra 발췌가 돌아오고, III의 안쪽에는 음악이 주제를 반복하는 원리를 말하는 문장이 놓인다.

제목은 Williams의 시집 The desert music, and other poems와 연결된다. Morgan Library의 서지 기록은 이 책을 Random House가 1954년 또는 1955년에 뉴욕에서 낸 90쪽짜리 시집으로 목록화한다. 제목의 출처와 V에서 실제 노래하는 Asphodel, That Greeny Flower의 출처는 같지 않으므로, 작품이 시집 한 편을 통째로 설정했다고 설명하지 않는다.

Reich의 작곡가 노트와 Academy of American Poets의 해설은 폭격 이후의 세계, 핵무기 시대, 정신적 사막의 이미지를 작품의 배경으로 연결한다. 이 연결은 작곡가가 제시한 의미의 틀이며, 작품이 특정 사건을 서사적으로 묘사한다는 뜻의 프로그램으로 단정하지 않는다.

초연, 축소판과 녹음

세계 초연은 1984년 3월 17일 쾰른에서 열렸다. Cologne Chorus와 Symphony Orchestra of West German Radio를 Peter Eötvös가 지휘했다. 1984년 10월 25–27일 Brooklyn Academy of Music Next Wave에서 열린 미국 초연은 Steve Reich and Musicians, Brooklyn Philharmonic Symphony Orchestra, 합창, Michael Tilson Thomas가 맡았다. Reich는 2021년 인터뷰에서 이 공연을 위해 MTT가 36회의 리허설을 진행했고, II 또는 IV에 강세 표기를 더하자는 제안을 받아들였다고 회고했지만, 어느 마디에 적용되었는지는 현재 자료만으로 확정하지 않는다.

1986년 Richmond 창작은 10명의 증폭 성악과 축소 관현악을 위한 별도 버전이다. Boosey는 1월 9일, IRCAM은 1월 10일을 기록하므로 하루 차이를 함께 남긴다. 2001년 Pierson 협업판은 이 축소 계보를 바탕으로 일곱 명의 금관을 결합한 chamber with brass 자료이며, Cantaloupe의 2002년 음반이 이 판본을 대표한다. 1983년 원전판, 1986년 축소판, 2001년 협업판을 한 악보의 단순한 인원 감축으로 합치면 편성·음향·시간의 차이가 사라진다.

초기 원전판 녹음인 Nonesuch 1985는 MTT와 Steve Reich and Musicians, Brooklyn Philharmonic 단원이 참여했고 1984년 10월 29–30일 RCA Studio A에서 녹음했다. Cantaloupe 2002는 Pierson, Alarm Will Sound, Ossia 등의 chamber with brass 연주로 43분 46초를 기록한다. Classics Today는 이 축소판을 대형 편성보다 친밀하고 가볍게 들었다고 평가했으며, 그 판단은 해당 음반에 대한 평론가의 청취 인상이다.

Chandos 2011은 Kristjan Järvi, Tonkünstler-Orchester Niederösterreich, Chorus sine nomine의 2006년 Vienna 세션을 담고 45분 54초를 제시한다. BBC Music과 Gramophone은 큰 편성의 통제, 성악의 직접성, MTT와 Järvi 사이의 명료성·긴장 차이를 각자의 평론 언어로 비교한다. ABC Classics 2019의 David Robertson 지휘 Sydney 실황은 트랙 합계 48분 37초지만, Apple Music Classical에는 판본명이 명시되어 있지 않으므로 원전판이나 Pierson 판본으로 추정하지 않는다.

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Different Trains

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개요

Steve Reich의 Different Trains는 라이브 현악 사중주 한 팀이 테이프에 고정된 세 개의 사전 녹음 사중주, 실제 인물의 말, 1930년대와 1940년대의 기차 소리와 함께 연주하는 작품이다. America—Before the War, Europe—During the War, After the War 세 악장이 쉼 없이 이어지며, 어린 시절 미국을 오간 작곡가의 기억과 전쟁 중 유럽에서 기차로 이송된 사람들의 증언이 하나의 음향 구조 안에 놓인다.

