William Walton (1902–1983)

Symphony No. 1 in B♭ minor

Symphony No. 1 in B♭ minor

정보

개요

곡명: Symphony No. 1 in B♭ minor 작곡가: William Walton (1902–1983) 장르: 4악장 관현악 교향곡 작곡 시기: 1932–1935년 (일부 목록은 1931–1935년으로 표기) 초연: 1934년 12월 3일 Queen’s Hall에서 London Symphony Orchestra와 Sir Hamilton Harty가 제1–3악장 초연, 1935년 11월 6일 같은 홀에서 BBC Symphony Orchestra와 Harty가 전곡 초연 헌정: Baroness Imma von Doernberg 소요 시간: 약 43분, 판본과 템포에 따라 약 41–46분 악장: I. Allegro assai, II. Presto con malizia, III. Andante con malinconia, IV. Maestoso–Allegro, brioso ed ardentemente–Vivacissimo–Maestoso IMSLP: William Walton 작품 목록 Wikipedia: Symphony No. 1

William Walton의 Symphony No. 1 in B♭ minor는 1932년 무렵 시작해 1935년에 완성한 4악장 관현악 교향곡이다. 대상은 전곡이며, 제1–3악장만 공개된 1934년 공연과 피날레까지 갖춘 1935년 전곡 초연을 함께 다룬다. 네 악장은 Allegro assai, Presto con malizia, Andante con malinconia, Maestoso–Allegro, brioso ed ardentemente–Vivacissimo–Maestoso 순서로 배열된다.

두 초연으로 나뉜 완성 과정

Sir Hamilton Harty는 Hallé Orchestra를 이끌던 시기에 Walton에게 대규모 교향곡을 요청했고, London Symphony Orchestra와의 초연 약속이 작곡의 일정과 맞물렸다. Hyperion의 프로그램 노트는 Walton이 스위스 Ascona에서 작업했으며 1932년 여름에 곡을 시작한 것으로 설명한다. BIS 해설서와 일부 작품 목록은 1931–1935년으로 적으므로, 시작 연도는 자료에 따라 한 해 차이가 난다.

1933년 여름까지 앞의 세 악장과 피날레의 상당 부분이 마련되었지만, 마지막 악장의 완성은 늦어졌다. Walton은 1934년에 영화 Escape Me Never의 음악을 쓰면서 교향곡 작업을 중단했고, 피날레를 위한 여러 구상을 다시 검토했다. Hyperion과 AllMusic은 작곡가 Constant Lambert가 푸가를 시도해 보라고 제안했다는 후대 기록을 전하며, 이 제안이 피날레의 대위적 추진과 연결된다고 설명한다.

1934년 12월 3일 Queen’s Hall에서 Harty와 London Symphony Orchestra는 제1–3악장만 먼저 연주했다. 이 공연은 피날레가 완성되기 전의 공개 연주였고, 1935년 4월에는 Malcolm Sargent와 London Philharmonic Orchestra가 같은 3악장판을 다시 무대에 올렸다. 피날레는 1935년 8월 말에 완성되었으며, 1935년 11월 6일 같은 Queen’s Hall에서 Harty와 BBC Symphony Orchestra가 전곡을 초연했다.

출판 정보와 자료

Oxford University Press는 1936년에 총보와 미니어처 스코어를 출판했다. Walton Trust는 1951년 소폭 수정, 1968년 교정 총보, 1998년 David Lloyd-Jones가 편집한 William Walton Edition으로 출판 연혁이 이어졌다고 기록한다. 이 연혁은 대규모 재작곡보다 출판 판본의 수정과 교정 단계를 보여 준다.

Herbert Murrill은 1937년에 이 교향곡의 피아노 듀엣 편곡을 만들었고 Oxford University Press가 출판했다. Walton Trust는 교향곡 음악이 André Leclair 안무의 발레 Salome에 사용되어 1971년 Antwerp Royal Flemish Opera House에서 초연되었다고 기록한다. 피아노 듀엣은 실내악 편곡으로, 발레는 무대 각색으로 원곡과 구별된다.

소요 시간

Walton Trust의 작품 안내는 전곡을 약 43분으로 제시한다. BIS 해설서는 약 41분을, Walton Trust의 녹음 목록은 약 40–51분을 보여 주므로 공연 템포와 판본에 따라 시간이 달라진다. 전곡은 약 41–46분으로 잡을 수 있으며, 제1악장 약 14–15분, 제2악장 약 6–7분, 제3악장 약 10–12분, 제4악장 약 11–13분이다.

편성

관현악 편성은 다음과 같다.

두 명의 Timpani 주자는 제1악장의 낮은 지속음과 피날레의 종결을 맡고, Cymbals·Side drum·Tam-tam은 마지막 악장의 추진과 코다에 색채를 보탠다. 목관과 금관의 세부 겸임 표기는 판본에 따라 달라질 수 있으므로, 위 목록은 Walton Trust가 제시한 기본 편성을 따른다.

네 악장의 흐름

악장 악보 표제 대략 시간 진행의 중심
I Allegro assai 약 14–15분 B♭을 중심으로 한 긴 저음 지속, 반복 리듬, 소나타 구조의 누적
II Presto con malizia 약 6–7분 불규칙한 강세와 짧은 관악 제스처가 만드는 스케르초
III Andante con malinconia 약 10–12분 플루트·클라리넷·현악의 긴 선율과 고독한 정서
IV Maestoso–Allegro, brioso ed ardentemente–Vivacissimo–Maestoso 약 11–13분 장중한 도입, 푸가, 빠른 상승, 코랄풍 종결

I. Allegro assai

Walton Trust는 제1악장을 670마디로 기록한다. Hyperion의 해설에 따르면 시작은 B♭ 팀파니의 지속음, 호른 화음, 현악의 맥동하는 크레셴도, 오보에 반복음이 겹치며 형성된다. AllMusic과 MusicWeb은 작은 리듬 세포와 긴 페달이 소나타 구조 전체를 지탱하고, 주제가 금관·현악·목관 사이를 옮겨 다니며 불협화와 절정을 쌓는다고 분석한다.

이 악장의 긴장은 짧은 동기가 반복되고 변형되는 과정에서 커진다. 낮은 지속음과 관현악의 응답은 악장 안에서 여러 차례 모습을 바꾸며, Walton이 전통적인 소나타 틀을 집요한 누적으로 확장한 방식을 드러낸다.

II. Presto con malizia

이탈리아어 표제 con malizia는 ‘악의를 품고’라는 뜻이다. 제2악장은 빠른 스케르초로 진행하면서 3박자 감각에 불규칙한 강세와 비틀린 악센트를 끼워 넣고, 짧은 관악 제스처와 신경질적인 현악 반복으로 제1악장의 긴 압력을 더 짧은 리듬으로 바꾼다.

Stravinsky 또는 Prokofiev와의 비교는 1930년대 평론가들이 제시한 참조점으로, Walton의 독자적인 영국적 리듬과 금관 색채를 함께 드러낸다. 악장은 갑작스러운 정지와 짧은 마무리로 끝나며, 그 여운이 다음 느린 악장으로 이어진다.

III. Andante con malinconia

Andante con malinconia는 ‘우울하게’라는 성격을 표제에 명시한 느린 악장이다. Hyperion은 솔로 플루트의 황량한 선율, 솔로 클라리넷과 피치카토 현악이 만드는 두 번째 주제를 이 악장의 중심 재료로 설명한다. 긴 선율과 가라앉는 음향은 앞선 두 악장의 공격적 리듬이 멈춘 자리에 고독과 상실의 정서를 드러낸다.

이 선율은 처음에는 제1악장에 놓일 구상으로 검토되었다가 현재의 느린 악장으로 옮겨졌다는 기록이 있다. 선율의 이동은 제3악장이 교향곡 전체에서 정서적 중심을 맡게 된 작곡 과정을 보여 준다. 큰 절정 뒤 소리가 가라앉고 플루트의 잔향이 남으면서, 피날레의 장중한 진입을 위한 간격이 생긴다.

IV. Maestoso–Allegro, brioso ed ardentemente–Vivacissimo–Maestoso

피날레는 장중한 Maestoso로 시작해 Allegro, brioso ed ardentemente의 빠르고 열정적인 구간으로 넘어간다. 중간의 푸가는 앞서 나온 동기를 대위적으로 결합하고, Vivacissimo가 속도를 높인 뒤 처음의 Maestoso 재료가 돌아온다.

금관과 현악이 만드는 코랄풍 화음, 두 명의 Timpani, 추가 타악기는 마지막 코다의 공적 규모를 키운다. 푸가는 앞선 리듬과 동기를 한데 엮어 피날레를 밀어 가는 작법이며, 마지막 장중함은 세 악장의 압력을 교향곡적 결말로 모은다.

피날레의 위치와 초기 수용

1934년 3악장판은 피날레 없이도 Queen’s Hall의 청중을 만났지만, 완성된 전곡이 나온 뒤 일부 평론은 피날레가 뒤늦게 덧붙은 부분처럼 들린다고 보았다. Hyperion의 프로그램 노트는 반대로 제4악장을 앞선 악장들의 긴장이 도달하는 필연적인 해결로 옹호하며, Walton 자신이 피날레를 가장 좋은 악장으로 여겼다는 후대 기록도 전한다. 두 관점은 미완성 상태의 조기 공연과 전곡판 완성 이후의 수용이 서로 달랐음을 보여 준다.

