Baermann을 위해 쓴 두 협주곡을 나란히 들으면, 베버가 성악적인 선율과 기교적 독주를 각기 다른 조성·악장 구성에 어떻게 배치하는지 비교할 수 있다.
모차르트 협주곡의 균형 잡힌 고전적 대화와 베버 협주곡의 오페라적 선율·극적 색채를 비교하면, 같은 편성 안에서 독주 악기의 표현 범위가 어떻게 넓어지는지 들을 수 있다.
클라리넷 협주곡이라는 틀은 같지만, 베버의 19세기 초 작품과 닐센의 20세기 작품은 관현악과 독주자의 긴장을 서로 다른 시대 언어로 풀어낸다.
베버의 화려한 협주적 독주와 코플런드가 재즈 어법을 끌어들인 협주곡을 이어 들으면, 클라리넷의 기교와 음색이 각기 다른 음악적 어휘와 만나는 방식을 살필 수 있다.
베버의 선율적이고 극장적인 협주곡 뒤에 진은숙의 작품을 놓으면, 낭만주의 독주 악기 관습에서 현대적 음색·기교의 탐구로 클라리넷 협주곡이 확장되는 모습을 들을 수 있다.
베버가 클라리넷 한 대를 독주자로 내세우는 방식과 슈트라우스가 클라리넷·바순을 짝지어 대화시키는 방식을 비교하면, 협주적 형식에서 독주 악기 간 관계가 달라지는 지점을 들을 수 있다.
같은 작곡가의 두 협주적 작품을 비교한다. 클라리넷 협주곡이 독주 악기의 기교와 관현악 대화를 여러 악장으로 펼친다면, Konzertstück은 피아노와 오케스트라로 극적 장면을 한 흐름에 압축한다.
베버의 곡에서는 클라리넷이 협주곡의 단독 독주자로 부각되고, 모차르트의 세레나데에서는 여러 목관악기 가운데 하나로 어울린다. 두 편성에서 클라리넷의 음색이 차지하는 역할을 비교해 볼 만하다.