위촉과 작곡의 계기

Betty Freeman은 Kronos Quartet을 위해 이 작품을 위촉했다. Reich는 부모가 따로 살던 1939년부터 1942년까지 뉴욕과 로스앤젤레스 사이를 기차로 오갔던 어린 시절을 떠올리면서, 같은 시기에 유럽에서 유대인 아이로 살았다면 강제 수송 열차를 탔을 것이라는 대조를 작품의 출발점으로 삼았다. 이 두 종류의 이동은 제목의 ‘서로 다른 기차’라는 뜻을 직접 구성한다.

작곡가의 노트에 따르면 Reich는 Virginia Mitchell이라는 governess, Pullman porter였던 Lawrence 또는 Laurence Davis, 홀로코스트 생존자 Rachella·Paul·Rachel의 인터뷰에서 짧은 구절을 골랐다. 말의 음높이와 리듬을 가능한 한 정확히 채보하고, 현악기가 그 말 선율을 따라 연주하도록 만들었다. 1987년 12월과 1988년 1월에 작업용 테이프를 만들었고, Beryl Korot가 제안한 sampler가 음성과 기차 소리를 고정된 재생 자료로 다루는 데 사용되었다.

출판 정보와 자료

Boosey & Hawkes의 Different Trains (String Quartet & CD) 판본은 라이브 현악 사중주 파트, 사전 녹음 자료가 담긴 CD, 사운드 투사와 동기화를 위한 연주 정보를 함께 제공한다. 테이프는 단순한 배경 반주가 아니라 현악기와 음성, 기차·사이렌 소리가 미리 정해진 시간표로 재생되는 작품의 한 부분이다. 첫 악장 America—Before the War에만 안무를 붙일 수 있다는 출판사 규정도 원곡 판본에 명시되어 있다.

1988년 현악 사중주 원곡과 2000년대의 현악 오케스트라 배열, Boosey가 2024년 배열로 표기한 판본은 서로 다른 편성이다. 후속 배열은 원곡의 테이프를 유지하면서 라이브 현악 부분을 확장하는 별도 판본으로 다뤄진다.

소요 시간

출판사와 작곡가 공식 자료는 전곡을 약 27분으로 안내한다. Kronos Quartet의 Nonesuch 녹음에서는 America—Before the War 8분 59초, Europe—During the War 7분 31초, After the War 10분 20초로 표시되며 합계는 26분 50초다. 세 악장은 통주로 연결되므로, 개별 악장의 표시는 음반 트랙을 식별하는 기준이고 공연 중의 독립된 휴지 시간을 뜻하지 않는다.

편성

따라서 청취상 네 개의 사중주가 겹쳐 들리지만, 무대에서 실제로 연주하는 팀은 하나다. 테이프의 한 채널에는 녹음된 현악 재료가, 다른 채널에는 음성과 기차·사이렌이 놓이며, 라이브 파트는 이 고정 자료와 정확히 맞물린다. 음성의 음높이를 현악기가 두 배로 연주하는 방식은 목소리를 설명하는 반주라기보다 말에서 직접 나온 음악 재료를 현재의 연주로 옮기는 방법이다.

세 악장의 진행

I. America—Before the War

첫 악장은 Reich의 미국 횡단 기차 기억에서 시작한다. Virginia의 여행 회상과 Pullman porter Lawrence 또는 Laurence Davis의 말이 녹음된 기차의 추진력과 결합한다. 음성의 억양과 리듬은 비올라와 첼로를 포함한 현악 선율로 옮겨지고, 반복되는 paradiddle 계열의 운동이 계속 달리는 기차의 감각을 만든다. 미국 도시와 노선을 말하는 목소리는 개인의 기억을 구체적인 시간과 장소에 묶어 둔다.

II. Europe—During the War

두 번째 악장에서는 같은 기차 이미지가 전쟁의 역사적 문맥으로 이동한다. Rachella·Paul·Rachel의 증언과 유럽의 기차 소리, 사이렌과 경고음이 테이프에 함께 놓인다. 현악기는 생존자들의 말에서 채보한 음높이와 리듬을 지속적인 운동 속에 결합하고, IRCAM과 ICST가 설명하듯 화음과 음색은 첫 악장보다 어둡고 긴박하게 변한다. 이 악장의 자료는 강제 수송이라는 역사적 사실을 가리키며, 개별 생존자의 전기와 발언 전문은 작품의 음성 전사본과 별도의 역사 자료에서 확인할 내용으로 남는다.