Walton의 개인적 관계와 Imma von Doernberg에 대한 헌정은 악장의 분노·악의·우울을 개인적 긴장과 연결하는 독해를 낳았다. 이 해석은 역사적 헌정 사실과 구별되는 수용의 한 갈래이며, 피날레의 코랄과 푸가는 그 긴장을 공적 교향곡 언어로 넓히는 음악적 장치로 설명된다.

영향 비교와 레코딩

William Walton Trust는 이 교향곡을 Sibelius와 Beethoven의 교향적 전통에 놓고, 긴 저음 지속과 작은 동기의 누적, 소나타 구조와 대위적 피날레를 비교한다. The Independent와 MusicWeb은 제2악장의 변박과 괴기한 제스처를 Stravinsky·Prokofiev와 연결해 논의한다. 이 비교는 Walton의 날카로운 리듬과 불협화, 금관의 의전적 색채가 만든 고유한 언어를 함께 드러낸다.

Walton Trust는 1935년 11월 전곡 초연 한 달 뒤인 12월 Harty와 London Symphony Orchestra가 첫 녹음을 남겼다고 기록한다. BIS 해설서와 Walton Trust의 녹음 목록에는 약 40분대의 초기 연주부터 50분 안팎의 후대 연주까지 나타난다. 서로 다른 시간은 지휘자의 템포와 사용한 판본이 연주 결과를 바꾼다는 점을 보여 준다.

1930년대에는 젊은 Walton이 영국 음악의 새로운 희망으로 받아들여졌고, 전후 비평의 관심이 Schoenberg와 Britten 쪽으로 이동하면서 작품이 비평과 연주 현장에서 덜 다뤄졌다는 설명도 있다. 이 변화는 교향곡의 음악적 내용보다 시대의 미학과 레퍼토리 선택이 달라진 사례로 수용사에 기록된다.

주요 자료

Symphony No. 2

Symphony No. 2

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개요

곡명: Symphony No. 2 작곡가: William Walton (1902–1983) 장르: 관현악 교향곡 위촉: Royal Liverpool Philharmonic Society, Liverpool 헌장 750주년 기념 작곡: 1957–1960년 초연: 1960년 9월 2일, Edinburgh Festival, Usher Hall 초연 연주: Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, Sir John Pritchard 지휘 헌정: Royal Liverpool Philharmonic Society, 후대 George Szell 추모 재헌정 소요 시간: 약 27–29분 악장: I. Allegro molto, II. Lento assai, III. Passacaglia 편성: 3관 목관, 금관, 타악기 4명, 피아노, 첼레스타, 하프 2, 현악

IMSLP: Category: Walton, William Wikipedia: Symphony No. 2 (Walton)

William Walton의 Symphony No. 2는 세 악장으로 이루어진 관현악 교향곡이다. Royal Liverpool Philharmonic Society가 Liverpool 헌장 750주년을 기념해 의뢰했으며, Walton은 1957년부터 1960년까지 작품을 완성했다. Liverpool을 위한 의뢰였지만 세계 초연은 1960년 9월 2일 Edinburgh Festival의 Usher Hall에서 Royal Liverpool Philharmonic Orchestra와 Sir John Pritchard가 맡았다. 전곡은 압축된 Allegro molto, 야상곡을 닮은 Lento assai, 12음렬 주제를 변주하는 Passacaglia를 차례로 놓아 세 악장을 통해 후기 Walton의 관현악 감각을 보여 준다.

출판 정보

Walton은 이 교향곡을 1955년 또는 1956년에 의뢰받은 뒤 여러 사정으로 완성을 늦추었다. 위촉 연도는 자료에 따라 1955년 또는 1956년으로 기록되며, 실제 작업 기간인 1957–1960년과 구분된다. Liverpool 축하 행사에 맞추려던 일정은 지켜지지 않았고, Liverpool 측은 Edinburgh Festival에서의 초연을 받아들였다. 초연 뒤 작품은 Royal Liverpool Philharmonic Society에 헌정되었으며, George Szell의 공헌을 기리는 뜻에서 후대에 재헌정되었다.

Walton Trust가 보존한 자필 원고의 마지막 장에는 1960년 7월 22일과 Forio d’Ischia가 적혀 있다. 이는 최종 악장이 그 무렵 완성되었음을 보여 주지만, 남부 이탈리아의 지명이 곡의 표제나 구체적인 묘사 장면을 뜻하는 것은 아니다. Oxford University Press는 1960년에 연구용 총보와 파트를 출판했다. 악장과 편성은 이 연구용 총보와 파트에 제시된 작품 범위를 기준으로 확인할 수 있으며, 기관 자료가 세부 정보를 보완한다.

소요 시간

자료와 녹음에 따라 약 27–29분으로 측정된다. Walton Trust는 28분, British Music Collection은 27분, American Symphony Orchestra는 29분을 제시한다. 악장별로는 제1악장 약 10분, 제2악장 약 8–9분, 제3악장 약 9–10분으로 잡으면 전체 흐름을 가늠하기 쉽다. 세 악장은 빠른 악장과 느린 악장이 서로 다른 속도와 음색 밀도로 교대하는 구성이다.

편성

목관은 플루트 3(제3플루트는 피콜로 겸함), 오보에 3(제3오보에는 잉글리시 호른 겸함), 클라리넷 3(제2클라리넷은 E♭ 클라리넷, 제3클라리넷은 베이스 클라리넷 겸함), 바순 3(제3바순은 콘트라바순 겸함)이다. 금관은 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 3, 튜바로 구성된다.

타악기 주자는 네 명이며 군악 드럼, 테너 드럼, 큰북, 심벌즈(크래시와 서스펜디드), 글로켄슈필, 실로폰, 비브라폰, 탬버린, D음 종을 나누어 연주한다. 여기에 피아노, 첼레스타, 하프 2와 현악기가 더해진다. 피아노와 첼레스타는 타악기와 함께 선명한 점을 찍거나 어두운 음색을 겹친다.

위촉에서 완성까지

Liverpool의 기념 의뢰는 처음부터 일정이 순조롭지 않았다. Walton은 다른 작업과 건강 문제, 사고로 인해 악보를 여러 차례 미루었고, 1958년에 스케치를 시작했다. 제1악장 초고는 1959년 1월, 제2악장은 1960년 2월에 진행되었으며, 마지막 악장은 1960년 7월 22일 Forio에서 마무리되었다. 이 곡에는 오랜 공백과 압축된 마감이 함께 남아 있다.

초연 장소가 Liverpool이 아닌 Edinburgh가 된 사정도 이 지연과 연결된다. 의뢰 주체인 Royal Liverpool Philharmonic Society는 작품을 포기하지 않았고, 자신들의 오케스트라를 Edinburgh에 보내 초연을 맡겼다. 이 경로는 곡의 탄생 배경을 ‘Liverpool의 작품’과 ‘Edinburgh에서 처음 울린 작품’으로 나누어 이해하게 한다.

세 악장의 구조

세 악장은 서로 다른 장르를 나열하기보다 하나의 관현악 원리를 서로 다른 속도와 질감으로 전개한다. 제1악장은 빠른 추진력 속에서 주제의 파편을 압축하고, 제2악장은 그 파편을 길게 늘여 정적인 호흡으로 바꾼다. 제3악장은 한 음렬 주제를 여러 속도와 질감으로 변형해 앞의 두 악장에서 제시한 변형 원리를 확장한다.

I. Allegro molto

첫 악장은 거의 하나의 주제에서 파생된 짧은 동기를 연속적으로 밀어붙여, 전통적인 소나타 형식의 표지보다 압축된 진행을 앞세운다. 빠른 알레그로와 스케르초의 기능이 한 악장 안에 포개져 있어, 리듬이 멈추지 않는 동안 성격이 재빨리 바뀐다. 트릴을 동반한 목관, 갑자기 전면으로 나오는 금관, 피아노와 타악기의 빛나는 공격이 짧은 음형의 윤곽을 여러 번 바꾼다.

이 악장에서 중요한 것은 각각의 동기를 이름 붙이는 일이 아니라, 같은 재료가 악기군을 바꿀 때마다 무게와 속도가 달라지는 과정이다. 현악기의 빠른 흐름이 금관의 단단한 화음으로 압축되었다가 다시 목관의 가는 선으로 풀리는 식의 전환이 연속된다. 약 10분 동안 긴장이 끊기지 않고 이어지며, 서주와 전개를 길게 쌓는 방식과 다른 압축성이 드러난다.

II. Lento assai

제2악장은 앞 악장의 운동을 멈추고 야상곡에 가까운 음향을 제시한다. Hyperion의 해설은 이 음향을 지중해의 밤과 연결하며, Walton의 오페라 Troilus and Cressida에서 들을 수 있는 후기의 어두운 색채와도 이어 본다. Hyperion은 이 연결을 밝은 표면 아래에 긴 호흡의 불안을 두는 작곡 방식으로 해석한다.

피아노, 첼레스타, 하프 2는 선율을 앞세우기보다 목관과 현악의 여백에 작은 광택을 더한다. 비브라폰은 종결부에서 한 음을 길게 남겨 악장의 끝에 긴 종결 잔향을 만든다. 느린 속도 안에서도 음색의 교대가 계속되며, 이 악장은 피날레로 긴장을 넘기는 역할을 한다.