신상호의 2024년 연구는 생존자 증언을 채록해 선율로 옮기는 작곡가의 태도와, 그 증언을 세 악장 구조 안에 배치하는 편집 사이의 긴장을 분석한다. 이 논점은 음성에 담긴 역사적 사실과 작품이 구성한 형식이 서로 다른 차원에서 작동함을 보여 준다.

III. After the War

마지막 악장은 전후의 이동과 기억을 다룬다. 앞 악장의 생존자 목소리와 미국 기차 소리가 다시 나타나며, 짧은 음성 조각은 더 길고 완전한 현악 동기로 정리된다. 첫 악장의 이동감이 그대로 반복되는 것이 아니라 전쟁의 기억을 통과한 뒤 다른 의미로 돌아오는 구조다. 세 악장은 쉼 없이 이어지기 때문에 마지막 악장의 귀환도 별도 결말보다 전체 테이프와 라이브 사중주가 이어 온 시간의 연장으로 들린다.

말 선율과 연주 기술

Reich는 1960년대의 It’s Gonna Rain과 Come Out에서 다룬 말소리의 높낮이와 리듬을 이 작품의 현악 작곡으로 확장했다. 음성의 의미를 새로 번역해 가사를 만드는 대신, 녹음된 말의 실제 억양을 채보하고 현악기가 그 윤곽을 반복하거나 겹친다. 그 결과 테이프에는 실제 인물의 목소리가 남고, 라이브 사중주는 그 목소리에서 나온 선율을 공연장의 현재 시간으로 재생한다.

IRCAM과 ICST의 공연 자료는 악보가 라이브 사중주와 테이프의 각 재료를 별도 시스템으로 나누고, 두 채널의 음성·현악·기차 소리를 함께 맞추도록 설계되었다고 설명한다. 1·2악장의 paradiddle 운동은 음성의 리듬과 연결되면서도 테이프의 기차 소리와 독립된 현악 운동으로 지속된다. 이 설계에서는 음표뿐 아니라 고정 테이프의 시작과 진행, 음향 투사의 균형까지 작품의 시간 구조에 포함된다.

초연 기록과 수용

Boosey의 1988년 11월 2일 공연 달력, 작품 카탈로그, Steve Reich 공식 페이지, Nonesuch와 연구기관 자료는 London Queen Elizabeth Hall에서 Kronos Quartet이 초연했다는 기록을 공유한다. Reich의 2011년 인터뷰와 Wikipedia 계열 자료는 Miami New Music America 페스티벌의 First Presbyterian Church 공연을 초연으로 회고하지만, 정확한 날짜와 전곡 여부가 당대 프로그램으로 확정되지 않는다. 이에 따라 런던 공연은 출판 자료에 근거한 원곡의 기준 초연으로, Miami 기록은 작곡가의 후대 회고로 기록된다.

Kronos의 최초 상업 녹음은 1988년 8월 31일부터 9월 9일까지 San Francisco의 Russian Hill Recording에서 제작되었고, Nonesuch가 1989년 3월에 발매했다. David Harrington, John Sherba, Hank Dutt, Joan Jeanrenaud가 연주했으며 Judith Sherman이 제작을 맡았다. 녹음된 세 사중주를 먼저 고정한 뒤 라이브 파트를 그 시간표에 맞추는 제작 순서는 이 작품의 공연 구조를 잘 보여 준다. 음반은 1989년에 발매되었고, 1990년 Grammy 시상식에서 Best Contemporary Classical Composition을 수상했다.

후속 녹음과 배열

Quatuor Bozzini(2004년 녹음·2005년 발매), Smith Quartet(2005), Mivos Quartet(2023) 등은 원곡의 후속 현악 사중주 녹음으로 확인된다. 이 녹음들은 Kronos의 최초 음반 이후에도 작품의 고정 테이프와 라이브 파트를 서로 다른 음향으로 기록해 왔다.

David Robertson의 제안에서 출발한 현악 오케스트라 배열은 2000년대에 Philadelphia Orchestra와 Orchestre National de Lyon을 통해 연주되었고, 2003년 Lyon 세션과 2006년 공식 디스코그래피의 음반으로 이어졌다. Boosey가 arr. 2024로 표기한 새 배열은 원곡 테이프와 6-6-4-4-0 현악 편성을 사용하며 2025년 Oregon Symphony 공연으로 소개되었다. 해당 공연의 지휘자는 Boosey 페이지에 Deanna Tham, Oregon Symphony 페이지에 Jerry Hou로 서로 다르게 기록되어 있어 실제 지휘자 확인에는 추가 대조가 필요하다.

주요 자료

Three Movements for Orchestra

Three Movements for Orchestra

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개요

곡명: Three Movements for Orchestra (관현악을 위한 세 악장)
작곡가: 스티브 라이히(Steve Reich, 1936–)
작곡 시기: 1985년 늦여름 착수, 1986년 완성으로 설명되는 1986년 작품
초연: 1986년 4월 3일, 미주리주 세인트루이스 Powell Symphony Hall. 레너드 슬래트킨이 세인트루이스 심포니 오케스트라를 지휘했다.
구성: 쉬지 않고 이어지는 빠름–느림–빠름의 세 악장
출판: Boosey & Hawkes/Hendon Music
소요 시간: 약 15분(공연·녹음에 따라 14분대–16분 안팎)

Boosey & Hawkes 작품 페이지 · IRCAM 작품 자료 · Library of Congress Koussevitzky 자료

Three Movements for Orchestra는 라이히가 소규모 앙상블에서 다듬어 온 펄스와 반복을 대형 관현악의 공간·증폭 조건으로 옮긴 작품이다. 세 악장은 빠른 맥박에서 느린 캐논으로, 다시 다른 속도의 강세와 저음 에너지로 이어진다. 변화는 전통적인 주제 전개보다 화음의 이동, 악기군의 밀도, 같은 패턴을 듣는 위치의 변화에서 생긴다.

위촉·초연·기록

옥스퍼드대 출판부의 라이히 연구 장 초록은 이 작품이 세인트루이스 심포니의 위촉으로 시작되어 1985년 늦여름에 착수하고 이듬해 3월 완성되었다고 설명한다. Boosey & Hawkes와 IRCAM은 작품 연도를 1986년으로 제시한다. 한편 Koussevitzky Music Foundation과 Library of Congress의 목록에는 1981년 위촉과 1986년 홀로그래프 악보 수령이 따로 기록되어 있다. 두 날짜 묶음은 서로 다른 행정 기록일 수 있으므로 하나의 위촉 사건으로 합치지 않는다.

세계초연은 1986년 4월 3일 세인트루이스 Powell Symphony Hall에서 슬래트킨과 세인트루이스 심포니가 맡았다. 1987년 9월 3일 레너드 슬래트킨·로스앤젤레스 필하모닉의 공연은 LA 첫 공연으로, 세계초연을 대체하지 않는다. 출판사는 Boosey & Hawkes와 Hendon Music으로 표기된다.

편성보다 중요한 배치

출판사·IRCAM의 큰 골격은 플루트 2, 피콜로 2, 오보에 3(잉글리시 호른 겸임 가능), 클라리넷 3, 바순 3(콘트라바순 겸임 가능), 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 3, 튜바, 마림바 2, 비브라폰 2, 큰북, 피아노 2(4손), 좌우로 나뉜 현악이다. 양쪽 현악군은 각각 바이올린 6·6, 비올라 4, 첼로 4, 더블베이스 4 정도의 표기로 제시된다.

라이히는 작곡가 노트에서 두 마림바·두 비브라폰·두 피아노를 지휘자 바로 앞에 두라고 설명한다. 이 악기들이 지속적으로 리듬을 공급하므로 오케스트라 뒤에서 생기는 소리와 시선의 지연을 줄여 모두가 같은 박동 방향을 공유하게 하려는 배치다. 현악은 지휘자의 왼쪽과 오른쪽에 같은 규모로 완전히 나누어 두 집단의 대위를 선명하게 듣고 함께 보잉하도록 한다. 라이히가 바르토크 Music for Strings, Percussion and Celesta를 선례로 언급한 것도 이 공간 설계의 음악적 의도를 보여 준다.