III. Passacaglia

마지막 악장은 파사칼리아의 형식을 취한다. Walton Trust의 구조 표기는 주제, Risoluto, 변주들, Fugato, Coda, Scherzando라는 내부 구획을 제시한다. 주제는 12음렬로 이루어졌지만, 곡 전체가 무조적으로 흘러가지는 않는다. Walton은 음렬을 화성 체계로 고정하기보다, 변주마다 속도와 악기 배치를 바꾸는 출발점으로 사용한다.

대부분의 변주는 짧고 빠르게 지나가며, 제8변주와 제9변주가 잠시 느린 호흡을 만든다. 제10변주에서 시작되는 푸가토는 재즈를 떠올리게 하는 리듬을 품고, 여러 성부가 같은 재료를 서로 다른 억양으로 밀고 당긴다. 뒤이어 금관 팡파르, 타격감 있는 반복 화음, D음 종이 결말을 세운다. 느린 주제에서 출발한 파사칼리아가 춤과 푸가의 에너지로 변한 뒤, 마지막에 단호한 타격으로 정리되는 흐름이다.

12음렬 주제의 조성적 처리

제3악장의 12음렬은 변주 주제를 조직하는 작곡 기법으로 기능한다. American Symphony Orchestra의 해설은 그 주제가 12음 기법을 사용하면서도 작품의 표정은 풍부한 관현악 색채와 전통적인 긴장 관계를 유지한다고 설명한다. 따라서 음렬의 규칙보다 주제를 잘라 겹치고 되돌리는 변형 과정이 각 변주의 리듬과 음색을 결정한다.

이 방법은 제1악장과 제2악장에도 간접적으로 연결된다. 제1악장에서 동기가 끊임없이 형태를 바꾸고, 제2악장에서 음색이 선율의 빈자리를 채웠다면, 피날레는 그 변형 원리를 가장 명시적인 형식으로 드러낸다. 파사칼리아는 ‘느린 변주곡’이라는 예상보다 짧은 변주, 푸가토, 스케르찬도의 급격한 방향 전환을 함께 보여 준다.

제1번 이후의 후기 양식

약 25년 전의 Symphony No. 1과 비교하면 Symphony No. 2는 더 짧은 호흡과 정밀한 관현악 배치를 택한다. Hyperion의 프로그램 노트가 지적하듯, 제1번에서 들리는 거대한 낭만적 압력이 이 곡에서는 작은 동기와 정확한 음색 대비로 재조정된다. 열정은 빠른 악장의 날카로운 추진력과 피날레의 팡파르에 남아 있다. 이 곡은 감정의 표출 시점을 더 세밀하게 통제한다.

이 후기 양식은 악기 편성에서도 드러난다. 하프와 첼레스타, 피아노는 음향의 초점을 순간적으로 옮기며 전체 편성의 밀도를 조절한다. 목관의 겸주와 네 명의 타악기 주자는 한 악기군이 다른 악기군으로 이어지는 경계를 흐리면서도, 각 소리의 윤곽은 또렷하게 남긴다.

초연과 Szell의 재평가

1960년 Edinburgh 초연의 비평 반응은 미온적이었다. 리허설이 충분하지 않았고 홀의 균형과 지휘 해석이 작품의 세부를 전달하는 데 불리했다는 설명이 남아 있다. 초연 직후 계획되었던 EMI 녹음도 취소되었다. American Symphony Orchestra의 해설은 작품의 가치보다 초연 조건에 초점을 맞춰, 이 기록을 악보의 복잡한 균형이 충분히 드러나지 못한 사례로 설명한다.

Walton을 오래 지지해 온 George Szell은 1961년 1월 New York에서 미국 초연을 지휘했고, 1962년 Cleveland Orchestra와 녹음했다. MusicWeb의 당시 리뷰는 이 녹음을 작품의 수용사에서 중요한 기록으로 평가한다. 후대의 재헌정은 이 협력 관계를 기념한다. 초연의 미온적 반응과 Szell 이후의 재평가를 함께 살피면, 이 교향곡이 악보 자체뿐 아니라 연주 조건과 해석의 역사 속에서 자리를 잡아 온 과정을 이해할 수 있다.

녹음마다 비교할 수 있는 핵심은 세 악장의 질감 분리다. 제1악장에서는 짧은 동기의 추진력과 금관의 돌출이 선명하게 드러나며, 제2악장에서는 비브라폰과 하프의 잔향이 현악의 긴 선과 균형을 이룬다. 제3악장에서는 빠른 변주와 느린 변주의 대비가 녹음마다 다르게 나타난다. 이 세 요소의 균형이 작품의 음향을 조직한다.

주요 자료

Violin Concerto

Violin Concerto

정보

개요

곡명: Violin Concerto
작곡가: William Walton (1902–1983)
장르: 바이올린 협주곡
작곡 시기: 1938–1939년
초연: 1939년 12월 7일, Cleveland, Jascha Heifetz 독주, Cleveland Orchestra, Artur Rodziński 지휘
범위: 1943년 관현악 개정판을 기본으로 한 세 악장 전곡
IMSLP: Violin Concerto (Walton)
Wikipedia: Violin Concerto (Walton)

William Walton의 Violin Concerto는 독주 바이올린과 관현악을 위한 세 악장 협주곡이다. 이 글은 1938–1939년에 완성된 작품과 1943년 관현악 개정판을 함께 다루며, Andante tranquillo, Presto capriccioso alla napolitana, Vivace 순서로 진행되는 전곡을 설명한다.

위촉, 출판, 판본

Jascha Heifetz는 1936년 런던에서 Walton에게 이 협주곡을 위촉했다. Walton은 1938년 이탈리아 Ravello에서 본격적으로 작곡을 시작해 1939년 6월 2일 작품을 마쳤고, 그해 10월까지 초연을 앞둔 수정을 이어 갔다. 1939년 뉴욕 세계박람회에서 열 예정이던 초연은 일정과 전쟁 때문에 성사되지 않았으며, 실제 초연은 Cleveland에서 열렸다.

Oxford University Press는 1941년에 Franz Reizenstein이 편곡하고 Heifetz가 바이올린 파트를 편집한 바이올린·피아노 축약판을 냈다. 관현악 총보의 study score는 1945년에 출판되었고 1969년에 교정되었다. 1943년에는 독주부와 주제 재료를 바꾸기보다 관현악을 다시 다듬었으며, 현재의 연주에서는 이 개정판이 기본 판본으로 쓰인다. 개정판의 자필 총보는 Yale의 Frederick R. Koch Collection에, 바이올린·피아노 축약판 자필 원고는 Library of Congress에 소장되어 있다.

원판과 개정판의 차이는 타악기에서 가장 뚜렷하다. 1939년 판에는 큰북, 캐스터네츠, 글로켄슈필, 공이 더 있었지만, 1943년 판에서는 이 악기들이 빠지고 팀파니와 두 명의 타악기가 남는다. 이 편집은 작품의 재료를 고친 것이 아니라 독주 바이올린과 관현악 사이의 음색 관계를 조정한 것이다.

소요 시간

공식 안내는 약 30분이며 Utah Symphony는 31분으로 제시한다. 판본과 템포에 따라 녹음 시간이 달라져, 전곡은 대체로 30분 안팎에서 연주된다.

편성

1943년 개정판의 편성은 다음과 같다.

초판의 큰북, 캐스터네츠, 글로켄슈필, 공은 개정판 편성에 포함되지 않는다. 따라서 같은 작품명으로 연주해도 어느 판본을 선택했는지에 따라 타악기의 음색과 독주부 주변의 울림이 달라진다.

악장별 구성

I. Andante tranquillo

첫 악장은 독주 바이올린이 sognando라는 지시와 함께 꿈꾸듯 긴 선율을 내놓으면서 시작한다. BBC Proms 해설은 이 선율을 받치는 바순의 상승선을 이후 빠른 부분의 재료로 연결한다. 고요한 독주선은 갑작스러운 금관의 공격과 교차 리듬으로 흔들리고, 독주 바이올린이 다시 처음의 평온을 회복하면서 넓은 호흡의 대비를 만든다.

이 악장에서 기교는 별도의 과시 구간으로 분리되지 않고 칸틸레나와 장식음 사이를 오간다. Walton이 1939년 5월 미국에서 Heifetz와 독주부를 함께 손질했다는 기록, 특히 마지막 악장을 두고 세부를 조정했다는 회고는 이러한 독주부가 실제 연주자의 움직임과 함께 다듬어졌음을 보여 준다.

II. Presto capriccioso alla napolitana

두 번째 악장은 표제에 적힌 alla napolitana처럼 나폴리풍의 빠른 운동을 전면에 둔다. 타란텔라 성격의 리듬이 시작한 뒤 느린 왈츠가 갑자기 끼어들어, capriccioso라는 변덕스러운 표정을 구체화한다. 중앙의 Trio는 악보에 Canzonetta라고 적혀 있으며, 빠른 리듬을 잠시 멈추고 이탈리아 노래와 벨칸토를 연상시키는 긴 선율을 들려준다.

Canzonetta가 끝나면 타란텔라가 돌아오고 독주 바이올린의 빠른 패시지가 이어진다. 왈츠의 짧은 회귀 뒤 악장이 급히 사라지듯 마무리되면서, 제1악장의 관조와 제3악장의 확장 사이에 짧고 날카로운 긴장을 남긴다.