리허설 44부터 끝까지는 더블베이스 파트 일부를 전기 베이스 두 대가 맡고, 나머지 어쿠스틱 베이스는 쉬도록 지시된다. 따라서 증폭과 추가 기술 장비는 선택적 장식이 아니라 작품의 실행 조건이다. 세부 장비 종류는 판본마다 다를 수 있으므로 출판사 표기 이상의 추정을 피한다.

세 악장의 연결

Boosey & Hawkes와 Susan Key의 LA Phil 프로그램은 세 악장이 빠름–느림–빠름 순서로 쉬지 않고 이어진다고 설명한다. 중간 악장은 첫 악장 템포의 정확히 절반이고 마지막 악장은 첫 악장 속도로 돌아간다. 이 비율이 악장 사이의 대비를 만들면서도 전곡을 하나의 긴 맥박으로 묶는다.

I. Fast

첫 악장은 지속적인 펄스와 좌우 현악군 사이의 화음 변화로 시작한다. 라이히는 후반으로 갈수록 펄스 구간이 선율 패턴으로 이동하지만 둘의 경계를 명확히 가르기 어렵다고 말한다. 반복 화음이 캐논과 아르페지오 성격을 띤다는 제러미 그림쇼의 분석은, 변화가 ‘새 주제의 등장’보다 같은 재료의 지각 방식이 바뀌는 과정임을 보충한다.

두 피아노와 말렛 타악기는 지휘자 앞에서 박동의 윤곽을 선명하게 하고, 분할된 현악은 같은 패턴을 좌우에서 조금씩 다른 시야로 보낸다. 청자는 화음이 움직일 때마다 어느 집단의 음색이 앞으로 나오는지, 패턴이 수직적인 덩어리에서 흐르는 선으로 바뀌는지를 들을 수 있다.

II. Slow

가운데 악장의 재료는 1985년 Sextet 제4악장에서 직접 가져왔다고 라이히가 설명한다. 원작에서 신시사이저가 맡았던 느린 두 성부 캐논은 이 작품에서 오보에·클라리넷과 조용한 바이올린으로 옮겨진다. 두 비브라폰, 큰북, 저음 현악과 관악이 그 위를 받치다가, 목관과 바이올린이 사라지면 비브라폰·큰북·저음 파트가 새로운 선율의 바닥이 된다.

느린 템포는 반복을 멈추게 하지 않는다. 오히려 음역과 악기 밀도가 적게 움직이는 순간을 오래 들려주어, 화성의 작은 이동이 선율처럼 느껴지게 한다. 이 악장을 감정적인 휴식으로만 듣기보다, 동일한 맥박이 다른 표면을 얻는 실험으로 듣는 것이 작품 전체의 연결을 잘 보여 준다.

III. Fast

마지막 악장은 Sextet과 1985년 New York Counterpoint의 재료를 다시 가져온다. 상성부의 두 성부 캐논에 하성부가 강세를 붙여 처음에는 세 개의 4박 그룹, 이어 네 개의 3박 그룹으로 들리게 한다. 같은 음형이 두 가지 이상의 속도로 겹치는 종결부의 멘수라션 캐논은 서아프리카 음악의 높은 벨 파트 리듬을 출발점으로 삼았다고 라이히가 설명한다.

전기 베이스가 들어오는 마지막 구간은 저음의 박동을 물리적으로 두껍게 만든다. 그림쇼와 출판사 해설이 지적하듯, 3×4와 4×3의 강세가 교대할 때 청자는 12박을 세는 동시에 서로 다른 춤의 걸음을 듣게 된다. 작품은 높은 A단조로 상승하며 끝난다. 이 종결은 새 주제가 승리하는 결말이라기보다, 동일한 패턴이 다른 속도와 음역으로 끝까지 밀려간 결과다.