III. Vivace

피날레는 론도에 가까운 구조로 진행된다. BBC Proms는 대위적으로 제시되는 빠른 주제가 여러 차례 돌아오고, 그 사이에 독주 바이올린이 이끄는 서정적 에피소드가 놓인다고 설명한다. 하프와 현악이 독주선을 받치는 중간 부분에서는 앞선 악장의 선율이 회상처럼 나타난다.

후반의 동반 카덴차는 독주자가 관현악에서 완전히 떨어져 나가는 구간이 아니라 하프와 현악의 지지를 받으며 협주곡의 주제들을 모으는 대목이다. 이어 제1악장의 sognando 선율이 빠른 흐름 속에서 변형되어 돌아오고, 마지막 플러리시가 독주자의 기교와 처음의 노래를 한 지점에서 결합한다.

초연과 개정판의 수용

1939년 12월 7일 Cleveland에서 Heifetz, Cleveland Orchestra, Artur Rodziński가 세계 초연을 열었다. Walton은 전쟁 때문에 영국에 남아 초연을 직접 듣지 못했다. 영국 초연은 1941년 11월 1일 Henry Holst 독주와 Walton 지휘로 이루어졌고, Heifetz가 전쟁 중 영국에서 독점 연주권을 행사하기 어려워지면서 다른 독주자가 작품을 소개할 수 있었다.

1943년 관현악 개정판의 첫 연주는 1944년 1월 17일 Wolverhampton에서 열렸다. Henry Holst가 독주하고 Liverpool Philharmonic Orchestra와 Sir Malcolm Sargent가 연주했다. Cleveland 초연은 원판의 역사적 출발점이고 Wolverhampton 공연은 타악기를 줄인 개정판의 첫 연주이므로, 두 사건을 같은 판본의 초연으로 합치지 않는다.

음악적 성격과 직접 자료

Walton Trust와 BBC Proms는 Ravello에서의 작업, 이탈리아 대중가요와 벨칸토의 노래하는 성질을 이 협주곡의 이탈리아적 온기와 연결한다. 이는 프로그램 노트와 후대 해설이 제시하는 청취 관점이며, 특정 민속 선율을 인용했다는 뜻은 아니다. sognando의 긴 첫 선율, 나폴리풍 스케르초, 피날레의 주제 회귀를 한 흐름으로 묶어 주는 설명으로 기능한다.

Heifetz는 1939년 미국에서 Walton과 독주부를 직접 검토했고, 후대 회고는 특히 제3악장의 세부가 그 협업을 거쳤다고 전한다. 이 과정은 독주자의 높은 기교를 작품 바깥의 장식으로 덧붙인 사건이 아니라, 긴 선율과 빠른 패시지가 같은 독주선 안에서 이어지도록 조정한 작곡·연주 협업이었다. 1943년 타악기 축소도 같은 관점에서 독주 바이올린의 선율과 관현악 색채가 서로 들리는 공간을 다시 정리한 개정으로 이해할 수 있다.

녹음과 레퍼토리의 자리

Heifetz가 Cincinnati Symphony Orchestra와 Eugene Goossens와 남긴 초기 녹음은 자료에 따라 1941년 또는 1942년으로 표기된다. Naxos가 소개하는 1950년 녹음은 Heifetz, Philharmonia Orchestra, Walton 지휘의 개정판 연주이며, 세 악장을 약 27분에 담는다. 원판과 개정판, 서로 다른 템포의 녹음을 함께 놓으면 이 협주곡의 실연 시간이 넓게 달라지는 이유를 확인할 수 있다.

초기 평론은 솟구치는 칸틸레나와 독주자의 기교를 주목했지만, 일부 평론은 표면의 화려함과 Elgar와의 친연성을 두고 유보적인 견해를 보였다. 후대의 작품 연구는 이러한 외부 영향의 언급과 별개로, 느린 성격의 첫 악장과 나폴리풍 중앙 악장, 론도적 피날레가 한 작품 안에서 기교와 노래를 결합한다고 평가한다. Walton의 세 현악 협주곡 가운데 이 곡은 Heifetz를 위해 쓰인 높은 기교와 Ravello에서 얻은 이탈리아적 선율성이 함께 드러나는 작품으로 자리한다.

주요 자료

Viola Concerto

Viola Concerto

정보

개요

곡명: Viola Concerto
작곡가: William Walton (1902–1983)
장르: 독주 비올라와 관현악을 위한 협주곡
작곡 시기: 1928–1929년
헌정: Christabel McLaren, Lady Aberconway
세계 초연: 1929년 10월 3일, London Queen’s Hall, Paul Hindemith 독주, Henry Wood Symphony Orchestra, William Walton 지휘
1961년 개정판 초연: 1962년 1월 18일, Royal Festival Hall, John Coulling 독주, London Philharmonic Orchestra, Sir Malcolm Sargent 지휘
IMSLP: Viola Concerto (Walton, William)
Wikipedia: Viola Concerto (Walton)

William Walton의 《Viola Concerto》는 독주 비올라와 관현악을 위한 3악장 협주곡이다. 이 글은 1928–1929년에 완성된 원작과 1961년 관현악 개정판을 함께 다루며, Andante comodo, Vivo, con molto preciso, Allegro moderato 순서로 이어지는 전곡을 기준으로 한다. 첫 악장의 긴 선율, 두 번째 악장의 정밀한 스케르초, 세 번째 악장의 대위적 누적이 하나의 연속된 흐름을 만든다.

출판 정보와 자료

이 작품은 Oxford University Press에서 출판되었다. 1929년 원판의 full score와 miniature score는 1930년에 나왔고, 1961년 관현악 개정에 근거한 full score는 1964년에 출판되었다. Christopher Wellington이 편집한 2002년 William Walton Edition 12는 원판과 개정판을 함께 수록해 두 편성의 차이를 비교할 수 있게 한다. Geoffrey Pratley의 피아노 축약판과 Lionel Tertis가 편집한 비올라 파트도 1930년과 1964년 OUP 자료에 포함되며, 피아노 축약은 관현악판과 다른 연주 매체다.

Walton Trust가 기록한 자필 자료는 Yale의 Beinecke Library Frederick R. Koch Collection에 있다. 원판 자필 총보는 FRKF 586a, 개정판 자필ㆍ필사 혼합 총보는 FRKF 586b로 분류되며, Royal College of Music Special Collections에도 MS 4234가 보관되어 있다. 1961년 개정은 새 협주곡을 만든 작업이 아니라 관현악의 밀도와 색채를 조정한 작업이다. 따라서 아래의 편성은 현재 널리 연주되는 개정판을 기준으로 하고, 원판의 차이는 별도로 표시한다.

소요 시간

Walton Trust는 전곡을 약 25분으로 제시한다. 실제 녹음은 판본과 템포, 독주자의 호흡에 따라 약 22분대부터 30분대까지 차이가 나므로, 공연에서는 대체로 25분 안팎의 곡으로 이해할 수 있다. 악장별로는 Andante comodo가 약 8–9분, Vivo, con molto preciso가 약 4–5분, Allegro moderato가 약 11–13분이다.

편성

1961년 개정판의 편성은 다음과 같다.

1929년 원판에는 피콜로와 플루트 2, 오보에 2와 잉글리시 호른, 클라리넷 2와 베이스 클라리넷, 바순 2와 콘트라바순, 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 3, 튜바, 팀파니, 현악기가 들어간다. 원판에는 하프와 일반 타악기가 없고 저음 목관과 금관이 더 많다. 개정판은 트럼펫을 두 대로 줄이고 튜바와 콘트라바순을 없애는 대신 하프를 더해 독주 비올라가 관현악 안에서 선명하게 들리는 조건을 마련했다.

작곡 배경과 초연

Sir Thomas Beecham은 1928년 Lionel Tertis를 위한 비올라 협주곡을 Walton에게 제안했다. Walton은 Amalfi에서 곡을 완성했고, Christabel McLaren에게 헌정했다. Tertis는 처음에 작품이 지나치게 현대적이라고 판단해 악보를 돌려보냈다. 이후 초연자가 정해지는 과정에 대해서는 기록이 갈린다. Walton Trust와 BBC가 전하는 경로는 BBC의 Edward Clark가 Paul Hindemith에게 악보를 보내는 것이고, Tertis의 회고는 자신이 Hindemith를 추천했다고 설명한다. 두 기록은 1929년 초연의 독주자가 Hindemith였다는 사실과는 일치한다.

1929년 10월 3일 Queen’s Hall 초연에서는 Hindemith가 독주하고 Henry Wood Symphony Orchestra를 Walton이 지휘했다. 초연 직전 관현악 파트에 오류가 있어 Walton이 밤새 수정했고 리허설 시간도 제한적이었다는 회고가 남아 있다. Walton은 훗날 Hindemith의 연주를 기교적으로 뛰어나지만 거칠고 거리낌이 없었다고 평가했다. 이 증언은 당시 독주부가 매끈한 음색만으로는 충분하지 않고 강한 리듬감과 성격을 요구했다는 초연의 인상을 전한다.

Tertis는 초연을 들은 뒤 자신의 판단을 바꾸어 작품을 받아들였고, 이후 Liège와 Worcester를 포함한 여러 무대에서 연주했다. 1961년 개정판은 1962년 1월 18일 Royal Festival Hall에서 John Coulling, London Philharmonic Orchestra, Sir Malcolm Sargent의 연주로 처음 소개되었다. 개정판이 이후 공연과 녹음에서 널리 쓰였지만, 2006년 Lawrence Power처럼 원판 편성을 선택한 연주도 있다.

악장 구성

I. Andante comodo

첫 악장은 느리고 사색적인 흐름으로, 비올라의 중음역이 첫 선율을 제시한다. 약음기를 쓴 현악기와 낮은 목관이 바탕을 만들고, 독주 비올라가 긴 선율을 이어 간다. 이 선율은 오보에를 비롯한 관현악으로 옮겨가며, 비올라는 높은 음역의 장식으로 다시 합주 속에 들어간다. Michael Kennedy가 소개한 분석처럼 느린 진행은 두 차례의 빠르고 극적인 폭발로 흔들린다. 긴 호흡과 갑작스러운 리듬ㆍ금관의 압력이 교차하면서 첫 악장이 한 가지 정서에 머물지 않게 한다.

II. Vivo, con molto preciso

두 번째 악장은 짧고 빠른 스케르초다. con molto preciso라는 지시는 속도보다 정확한 움직임을 요구하며, 짧은 동기와 잦은 박자 변화, 날카로운 화성이 결합하고 독주와 관현악이 빠르게 교환된다. 비올라는 긴 노래를 이어 가는 대신 짧은 패시지와 불규칙한 강세를 통제하며 움직인다. 이 악장은 중음역의 어두운 선율을 중심에 둔 첫 악장과 대비되면서, Walton이 비올라에 기민한 리듬 악기의 역할도 부여했음을 보여 준다.

III. Allegro moderato

가장 긴 피날레는 바순의 머뭇거리는 주제로 시작하고, 독주 비올라가 피치카토 현악 위에서 그 흐름에 합류한다. 이어 목관과 현악의 성부가 차례로 겹치며 관현악 푸가에 가까운 누적을 만든다. 비올라는 긴 칸타빌레 선율과 리듬적인 패시지를 오가므로, 독주와 합주의 경계가 계속 달라진다. 마지막에는 첫 악장의 주요 선율이 돌아와 피날레의 추진력과 초기의 내성적인 정서를 한데 묶는다. 종결은 새로운 기교를 덧붙이는 방식보다, 세 악장에 흩어져 있던 선율과 리듬을 회상으로 통합하는 방식으로 이루어진다.

판본과 독주부의 선택

1929년 원판은 더 많은 목관과 저음 금관을 사용해 관현악의 밀도가 높고 어두운 색채를 만든다. 1961년 개정판은 하프를 추가하고 목관과 금관의 수를 줄여 독주 비올라의 중음역과 관현악의 세부 교환을 더 분명하게 드러낸다. 이 차이는 음량의 크기만이 아니라, 첫 악장에서 비올라의 긴 선율이 합주 속으로 스며드는 정도와 피날레의 대위가 겹쳐 들리는 정도에도 영향을 준다.

Frederick Riddle이 연주 과정에서 수정한 독주 파트는 Walton의 승인과 출판 반영을 두고 논의가 이어졌다. 2002년 William Walton Edition 12는 원래 독주 파트와 Riddle의 수정본을 함께 제시한다. 따라서 실제 판본 선택은 관현악 개정과 독주부의 두 버전을 어떻게 다루는가에 달려 있다.

연주와 녹음의 맥락

Walton Trust의 녹음 목록에는 Frederick Riddle과 Walton이 London Symphony Orchestra와 함께한 1937년 녹음, William Primrose와 Walton이 Philharmonia와 함께한 1946년 녹음이 포함되어 있다. Classical Music은 Primrose의 1946년 기록을 원판 편성의 어둡고 밀도 높은 음향을 들을 수 있는 중요한 사례로 소개한다. 이후 목록에는 1968년 Yehudi Menuhin, 1987년 Nigel Kennedy, 1992년 Nobuko Imai, 1994년 Yuri Bashmet, 2002년 Maxim Vengerov의 녹음이 이어진다. Menuhin과 Vengerov처럼 바이올리니스트가 비올라를 연주한 기록은 비올리스트의 녹음과 비교할 때 주자의 악기 배경이 음색과 프레이징에 어떤 차이를 만드는지 비교할 수 있는 자료가 된다. BBC는 이 협주곡을 오늘날 비올라 협주곡 레퍼토리의 핵심 작품으로 소개하며, Tertis의 재수용과 후대 녹음은 그 위치가 한 번의 초연보다 긴 연주사를 통해 굳어졌음을 보여 준다.

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Cello Concerto

Cello Concerto

정보

William Walton: Cello Concerto

개요

곡명: Concerto for Violoncello and Orchestra, 일반적으로 Cello Concerto로 부르는 작품
작곡가: William Walton (1902-1983)
작곡 시기: 1955-1956년, 1956년 2월부터 10월까지 이스키아섬 포리오에서 본격 작곡
장르: 첼로 독주와 관현악을 위한 협주곡
헌정: Gregor Piatigorsky
초연: 1957년 1월 25일, Boston Symphony Hall, Gregor Piatigorsky 독주, Boston Symphony Orchestra, Charles Munch 지휘
영국 초연: 1957년 2월 13일, Royal Festival Hall, Gregor Piatigorsky 독주, BBC Symphony Orchestra, Malcolm Sargent 지휘
초판: 1957년, Oxford University Press. 총보와 Roy Douglas의 첼로·피아노 축약판이 출판되었다.
구조: I. Moderato, II. Allegro appassionato, III. Tema ed improvvisazioni. 마지막 악장은 주제와 여섯 변주, 두 개의 큰 독주 카덴차로 이루어진다.
소요 시간: 약 29-30분. 녹음과 결말 판본에 따라 27-31분 정도로 달라진다.
Wikipedia: Cello Concerto (Walton)

William Walton의 Cello Concerto는 첼로 독주와 관현악이 세 악장을 차례로 연주하는 협주곡이다. Moderato의 느린 노래, Allegro appassionato의 날카로운 추진, Tema ed improvvisazioni의 주제와 여섯 변주가 한 호흡으로 이어진다. 작품의 중심은 독주자의 화려한 과시만이 아니라, 낮은 첼로 음역과 가늘고 투명한 관현악이 서로의 여백을 남기며 긴 호흡을 만드는 데 있다.

작곡과 의뢰

Gregor Piatigorsky는 1954년 자신의 피아니스트 Ivor Newton에게 Walton에게 첼로 협주곡을 부탁해 달라고 했다. 당시 Walton은 바이올린 협주곡과 비올라 협주곡을 이미 쓴 상태였고, 이 의뢰는 현악기를 위한 세 번째 협주곡으로 이어졌다. Chandos 해설은 위촉료가 3,000달러였고 Piatigorsky에게 2년 동안 독점 연주권이 주어졌다고 기록한다. Walton은 이 작품을 1956년 이탈리아 이스키아섬의 포리오에서 주로 썼으며, 자필 원고에도 그곳에서 쓴 날짜가 남아 있다.

처음에는 1956년 에든버러 축제에서 초연하는 일정이 논의되었다. 그러나 Piatigorsky가 보스턴 공연을 택했고, 1956년 12월로 예정된 연주는 그의 병으로 약 7주 미뤄졌다. 병의 세부 진단은 자료마다 다르므로 여기서는 연기 사실만 확정한다.

두 번의 초연과 출판

Boston Symphony Orchestra의 공식 공연 기록은 1957년 1월 25일 Boston Symphony Hall에서 Piatigorsky가 독주하고 Charles Munch가 지휘한 Boston Symphony Orchestra가 세계 초연을 맡았다고 명시한다. 3주 뒤인 2월 13일에는 Royal Festival Hall에서 Piatigorsky, BBC Symphony Orchestra, Malcolm Sargent가 영국 초연을 열었다. 이 공연은 방송과 텔레비전으로도 소개되었고 Queen Mother가 참석했다는 기록이 남아 있다.

Oxford University Press는 1957년에 총보를 냈고, Roy Douglas가 만든 첼로와 피아노를 위한 축약판도 같은 해에 나왔다. 따라서 연주자는 관현악 총보와 축약판을 같은 작품의 다른 매체로 보되, 어느 판본을 사용했는지 프로그램이나 음반 정보에서 확인할 수 있다.

소요 시간

Walton Trust는 약 29분으로 안내하고, Chandos의 최근 녹음은 30분 06초를 제시한다. 실제 연주에서는 27분대부터 31분대까지 차이가 난다. 3악장의 변주 사이 호흡, 두 카덴차의 속도, 원래 결말과 대안 결말 중 어느 쪽을 택하는지가 전체 시간을 바꾼다. 시간 표기는 작품의 고정된 길이라기보다 특정 연주를 기록한 값으로 이해하는 편이 정확하다.

편성

독주 첼로와 다음 관현악을 사용한다.

이 편성은 대편성 관현악의 힘을 갖추면서도 독주 첼로를 계속 두껍게 덮지 않는다. 하프와 첼레스타, 겸주 목관의 색채가 현악의 얇은 배경을 밝히고, 금관과 타악기는 필요한 순간에만 음향의 무게를 더한다.