화음 순환과 시간 감각

라이히의 작곡가 노트는 변형된 딸림화음 계열이 단3도 관계로 E–D♭–B♭–G–E를 순환하며 모호한 감화7화음의 윤곽을 만든다고 설명한다. 마지막은 A단조로 해소된다. 이전 단계 샘플의 D·F·A♭·B 네 구역 도식은 이 노트와 맞지 않으므로 사용하지 않는다.

Jeremy Grimshaw는 화음 이동과 공간 이동이 서로 결합해 ‘어디로 가는가’보다 ‘어떤 음향이 지금 앞에 있는가’를 느끼게 한다고 분석한다. 이는 악장마다 네 개의 고정 구역이 있다는 뜻이 아니다. 반복은 정지 상태가 아니라, 화음과 악기 배치가 바뀌는 시간을 측정하는 틀이다.

녹음과 비평

주요 자료

City Life

City Life

정보

개요

곡명: City Life
작곡가: Steve Reich (1936–)
장르: 샘플링 키보드와 증폭 실내 앙상블을 위한 5부 작품
작곡 시기: 1995년
초연: 1995년 3월 7일, 프랑스 Metz Arsenal, Ensemble intercontemporain, David Robertson 지휘
위촉: Ensemble Modern, London Sinfonietta, Ensemble Intercontemporain 공동 위촉
범위: 원래판 전곡, A–B–C–B–A 아치형의 다섯 부
Wikipedia: City Life (music)

City Life는 Steve Reich가 1995년에 쓴 샘플링 키보드와 증폭 실내 앙상블을 위한 작품이다. 이 글은 다섯 부로 이루어진 원래판 전곡을 다루며, 작품은 말소리와 도시의 실제 소리를 연주 중 호출하는 A–B–C–B–A 아치형으로 진행된다. 두 대의 샘플링 키보드와 목관, 피아노, 타악기, 현악 5부가 같은 리듬과 음높이 재료를 나누어 맡으므로, 전자 매체가 앙상블의 외부 효과가 아니라 편성 안의 연주 파트로 기능한다.

출판 정보와 매체

City Life는 Hendon Music/Boosey & Hawkes에서 출판되었으며, Ensemble Modern, London Sinfonietta, Ensemble Intercontemporain이 공동으로 위촉했다. Steve Reich의 공식 작품 설명은 이 곡에서 고정 테이프를 사용하지 않고 두 대의 샘플링 키보드가 공연 중 소리를 재생한다고 밝힌다. 따라서 샘플러 연주자는 미리 저장한 도시 소리를 앙상블과 같은 시간 안에서 호출하며, 작곡가가 설명한 작은 템포 유연성도 이 방식에서 생긴다.

샘플의 출처는 뉴욕에서 녹음한 자동차 경적, 문 닫히는 소리, 에어 브레이크, 지하철 차임, 파일드라이버, 자동차 경보, 심장 박동, 배의 경적과 부표, 소방·경찰 사이렌, 거리의 발화다. Reich는 말의 억양과 리듬을 악기 음형으로 옮기는 speech melody를 이 작품의 샘플러와 앙상블 관계에 적용했다. 자동차 경적은 목관, 문 닫힘은 큰북, 에어 브레이크는 심벌즈, 배의 경적은 클라리넷과 대응하고, 말소리의 높낮이와 리듬은 여러 악기가 겹쳐 연주한다.

Boosey & Hawkes의 카탈로그에는 이 매체가 사전 녹음 다중 트랙의 컴퓨터 재생으로 표기되어 있으며, 공연 자료에는 sampler, synthesizer, computer playback이라는 명칭이 함께 나타난다. 두 자료는 장비 명칭과 저장 방식을 다르게 적지만, 공연 중 저장된 소리를 앙상블과 결합한다는 점을 공통으로 설명한다. 실제 대여 파트의 실행 지시는 해당 공연의 기술 조건을 정한다.

소요 시간

약 24분이다. 공식 작품 페이지와 Boosey & Hawkes 카탈로그가 이 시간을 제시하며, 공연장과 템포에 따라 실제 시간은 조금 달라질 수 있다.