세 악장의 청취 흐름

I. Moderato

Signum 해설이 시계의 똑딱임을 연상시키는 반복으로 설명하는 도입은 짧은 리듬 동기를 일정하게 되풀이한다. 그 위로 첼로가 낮은 음역에서 긴 선율을 꺼내며, 반복의 규칙성과 노래의 자유가 한 장면에 겹친다. 독주자는 처음부터 고음을 과시하지 않고 선율의 방향을 천천히 세운다. 관현악은 두꺼운 화음으로 독주를 밀어붙이기보다 목관, 하프, 첼레스타와 현악의 작은 색채를 교대하며 첼로 주위에 넓은 공간을 만든다.

이 악장의 긴 선율은 Walton 후기 양식의 명상성을 보여 주지만, 정적인 독백으로만 머물지는 않는다. 반복되는 박동이 곡의 바닥을 붙들고 있기 때문에 선율이 잠시 늘어져도 흐름이 끊기지 않는다. 마지막에 남는 것은 거대한 절정의 흔적보다, 낮은 소리가 관현악의 투명함 속으로 되돌아가는 감각이다.

II. Allegro appassionato

둘째 악장은 첫 악장의 여유를 즉시 좁힌다. 짧게 튀는 동기, 빠른 음계와 도약, 불규칙하게 교대하는 악기군이 신경질적인 긴장을 만든다. Cambridge Core와 Signum 해설이 지적하듯 독주 첼로는 이 부분에서 빠른 기교를 앞세우지만, 기교는 독립된 전시가 아니라 관현악의 번뜩이는 응답과 맞물린다.

첼로의 활과 손가락은 짧은 음형을 반복하며 매번 악센트와 음역을 바꾼다. 관현악은 독주 선율을 단순히 받쳐 주지 않고, 그 음형을 잘라 되돌리거나 다른 악기로 옮긴다. 그래서 이 악장은 전통적인 느린 악장과 피날레 사이의 완충부가 아니라, 작품의 표면을 가장 빠르게 바꾸는 중심부가 된다.

III. Tema ed improvvisazioni

마지막 악장은 Lento 성격의 주제로 시작한 뒤 여섯 변주로 펼쳐진다. 변주 표기는 Con moto, Risoluto tempo giusto에서 Brioso로, Allegro molto, Rapsodicamente, Adagio로 이어진다. 주제의 윤곽은 반복될 때마다 속도와 음역, 반주 질감이 달라지고, 독주와 합주의 역할 교대도 달라진다.

이 악장에는 두 개의 큰 독주 카덴차가 있어 첼로가 잠시 관현악의 시간에서 빠져나온다. 그러나 카덴차는 단절된 독백이라기보다 앞선 변주의 재료를 혼자 시험하는 장면에 가깝다. 카덴차 뒤에 관현악이 돌아올 때 주제는 이전과 같은 모습으로 복귀하지 않고, 더 얇고 느린 음향으로 정리된다.

결말과 판본

초기 구상에는 1956년에 만든 다른 결말 두 개가 있었으나 현재 남아 있지 않다. Piatigorsky는 원래 결말이 지나치게 우울하다고 생각해 더 극적인 종결을 원했고, Walton은 1974년에 대안을 작성했다. Walton Trust는 이 개정을 1975년 작업으로 분류하며, Signum 해설은 22마디 대안으로 설명한다. 대안은 David Lloyd-Jones 판의 부록에 남아 있지만 당시 일반 연주에 정착하지는 않았다.

원래 결말은 첼로가 낮은 개방현으로 내려간 뒤 관현악이 조용히 멈추는 방식이다. 대안 결말은 이보다 더 극적인 호흡으로 마무리된다. 후대 연주와 녹음은 대체로 원래의 조용한 결말을 택한다. 두 결말 중 어느 쪽이 ‘정답’인지 단정하기보다, Walton이 같은 주제를 서로 다른 정서적 온도로 마무리할 수 있도록 남겨 둔 판본상의 선택으로 보는 것이 자료에 맞다.

Piatigorsky와 독주 파트

Piatigorsky의 의뢰는 단순히 독주 악기를 지정한 주문이 아니었다. 그는 실제 연주에서 불편한 음형과 첼로의 울림을 Walton에게 계속 알렸고, Walton은 그 조언을 반영하면서도 독주 파트를 관현악의 투명한 결 안에 넣었다. 두 카덴차와 낮은 음역의 긴 선율은 독주자의 개성을 요구하지만, 작품 전체는 한 사람의 영웅적 서사보다 독주자와 합주가 호흡을 주고받는 형태에 가깝다.

Walton은 초연 뒤 Piatigorsky의 템포가 자신이 생각한 것보다 빠르다고 비판했다는 기록도 남아 있다. 이 일화는 특정 연주를 비난하는 근거가 아니라, 작곡가와 초연자가 작품의 시간 감각을 서로 다르게 상상했다는 사례로 읽는 편이 좋다. Boston 초연은 미국에서 좋은 반응을 얻었지만, 영국 언론의 반응은 엇갈렸다. Peter Heyworth가 작품의 정체와 피로감을 지적한 비평에 Sargent가 항의했다는 기록처럼, 수용은 한 방향으로 모이지 않았다.

녹음과 듣기 안내

Piatigorsky와 Boston Symphony Orchestra, Munch가 남긴 초기 녹음은 초연 직후의 연주 관습을 살필 수 있는 자료다. Music Preserved는 이 기록과 이후의 여러 음반을 함께 보존하고, Walton Trust의 음반 목록에는 Fournier, Tortelier, Starker, Harrell, Ma, Wispelwey, Poltéra 등 여러 첼리스트의 녹음이 이어진다. 처음 들을 때는 1악장의 시계추 같은 반복과 긴 선율이 충돌하지 않는지, 2악장의 빠른 동기가 단순한 속도 과시로 흐르지 않는지, 3악장에서 카덴차와 변주가 다시 같은 주제로 수렴하는지를 차례로 살피면 좋다. 마지막에는 원래 결말의 낮은 개방현과 대안 결말의 극적인 종결을 비교하면 판본 선택이 청취의 인상을 어떻게 바꾸는지 알 수 있다.

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Belshazzar's Feast

Belshazzar's Feast

정보

개요

곡명: Belshazzar’s Feast
작곡가: William Walton (1902–1983)
장르: 바리톤 독창, 혼성 합창과 관현악을 위한 칸타타
작곡 시기: 1930–31년
초연: 1931년 10월 8일, Leeds Town Hall, Leeds Triennial Festival. Dennis Noble(바리톤), Leeds Festival Chorus, London Symphony Orchestra, Sir Malcolm Sargent(지휘)
헌정: Lord Berners에게 헌정
텍스트: Sir Osbert Sitwell이 성서에서 선택하고 편집
Wikipedia: Belshazzar’s Feast

William Walton(1902–1983)의 《Belshazzar’s Feast》는 바리톤 독창, 이중 혼성 합창, 반합창과 관현악을 위한 단악장 칸타타이다. 이 글은 1930–31년에 완성된 작품 전체를 다룬다. 작품은 중단 없이 연주되는 한 악장 안에서 세 부분과 열 개의 연결된 절로 진행된다. 첫 부분은 이스라엘인의 포로 생활과 예루살렘 상실을, 둘째 부분은 바빌론 왕 Belshazzar의 잔치와 신성모독을, 셋째 부분은 벽에 나타난 심판의 글씨와 왕의 죽음, 바빌론의 몰락 뒤 해방의 찬양을 제시한다.

출판 정보와 자료

이 작품은 1929년 BBC가 Walton에게 라디오 방송용 소규모 합창 작품을 의뢰하면서 시작되었다. Osbert Sitwell은 바빌론 왕 Belshazzar의 잔치와 몰락을 다룬 성서 이야기를 주제로 제안하고 구절을 편집했다. BBC가 상정한 조건은 작은 합창, 독창자 한 명, 15명 안팎의 관현악이었지만, Walton이 완성한 악보에는 이중 합창, 바리톤, 오르간, 대형 관현악과 선택적 두 금관군이 들어갔다. BBC 오케스트라로는 이 편성을 실현하기 어려워 초연은 Leeds Triennial Festival로 옮겨졌고, 1931년 10월 8일 Leeds Town Hall에서 공연되었다.

St. Louis Symphony 프로그램 노트에 따르면 Walton은 신들을 열거하는 대목에서 gold라는 단어를 두고 5월부터 12월까지 고심했다고 회고했다. 이 회고는 성서 텍스트의 한 단어를 대규모 음향으로 확장하는 과정에서 겪은 작곡상의 난점을 보여 준다.

Walton Trust는 작품이 1930–31년에 작곡되었고 1948년에 대폭 개정된 뒤 1959년에 아주 조금 수정되었다고 기록한다. 출판 시점은 개정 연대와 다르다. Oxford University Press는 vocal score를 1931년에, full score와 study score를 1957년에, 작곡가가 서명한 deluxe full score를 1978년에 발행했다. 알려진 완전한 자필 총보는 남아 있지 않지만, Roy Douglas가 기증한 74–77번 부근 금관·오르간 수정 원고 세 쪽과 Yale Beinecke Rare Book and Manuscript Library에 소장된 초판 성악보가 남아 있다. 후자의 성악보에는 Walton이 Edward Clark에게 남긴 헌사가 적혀 있다.

소요 시간

전체 연주 시간은 약 35분이다. St. Louis Symphony 프로그램은 약 36분으로 제시하며, Walton Trust의 녹음 목록에는 약 33분대부터 37분대까지의 연주가 실려 있다. 개별 절의 시간도 판본과 템포, 연주 편성에 따라 달라진다.

편성

Walton Trust의 편성표는 추가 금관군을 기본 오케스트라와 별도의 선택 사항으로 둔다. 이 두 군은 서로 떨어진 위치에서 응답하도록 배치할 수 있으며, 실제 위치는 공연장의 공간과 다른 악기군의 균형에 따라 달라진다.

작품 구성

작품은 중단 없이 이어지는 한 악장이다. 프로그램 해설은 Walton이 이를 세 부분의 합창 교향곡으로 생각했다고 설명하며, 세 부분 안의 열 개 절은 바리톤의 레치타티브와 합창·관현악이 이어지는 서사 단위로 배열된다.

  1. 포로의 탄식: 첫 절 Thus spake Isaiah는 바빌론에서 이스라엘 자손이 겪을 포로 상태를 예고한다. 이어 If I forget thee, O Jerusalem과 By the waters of Babylon의 텍스트가 예루살렘 상실과 낯선 땅에서의 탄식을 집단적으로 제시한다. 합창은 이 부분에서 포로 공동체의 목소리를 맡아 뒤의 해방을 이해하는 전제를 마련한다.
  2. 바빌론의 잔치: 둘째 부분은 Babylon was a great city, In Babylon Belshazzar the King made a great feast, Praise ye, the God of Gold, Thus in Babylon, the mighty city의 네 절로 이어진다. 바리톤은 바빌론의 재화와 교역품을 열거하고, 합창은 Belshazzar가 예루살렘 성전에서 약탈한 금·은 그릇을 잔치에 쓰는 사건을 전한다. 왕이 금·은·철·나무·돌·놋쇠의 신들을 찬양하도록 명령하면서 잔치의 물질적 과잉이 절정에 이른다.
  3. 심판과 해방: 셋째 부분은 And in that same hour에서 벽에 나타난 손과 MENE, MENE, TEKEL UPHARSIN의 판결을 제시한다. 바리톤이 Belshazzar의 죽음과 왕국의 분열을 알린 직후 합창이 Slain!을 외치고, Then sing aloud to God our strength로 바빌론의 몰락과 이스라엘의 해방을 찬양한다. The trumpeters and pipers는 도시의 악기와 등불이 사라지는 장면으로 환호 사이에 애도를 놓으며, 마지막 Then sing aloud to God our strength가 Alleluia로 작품을 닫는다.

텍스트와 성악 역할

Walton Trust는 Sitwell이 시편 81편과 137편, 다니엘서에서 구절을 선택하고 배열했다고 명시한다. 이 편집은 포로의 탄식, 바빌론의 번영과 잔치, 벽의 글씨, 왕의 죽음, 해방의 찬양을 하나의 연속된 텍스트로 묶는다. MENE, MENE, TEKEL UPHARSIN과 Slain!처럼 짧고 강한 발화는 서사의 전환을 직접 표시한다.

바리톤은 사건 사이를 이동하는 해설자와 증언자 역할을 맡는다. 무반주 레치타티브로 포로의 상황, 바빌론의 재화, 잔치와 신성모독, 벽에 쓰인 판결과 왕의 죽음을 연결하기 때문에, 독창자의 발화가 사건의 순서를 연결한다. double mixed chorus와 semi-chorus는 포로 공동체, 바빌론의 군중, 왕을 찬양하는 집단, 해방을 선언하는 공동체로 기능을 바꾸며 같은 텍스트를 서로 다른 집단의 목소리로 들려준다.

음향과 공연 조건

St. Louis Symphony의 프로그램 해설은 알토가 때때로 소프라노보다 높은 음역을 부르고, 박자표가 자주 바뀌며, 큰 소리와 작은 소리 사이를 빠르게 오가고, 불협화음과 재즈적 당김음, 말하듯 끝나는 종지가 이어진다고 설명한다. 이 특성은 합창이 텍스트의 자음, 강약의 전환, 여러 성부의 동시성을 함께 다루게 만든다.

Cleveland Orchestra 프로그램 에세이는 글로켄슈필, 플루트와 피콜로, 모루, 다채로운 타악, 오르간과 양쪽 금관군을 바빌론의 재화 목록과 잔치의 과잉을 구체적인 음색으로 바꾸는 장치로 설명한다. God of Brass를 둘러싼 추가 금관군은 기본 오케스트라와 다른 위치에서 응답할 수 있고, 벽의 글씨에 가까워지는 대목에서는 숨죽인 심벌, 떨리는 현, 캐스터네츠의 거친 소리가 앞선 화려함을 공포로 바꾼다.

Guardian의 Fiona Maddocks는 2011년 Royal Philharmonic Orchestra와 St John’s College, Cambridge의 여러 합창단이 참여한 공연을 평하면서 텍스트와 다이내믹을 세밀하게 맞춘 점을 언급했다. 이 사례는 대규모 합창과 관현악의 효과가 물리적 규모뿐 아니라 발화의 명료도와 강약의 조직에서도 나온다는 점을 보여 준다.

공연과 수용

1931년 Leeds 초연은 큰 비평적·대중적 성공을 거두었고, 작품은 Walton을 영국 합창음악의 주요 작곡가로 알리는 계기가 되었다. 한편 Church of England는 성서 텍스트를 사용한 작품임에도 대성당 공연에 적합하지 않다고 보았으며, Three Choirs Festival은 1957년까지 작품을 허용하지 않았다. 이러한 제한은 바빌론의 몰락을 집단적 환희로 묘사한 방식이 교회 공연의 규범과 충돌한 수용사로 남아 있다. 교회 밖에서는 작품이 빠르게 합창 레퍼토리의 주요 작품으로 자리 잡았다. 이후 녹음과 공연에서도 이 대규모 편성을 전제로 한 연주가 이어졌다.

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Troilus and Cressida

Troilus and Cressida

정보

William Walton: Troilus and Cressida

개요

William Walton의 3막 오페라 Troilus and Cressida는 Christopher Hassall이 영어로 쓴 대본을 바탕으로 한다. Hassall은 Geoffrey Chaucer의 중세 장시 Troilus and Criseyde를 주된 서사 원전으로 삼았다. 포로 교환으로 갈라진 두 연인은 열 주 뒤 그리스 진영에서 비극적 결말을 맞는다. 무대는 Pallas 신전의 의례와 연인의 만남에서 포로 교환, 그리스 진영의 혼례와 결투로 옮겨간다. Walton은 초연 뒤 음악과 대본을 고쳤고, 이에 따라 Cressida의 음역과 3막의 음악 범위도 달라졌다.

대본과 초연

BBC는 1947년 Walton에게 오페라를 위촉하고 Christopher Hassall을 대본가로 추천했다. 초고는 인물과 장면이 많고 희곡에 가까운 길이였으며, Walton과 Hassall은 수년 동안 잘라 쓰고 고쳐 무대에 맞는 대본을 만들었다. Oxford University Press의 Simon Wright는 OUP 아카이브에 남은 초기 대본과 최종본을 비교하며 이 공동 작업의 규모를 설명한다. W. H. Auden과 Chester Kallman도 3막의 대본을 손보는 데 참여했고, 마지막 육중창은 Auden의 제안에서 비롯되었다고 Music Preserved의 작품 해설은 전한다.

Hassall은 Chaucer의 중세 장시 Troilus and Criseyde를 중심 서사로 삼아 오페라의 세 막에 맞게 압축했다. Shakespeare도 같은 인물들을 다룬 희곡을 썼지만, Walton의 대본은 Chaucer의 이야기를 직접 바탕으로 한다. Royal Opera House Collections에 따르면 이 작품은 1954년 12월 3일 Covent Garden Opera Company가 초연했다. Malcolm Sargent가 지휘하고 George Devine이 연출했으며, Troilus는 Richard Lewis, Cressida는 Magda László, Pandarus는 Peter Pears가 맡았다.

주요 인물과 배역

아래 성부는 Chandos의 1995년 녹음 북클릿에 적힌 배역 기준이다. Cressida의 음역은 판본에 따라 달라진다.

인물 1995년 녹음의 성부 극중 관계
Troilus 테너 트로이의 왕자, Cressida의 연인
Cressida 소프라노 Calkas의 딸이자 과부, 트로이의 신전에서 지내다 그리스로 보내짐
Pandarus 테너 Calkas의 형제이자 Cressida의 삼촌, 두 연인의 만남을 중개함
Calkas 베이스 트로이의 대사제, 뒤에 그리스로 귀순함
Diomede 바리톤 그리스의 왕자이자 군 지휘관
Evadne 메조소프라노 Cressida를 따르는 시녀
Antenor 바리톤 트로이군의 대장, 그리스군의 포로가 됨

막별 구성

1막: Pallas 신전과 붉은 스카프

전쟁 10년째, 굶주린 트로이 시민들은 Pallas 신전 앞에서 도시를 구해 달라고 빈다. 대사제 Calkas는 Delphi의 신탁이 항복을 권했다고 알리고, Antenor는 그가 그리스 편에서 매수됐다고 의심한다. Troilus가 군중을 진정시킨 뒤, 신전에서 일하는 Cressida에게 사랑을 고백한다. 남편을 잃고 사랑을 경계하는 Cressida가 물러서자, 그녀의 삼촌 Pandarus가 두 사람 사이를 잇겠다고 나선다.