편성

Boosey & Hawkes의 원래판 자료는 큰북, 작은북, 심벌즈를 제외한 연주자를 증폭하도록 적는다. Philharmonie de Paris의 간략한 공연 표기는 샘플러를 디지털 신시사이저로, 현악을 4중주로 적고 있어 원래판의 5부 표기와 다르다. 공연별 장비와 현악 인원은 판본 자료에 따라 달라질 수 있으므로, 공연별 최종 편성은 사용할 파트와 기술 지시가 정한다.

5부 아치형 구성

공식 작품 노트는 다섯 부를 A–B–C–B–A로 연결한다. 제1부와 제5부는 말소리와 서로 이어지는 화성 재료를 사용하고, 제2부와 제4부는 말소리 없이 네 개의 도미넌트 화음 순환을 공유한다. 제3부는 제1·5부와 제2·4부의 대응을 잇는 중앙부로서 샘플러의 말소리가 악기로 확장되는 과정을 직접 드러낸다.

I. Check it out

거리 행상인의 짧은 외침인 Check it out이 이 부의 표제이자 음높이·리듬 동기가 된다. 샘플러의 말소리와 코랄풍 화음, 목관과 건반의 반복 패턴이 한꺼번에 작동하며, 작곡가 노트는 실제 템포가 중간 정도여도 이 부가 빠르게 느껴질 수 있다고 설명한다.

II. Pile driver/alarms

이 부에서는 말소리 대신 파일드라이버와 자동차 경보가 리듬 샘플로 작동한다. 파일드라이버의 분할은 느린 박에서 여덟분음표와 셋잇단음표로 빨라지며, 그 변화가 진행의 속도를 결정한다. 네 개의 도미넌트 화음 순환은 제4부와 이 부를 연결한다.

III. It's been a honeymoon - can't take no mo'

두 대의 샘플링 키보드가 말소리를 먼저 제시하고, 말소리가 충분히 쌓인 뒤 현악·목관·타악기가 그 음높이와 리듬을 겹쳐 연주한다. Orchestre National de Lyon의 프로그램 해설은 이 부에 주로 아프리카계 미국인 집회에서 녹음된 문장이 사용되었다고 설명한다. 작품 안에서 문장은 완전한 서사 대사보다 억양과 리듬을 가진 speech melody의 재료로 기능한다.

IV. Heartbeats/boats & buoys

심장 박동, 배의 경적, 부표가 이 부의 리듬과 음색을 이룬다. 말소리가 없는 제2부와 함께 B부분을 만들며, 심장 박동의 속도가 점차 변하는 과정과 네 개의 화음 순환이 제2부와 대응한다.

V. Heavy smoke

Heavy smoke, stand by, urgent 같은 소방 통신의 짧은 조각이 사용된다. 작품이 사용하는 통신의 사건 시점은 1993년 2월 26일 첫 세계무역센터 폭탄 테러이며, 2001년 9월 11일의 공격과 구분된다. 제1부의 화성 재료가 더 불협화음적인 배치로 돌아오고, 자료가 C minor 또는 C dominant로 설명하는 마지막 화음은 종지를 모호하게 남긴다.

초연과 녹음 전승

Steve Reich 공식 페이지와 Boosey & Hawkes 카탈로그, 리옹의 공연 해설은 1995년 3월 7일 Metz Arsenal에서 Ensemble intercontemporain과 David Robertson이 세계 초연을 맡았다고 기록한다. 세 단체의 공동 위촉은 이 초연을 특정 악단의 단독 의뢰가 아니라 여러 유럽 앙상블이 공유한 프로젝트로 위치시킨다.

Nonesuch의 음반 페이지는 1995년 9월 런던의 작업 중 공연과 1996년 2월 뉴욕의 완성판 공연을 별도로 기록한다. 1996년 발매 음반에는 Steve Reich Ensemble과 Bradley Lubman의 연주가 Proverb, Nagoya Marimbas와 함께 수록되었다. Boosey 카탈로그에는 Ensemble Modern과 Peter Rundel이 참여한 RCA-BMG 녹음도 별도로 기록되어 있어, 두 녹음이 서로 다른 연주 전승으로 남아 있다.

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