Calkas는 가족과 도시를 두고 그리스 진영으로 떠난다. 그 사이 Antenor는 전투에서 포로가 되고, Troilus는 그를 되찾기 위해 포로 교환을 추진한다. Pandarus는 Cressida에게 Troilus의 출정을 도울 정표를 보내라고 권한다. Cressida가 건넨 붉은 스카프는 두 사람의 사랑을 나타내는 표식이 된다. Chandos 북클릿은 이 막의 첫 곡을 Virgin of Troas로 표시한다. 신전의 의례와 시민 합창이 사랑의 고백보다 먼저 놓이는 배열은 두 연인의 사생활이 전쟁과 도시의 운명에서 벗어날 수 없음을 보여 준다.

2막: 사랑의 밤과 포로 교환

다음 날 저녁, Pandarus는 자기 집에서 손님들을 대접하며 Cressida와 Horaste가 체스를 두게 한다. 그는 날씨가 나빠질 것처럼 굴며 손님들이 밤을 보내게 하고, 몰래 Troilus를 불러 두 연인을 단둘이 마주하게 만든다. Troilus는 Pandarus의 개입을 못마땅해하지만 Cressida를 안심시키고, 두 사람은 사랑과 새로운 삶을 노래한다. 길게 이어지는 두 사람의 이중창은 이 작품의 사랑 음악을 대표하는 대목이다.

2막의 두 장면 사이에는 관현악 간주 The Storm이 놓인다. 저녁의 만남은 이 음악을 지나 이튿날 아침 장면으로 이어진다. 새벽에 그리스 병사들이 Pandarus의 집에 와서 Calkas의 요구를 전한다. 그리스군은 Antenor를 돌려주는 대신 Cressida를 아버지에게 보내기로 했다. Troilus는 왕의 봉인이 찍힌 거래를 되돌리지 못하고, Cressida에게 스카프를 다시 건네며 매일 밤 보초를 매수해 만나겠다고 약속한다. Cressida는 시녀 Evadne와 함께 그리스 진영으로 떠난다.

3막: 타버린 편지와 뒤늦은 귀환

열 주 뒤, 그리스 진영에서 Cressida는 Troilus의 소식을 기다린다. 편지를 받지 못한 그녀는 Troilus가 자신을 잊었다고 믿고, Calkas가 재촉하는 Diomede와의 혼인을 받아들인다. Diomede가 혼인의 표시를 요구하자 Cressida는 붉은 스카프를 건넨다. 그녀가 혼례를 준비하러 간 뒤, Evadne는 새로 도착한 Troilus의 편지를 태운다. Calkas의 설득에 따라 앞서 도착한 편지들도 이미 모두 태운 터라, Cressida는 Troilus가 계속 연락을 시도했다는 사실을 알지 못한다.

휴전 중에 Troilus와 Pandarus가 Cressida를 되찾으러 온다. 그러나 Cressida는 이미 혼례복을 입었고 Diomede는 스카프를 투구에 달고 있다. Diomede가 Troilus를 공개적으로 부인하라고 요구해도 Cressida는 그렇게 말하지 못한다. 여섯 주역이 부르는 육중창에서는 연인들의 사적인 약속, 두 왕자의 명예와 경쟁, Calkas와 Pandarus의 이해, Evadne의 죄책감이 한꺼번에 충돌한다. 이어 Diomede와 Troilus가 결투를 벌이고, Calkas가 Troilus를 뒤에서 찌른다. Diomede는 Cressida를 그리스 진영에 포로로 남겨 두고 Troilus의 시신을 트로이로 돌려보낸다. 홀로 남은 Cressida는 Troilus의 칼로 목숨을 끊는다.

이 결말은 배신을 둘러싼 인식의 차이에 무게를 둔다. Troilus에게 Cressida는 약속을 저버린 연인이지만, 관객은 그녀가 연락을 받지 못한 까닭이 Evadne의 편지 소각에 있음을 안다. 그렇다고 이 사정이 Cressida의 혼인 수락을 지우지는 않는다. 마지막 육중창은 서로 다른 정보와 각자의 선택이 한자리에 충돌하는 순간이다.

사랑 노래와 전쟁의 무대

무대는 시민 합창이 울리는 신전에서 두 연인이 만나는 Pandarus의 집, 감시가 이어지는 그리스 군영으로 옮겨간다. 사랑 장면은 긴 성악 선율을 앞세우고, 공적인 장면에서는 합창과 금관, 무대 밖 악기가 무대의 경계를 넓힌다. 총보는 네 명의 타악기 연주자와 두 대의 하프, 첼레스타뿐 아니라 무대 밖 호른과 네 대의 트럼펫, 테너 드럼과 작은북을 요구한다. 무대 밖 금관과 북은 보이지 않는 군대의 존재를 소리로 드러낸다.

Music Preserved의 Mike Ashman은 음악의 다양성을 Gershwin의 Porgy and Bess, Britten의 Peter Grimes, Walton의 영화음악과 연결한다. 그는 합창, 독립 아리아, 이중창과 앙상블이 공존하는데도 1950년대식 빠른 진행과 리듬 때문에 오페라의 형식이 비평가와 극장, 배역 선정자에게 난제로 남았다고 본다.

같은 글에서 Nicholas Payne는 1963년 부활 공연을 처음 접한 경험을 돌아보며, 대본이 고풍스럽고 1막의 음악적 영감이 고르지 않게 들릴 수 있다고 쓴다. 그러면서도 2막의 사랑 음악과 3막 Cressida의 외로운 작별에는 Walton의 서정성과 대편성 관현악을 다루는 힘이 빛난다고 평가한다. 두 필자의 견해는 작품의 형식과 대본이 받은 유보적 반응, 사랑 장면이 지속해서 주목받은 이유를 함께 보여 준다.

판본과 수용

Walton은 초연 뒤에도 오페라를 고쳤다. 1963년 부활 공연에 앞서 일부 음악을 손봤고, 1970년대에는 Janet Baker의 메조소프라노 음역에 맞춰 Cressida의 성부를 낮추면서 작품을 크게 줄였다. Walton이 대본과 악보에서 덜어 낸 장면은 Calkas의 정치 설명과 Diomede의 구애를 줄여 연인들에게 초점을 모았다. 1995년 Opera North 판본은 이 후대 개정의 여러 컷을 유지하되 Cressida의 성부를 1954년 초연판의 소프라노 음역으로 되돌렸다. Pristine Classical의 녹음 해설은 이 판본이 소프라노 성부를 되살렸지만 Janet Baker 개정에서 생긴 컷은 상당수 남겼다고 설명한다.

Hickox는 1995년 Andrew Achenbach와의 인터뷰에서 잘린 음악 가운데 아름다운 대목이 있다고 인정하면서도, 무대에서는 Walton의 컷이 극적 진행을 조였다고 설명했다. 그는 Opera North가 무대에서 택한 판본을 녹음에서도 따랐다. Chandos의 CHAN 9370은 Opera North Chorus와 English Northern Philharmonia가 참여하고 Hickox가 지휘한 음반으로, Judith Howarth와 Arthur Davies가 Cressida와 Troilus를 맡았다. 녹음은 1995년 1월 Leeds Town Hall에서 이루어졌다. 그의 설명은 이 음반이 잘린 음악을 모두 복구한 판본이 아니라 무대의 속도와 선택된 음악을 함께 담은 기록임을 보여 준다. 초연은 첫 시즌 12회, 이듬해에는 5회 공연됐으며 1963년과 1976년에도 부활했다.

Christopher Palmer는 1987년 오페라의 관현악곡에서 네 부분의 Symphonic Suite를 엮었다. 이 모음곡은 1988년 8월 3일 BBC Proms에서 BBC Welsh Symphony Orchestra와 Bryden Thomson의 지휘로 초연됐다. Chandos는 네 부분을 The Trojans [Prelude and Seascape], Scherzo, The Lovers, Finale로 표기하고 전체 연주 시간을 28분 38초로 제시한다. 주요 장면의 오케스트라 음악을 성악과 대본 없이 들려주는 편곡이다.

출판 정보와 자료

Oxford University Press의 William Walton Edition, 제1권은 Stuart Hutchinson이 편집한 1995년 판본 총보다. OUP 악보를 소개하는 유통 목록은 Walton이 1954년 초연 뒤 만든 상당한 컷을 반영하고 악보 비평 주석을 포함한 이 권을 “definitive score”로 소개한다. 실제 무대와 음반에서는 초연판, Janet Baker를 위한 1976년 개정, Opera North의 1995년 판본과 녹음이 각기 다른 음악 범위를 남겼다.

소요 시간

SheetMusicPlus에 실린 OUP 1995년 판본의 안내는 전체 연주 시간을 약 120분으로 제시한다. Chandos의 1995년 녹음은 두 장의 CD에 걸쳐 133분 4초로 표기된다. 트랙을 막별로 묶으면 1막은 약 41분, 2막은 약 45분이며, 3막은 46분 27초다. 두 시간 표기는 악보의 개략치와 특정 녹음의 트랙 시간을 각각 가리키며, 실제 공연은 판본, 템포, 컷과 휴식에 따라 달라질 수 있다.

편성

편성은 일반적인 오케스트라에 그치지 않고 무대 밖 금관과 타악기를 별도로 요구한다. 그 배치는 성악과 합창이 만드는 무대 위의 공적 장면에 극장 바깥에서 응답하는 소리를 더한다. 각 파트의 악기 수와 무대 밖 편성은 Stuart Hutchinson 편집 총보의 유통 목록에 실린 악기 표기를 따른다.

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